Reseña: SULA BASSANA.- ‘Nostalgia’

Con veinte años de carrera, el ex guitarra de ELECTRIC MOON, Sula Bassana, publica un álbum con canciones que fueron compuestas y grabadas entre 2013 y 2018, y que parecen reflejar su lado más introspectivo. Con una notable influencia de los sonidos kraut, y psico-progresivos de los 70’s, la mirada espacial se muestra más rockera que trabajos anteriores. Evolucionando en su sonido, las canciones se presentan con elementos que las hacen mutar a un escenario más futurista y espacial. Sinfonismo, golpes de pesadez y elementos exóticos, conforman un trabajo introspectivo presidido por una extraña oscuridad. Porque los suaves pasajes de sus canciones, nos invitan a mirar hacia nuestro interior en este gratificante viaje sonoro. Mas melódico pero los suficientes elementos psicodélicos y espaciales, Sula no tiene rubor en mirar al jazz para dar brillo a alguno de los temas, como también tiene reparos en aportar riffs más contundentes y ácidos en algunos pasajes. Pero sobre todo, el flujo constante de suave rock espacial, preside el conjunto de las canciones.  Con alguna voces chamánicas, las canciones cobran un gratificante poder narcótico para sumir al oyente en un mágico sueño lleno de alicientes.  ‘NOSTALGIA’ no es de esos álbumes que te pones por las mañanas para despertarte, pero si de los que te ayudar a la relajación y a la expansión de la mente, porque en eso, Sula es un maestro.

Después de algunos álbumes más orientados a la electrónica, este nuevo disco está enfocado más al estilo de los álbumes orientados al rock como Dreamer, The Night, Dark Days o Live At Roadburn 2014.

Sula Bassana es el pseudónimo de  Dave Schmidt, el multi-instrumentista, que toca en Zone Six e Interkosmos (y ha tocado en Electric Moon, Psychedelic Monsterjam, Krautzone, Weltraumstaunen, Liquid Visions, Growing Seeds, etc.).

Toda la música compuesta, interpretada, grabada, producida y mezclada por Sula Bassana (Dave Schmidt) en su Amöbenklangraum. Música grabada entre 2013 y 2018. Últimas sobre-grabaciones y voces grabadas entre 2019 y 2021.

Sula toca guitarras, bajos, batería, sintetizadores, órgano, Mellotron y sitar eléctrico e incorpora algunas voces en las pistas 1 y 2. ‘NOSTALGIA’ está disponible vía Sulatron Records.

‘Real Life‘ nos sumerge a las primeras de cambio en una atmósfera meditativa. Un entorno psicodélico ejecutado desde la calma y enriquecido con calidad y chamánicas voces, algo que supone una novedad en las composiciones de Dave. Su pausado tempo, hace que el corte se tome su tiempo para eclosionar, pero cuando sucede, lo hace de una manera esplendorosa. Melodías envolventes con un cierto tono floydiano, se conjugan con una pesadez intrínseca pero comedida. Sus exóticas melodías salidas de las cuerdas del sitar flotan en ese apacible espacio sonoro para gratificar nuestros sentidos proporcionando al oyente una grata sensación de bienestar y relajación. Prescindiendo de los elementos electrónicos que habían marcado sus álbumes previos, la canción es todo un bálsamo sensorial impregnado en sustancias psicotrópicas. La parte final nos ofrece un espacio monumental espacio psico-progresivo de gran belleza.

En un tono más experimental ‘We Will Make It’ explora calmados espacios psicodélicos. Un suave susurro adornado con bellas melodías de guitarra va evolucionando a un entorno de oscuridad de gran magnetismo.  Una mirada a los orígenes del kraut rock de los 70’s con los suficientes elementos psicodélicos como para seducir a los amantes de los sonidos más ‘viajeros’ Estamos ante una canción que hace gravitar livianamente sus elementos con un resultado balsámico para el oyente. Hipnótico y misterioso, el corte se adorna con un tono espacial que es como un gratificante viaje a los confines del cosmos. A pesar de los numeroso sintetizadores, la canción mantiene ese espíritu rockero predominante en todo el álbum.

Cuando pones a una canción el nombre de ‘Nostalgia’ no parece difícil adivinar cual puede ser su contenido. La dulzura en tonos grises aparece en cada nota proporcionando una atmósfera melancólica con ciertos elementos jazz. Su elegante sinfonismo le aporta un aroma vintage muy apetecible. Aquí los elementos progresivos predominan entre suaves ritos que no terminan de explorar, sino que mantiene la calma y la tristeza a lo largo de toda la canción.

‘Wurmloch’ nace entre efectos creando una sensación de misterio desde algún lugar del cosmos infinito. Un reducto para los sonidos espaciales auspiciado por los sintetizadores en una nueva experimentación sónica.  Sus tonos futuristas se envuelven en una neblina narcótica que rebaja la tensión. Explotando con dinamismo, sus tonos kraut aparecen sin complejos, mientras los efectos revolotean en el ambiente creando un espacio en el que la psicodelia espacial se desarrolla en su hábitat natural. Usando todos los ingredientes característicos del género, consigue crear otra banda sonora de película de ciencia ficción. El tema mas espacial e hipnótico del álbum. En la parte final, la canción se dota de profundos solos de guitarra rebosantes de psicodelia y una mayor intensidad rítmica. Un tránsito evolutivo que funciona a la perfección.

El álbum cierra con la oscura ‘Mellotraum’. Sin salir de ese escenario futurista, l canción parece incidir más en la exploración progresiva con un persistente tono sinfónico. Completamente instrumental, los sonidos de un nuevo mundo se presentan ante el oyente ofreciendo un espacio innovador. Suave y balsámico, el corte no desdeña algunos momentos kraut en su sinfonismo empírico.

 Sula Bassana 

Sulatron Records

Reseña: FREEDOM HAWK.- ‘Take all you can’

El cuarteto de Virginia Beach regresa con más confianza que nunca y ofrece su esfuerzo más sincero hasta la fecha, derramando sus corazones en cada latido y nota de las nueve canciones de su nuevo álbum ‘TAKE ALL YOU CAN’. La promo que recibí decía: ‘Imagina a Ozzy Osbourne estrellándose en una fiesta de generadores con Fu Manchu en la costa de Virginia Beach. Lo tienes: un álbum proto-pesado divertido y de sonido cálido con suficiente combustible para que dure años’. Palabras sumamente acertadas que bien definen su espíritu, pero son muchos más los alicientes para sumergirte en su escucha. Alejados de propuestas estereotipadas, FREEDOM HAWK, dejan patente su talento en un álbum con un gran cariz melódico, pero con un corazón primitivo. Sus vibraciones de proto-metal herederas de los primeros Sabbath, están marcadas por el registro vocal de su cantante T.R. Morton y su similitud con Ozzy Osbourne, pero no se quedan ahí. Las atmósferas retro se enriquecen con golpes de hard-rock acido de los 70’s y con arrebatos de heavy-rock 80’s. Un cóctel único, pero sumamente apetecible en el que la psicodelia tiene su parcela de protagonismo. Sin duda, un trabajo fresco que hace que cada canción ondule constantemente entre subidas y bajadas de intensidad, haciendo que nada resulte monótono.  Sin duda un álbum oscuro, pero sumamente refrescante en su presentación que recoge todos elementos que un verdadero amante de los sonidos pesados de inspiración retro puede esperar. Una forma única de crear canciones inspirándose en sus experiencias que solo podían provenir de vivir cerca del océano, hablando de ese estilo de vida y evocando imágenes del cálido sol, cabalgando las olas, navegando con la capota abierta y festejando en la playa. 

‘TAKE ALL YOU CAN’ está disponible a través de Ripple Music

FREEDOM HAWK son:

TR Morton : voz y guitarra  Lenny
Hines : batería
Mark Cave : bajo
Brendan O’Neill : guitarra

‘Age Of The Idiot’ rezuma riffs de alto octanaje adornados con una conmovedora voz etérea destilando atractivas melodías. Estribillos pegadizos que no te podrás sacar de la cabeza. Heavy-rock con reminiscencias Sabbathicas especialmente en el registro vocal. El tema ondula entre distintas influencias estilísticas sin perder su verdadera esencia.

Por la senda del proto-metal de los primeros 70’s, ‘Take All You Can’ recupera esos vestigios Sabbath para componer una canción llena de gancho. Riffs oscuros que golpean constantemente entre ondulantes ritmos de vocación retro. Su sonido heavy-rock se enriquece con las cuidadas melodías voces y un ritmo trepidante del que afloran solos asesinos.  Toda una cabalgata de rock ocultista lleno de vitalidad.

En un tono más pausado ‘We All Need Rock N’ Roll’ parece beber del manantial del blues y el rock clásico de los 70’s en otro brillante episodio sonoro. Con una roma campestre, la banda construye un tema contenido en el que no faltan buenos solos de guitarra bajo una sencilla melodía. Eso no impide que la cabra tire al monte y los riffs retro se vuelvan más turbios y contundentes a medida que la canción avanza.

Seize The Day’ parte de susurrantes pasajes en los que la psicodelia hace acto de presencia. El lado más calmado de FREEDOM HAWK refleja a una banda que sabe manejarse bien en diferentes registros. El corte ondula con bajas y subidas de intensidad con un resultado brillante.

Con energías renovadas ‘Never To Return’ arde entre riffs difusos y poderoso tambores bajo un escenario heavy-rock y voces evocadoras del legado de Ozzy, algo presente en gran parte de las canciones. Nuevamente construyendo el corte a partir de un riff, se sencilla estructura se desarrolla con el suficiente atractivo como para caer rendido a sus pies.

Sin salirse del guion From The Inside Out’ navega entre aguas retro con ecos de Kadavar y su canción ‘The old man’ en su riff principal. Coros y estribillos pegadizos, completan otra canción divertida y llena de dinamismo con un inequívoco sabor a proto-metal 70’s y con la sombra de Sabbath en el horizonte.  

‘Skies So Blue’ se mantiene explorando esos sonidos más propios de los 70’s. Con una guitarra afilada y una armonía difusa y pesada, la canción ondula a toda velocidad por territorios hard & heavy sin complejos, pero también es capaz de poner la pausa con pasajes atractivos y contagiosos para el oyente. El tema se adorna con unas pinceladas blues.  

En una atmósfera humeante el blues lisérgico hace acto de presencia en la entrada de ‘Comin’ Home’. Pero estos chicos tienen muchas inquietudes y en lugar de ceñirse al guion, insertan golpes de heavy-rock en un corte que se sustenta en pasados pasajes de plácida psicodelia con reminiscencias de blues ye incluso algún elemento progresivo. Uno de los cortes más narcóticos del álbum, que demuestra que FREEDOM HAWK saben cambiar el registro, y hacerlo con solvencia. El tema se encabrita en su parte final, con diabólicos pasajes de tintes retros ejecutados a un frenético ritmo. Aquí, los ecos Sabbath vuelven a aparecer en la voz.

Como broche final ‘Desert song’, mantiene las revoluciones bajas entre el envolvente sonido del órgano vintage y hermosos pasajes psico-progresivos más propios de los 70’s. Un corte de gran magnetismo en el que la banda de Virginia mira más que nunca al pasado con un sonido retro auspiciado por una magnífica melodía.  

FREEDOM HAWK:
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RIPPLE MUSIC:
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Reseña: HEAD.- ‘Satisfaction’

Canciones sencillas, pero con mucho groovy que van explorando desde el blues, la psicodelia y el puro hard-rock nacido en los 70’s. Rock en estado puro en todas sus versiones, ejecutado por la vía directa. Sin ornamentos superfluos, las nueve canciones respiran rock sin complejos. Sin andarse con rodeos, los canadienses HEAD, toman la vía rápida para llegar al oyente con su particular fiesta de rock and roll como en los viejos tiempos. Riffs, ardientes ritmos, y voces que evocan los momentos mas brillantes el hard-rock, son los ingredientes usados para seducir al oyente con toda su crudeza. Con cada instrumento cumpliendo a la perfección su rol, HEAD no se complican, y lleva a la máxima expresión aquello de ‘menos es más’. Un groovy que te engancha y que recuerda la banda sonora de los clubs nocturnos de los 70’s cada canción tiene su propia personalidad. Ganchos de guitarra irresistibles y la dualidad vocal ‘chico-chica’ son argumentos suficientes para caer en las fauces de ‘SATISFACTION’. Un álbum de alto octanaje que te lleva a empujones a la pista de baile evocando tus mejores momentos de juventud, cuando te rebelabas al mundo. Pero como no solo de rock vibrante vive HEAD, también nos ofrecen canciones aterciopeladas envueltas en un manto psicodélico con aroma cannabico. La dulzura y sensibilidad de la voz de Elyse nos traslada por momentos al verano del amor en las canciones más suaves y psicodélicas del álbum, lo que aporta alicientes a una buena escucha. En definitiva, ‘SATISFACTION’ es un álbum hecho en pleno siglo XXI, pero es un álbum en el que los sonidos vintage de los 70’s cobran una nueva dimensión. Bandas como HEAD, vuelven a corroborar que el rock de siempre sigue todavía muy vivo, por mucho que haya quien siga diciendo eso de…’ya no se hace música como la de antes’.

HEAD son: Hunter Raymond (batería y voces), Elyse Besler (bajo y voz) Michael Starnino (guitarra). ‘SATISFACTION’ está disponible vía Fuzzed and Buzzed.

‘Shudder’ nos traslada al corazón de los 70’s con su heavy-blues crudo y ácido. Con una buena combinación de voces, el sonido de la canción evoca momentos más propios de bandas como Graveyard o Witchcraft adornados con tonos soul. Una nueva revisión de los sonidos vintage del siglo pasado ejecutado con una mirada mucho más contemporánea.  Un tema directo que nos da la medida de lo que nos podemos encontrar en el resto del álbum.

Bajando la intensidad ‘Spell’ reposa en suaves pasajes psicodélicos auspiciados por una voz femenina llena de sentimiento. En un perfil bajo, el tema habita en una envolvente atmósfera adornada con algún buen solo de guitarra, sin perder su alma blues-soul entre una neblina de fuzz.

Runaway’ se precipita en un torrente de rock and roll con estribillos y coros pegadizos. Una vuelta a los 70’s en todo su esplendor. Guitarras chirriantes y voces con mucho gancho componen un tema dinámico que mantiene la esencia vintage.

En un tono más hendrixiano, el uso del wah wah en ‘Queen’ nos devuelve a mediados de los 70’s. Un sonido retro que bebe del blues y en el que encontramos elementos psicodélicos. Las cuidadas melodías vocales y un ritmo lo suficientemente dinámico hacen de ‘Queen’ otro corte ganador. Con un ritmo contundente, las guitarras ponen la nota de color con solos que se superponen haciendo cambiar la fisonomía de la canción para convertirla en luminosa y fresca.

Instalados en los sonidos del rock clásico, el blues aflora en cada nota con golpes de rabia en ‘Shake’. Otra canción con una estructura sencilla que se engrandece con la alternancia de voces de y coros, entre difusos riffs. Rock en estado puro en una invitación una fiesta vintage.

 
En un tono más toco y alternativo, ‘Strychine’, con fuerte ritmo y riffs ásperos soporta las veleidades blues y de puro rock and roll. Ondulante pero siempre ofreciendo momentos divertidos, los solos de guitarra se combinan con una narrativa de blues crudo y vitalista.

‘Out for blood’ golpea con toda su fuerza hard-rock combinando voces y coros e incorporando la acidez de una guitarra que se desangra en sus solos. El ritmo, más difuso en esta ocasión, no da tregua en otra canción rebosante de fuerza.

En contraste con el corte anterior, ‘Your money’ se desarrolla entre nebulosas lisérgicas y golpes de rock clásico. Con su sonido amortiguado, la canción presenta elevaciones de intensidad entre coros y estribillos manteniendo un perfil más bajo en su desarrollo.  En cualquier caso, la banda sigue fiel a su fórmula.

‘Hound dog’ desciende definitivamente hacia un sonido más pausado en el que el blues toma el protagonismo. Con un groovy pausado, la canción ofrece buenos solos de guitarra entre los habituales juegos vocales que encontramos en el resto de las canciones. La senda clásica del blues narcótico se transita para mostrar el lado más psicodélico y chamánico.

Head

Fuzzedandbuzzed

Entrevista/interview: KING BUFFALO

Entrevistamos al guitarra y cantante de KING BUFFALO, Sean McVay. Sean nos da todos los detalles sobre la trilogía compuesta por sus álbumes THE BURDEN OF RESTLESSNESS’ (reseña aquí), ‘ACHERON’ (reseña aquí) y ‘REGENERATOR’ (reseña aquí) y nos cuenta todas sus sensaciones sobre la evolución de la banda.

(English below)

We interviewed the guitar and singer of King Buffalo, Sean McVay. Sean gives us all the details about the trilogy composed of its albums The Burden of Restlessness’ (review here), ‘Aheron’ (review here) and ‘regenerator’ (review here) and tells us all its sensations about the evolution of the band .

————ESPAÑOL————

DenpaFuzz: En primer lugar, quería agradecerte el sacar un poco de tiempo de hacer esta entrevista ya que acabáis de regresar de una intensa gira en Europa y ahora os embarcáis en una nueva gira en Estados Unidos. Empecemos por el principio, aunque seguramente lo habréis explicado ya antes. Si bien ‘REGENERATOR’ se haya retrasado un poco, ¿Cómo surge la idea de lanzar 3 álbumes en un mismo año? ¿Cuál era el objetivo de esta trilogía?

(Sean): Cuando llegó la pandemia y se suspendieron las giras, queríamos encontrar una manera de mantenernos activos y productivos. Tuvimos la suerte de tener un gran espacio de ensayo en el que podíamos estar separados y seguros, así que comenzamos a improvisar y terminamos con una tonelada de material que nos entusiasmaba. Redujimos eso a lo que terminó convirtiéndose en los tres discos, y luego nos pusimos a trabajar en ellos. Realmente fue solo el resultado  de tener demasiado tiempo libre de repente.

DenpaFuzz: Tengo la sensación de que los tres álbumes, aunque diferentes, tienen muchos puntos en común. En 2021 y 2022 KING BUFFALO parece sonar más metálico, más kraut e incluso me atrevería a decir que más psicodélico. ¡Esto es así?

(Sean):Durante las sesiones improvisadas iniciales, simplemente experimentamos mucho con diferentes sonidos y ritmos, etc. No nos propusimos hacer nada específico. Simplemente tocábamos lo que se sentíamos en ese momento. Luego comenzamos a organizar las cosas y encontramos patrones que fluían bien juntos. Lo único que teníamos muy claro era asegurarnos de que los tres discos tuvieran sonidos claramente diferentes. No queríamos hacer el mismo disco tres veces.

DenpaFuzz: De la misma manera, con THE BURDEN OF RESTLESSNESS encontrábamos a la banda sumida en la oscuridad, con un sonido rudo por momentos, en ‘ACHERON’ todo parecía tornarse algo más atmosférico, y en REGENERATOR’ daba la sensación de que os abríais a un sonido más luminoso y melódico, ¿Cómo encajan estas piezas en vuestro particular puzzle?

(Sean): Bueno, diría que lo que describes es ciertamente lo que buscábamos. Burden fue un álbum oscuro, sombrío y sombrío. Acheron era más etéreo y misterioso. Regenerator fue más dinámico y optimista. Siento que Burden se enfoca en diferentes estados de trauma y estrés. Acheron retoma las consecuencias de todo eso y comienza a tratar de alejarse de eso. Regenerator es una especie de resurgimiento e intenta dar sentido a todo lo que le precede.

DenpaFuzz:¿Dónde encontráis vuestra fuente de inspiración?, ¿tenéis alguna banda del pasado (o del presente) en la que os miráis para componer vuestras canciones?

(Sean): Hay innumerables bandas que me han inspirado a lo largo de los años, y siempre trato de encontrar pequeños fragmentos de inspiración en todo lo que escucho. En cuanto a las influencias obvias, Pink Floyd es mi banda favorita de todos los tiempos (lo cual creo que no sorprendería a nadie que haya escuchado a King Buffalo jaja). Fuera de los periodos de creación y composición, escucho todo tipo de cosas que sin duda me influyen e inspiran, pero durante esos periodos, trato de no escuchar mucha música porque me resulta difícil no empezar a imitar sin querer, lo que esté escuchando en ese momento.

DenpaFuzz: Después de esta trilogía, ¿Qué camino va a seguir la música de la banda? ¿os habéis planteado hacia donde va a ir vuestro sonido? Tengo la sensación de que sois una banda en constante evolución, ¿Cómo afronta la banda el futuro?

(Sean): Oh, no tengo idea!. Solo queremos hacer discos de los que estemos orgullosos y que se sientan bien. Queremos esforzarnos como banda y crecer con cada álbum. Realmente nunca planeamos qué o cómo sucederá eso con demasiada anticipación.

DenpaFuzz: En la tarea compositiva, ¿Quién lleva la voz cantante? ¿Cómo nace una canción de KING BUFFALO? ¡Como resulta el proceso hasta que cada tema está terminado?

(Sean): La gran mayoría de nuestras canciones evolucionan a partir de jam sessions. Las grabamos todas según ocurren. Las llevo a casa y comienzo a cortarlos y reorganizar las cosas para después enviárselas a Dan y Scott para recibir sus comentarios. A partir de ahí, arreglo algunas melodías vocales ásperas y letras escasas. Scott generalmente me envía algunas letras adicionales basadas en lo que ya había escrito y así, vamos de un lado a otro hasta que esté completo.

DenpaFuzz: Tengo especial curiosidad por saber cómo surgió la idea de grabar ‘Acheron en aquella gruta. Supongo que sería una experiencia muy gratificante para los afortunados que pudieran estar allí, y vosotros, ¿Cómo vivisteis aquel momento?

(Sean): Esa fue una idea de Scott. Había visitado la cueva con su familia y pensó que sería un lugar interesante para hacer un disco/video. Era un lugar increíblemente genial y estoy muy orgulloso de lo que logramos allí, pero, sinceramente, fue un proyecto muy difícil. Fue diferente a todo lo que habíamos hecho antes, y hubo muchos desafíos realmente únicos que no habíamos previsto. Hicimos todo en un día, así que fue muy agitado y estresante, pero al final valió la pena.

DenpaFuzz: Si tuvierais que explicar a alguien que no os conozca, que tipo de música hacéis, ¿Cómo se lo explicaríais? ¿A que suena KING BUFFALO para vosotros?

(Sean): Intentamos sonar como si estuviéramos envueltos en una cálida manta difusa en el espacio.

DenpaFuzz: Durante vuestro tour europeo he tenido la oportunidad de encontrarme con vosotros en dos festivales, Krach am Bach y Sonicblast Moledo. En ambos he visto a un público que disfrutaba con vuestros shows, pero ¿Qué sensaciones tenéis vosotros sobre dos públicos de alguna manera diferentes?  Y ahora en Estado Unidos, tendréis una audiencia diferente. ¿Qué diferencias encontráis entre el público europeo y el público americano?

(Sean): Krach am Bach y Sonicblast fueron definitivamente dos de los momentos más destacados de toda esa gira. La combinación de las increíbles multitudes y las alineaciones de bandas asesinas crearon experiencias absolutamente increíbles. Cada noche, cada multitud es diferente. Hay tantos factores diferentes que entran en juego, pero creo que una de las mayores diferencias entre Europa y América del Norte es la cantidad de festivales (como Krach am Bach y Sonicblast). Simplemente no tenemos muchos festivales como esos por aquí. Creo que tal vez la escena de la heavy-psych es un poco más prominente en Europa, mientras que en los EE. UU. es un poco más clandestina. Pero una cosa es igual. Ambos lugares comparten que las personas que vienen a estos festivales, aman ese tipo de música y son muy apasionados con ella,  y eso es genial.

DenpaFuzz: Supongo que para cualquiera que haya seguido vuestra trayectoria desde vuestros inicios ha sentido una evolución. Para mí personalmente, desde que os vía en Krach Am Bach por primera vez hace cuatro o cinco años, aquella banda ha crecido exponencialmente, ahora se siente una banda mucho mas madura. ¿Tenéis la sensación de que algo ha cambiado en vosotros?

(Sean): Creo que ha habido muchos cambios, pero creo que eso es totalmente normal y saludable. Hemos crecido como banda y como individuos y creo que eso es algo bueno. En lo que respecta a la banda, hemos estado haciendo esto durante mucho tiempo y, en los últimos años, hemos podido hacer la transición para convertirnos en nuestra actividad a tiempo completo. Nos estamos volviendo bastante experimentados en este punto, y creo que eso nos ha llevado a tener un poco más de confianza y comodidad. Además, todos nos hacemos mayores jaja.

DenpaFuzz: Por otro lado, el pasado año, vuestros álbumes THE BURDEN OF RESTLESSNESS y ACHERON coparon los lugares de honor de las listas de los mejores trabajos para la prensa especializada, Ahora en 2022, el recién publicado REGENERATOR se postula para repetir ese éxito. ¿Cómo sentís esto vosotros?

(Sean): Es increíblemente humillante. Simplemente nos propusimos hacer música que nos emocione. La cantidad de comentarios positivos que hemos recibido es absolutamente increíble y, sinceramente, no podemos agradecer lo suficiente a todos por apoyarnos y animarnos.

DenpaFuzz: En vuestros comienzos como banda, ¿imaginabais que el futuro iba ser como el presente que estáis viviendo?. Y, mirando nuevamente al futuro, ¿Tenéis algún sueño o alguna meta que os quede por conseguir? Supongo que todos tenemos ídolos, Si tuvierais que elegir una banda con la que os hubiera gustado compartir escenario, ¿Que banda sería?

(Sean): Si retrocedieras en el tiempo y me dijeras cuando era más joven ,que en 9 años estaríamos haciendo King Buffalo a tiempo completo y que habríamos girado por Europa varias veces, probablemente me habría reído de ti. La cantidad de apoyo que hemos recibido ha sido verdaderamente gratificante y no podemos agradecer lo suficiente a nuestros fans por ello. Todos ustedes son absolutamente asombrosos.

DenpaFuzz: En cuanto a los objetivos futuros, creo que el más importante sería simplemente continuar expandiéndonos a nuevos lugares en los que nunca hemos tocado antes.

(Sean): Y si alguna vez hubo un escenario soñado de una banda con la que compartiríamos el mismo, creo que lo simplificaré y solo diré Black Sabbath.

DenpaFuzz: Muchas gracias por tu tiempo y vuestras palabras. Enhorabuena por vuestro magnífico trabajo. Espero que pronto volvamos a encontrarnos de nuevo.

(Sean): ¡Gracias roberto! ¡Tengo muchas ganas de que nos encontrarnos de nuevo.

————–ENGLISH—————


DenpaFuzz: First of all, I want to thank you for taking some time to do this interview since you’ve just jumped right into a full new set of dates to tour around the U.S. after a really busy tour in Europe. Let’s start at the beginning, although you’ve probably explained it many times before. Even though ‘REGENERATOR’ took a little bit longer than expected, how did the idea of releasing 3 albums in the same year come about? What were you trying to accomplish with this trilogy?

(Sean): When the pandemic hit and touring was shut down, we wanted to figure out a way to stay active and productive. We were lucky enough to have a large practice space that we could stay spread out and safe in, so we started jamming and ended up with a ton of material we were excited about. We narrowed that down to what ended up becoming the three records, and then got to work making them. It was really just a product of suddenly having way too much time on our hands.

DenpaFuzz: It seems to me like these three albums, no matter how different they are from each other, have a lot in common. In 2021 and 2022, KING BUFFALO seemed more metallic sounding, more ‘kraut’ and I’d even go as far as saying more ‘psychedelic’. Is that what you were aiming at?

(Sean): During the initial jam sessions we were simply experimenting a lot with different sounds and grooves etc. We didn’t set out to make anything specific. We were just playing what felt good at that moment. Afterwards we started to organize things and found patterns that flowed well together. The only thing we were very intent on was making sure that the three records had distinctly different sounds. We didn’t want to make the same record three times.

DenpaFuzz: Along the same lines… with ‘THE BURDEN OF RESTLESSNESS’, we found a band plunged into darkness, sounding rough and even crude at times. With ‘ACHERON’, everything suddenly became a bit more ambient and atmospheric. And then, on ‘REGENRATOR’, it felt like you were opening up to a brighter and more melodic sound. In your minds, how do these pieces fit into the unique puzzle that you’ve come up with?

(Sean): Well I’d say that what you described is certainly what we were aiming for. Burden was a dark, grim and bleak album. Acheron was more ethereal, and mysterious. Regenerator was more uptempo and optimistic. I feel like Burden focuses on different states of trauma and stresses. Acheron picks up with the aftermath of all of that, and starts to try and journey away from it. Regenerator is sort of a reemergence and attempts to make sense of everything preceding it.

DenpaFuzz: Where does your inspiration come from? Do you have any band from the past (or present) that you look to when you compose?

(Sean): There are countless bands that have inspired me over the years, and I’m always trying to find little bits of inspiration in everything I hear. As far as obvious influences go, Pink Floyd is my favorite band of all time (which I think wouldn’t surprise anyone who’s ever heard King Buffalo haha). Outside of writing periods I’m listening to all sorts of things that certainly influence and inspire me, but during writing periods I try not to listen to much music because I find it difficult for me not to start unintentionally imitating whatever it is I’m listening too at that moment.

DenpaFuzz: After this trilogy, what direction is the band’s music going to take? Have you thought about where your sound is going to go? I have the feeling that your band is in constant evolution. What does the band see for the future?

(Sean): Oh man I have no idea. We just want to make records that we’re proud of and that feel good. We want to try and push ourselves as a band, and grow with each album. We never really plan what or how that will happen too far in advance.

DenpaFuzz: As far as composing goes, who takes the lead? How does a KING BUFFALO song come about? What’s the process like until each song is finished?

(Sean): The vast majority of our songs evolve out of jam sessions. We record them all as they happen. I’ll take them home and start cutting them up and rearranging things and will send them to Dan and Scott for feedback. From there I’ll start adding some rough vocal melodies and sparse lyrics. Scott will then usually send me some additional lyrics based off what I already had written and we’ll go back and forth until its complete.

DenpaFuzz: I’m especially curious to find out how the whole idea of recording ‘Acheron’ in that cavern came about? I can’t imagine how incredible it must have been for those lucky few who were there to share that moment with you. What about the band? What was that like for you all?

(Sean): That was all Scott’s idea. He had visited the cave with his family, and thought it would make for an interesting place to make a record/video. It was an incredibly cool place, and I am super proud of what we pulled off there, but honestly it was a very difficult project. It was unlike anything we’d ever done before, and there were a lot of really unique challenges that we didn’t anticipate ahead of time. We did everything in one day, so it was very hectic and stressful, but in the end totally worth it.

DenpaFuzz: If you had to explain to someone who doesn’t know what kind of music you make, how would you explain it? What does KING BUFFALO sound like to you?

(Sean): We try to sound like being wrapped up in a warm fuzzy blanket in space.

DenpaFuzz: During your European tour, I have had the opportunity to see you at two festivals: Krach am Bach and Sonicblast Fest. Both times, it was easy to see how much the audience enjoyed your shows. But, what do you guys take away from two audiences that are so different? And now that you’re back in the U.S., you have even different audiences. What would you say differentiate most European and American audiences from each other?

(Sean): Krach am Bach and Sonicblast were definitely two of the highlights of that entire tour. The combination of the amazing crowds and killer band lineups made for absolutely incredible experiences. Every night, every crowd is different. There are so many different factors that come into play, but I think one of the biggest differences between Europe and North America is the amount of festivals (like Krach am Bach and Sonicblast). We just don’t have many festivals like that over here. I think maybe the heavy psych scene is a little more prominent in Europe, where in the US its a little more underground. But one thing both places share is that the people that do come to these shows and love that kind of music are super passionate about it and that is so damn cool.

DenpaFuzz: I guess that anyone who has followed your path since you started out has felt a kind of evolution. For me personally, the first time I saw you was at Krach Am Bach about four or five years ago and the band I saw then has grown exponentially. You’re a much more mature band now. Do you have the feeling that something has changed in you? How so?

(Sean): I think there has been a lot of changes, but I think that’s totally normal and healthy. We’ve grown both as a band, and as individuals and I think that’s a good thing. As far as the band goes, we’ve been doing this for a long time, and over the past few years have been able to transition into this being our full time gig. We’re getting pretty seasoned and experienced at this point, and I think that has led to a little more confidence and comfort. Plus we’re all getting older haha.

DenpaFuzz: Going back to your releases, last year, your albums ‘THE BURDEN OF RESTLESSNESS’ and ‘ACHERON’ really caught the attention of the critics and the specialized press placed your albums among the ranks of some of the best albums released in their respective years. Now in 2022, the recently-released ‘REGENERATOR’ looks like it’s about to do the same thing. How does it feel to put out such highly-acclaimed records?

(Sean): It’s incredibly humbling. We just set out to make music that excites us. The amount of positive feedback we’ve been getting is absolutely incredible, and we honestly can’t thank everyone enough for supporting us and encouraging us.

DenpaFuzz: When you started out as a band, did you ever imagine that the future would look like what it looks like now? Speaking about the future, do you have any dreams or goals that you still want to achieve? I guess we all have our idols, but if you had to choose a band that you’d love to share the stage with, which band would it be?

(Sean): If you went back in time and told a younger me that in 9 years we’d be doing King Buffalo full time and that we would have toured Europe multiple times I probably would have laughed at you. The amount of support we’ve received has been truly humbling, and we cannot thank our fans enough for it. You’re all absolutely amazing.

(DenpaFuzz): As far as future goals, I think the big one would be to just to continue to branch out to new places that we’ve never played before.

(Sean): And if there was ever one dream scenario of a band that we’d get to share the stage with, I think I’ll keep it simple and just say Black Sabbath.

DenpaFuzz: Thank you very much for your time and your input. Congratulations on your incredible work and I hope that we will cross paths again soon.

(Sean): Thanks Roberto! I’m looking forward to running into down the road!

Traducción/translation: Jessie Jay

Crónica: KRACH AM BACH FESTIVAL 2022

Con un poco retraso os contamos todo lo acontecido en la pasada edición de Krach Am Bach. Un festival que lleva 27 ediciones celebradas y que ha colgado el cartel de sold-out en las últimas, no es un festival cualquiera. KRACH AM BACH, el maravilloso festival alemán, regresaba después de dos años de cancelaciones debido al Covid; y lo hacía por la puerta grande. Con la calidad y versatilidad de las bandas incluidas en su line-up, con múltiples apuestas experimentales alejadas de algunos convencionalismos, unas instalaciones y organización intachables, y un público amistoso y amable, nada podía salir mal. La tristeza por la cancelación de All Them Witches se había revertido con el anuncio de Monkey3, por lo que nada prácticamente había cambiado. Porque el público habitual de Krach Am Bach, es un público que peregrina a la pequeña localidad de Beelen, como el que va a una fiesta familiar, una fiesta con emotivos encuentros, una fiesta con la música psicodélica como protagonista y todos saben, que a aver a fantásticas bandas. La presente edición contaba con algunos cambios respecto a las ediciones anteriores. La ubicación del segundo escenario había cambiado a un espacio, aunque reducido, algo mayor del que se venía celebrando. Para darle su identidad propia, la organización había contratado a los chicos de Sector 7G Visual, a los que ya habíamos visto su trabajo en Desertfest Berlin. Sus proyecciones sobre el escenario de visuales realizados a la viaja usanza, con visiones liquidas que se iban superponiendo manualmente, fue algo que dio una personalidad a ese segundo escenario. Un punto de encuentro de la experimentación psicodélica en todas sus versiones. Ejemplos como este, es el resultado de una organización que quiere ofrecer lo mejor a su público, creando una experiencia total, tanto musical, como sensorialmente. Esto debería calar en otros muchos festivales, porque a la vez de ofrecer una atmósfera agradable al público, das sentido a un escenario que puede servir a la audiencia para descubrir nuevas e interesantes propuestas sonoras. En cuando a la infraestructura culinaria, me dio la sensación de que había algún puesto mas de comida y restauración en las pasadas ediciones, como también algunos mas puestos de merchan. Sin excesivas colas, la restauración respondía a las necesidades de los casi 4.000 asistentes. La zona chil out también había sido trasladada a la zona del fondo del recinto, donde se ubicaba anteriormente el segundo escenario. Un espacio con sillones y burbujas para el descanso, que siempre es de agradecer en las duras jornadas de un festival. Son muchas las horas que pasamos allí, y siempre es fácil con un espacio para el relax. El espacio para acampar seguí ofreciendo todas las comodidades, con personal siempre tratando de ayudar y organizar el parking y las zonas de tiendas y caravanas Unos prados, lo suficientemente amplios, como para que todo el mundo se sintiera cómodo. El resultado es un público con una sensación de confort y tranquilidad, dejando que todo fluya. El escenario y la iluminación no habían sufrido muchos cambios respecto a otras ediciones, lo que se traducía en un perfecto sonido durante todo el festival. Una vez más, Krach am Bach me regaló un inigualable fin de semana, escuchando fantásticas bandas, con magníficos amigos y con unas vibraciones que hacen que todo el mundo sea feliz.

¡¡Hasta el próximo año!!!!, Siempre es un placer ir a un lugar que en el que te sientes como en casa. Gracias!!

DÍA 1 (Viernes)

THE BLACK WIZARDS abrían un público ansioso por divertirse. Con una magnífica acogida, el trio portugués se metía al personal en el bolsillo con su fascinante versión de los sonidos heavy-blues 70’s. La banda daba un mayor protagonismo a las melodías sin renunciar a la fuerza innata que tienen. Una banda que continúa creciendo y que allá por donde van, consigue conquistar a un público que acabó brindándoles una sonora ovación. Una magnifica forma de empezar un fin de semana festivo desde el primer momento.

La tarde había comenzado a un alto nivel y otro trío, esta vez desde Italia subía al escenario principal de KRACH AM BACH. Los italianos, con un show sobrio ejecutaban otra actuación en la que el blues y los sonidos desérticos llenaban la atmósfera de un recinto que  acogía con jolgorio la actuación del trio. Si en el mes de noviembre me había conquistado en Alterna Sounds Festival, aquí de nuevo brillaron a un altísimo nivel.

Llegaba la hora de dar el pistoletazo de salida en el segundo escenario. Allí la organización había preparado una apuesta original y diferente en la que bandas más experimentales ofrecía su buen hacer. KOMBYNAT ROBOTRON con su habitual puesta en escena con las batas de científicos sobre el escenario se veían arropados por las magnificas proyecciones analógicas de los chicos de visual 7G. Cosas así hacen de Krach Am Bach un festival único, y los sonidos kraut empapados de psicodelia especial se gozaban entre un público que abarrotaba ese segundo escenario. No se que tiene esta banda, pero su hipnotismo contagioso consigue que todos los presenten balanceen sus cabezas y sus cuerpos al son de estos alquimistas de la psicodelia más futurista. Sobresalientes.

KOSMODOME era una de esas bandas que tenía muchas ganas de ver. Diferentes a lo que habitualmente estas acostumbrados en este tipo de festivales. Calmadas melodías que sonaban mucho más sólidas que en disco, con un sonido más orgánico y sumamente gratificante.

A su conclusión era el momento de volver al segundo escenario a continuar con la experimentación psicotrópica. Los franceses KORTO eran unos desconocidos para mí, pero de inmediato consiguieron atraerme. Envueltos en proyecciones psicotrópicas, su hipnótica apuesta de tintes kraut volvía a ser una grata sorpresa. Siempre es de agradecer poder disfrutar de bandas así en vivo.

El  escenario principal se vestía de gala para recibir a MONKEY3. La banda suiza se había incorporado a última hora al festival tras la ausencia de All Them Witches. EL cuarteto son una banda solvente que a estas alturas tienen poco que demostrar. -su actuación fue bien recibida por un público que disfrutaba de sus devaneos lisérgicos. Lucas humo y un sinfín de riffs mágicos envolvían la noche alemana con una de las mejores bandas de la jornada.

La noche iba avanzando y los franceses ALBER JUPITER eran los encargados de cerrar las actuaciones en el segundo escenario. Lo cierto es que no pude ver su actuación al completo, pero, en cualquier caso, lo que ví de ellos, me gustó. La experimentación continuaba con el dúo. Bajo y batería consiguiendo llenar el escenario de sonido densos y psicotrópicos. Una experimentación que era bien recibida entre un público que esbozaba caras de felicidad. `

La jornada terminaba, pero todavía nos quedaba un plato fuerte que degustar. Los daneses MYTHIC SUNSHIP llegaban con todo su arsenal preparado para crear el caos. La banda ejecutaba una actuación en la que el jazz y la experimentación psicodélica alcanzaba cotas de alto nivel. Puede que su complejo sonido no sea para todos los públicos, pero los asistentes al festival pudieron disfrutar de una actuación intensa y ensoñadora a la vez. Estos chicos tienen mucha calidad, y sin hacer mucho ruido, desplegaban todo su arsenal en una sobresaliente actuación. Por fin conseguía quitarme la espina de verlos en directo y su actuación, resultó finalmente como había esperado, mágica.

La hora del descanso había llegado en una jornada en la que todas bandas habían brillado, cada una con su particularidad, pero todas habían recibido el cariño de un público que se había divertido.

Día 2 (Sábado)

La hora del mediodía es el momento en el que los americanos VALLEY OF THE SUN abrían la jornada del sábado. Era una de las bandas más pesadas, y sus riffs arenosos fueron bien recibidos por un publico que se reponía de la jornada del día anterior. VALLEY OF THE SUN salieron al escenario a por todas, y eso quedó patente en una actuación ardiente en la que los de Ohio lo dieron todo, recibiendo una gran ovación de todos los presentes.

En el segundo escenario el trio alemán MONOCLUSTER ponía la sobriedad en una transición de los riffs Stoner que habían acompañado la actuación anterior con su psicodelia onírica. Grandes desarrollos instrumentales con los que dejaban patente su maestría en esto de la psicodelia pesada. No defraudaron.

A mis queridos BISMUT los había visto recientemente en el Dunajam jam, donde había dejado patente su calidad. Su combinación de riffs post-metal con su psicodelia pesada se sucedía canción a canción. Pesados, firmes y con un sonido prieto, y bien ejecutado se coronaban como una de las sorpresas para muchos de los presentes. Estamos ante otra banda que sigue creciendo en su sonido, ofreciendo cada vez unas actuaciones más completas, con la que acaban por conquistar a la audiencia. En Krach am Bach se coronaron como una de las bandas de la jornada.

En este ir y venir de un escenario a otro, llegaba el turno para IGUANA. Otra de esas bandas que tiene cabida en un festival abierto a propuestas frescas en las que la psicodelia hipnótica tiene el protagonismo. De nuevo, las proyecciones de los chicos de Sector7G visuals arropaban su actuación. Con su guitarra escayolado de una pierna, la banda no quería dejar la oportunidad de mostrar su potencial, y así ejecutó su actuación, sentado en una silla, lo que no impidió dejar muestran de su buen hacer a las 6 cuerdas.

La avalancha de sonidos psicodélicos tenía continuación con SMOKEMASTER. Una banda que cuenta con todo el apoyo del sello Tonzonen Y que ya había tenido la oportunidad de ver el año pasado un par de veces. Un perfecto termómetro para comprobar su evolución, algo que quedaba meridianamente claro con una actuación en la que el hard- el blues y la psicodelia vintage envolvían el escenario principal. Los de Colonia son una banda querida y eso se notaba en un público disfrutón, que acabó pidiendo mas y brindó una gran ovación a la conclusión de su show. SMOKEMASTER continúan progresando adecuadamente y cada día se hacen de mayor protagonismo en la escena.

El trio británico CRACKED MACHINE nos invitaban a un viaje cósmico con su psicodelia de tintes espaciales. Sin mucha parafernalia y con una actuación sobria, ponían la calma con sus desarrollos instrumentales de alto poder psicotrópico. Notables, CRACKED MACHINE ponían la nota mística a una tarde que había comenzado bien en la que todavía nos esperaban fuertes emociones.

Había llegado la hora de los cabezas de cartel. KING BUFFALO habían ya tocado en Krach am Bach cuatro años atrás, pero ahora venían acompañados de una reputación que tenían de rubricar. Y los de Rochester, no se escondieron y dejaron claro que son una de las bandas más en forma del momento. Su facilidad para crear la atmósfera perfecta y de meter al público en su propuesta quedaba refrendado con una magnífica actuación. Cabezas oscilando al ritmo de sus sonidos hipnóticos, la acaramela voz de Sean nos invitaba a un trance del que ninguno queríamos salir. KING BUFFALO son una fantástica banda, y en Krach Am Bach lo dejaron meridianamente claro. Lo mejor de todo el fin de semana. El auténtico Rey, es EL REY BUFFALO!

Tras su actuación, otra de las bandas marcadas en mi agenda se subía al segundo escenario. Ese espacio que era un escaparate para la experimentación sin complejos y sirvió para coronar a los noruegos KANAAN como una banda prometedora. Pesados, y lisérgicos a la vez, su sonido me sorprendió por su gran contundencia. No se anduvieron con paños fríos y salieron a darlo todo, y ¡¡vaya si lo dieron!!. Lo cierto es que me vi sorprendido por una actuación con un sonido plomizo pero lo suficientemente versátil y psicodélico como caer rendido a sus pies. Un minimalismo atrayente que se reflejaba en unas jams acidas bien ejecutadas. Una gran sorpresa que colmó con suficiencia mis expectativas.

Uno de los nombres de jornada eran los americanos WITCH. Con un viejo conocido del festival WITCH se presentaba con el batería de Earthless, Mario Rubalcaba a la batería. Había visto a la banda tres años antes en Desertfest Berlín y me había quedado con un sabor agridulce de aquella actuación. Ahora era el momento de redimirme. WITCH empezaron su actuación algo fríos y lineales, pero según avanzaba su show fueron yendo de menos a mas, hasta completar una actuación correcta, aunque sin llegar al nivel de emoción que me transmiten en disco. Aún tocando y buen show, me quedé con la sensación de que pueden ser mejores, porque calidad, les sobra.

El festival iba llegando a su fin, pero todavía nos quedaba la fiesta de los holandeses Pendej0!. Tuve la sensación de que no eran una banda muy conocida entre los presentes, pero yo tenía claro que iban a ponerlo todo pajas arriba, como finalmente sucedió. Lo ecléctico de tocar Stoner con trompetas puede resultar algo curioso, pero cuando ves a estos chicos en directo, siempre quieres mas. Ellos saben como incentivar al público para que se divierta, y su loca actuación en Krach am Bach lo corroboró. Su cantante El pastuso, sabe bien como meterse al publico en el bolsillo y sus ‘Vamos carajos’ recibieron la respuesta de un público que enloquecía por momentos con pogos y bailes frenéticos.

Los encargados de poner el cierre al festival eran otros conocidos del festival. Los berlineses ROTOR, habían actuado en la edición 25 aniversario del festival, pero ahora lo cerraban por la puerta grande y en el escenario que merecen. ROTOR son una banda muy querida por el público y ellos saben como corresponder a su gente. Mágicos, pesados por momentos, pero siempre ofreciendo su mejor versión, en una actuación para enmarcar. Es difícil cerrar un fin de semana de mejor forma, pero ROTOR volvieron a demostrar que son una de las mejores bandas de la escena. Sin hacer mucho ruido, allá donde actuación, consiguen convencer a todos, y en Krach am Bach, lo volvieron a hacer. Otro de los mejores conciertos de un festival que volvió a ser impresionante, tanto por la organización, por la calidad de las bandas y por un público amistoso que se siente como en casa. ROTOR son la excelencia, y así lo demostraron en su hechizante hora de actuación.