RESEÑAS – DenpaFuzz

Reseña: ELDER.- ‘Through Zero’

Ya está aquí ‘THROUGHT ZERO’, la nueva obra maestra de ELDER. Bacanales sónicas monumentales en un abrumador álbum, con canciones complejas que noquean al oyente con una maestría que te atrapa en una espiral sin fin. Con seis potentes canciones que te absorben, sus paisajes oníricos contienen la crudeza innata en una banda que huye del estancamiento para seguir escribiendo su historia. El álbum suena más que nunca como una extensión completa de las intenciones creativas de la banda. ELDER aprovecha sus dos décadas de experiencia para crear posiblemente su disco más directo y cautivador hasta la fecha, permitiendo que influencias ajenas al rock echen raíces y florezcan dentro de su estructura progresiva. Los oyentes encontrarán elementos familiares, nuevas texturas, secuencias y sonidos junto con la icónica visión de ELDER sobre el heavy rock. Como siempre, cada escucha revela nuevos detalles. Sin vislumbrar su techo creativo cada pista nos ofrece un crisol de matices que solo podrás apreciar en repetidas audiciones, lo que hace de ‘THROUGH ZERO’ un álbum sensacional, Su carácter onírico, potente, crudo, electrónico, y tantas otras cosas lo hace un álbum imprescindible para cualquier seguidor de la banda. Con ecos de bandas como YES o MOTORPSYCHO en sus composiciones, estos chicos saben como no renunciar a su propia esencia en ese espacio psico-progresivo en el que tan bien se manejan. Innovadores pero respetuosos con la ortodoxia del rock progresivo más contundente, logran una catarsis en la escena pesada abriéndose a nuevas estructuras sonoras que enriquecen enormemente sus canciones. Pero ha pesar su alma progresiva, ELDER mantiene la pegada de una base rítmica inquebrantable, con líneas de bajo que retumban entre los devaneos de su dupla de guitarras. Grabado en Berlín a lo largo de varios meses entre giras en 2025, ‘THROUGH ZERO’ es el primer álbum que la banda no solo produjo, sino que también mezcló junto con su colaborador habitual, Richard Behrens, un elemento más que corrobora que ELDER no se estanquen, sino que por el contrario se conviertan en una formación en constante evolución, una banda que no se queda en el pasado, sino que innova constantemente expandiendo su sonido, como queda patente en sus últimos álbumes: THE GOLD & SILVER SESSION (2019) (reseña aquí), ‘OMENS’ (2020) (reseña aquí), ‘A STORY OF DARKNESS & LIGHT’ (junto a KADAVAR bajo el nombre de ELDOVAR) (reseña aquí) o ‘INNATE PASAGE’ (2022) (reseña aqui)

El guitarrista y vocalista Nick DiSalvo nos comenta: THROUGH ZERO’ es un término tomado de la ingeniería y del mundo de la música. Describe la propiedad de una frecuencia de poder atravesar el punto cero y continuar hacia lo negativo. Si bien no es un concepto arraigado en la filosofía, resuena conmigo a nivel conceptual: el punto cero no es un final, sino un punto medio en un camino parcialmente invisible. La interpretación es abierta: el viaje es el destino, los comienzos y los finales pueden ser arbitrarios, o quizás la realidad sea simplemente menos lineal de lo que solemos suponer. Las canciones del álbum exploran temas relacionados que reflejan mis propias observaciones y mi filosofía personal. Vida y muerte, frustración y miedo, impotencia y esperanza: todo esto existe en el mismo camino’. ‘THROUGH ZERO’ » trata sobre la impermanencia, la aceptación de la mortalidad y la larga lucha no solo por encontrar la paz, sino también por hallar una especie de solidaridad con los muertos. Cuanto más tiempo pasa, más vuelve este tema a mi mente, siempre bajo una nueva luz, al igual que nuestra música siempre regresa ligeramente transformada, reflejando en quiénes nos estamos convirtiendo».

ELDER son: Nick DiSalvo – Guitarra/Voz, Jack Donovan – Bajo, Mike Risberg – Guitarra/Teclados y Georg Edert – Batería

‘THROUGH ZERO’ está disponible vía Stickman Records en Europa, en Norte-America vía Blues Funeral Recordings y via Bird’s Robe en Australia

La amplia paleta compositiva de ELDER se plasma en ‘Sigil To Ruin’. Con un evidente tono progresivo la canción ofrece un extenso catalogo sonoro a través de complejos desarrollos instrumentales en los que flotan esencias psicodélicas y melodías hechizantes. Con unas brillantes transiciones, su sonido se vuelve más pesado y denso por momentos sin perder su hilo narrativo. Estos son los ELDER de 2026, una banda que sigue mirando hacia arriba sin ponerse cotas a su madurez como banda. La canción es un tupido bosque sonoro en el que todo puede florecer. De esta manera el cuarteto siempre tiene una salida para sorprender al oyente con una narrativa sólida a la vez que fluida. Esta experimentación sin límites hace que la pista ascienda y descienda creando una bacanal sónica.

Después de la tempestad siempre llega la calma, y la etérea atmósfera de ‘Capture/Release’ parece corroborarlo. Hipnótico, progresivo, y pesado, este corte cuenta con un ritmo implacable, melodías vocales impresionantes y sintetizadores cósmicos con los que construyen una nueva canción épica y monumental en la que los pasajes progresivos son custodiados por una sólida base rítmica en un ejercicio compositivo admirable. Ese frenesí sonoro no te deja tiempo para similar la multitud de matices que contiene sus surcos. Arrolladora.

Manejándose a la perfección entre riffs descomunales y ritmos trepidantes ‘Through Zero’ abre las puertas bucólicos pasajes psico-progresivos con los que poner la pausa a la inmensidad de su sonido. Bellas texturas y una sensación de que todo va a eclosionar son usadas como bálsamo premonitorio de una nueva deflagración de música pesada. Con la habilidad de una reputada costurare consiguen crear el sonido para diferentes estados de ánimo. Ese cambio constante en su relato resulta como un reto para el oyente, incapaz de asimilar el inmenso espectro compositivo de la banda. Tensión y melancolía con esas voces dulces y desgarradoras a partes iguales, y la contundencia del sonido pesado que los vio nacer hace dos décadas.

La suave y melódica ‘Strata’ parece darnos un respiro con sus algodonados pasajes psicodélicos de su apertura. Con una evolución lenta pero firme parece viajar fugazmente al pasado con momentos de heavy-progresivos sin perder su apabullante contundencia. Todo parece enmarañarse por momentos en esta frenética exploración sónica.

Una atmosférica introducción nos va abriendo lentamente las puertas de ‘Sight Unseen’. En un escenario progresivo con guiños post-rock. Bellas melodías de guitarra envueltas en sintetizadores descubren una pausada canción psico-progresiva en la que el ímpetu de la banda cede ante una gratificante calma sonora durante cinco minutos antes de despegar en una nueva orgia sonora con unos cimientos pesados y una instrumentación exuberante. La band prescinde de la voz para dejar llevar por una composición libre ejecutada sin prisas, pero pisando firme.

‘Blighted Age’ con sus acordes acústicos y esa voz empapada en miel, se muestra como una pista delicada, melancólica y alejada de la pesadez para hacernos flotar en un mundo etéreo lleno de belleza. Una canción sencilla si la comparamos del resto de canciones del álbum, pero sin desencajar de este cohesivo relato experimental. La fórmula de menos es mas, se cumple con los cuidados arreglos que esta cautivadora canción contiene.

Elder

Stickman Records

Blues Funeral Recordings

Bird’s Robe

Reseña: BISMUT.- ‘Matsutake’

Con cerca de una década de carrera , el trio de Países Bajos sin hacer mucho ruido han ido consolidándose como una banda a tener en cuenta en la escena heavy-psych europea. Con tres álbumes a sus espaldas ‘SCHEWERPUNKT’ (reseña aquí), RETROCAUSALITY (reseña aquí) y ‘AUSDAUER‘ (reseña aquí) y multitud de conciertos por los festivales europeos, BISMUT ha ido conquistando a la audiencia. Ahora con su nuevo álbum ‘MATSUTAKE’ mantienen su esencia intacta basándose en largas canciones instrumentales nacidas de la improvisación, dando una vuelta de tuerca mas a su sonido. Seis canciones, libres y anárquicas que arrollan al oyente entre elementos psicodélicos, stoner, así como golpes de doom y metal, con algún devaneo exótico, pasajes progresivos e incluso con pinceladas jazz. Todo un frenesí sónico en el que cualquier cosa puede suceder. Haciendo uso de la repetición, la estructura de sus canciones contiene una parte vitalista que se alterna con momentos de calma hasta la locura final. Inspirado en el libro de Anna Tsing de 2015, el matsutake es «el hongo del fin del mundo», una metáfora de la posibilidad de vida en las ruinas del capitalismo. Un manjar de olor peculiar, un gusto adquirido, el matsutake es un hongo que no se puede cultivar ni producir en granjas industriales. En un mundo regido por economías de escala, definidas por el individualismo, los monocultivos y el colapso de los ecosistemas, este hongo prospera en las ruinas de los pinares artificiales, donde los pinos ya no son comercialmente viables. Sus esporas son prácticamente inmortales y dependen de un complejo conjunto de flora y fauna para convertirse en las delicias japonesas que potencialmente son. El matsutake y su singular recorrido desde el bosque hasta el plato, que desafía al capitalismo, también nos invitan a pensar de forma diferente. En lugar de competir por recursos escasos, el matsutake vive en ecologías interdependientes (como un conjunto). Mediante la contaminación, infesta la vida vegetal, dándole una nueva vida. Aplicado a la música y la creatividad, ‘MATSUTAKE’ nos invita a pensar en polifonías, fluidez y experimentación, en lugar de líneas de bajo singulares, voces pegadizas y éxitos comerciales. Puede que la música instrumental no sea para todos, pero estos chicos tienen ‘mucho gain’, y eso queda fielmente reflejado en este, su nuevo álbum. ‘MATSUTAKE’ es un álbum, frenético, lisérgico y enmarañado que mantiene la esencia de la banda pero que supone un paso adelante en su brillante carrera.

BISMUT son: Peter Dragt, batería, Huibert der Weduwen (bajo) y Nik Linders (guitarra)

‘MATSUTAKE’ está disponible vía Tonzonen Records.

Por la vía rápida y sin darnos respiro, los vibrantes ritmos de ‘Alienation’ nos arrollan con su espiral de riffs heavy-psych. Con una base rítmica poderosa y los devaneos de la guitarra de Nik, BISMUT se precipitan en un torrente imparable que solo cede en suaves pasajes impregnados de un exotismo reconfortante. Un breve respiro envuelto en una atmósfera psicodélica en el que todo parece ralentizarse antes de emprender una huida hacia adelante con una contundencia post-metal y elementos progresivos.

En ’Neugier’ encontramos una construcción realizada con la repetición como base. Un corte que avanza poco a poco, pero volviendo siempre al origen haciendo que nuestra cabeza estalle. Hipnótico, vertiginoso y colorista, el tema desprende energía por los cuatro costados. Al igual que en la canción anterior, en su parte central la intensidad baja en una jam en la que caben diferentes elementos estilísticos que van desde el jazz hasta la psicodelia con una parte final en la que el lado más metálico y Stoner de la banda aparece sin rubor.

La calma cautivadora llega con ‘Assemblage’. Mostrando la faceta más contenida la guitarra nos lleva de paseo por un plácido Jardín del Edén con largos y hermosos desarrollos psico-progresivos guiados por ritmo lento y cadente. A diferencia de las pistas anteriores, todo parece más ensamblado para el lucimiento de una guitarra exquisita y versátil que va modulando su sonido entre efluvios ácidos y tonos envolventes. Pero estamos ante BISMUT, y todo puede suceder. Como si algo se hubiera quebrado la pausa eclosiona en una nueva espiral de ritmos diabólicos y riffs cada vez más contundentes. Elementos doom y una oscuridad subyacente se entremezclan con los floridos pasajes de una guitarra que se estira y se encabrita con mil piruetas.

Sin perder un ápice su pesadez ‘Contamination’ incorpora pasajes progresivos custodiados por potentes ritmos en otro hipnótico corte basado en la repetición de armonías. Un sonido crudo y áspero que avanza con firmeza en una especie de jam con mil argumentos para conquistar al oyente en este particular trance de vibraciones pesadas y psicotrópicas.

La crudeza de ‘(Potentially) Immortal’ es adornada con bellas armonías de guitarra creando una dualidad que explora profundos pasajes de psicodelia pesada en otro ejercicio compositivo sumamente estimulante. Pesado y con un ritmo trepidante, el corte ofrece la esencia del trio con su combinación psicotrópica y las entrañas pesadas. Su complejidad su muestra ante al oyente como algo fácil de digerir y ahí está el valor de esta canción en la que la esencia de la banda queda reflejada en otra estimulante improvisación. BISMUT ponen el cierre al álbum con una canción corta. Los dos minutos y medio de ‘Salvage’ resultan un resumen perfecto del sonido que la banda trata de transmiten. El caos hace que la pista parezca inconexa pero simplemente es un recurso para el epílogo de un álbum complejo y lleno de matices

Bismut

Tonzonen

Reseña: OCCULT HAND ORDER.- ‘Meaningless Monuments’

Los artesanos franceses de los rituales pesados y psicodélicos OCCULT HAND ORDER, ya habían despertado mi admiración con su EP de 2020 ‘THE CHAINED THE BURNED THE WOUNDED’ (reseña aquí), así como su álbum de 2023 ‘SILENCE BY THE RAGING SEA’ (reseña aquí), y ahora casi tres años después su nuevo trabajo ‘MEANINGLESS MONUMENTS’ me conquistan de nuevo. Hacía tiempo que un álbum no me atrapaba de esta manera tan desgarradora, ya que soy profundo amante de la psicodelia, pero no tanto del post-metal, el doom y el black metal, pero con álbumes así, me rindo. Música narrativa, dramática, meditativa a la vez que pesada y lisérgica con momentos que te recordarán a bandas como RUSSIAN CIRCLES, ELDER o AMENRA. Un maravilloso ejercicio compositivo que el que logran transmitir al oyente estados de ánimo depresivos, introspectivos y dolorosos. Su carácter atormentado lo hace ideal para su escucha inmersiva y así poder saborear todos los matices y sensaciones que el álbum transmite. No te lo pongas para animarte, escúchalo para alimentar tu paz interior y sacar tus demonios internos. Estamos ante un álbum oscuro, muy oscuro, un ente que camina a ritmo lento conjugando lo plomizo y lo liviano entre lastimeras atmósferas y voces etéreas llegadas de otros mundos. Un equilibrio perfectamente ejecutado, sin fisuras. En un momento de paz interior, este trabajo me ha atrapado en sus fauces. Hasta los pasajes black metal son disfrutables en esta agonía sonora de grandes dimensiones. Un drama ejecutado a través de cinco canciones que te sumirán en un infierno. La banda profundiza en temas como el apocalipsis, el colapso interior y la búsqueda de sentido. Más oscuro, lento y cinematográfico, el disco se despliega a través de estructuras largas e hipnóticas donde riffs contundentes se encuentran con pasajes meditativos y atmosféricos. Este trío místico ofrece un auténtico ritual de rock que eleva la mente: un viaje a través de ruinas internas, una búsqueda de lo que queda cuando todo se desmorona en un fusión en la que el peso aplastante del doom metal, el post-rock y sus paisajes sonoros etéreos, realzado por armonías vocales sublimes que evocan rituales arcanos y un misticismo de otro mundo.

‘MEANINGLESS MONUMENTS’ está disponible vía Totem Cat Records.

OCCULT HAND ORDER son:
Hugo Zepah: voz, bajo
Nico Fabre: guitarra
Tony Duvillard: batería

La canción que abre el álbum, ‘Bledow’ presenta una atmosférica apertura que va evolucionando con voces etéreas consiguiendo un espacio meditativo, que solo se altera por la aparición de potentes riffs y unos tambores atronadores. Una fusión de psicodelia pesada con bellos pasajes que te invita a la relajación mental. La fuerza de algunos momentos no interrumpe el estado sensorial que el corte aporta. Ese oscuro escenario se ve asaltado por inquietantes y atormentadas voces que dejan paso a la belleza de su sanativa psicodelia. Aportando multitud de efectos y un clima de misterio completan este magnético relato sonoro.

‘Brno’ se mantiene en ese espacio de oscuridad inmersiva con un clima misterioso repitiendo pausados acordes y casi imperceptibles voces celestiales que afloran desde la lejanía hasta la llamarada de pesadez. Hipnotismo combinado con momentos Doom en un espacio melancólico en el que espantar los demonios interiores. Los franceses lograr transmitir ese momento atormentado con una música que describe un desolador estado de ánimo. La paz sensorial llega con el regreso de bellas melodías y voces aterciopelas bajo una estructura con momentos post-rock. Maravilloso a la vez que depresivo y desgarrador.

La oscuridad y el misticismo se unen entre hipnóticos acordes y gruesos pasajes doom en ‘Mollerusa’. Una sima tenebrosa con volátiles voces silenciosas y un ritmo inquietante a la vez que hipnótico. Eclosionando con una fuerza descomunal la pista nos sume en una lucha constante entre lo terrorífico y lo celestial. En una nueva evolución la pista se vuelve majestuosa bajo su lisérgica atmósfera y la solidez de sus riffs. La canción contiene una dualidad que es resuelta con eficacia consiguiendo que sus alteraciones no rompen su narrativa. Según comenta la banda » Mollerussa es una canción sobre el aislamiento y el miedo a quedarse atrás. Evoca un momento de vulnerabilidad, cuando uno se queda a solas con sus pensamientos, dividido entre el orgullo y la ansiedad. Es una canción íntima, centrada en las conexiones, la confianza y la perseverancia. «. su resultado plasma esos sentimientos, de ahí su triunfo.

Enlazado desde el tema anterior en ‘Novo Mesto’ lo etéreo nos empapa con su belleza en un ejercicio repetitivo absolutamente cautivador. Con reminiscencias Elder en modo doom, la pista gravita con un tono místico que te absorbe hasta aletargarte. Música tántrica con la grandilocuencia del doom más elegante. Estilísticamente contiene una vocación post-rock que transmuta a black metal atmosférico en un ejercicio magistral de composición.

Abriendo un halo de luz, los crujientes riffs de ‘Gerlch’, la canción que cierra el álbum, se adorna con una atmósfera espesa y narcótica bajo un ritmo implacable y marcial. Un tránsito a un nuevo mundo con un carácter liberador. Ahí las texturas post-rock entran en litigio con la oscuridad. Un sueño oscilante y cohesionado del que es difícil despertar. El silencio regresa en un tono celestial, una nueva dimensión en la que la espiritualidad aparece. Me imagino como puede ser el tránsito a la muerte y el renacer en el mundo de los sueños. Me viene a la cabeza momentos de bandas como Amenra o Russsian Circles.

Occult Hand Order

Totem Cat Records

Reseña: MASHEENA.- ‘Let The Spiders In’

Desde tierras noruegas y más concretamente desde ese manantial de rock que es la ciudad de Bergen nos llega una nueva fuerza de la naturaleza, MASHEENA publica su segundo álbum ‘LET THE SPIDERS IN’. Por la senda del rock clásico y el heavy-rock que llenaba estadios décadas atrás, este álbum repleto de ganchos vocales, y ritmos contagiosos está listo para conquistarte. Combinando la visión melódica del hard-rock escandinavo con un sabor sureño y blusero la banda aporta una buena dosis de fuzz. Con una porción pura de heavy rock estas diez canciones están listas para romper corazones y sacudir jaulas con su vibrante energía, y ese groovy bailable. Enérgico y divertido, sin grandes alardes compositivos, ‘LET THE SPIDERS IN’ conecta con el oyente invitándole a la fiesta. Su carácter pesado, sus guitarras asesinas, su aroma sureño y blusero, así como alguna pincelada chamánica, completan un trabajo fresco y sencillo. La fórmula de ‘menos es más’ queda reflejada en el segundo álbum de los noruegos. Fresco y electrizante a partes iguales, el álbum ofrece al oyente una escucha fluida que genera un optimismo necesario en estos tiempos convulsos. Su fusión de heavy-rock, A.O.R. blues, Stoner y rock sureño es una apuesta ganadora gracias a esas melodías y voces que se clavarán en su corazón definiendo la esencia del rock de siempre, ese rock sin complejos que tanta gloria tuvo el siglo pasado.

‘LET THE SPIDERS IN’ está disponible vía Majestic Mountain Records y Ripple Music.

MASHEEENA son:

Luis-Alberto Salomon — Guitarras y voz
Tarjei A Heggernes — Bajo
Bård Heavy Nordvik — Batería y percusión

Por la senda del blues y el hard rock ‘Been Waiting’ evoca el espíritu indómito de los 70’s acompañado de elementos Stoner. Su fuerza y el sentimiento plasmado en sus voces son acompañados de guitarras asesinas, así como buenas dosis de fuzz y un tempo contenido con espíritu sureño.

Vistiéndose de A.O.R. y rock de finales de los 70’s ‘Going To The Mountain’ palpita como una pista de grandes estadios gracias a sus irresistibles ganchos melódicos y su carácter festivo. Una canción más propia de otros gloriosos tiempos.

‘One Eye’ combina el puro hard-rock con un ritmo irresistible y voces melódicas en una conjunción efectiva rebosante de fuerza. Lista para conquistarte.

El heavy-rock de ‘A Game You Don’t Want To Lose’ sube la temperatura por momentos antes de dejarse llevar por cautivadores pasajes psicodélicos en una montaña rusa de rock vibrante con crudos riffs y la calma lisérgica empapada de blues chamánico.

En esta ocasión a ritmo lento ‘Life Is But A Sin’ aúna suaves melodías con desgarradores pasajes que se elevan luminosos en una pista que mantiene la calma con algunos guiños grunge.

Los tonos campestres y el aroma del rock americano de los 70’s aparecen en ‘Sara Lost Her Way’. Rock de grandes masas en su estado más sosegado. Una composición comedida que palpita entre una luminosa atmósfera con ecos sureños.

Con el blues latente ‘In Her Eyes’ es una suave y conmovedora canción que transita por senda del rock clásico. Sin estridencias, sin pretensiones, el lado melódico de esta pseudo-balada define parte del sonido melancólico de la banda.

‘Don’t Tell Her’ es una fiesta de hard rock con algún elemento Stoner intercalado entre unos surcos que rezuman sabor sureño y heavy rock accesible. Evocadora del sonido que conquistó la parte final de los años 70’s con canciones que cambiaban la crudeza por lo melódico con coros y voces acolchadas, así como alguna guitarra filada en pura vena heavy-rock. Vintage. Otro corte para corear en grandes espacios ante audiencias masivas.

Con un aspecto más rugoso ‘Riffy’ se despeña con riffs crujientes y un espíritu de himno contemporáneo con alma heavy-rock ortodoxo. Una pista correcta que funciona in pretensiones en la que el fuzz está presente.

Por la vía rápida la rockera ‘You Owe Me’ nos invita a la fiesta con ganchos con los que conquistar al oyente. Rock and roll en estado puro con ese tono sureño. Una pista llena de fuerza en la que los ecos blues se mezclan con sus pasajes de rock vibrante entre solos asesinos.

Masheena

Ripple Music

Majestic Mountain Records

Reseña: PURPLE SKIES.- ‘A Million Years’

La fértil ciudad noruega de Bergen sigue dando una excelente cosecha y el último brote de ese vergel es la banda que hoy os presento. Si son muchas las bandas progresivas nacidas a la orilla de las aguas del fiordo de Sogn, ahora, de sus aguas emerge PURPLE SKIES para poner la pesadez a sus escarpadas montañas con un álbum que guiña al pasado a la vez que apunta hacia el futuro, capturando la esencia del rock pesado, melódico y honesto con potencia y precisión. Esas raíces proto-doom de los 70’s quedan reflejadas con acierto en nueve canciones épicas. PURPLE SKIES brinda un rock empapado de fuzz que deambula sin reparos entre oscuros riffs aplastantes y melodías legendarias. Dinámicos y controlando los tiempos ejecutan bellas melodías con una interpretación vocal que se mantiene firme dentro de un paisaje sonoro masivo pero controlado. Piensa en bandas como Sleepwulf, Witchcraft. Kadavar o Dunbarrow, todas ellas herederas del legado de Sabbath y añádele un aura psico-progresiva innata en sus genes noruegos, y encontraras la fórmula mágica de su sonido. Inspirados en el stoner rock, el proto-doom y el heavy rock clásico de bandas como Jethro Tull o Focus, PURPLE SKIES tiran la puerta abajo con su debut ‘A MILLION YEARS’. Este fantástico trabajo refleja el resultado de años de evolución y artesanía, pero las raíces pesadas y doom siguen siendo un hilo conductor de un sonido que evolucionó hacia algo más amplio y dinámico con el paso del tiempo. Con una interpretación vocal que se mantiene firme dentro de un paisaje sonoro masivo pero controlado, la banda de Bergen tiende un puente entre la expresión retro y moderna, con raíces que se remontan al pasado pero que conquistan el presente. Si el álbum contiene una pesadez que cualquier viejo rockero amante del proto-doom apreciará, la capacidad para envolver las canciones es lo que le hace verdaderamente único y épico. ¡Únete a la cofradía y encontraras la gloria!

PURPLE SKIES son: Henrik Solheim (guitarra), Marius Aasen Moe (guitarra y voces), Robert Johansen (bajo) y Jøran Mjelde (batería)

‘A MILLION YEARS’ está disponible vía Apollon Records.

‘Haven’ con su potente y pausado ritmo con una cadencia pronto Doom y un aura psico-progresiva aportada por los teclados sirve de manera genial para sumergirnos en este épico relato. Placenteros pasajes en una ondulación sónica descomunal. Un grueso corte con los bordes acolchados.

Entre ritmos Sabbath y momentos Witchcraft ‘Mr. Fear’ plasma la épica nórdica con una melodía que parece anunciar el preludio de la batalla mientras la oscuridad se cierne sobre nosotros. Heavy rock legendario y glorioso.

‘Bitchraft’ es una canción de heavy rock melódico con una atmósfera vintage. Un relato ancestral con instantes progresivos que sin demasiadas complicaciones logra su objetivo.

En un escenario más acogedor ‘Too worm to hell’ se muestra radiante con los focos progresivos evocadores de algunos momentos Jethro Tull, especialmente en la voz. Sus pasajes corales se ejecutan con habilidad en esta sencilla pero hermosa canción.

Los riffs pegadizos son un argumento primordial en sus canciones, pero como demuestra ‘Quite Flowers’ el melódico trabajo compositivo y su encaje en una propuesta pesada es un aval de la banda. En su lado más psicodélico la epopeya de batalla deja paso a un ambiente más seductor reflejado en cómodos pasajes en los que continuar con su relato.

Evocándome por momentos a Kadavar, las delicadas melodías de ‘A million years’ contrastan con su ritmo marcial, con un resultado en el que lo melódico dirige lo pesado. Solos épicos completan la jugada en otra canción sencilla pero adecuadamente hilada.

‘Worthless men’ es una bella canción heavy-prog con guiños Focus, y asombrosas melodías dentro de la ortodoxia. Subiendo la apuesta las guitarras ponen la nota virtuosa haciendo sin exageración. Todo perfectamente cosido.

Con un argumento claro, ‘Archaic freeway’ camina parsimoniosa como un paquidermo venerado por el proto-doom de antaño. En su plomizo tempo hay hueco para tejer otra pista sólida con humildes recursos que resultan efectivos una vez visto el resultado. De nuevo consiguen modular la crudeza tornando la oscuridad en luz momentáneamente.

El epílogo a este emociónate relato del heavy rock legendario llega con ‘Red road’. Su crujiente línea de bajo inicial y ese tono Sabbathico nos sitúa en un misterioso espacio chamánico. Un emotivo relato que vibra entre una melodía repetida y pasajes envolventes con olor a azufre. Como un bucle, la canción repite su sencilla armonía sin estridencias. Geniales una vez mas.

Purple Skies

Apollon Records