Reseña: MAHA SOHONA.- ‘Endless searcher’

El trío sueco MAHA SOHONA consiguió hechizarme con sus dos primeros trabajos, y siete años después ya no tenía muchas esperanzas de que regresaran para maravillarnos con su música, pero ¡¡voilá!!, hace unas semanas nos sorprendían con una nueva y mágica canción. ‘Leaves’ era el preludio de su tercer álbum ‘ENDLESS SEARCHER’. Solo puedo decir que la espera, ha merecido la pena. Después de que su anterior batería se mudase con su familia a Suiza, la banda tenía algunas canciones sin terminar y decidieron finalizarlas con su nuevo batería y amigo de la banda David  Lundsten. MAHA SOHONA cuenta con un cantante que no solo canta, sino que nos susurra cada estrofa haciendo que caigamos rendidos a su poder de seducción. Cautivadores en todas sus facetas, los suecos saben preparar con calma la atmósfera en la que se desarrollan sus canciones. Siempre con un groovy que nos atrapa, sus temas toman los elementos del rock del desierto para escribir su particular historia psicodélica. Su magnetismo en línea Colour Haze se equilibra a la perfección con unas gotas de blues entre sus cristalinos y brillantes riffs; Unas buenas dosis de fuzz narcótico soportado por una poderosa base rítmica, completan sus atrayentes y largas canciones. Sus temas se estructuran con largos pasajes instrumentales ofreciendo el lado más sensual del trio, pero también tienen crestas en las que los ecos del desierto aparecen manteniendo el legado de bandas como Kyuss o sus paisanos Lowrider, en un alto nivel. Todo un viaje sensorial del que no querrás salir nunca, ya que la suavidad de sus magnéticas y bellas melodías, son un regalo que no todas las bandas pueden ofrecer. Sin duda ‘ENDLESS SEARCHER’ es la perfecta banda sonora para contemplar las estrellas en la noche del desierto o en cualquier paradisiaca y solitaria playa; sus canciones te invitan a una búsqueda interior con sus balsámicos y reconfortantes pasajes.  Si hay algo que me falta respecto a sus anteriores álbumes, son esos tonos exóticos que aportaban mística a sus canciones. En cualquier caso, en este, su tercer álbum, siguen ofreciendo alicientes suficientes para volver a darle al play una y otra vez. Porque ‘ENDLESS SEARCHER’ es uno de esos albúmenes que no querrás dejar de escuchar, de esos que uno escucha compulsivamente. Otra característica que se mantiene en el álbum es la perfecta sintonía entre su pesada y eficaz base rítmica y la brillantez del sonido de su guitarra, algo que no está al alcance de todas las bandas. Así consiguen un sonido sólido y cohesionado que logra cautivar tanto a los fans de los sonidos más contundentes, como a los amantes de los sonidos más narcóticos y ‘viajeros’. Perfectamente podríamos usar el tópico de que estamos ante el mejor álbum de psicodelia pesada del año, pero eso, solo el tiempo nos lo dirá. MAHA SOHONA lo tiene todo, unos músicos impresionantes, unas melodías seductoras, una voz sensual y penetrante, así como un groovy irresistible, con el que consiguen magnificas canciones. ¿Se puede pedir más?

Todas las canciones fueron escritas y compuestas por su guitarra y cantante, Johan Bernhardtson, el cual llevaba a la sala de ensayo las mismas, siendo completadas éstas por Thomas Hedlund (bajo) y David Lundsten (batería) tocando algo que hiciera que funcionaran. ‘ENDLESS SEARCHER’ fue grabado “en vivo” en el estudio tocando con guitarra, bajo y batería, todo a la vez el primer día, agregando las voces y algo más de guitarra. Los siguientes 2 días en Järnhjälmen Studio (traducido directamente al inglés significa ‘Iron Helmet’) en Holmsund, en las afueras de Umeå, bajo la dirección de Stefan Johansson que fue el ingeniero de grabación e hizo todas las mezclas para el álbum. El estudio se encuentra en el mismo edificio que el local de ensayo de la banda, habiendo sido usado en alguna ocasión por David, por lo que la banda le pareció oportuno hacerlo allí mismo, ya que el resultado había sido satisfactorio con anterioridad. El arte de portada es obra de Maciejkamuda Art.

‘Leaves’ ha sido el primer tema que la banda nos ofrecía tras un silencio de 7 años. La canción refleja a MAHA SOHONA en el punto en el que nos dejaron. Sumergiéndonos en el suave espacio heavy-psych al que nos tienen acostumbrados, el tema se desarrolla en bosques llenos de hongos mágicos. Sus relajadas melodías nos acarician los sentidos con delicadeza. Con la guitarra emanando vibraciones lisérgicas, el sonido de la banda se muestra complaciente con el oyente proporcionando un gratificante estado de relax. La cálida voz y la instrumentación contenida, hace que la canción flote en su desarrollo llenando la atmósfera de color. Pocas dudas hay de que los suecos saben de qué va esto de la psicodelia pesada contemporánea, y con este tema lo dejan meridianamente claro. El tema incita al dulce balanceo mientras la mente se expande en ese arco iris psicotrópico que tan bien saben construir. Sus acolchados pasajes hacen que el oyente se sienta como en una nube viajando por el cosmos. A lo largo del tema, no faltan las arrancadas de fuerza con riffs rugosos y difusos que ponen el contrapunto a la dulzura presente en toda la canción. La parte final del tema ofrece los riffs más pesados, aportando el tono Stoner a un tema heavy-psych de alto rango. Es difícil regresar de una manera tan brillante tras tantos años de silencio con diez minutos de esta calidad y magnetismo.

Con un tono psicodélico más caleidoscópico y vintage, ‘A black star’ toma vibraciones más propias de los 70’s para sumergirnos en un espacio psicodélico aderezado con ciertos elementos progresivos. Incluso con pinceladas jazz y un hechizante ritmo, los desarrollos instrumentales se alargan en un ambiente de melancolía. Efectos y un aumento de intensidad en el ritmo, hace que la canción nos invite a una bacanal de sonidos psicotrópicos en forma de jam. Si por algo se diferencian MAHA SOHONA de muchas de las bandas de la escena pesada es por el sonido que sale de sus tambores. No son golpes violentos, sino que usan la gama más grave de los parches, lo que hace que incluso eso, resulte mullido para el oyente. Con mas garra de la mostrada hasta ahora, las melodías se elevan en un relato más contundente y vibrante sin abandonar su espacio psicodélico. Stoner de tintes retro con el suficiente gancho como para provocar esguinces cervicales. Estos chicos saben como atraernos al interior de sus canciones, y lo hacen, ofreciendo cada vez un aliciente diferente.

‘Scavengers’ ofrece al trio en su versión más pesada. Sus difusos riffs y sus atronadores tambores nos golpean con contundencia desde los primeros riffs. Con un sonido más inquietante y una cadencia retro en las partes vocales, el tema está lleno de garra. Vibraciones pesadas, pero sin estridencias sin renegar de las buenas melodías, aquí la oscuridad parece haberse adueñado de los suecos. Por una senda más heavy-rock el tema usa elementos proto-metal en sus escasos cuatro minutos. A diferencia de los largos temas anteriores, en esta ocasión van directos al grano, sin preparar previamente la atmósfera.

Con acordes de blues lisérgico ‘Orbit X’ pone el cierre al álbum devolviéndonos a esos tupidos bosques psicodélicos en los que los efluvios de la dietilamida nos narcotizan. Desplegando toda su magia, cada nota nos invita a dejarnos llevar por las envolventes y magnéticas ondas de su sonido. Cautivadores paisajes sonoros se abren ante nosotros para acompañarnos en un trance en el que nuestros sentidos se expanden arropados por sus bellas y extasiantes melodías. El tema se desarrolla en esa suave atmósfera y solo en su parte final los rugosos riffs regresan a escena para aportar el músculo a otro fantástico y cautivador tema.

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Reseña: ELARA SUNTREAK BAND.- ‘Vostok 1’

Los alemanes ELARA SUNTREAK BAND publican vía Sulatron Records su nuevo álbum ‘VOSTOK 1’. Un fascinante, exuberante y cautivador álbum en el que se conjugan las vibraciones más ácidas de los 70’s, con cascadas heavy-psych y tormentas de fuzz desértico de vocación cósmica. Teniendo presente tanto el legado de Hendrix, como el del Rey Lagarto, sus largas jams viajan por un cosmos chamánico en el que los genes de Pink Floyd se enriquecen con ornamentos orientales con un resultado impresionante. Un álbum versátil en el que los sonidos retro cobran una dimensión monumental bajo sus complejos y bien cuidados desarrollos. Sin renunciar a los tonos cósmicos de sus anteriores álbumes, el trio rinde su particular homenaje al 60 aniversario del vuelo de inaugural de Gagarin. Un verdadero túnel del tiempo con un camino de ida y vuelta desde el rock ácido de finales de los 60’s hasta las dunas cósmicas del desert-rock del siglo XXI. Psicodelia ácida, rock espacial y desarrollos progresivos, conforman las cuatro largas pistas que completan los mas de 70 minutos de un álbum mágico. Teniendo en cuenta el legado del pasado, sus cuatro canciones oscilan sorteando los meandros de unas canciones ricas en matices y que se ven beneficiadas por la presencia del órgano y el mellotrón de su invitado Christian Wick. Porque en ‘VOSTOK 1’ hay muchas vibraciones del stoner más sideral, pero también podemos encontrar momentos en los que el sonido The Allman Brothers se mestiza con los ecos Sabbath, el karma de The Doors, los viajes futuristas más psicotrópicos de Pink Floyd y la acidez de la guitarra de Hendrix, ¿Se puede pedir más? Todas estas influencias aparecen sutilmente en unos temas con personalidad propia en los que las cuidadas melodías que muestran el lado más bello de su psicodelia sideral con fuertes connotaciones clásicas. ‘VOSTOK 1’ es uno de esos trabajos que cualquier fan de la psicodelia amara hasta el resto de sus días, porque en él siempre encontrarás esa atmósfera que te atrapa y de la que no desearías salir. Una pequeña obra maestra de la psicodelia pesada en la que el trio alemán confirma todas las buenas sensaciones que nos había ofrecido con anterioridad, y que ahora quedan ratificadas en este maravilloso trabajo lleno de buenos momentos.

‘VOSTOK 1’ está disponible vía Sulatron Records en vinilo azul transparente 2-LP en tapa plegable y CD en digisleeve plegable. Ambos están limitados a 500 copias.

ELARA SUNTREAK BAND son: Daniel Wieland (Bajo, Voz); Martin Wieland (batería, percusión); Felix Schmidt (guitarras, efectos).  Voces invitadas en “Vostok 1” de Felix Seyboth; Órgano Hammond y Mellotron de Christian Wick.

Entre efectos espaciales ‘Nexus’ va tomando forma para eclosionar con riffs desérticos que se despeñan en un torrente heavy-psych. Con una voz ahogada pero llena de fuerza la canción toma un aspecto 70’s. Ese registro vocal a imagen de Ozzy pone el contrapunto al sonido difuso que nos ofrece la banda. Un turbio tema que se siente seducido a lo largo de sus casi veinte minutos por un entorno lisérgico que gran calado. Los solos ácidos toman el protagonismo frente a la barrera turbia del sonido que les custodia. La dualidad entre lo pesado y lo cristalino hace que encontremos dos capas de sonido que se van alternando constantemente. El tercer elemento es precisamente el uso de la voz. Con ese sonido arremolinado, la canción serpentea entre su sonido arenoso y el espacio psicotrópico que describen sus desarrollos de guitarra. Esos solos aplacan la furia del corte para sumergirnos en aguas psicodélicas. Aquí el legado de Hendrix se refleja entre efectos siderales dotando al tema de un tono cósmico. Dejándose llevar por sus instintos van moldeando el tema hasta convertirlo en una jam llena de sonidos psicotrópicos con un aura vintage aportada por las incursiones del órgano. Los sonidos retro afloran con naturalidad antes de decantarse definitivamente por las atmósferas más narcóticas en las que la psicodelia se nutre de los aromas orientales aportadas por esas fragancias exóticas. En la parte central el tema ha mutado completamente respecto de la forma sonora de la que partió. Elementos psico-progresivos se unen a la fiesta aportando nuevas texturas a un tema rico en matices. Estamos ante toda una odisea sonora que explora las fronteras de la psicodelia pesada mostrándonos los distintos escenarios en los que ésta puede desarrollarse. Lo cierto es que todo se hace con una continuidad que nos traslada a magnéticos espacios sonoros más propios de la espiritualidad oriental con cantos tibetanos que ponen el tono místico a un tema profundo y que cala en el oyente con suma facilidad.  Podríamos preguntarnos donde quedaron las vibraciones pesadas herederas del proto-metal de los 70’s, pero, en cualquier caso, los pasajes psicodélicos de la segunda parte del tema nos trasmiten un estado sensorial que abre nuestra mente y gratifica nuestros sentidos.

‘One a drink with Jim’ es un nombre lo suficientemente evidente como para intuir su contenido. Aquí ELARA se visten de Rey Lagarto para transitar por chamánicos espacios desérticos. Con inequívoco carácter doorsiano, el tema nos ofrece suaves pasajes psicodélicos. Todo un trance en tonos místicos en el que la banda explora pasajes transitados por The Doors décadas atrás. Dando más protagonismo al órgano en su primera parte, el tema se desarrolla entre pasajes trascendentales con las dunas como testigo en un entorno solitario. Prescindiendo de riffs pesados, el tema fluye entre locuciones que dotan a la canción de un aura introspectiva. Su belleza se conjuga con la instrumentación envolvente y cálida para reconfortar los sentidos en un ejercicio introspectivo. Su larga duración, con dieciséis minutos, no impide que el tema fluya con soltura sin que resulte monótono. Deleitándose con esos desarrollos de psicodelia transcendental el tema por momentos parece tomar elementos sureños más propios de Allman Brothers sin perder su vocación psicodélica. Mostrando la destreza con la guitarra, los pasajes ácidos se cubren de color en una espiral que parece no tener fin. El resultado es un tema sólido y solvente que engrosa su sonido con unos poderosos tambores y un sonido estratificado con varios niveles de intensidad. Al igual que el corte anterior, el sonido va mutando según avanza el tema, llevándonos a paisajes completamente distintos en cada momento. Esto lo hacen con la habilidad para que nada resulte impostando, siendo el fruto de su buen hacer.

Los pasajes trascendentales aparecen nuevamente en ‘Vostok 1’. Cadentes acordes llenos de magnetismo nos susurran con delicadeza en una pausa que da la sensación de que algo va a pasar. Un insondable espacio psicotrópico que súbitamente se decanta por la psicodelia pesada en todo su esplendor. Un ‘viaje’ tántrico que se adorna con delicadas melodías vocales. Con guiños floydianos el tema desarrolla garra entre sus psicotrópicos efectos y solos en una combinación que funciona a las mil maravillas. Psicodelia de muchos quilates que a buen seguro hará las delicias de los fans acérrimos del género. Si bien estamos ante otro largo tema psicodélico, los desarrollos progresivos se unen a este trance sonoro para aportar texturas diferentes al sonido de la banda. Sus desarrollos interminables van cambiando su aspecto haciendo que el viaje resulte fascinante para el oyente. Con juegos de voces y coros dotan a la canción de un aspecto ensoñador en un épico final lleno de gancho.

 ‘Orange october’ cierra este maravilloso álbum con sus hechizantes desarrollos psico-progresivos. Con un tono vintage, la melancolía preside la parte inicial del tema antes de invitarnos a entornos reconfortantes con suaves pasajes. Voces llenas de sentimientos nos acarician entre ricos acordes que oscilan balanceándose en un entorno plácido para el oyente. Golpeando con riffs más densos exploran un paisaje psicodélico que se ornamenta con ecos de oriente gracias al sonido del mágico sitar. Una bajada de intensidad que nos invitar a descubrir un mundo mágico con sus reconfortantes melodías. Con menos acidez, la canción se decanta por desarrollos más progresivos en esa búsqueda de un sonido único y hechizante.

Elara Sunstreak Band

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Reseña: DELVING.- ‘Hirschbrunnen’

‘HIRSCHBRUNNEN’ es una colección de canciones que muestran una amplia gama de influencias de rock psicodélico, música electrónica antigua, progresivo de los 70, así como jazz e incluso sonidos ambientales que nos muestra una faceta desconocida del líder de ELDER, Nick DiSalvo bajo el nombre de su nuevo proyecto DELVING. Prescindiendo de las voces, y de los riffs Stoner con los que ELDER nacieron, aquí se exploran otras vibraciones hasta ahora desconocidas, o no tanto, si tenemos en cuenta el camino que ELDER ha tomado en los últimos tiempos. Seguramente algunos fans de la banda puedan verse decepcionados por lo que ofrece ‘‘HIRSCHBRUNNEN’, pero sin duda otros podrán expandir su mente para dejarse llevar por estas ocho maravillosas canciones. Con una vocación kraut, y unos esquemas mas propios del ambiente, Di Salvo usa toda la gama cromática de su creatividad musical para deleitarnos por acolchadas canciones llenas de elegancia en las que la psicodelia y los sonidos progresivos exploran los confines del post-rock y la música ambiental. Canciones ricas en texturas en las que las guitarras y los teclados intercambian sus roles para ofrecernos siete maravillosos temas de una gran riqueza compositiva. Con un clasicismo intrínseco, las vibraciones más modernistas de la psicodelia más hipnótica juegan con desarrollos instrumentales de gran monumentalidad. Sustentados en un ritmos poderosos y coloristas, cada canción nos ofrece mil salidas. Todo un conglomerado de estilos y vibraciones dispares que se unen en un coctel sonoro muy apetecible. La calidad y creatividad de DiSalvo están libres de toda duda y este álbum lo corrobora. No se si DELVING es un proyecto con vocación de continuidad, pero lo que si tengo claro que con este álbum ha plasmado las inquietudes de un gran músico en unos difíciles tiempos en los que las actuaciones en vivo han desaparecido de la vida de muchos músicos. ‘HIRSCHBRUNNEN’ es la compensación que la pandemia nos ofrece una vez mas con un proyecto personal de un musico que mira hacia su interior.

El álbum fue grabado, mezclado y masterizado por Richard Behrens y Emanuele Baratto en Big Snuff Studio y está disponible vía Stickman Records.

El propio Di Salvo nos da sus impresiones sobre ese álbum: “Soy un compositor casi obsesivo, trabajo en la música todos los días y acumulo una gran colección de fragmentos de canciones e ideas que a menudo no reciben la atención que me gustaría debido al tiempo que paso con mi banda principal “. DiSalvo explicó recientemente.” Gracias a esta pandemia, he tenido mucho tiempo para aprender algunas de las canciones que escribí durante los últimos años y finalmente hacer un álbum que siempre me he dicho a mí mismo que haría. Desde mis primeros momentos como músico, he estado obsesionado con las grabaciones caseras, rogando a mis padres por una grabadora de casete Tascam de 4 pistas para Navidad cuando tenía 12 años y haciendo mis propios álbumes. ahondar es una continuación de este espíritu creativo: experimentar todo en la mía, olvidándome de las bandas, los fans y las expectativas y haciendo la música que quiera “.

‘HIRSCHBRUNNEN’ ‘fuente del ciervo’ es el nombre coloquial de una gran fuente que preside sobre una gran área verde cerca de donde vivo “. DiSalvo continúa.” Para mí, ha sido extraño ver mi mundo, que normalmente consiste en una buena cantidad de viajes y estímulos externos, reducido a una ciudad, un distrito, una cuadra durante tanto tiempo. Por frustrante que sea, puede que empieces a encontrar inspiración y belleza sorprendente en su entorno cotidiano que de otro modo han ignorado. Así como toda la música que hago está influenciada por mis experiencias, ‘HIRSCHBRUNNEN’ es un producto de esta época única y extraña en la que todos nos hemos visto obligados a ahondar más profundamente en nuestros propios pensamientos.

El álbum abre con ‘Ultramarine’, ocho minutos de experimentación atmosférica sustentada por ritmos kraut y delicados pasajes de guitarra en tonos psicodélicos. Con coqueteos post-rock el tema explora paisajes neo-psicodélicos con elementos electrónicos salidos de unos teclados estratificados que ahondan en su espíritu modernista. Si bien encontramos cambios de ritmo y pasajes progresivos el tema se inclina por un sinfonismo ensoñador. Casi en un espectro más propio de la música ambiental la solidez de sus tambores ofrece un prisma diferente y particular a un corte chamánico. Un clasicismo momentáneo en sus pasajes más sosegados que sirve de pausa ante una embestida mas pesada y envolvente. Todo un arco iris multicolor que no reniega de la esencia pesada de DiSalvo pero que nos ofrece otra perspectiva de su música.

‘Delving’ fluye en una estancia más melancólica con protagonismo de la guitarra hipnótica repitiendo sus acordes. Aquí los paisajes progresivos se muestran esplendorosos en un escenario para la relajación con un trasfondo sólido. Desde su comedida apertura el tema apunta a una explosión que puede suceder en cualquier momento. Un entorno casi minimalista que se enriquece con distintas texturas sonoras flirteando con vibraciones post-rock de gran elegancia. Poco a poco el tema va absorbiendo al oyente haciéndole participe de una narrativa llena de magnetismo. Las sedosas texturas acaban por envolver al tema en un majestuoso atuendo de belleza sin igual en una composición rica en matices.

Sin abandonar ese entorno ambiental presente en todo el álbum, ‘The reflecting pool’ se sustenta en magnéticos ritmos coloristas de los que asoma una línea de bajo excelsa y cálida. Teclados y guitarras se incorporan a una fiesta sensorial en la que cada nota ofrece una visión diferente de la creatividad de Di Salvo. Con todos los instrumentaos ensamblados el tema va ondulando en sus luminosos sonidos con un cierto tono nostálgico.  Nuevamente el escenario progresivo de inclinación post-rock aparece con gratificantes pasajes que mutan constantemente.

‘Wait and see’ mantiene la apuesta por paisajes psico-progresivos con inclinación clasicista. Con los teclados como protagonistas, el tema sigue con los ritmos hipnóticos aportando un gran dinamismo a pesar de describir un entorno más propio de la música ambiental. Usando los instrumentos con destreza los acolchados pasajes transmiten una gratificante calma al oyente. Un tema complejo, pero con un resultado atractivo. Monumental por momentos, psicotrópico en otros, pero sobre todo hipnótico y magnético sin renunciar a los pasajes de romanticismo clásico. Pero el tema no solo se queda ahí, sino que en su parte final nos ofrece una explosión de solos de guitarra con unos ritmos mucho más pesados.

El tema que da nombra al álbum, ‘Hirschbrunnen’, se desarrolla en atmosféricos desarrollos susurrantes de vocación ambient en su apertura, para decantarse por un espacio instrumental de suma belleza.  Envuelto en efectos y teclados sus sedosas texturas flotan con sutileza entre las distintas exploraciones sónicas de Di Salvo. Tupido y versátil, los teclados crean un entorno magnético con sus pasajes progresivos que nunca sabes donde nos van a llevar. ¿Un jardín del Edén?, ¿un mundo mágico?, seguramente solo en la mente de Nick está la respuesta, pero el balsámico tema penetra en nuestros sentidos transmitiéndonos un abanico de agradables sensaciones. Juegos de música electrónica, desarrollos kraut de corte progresiva y ese tono romántico que aparece en cada canción.

Einstürzende Plattenbauten‘ sirve para dar una vuelta de tuerca más. Atrayentes pasajes de guitarra y unos ritmos más intrépidos ponen el musculo a un corte más pesado que no renuncia al virtuosismo para atraparnos en sus surcos. La guitarra incisiva con bellos pasajes de gran magnetismo y los tupidos ritmos dan un giro a los temas precedentes para sorprendernos con un corte diabólico y magistral a la vez. A diferencia de los temas restantes, aquí con tres intensos minutos logra conquistarnos.

Para cerrar, ‘Vat’, con sus once minutos pone la guinda a un magnífico y sorprendente trabajo. Sus atmosféricos pasajes de tonos psicodélicos se salpican de luminosos ritmos kraut entre una instrumentación psico-progresiva. Con pinceladas electrónicas y un magnético bajo el tema va cogiendo forma. Dejándose llevar por pasajes post-rock el tema se engrosa para mostrarse más contundente en largos desarrollos que van intensificando su sonido hasta elevar el tema a un estadio de monumentalidad con tintes cósmicos. Toda una bacanal sónica que acaba por arrollarnos entre guitarras, teclados, efectos, y unos poderosos tambores.  

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Reseña: ASTEROID BLUES.- ‘The Illusion of Design’

Todo lo que se puede esperar de un álbum de psicodelia pesada espacial lo puedes encontrar en el nuevo EP de ASTEROID BLUES. El proyecto de un solo hombre que sabe explorar la psicodelia cósmica como pocos. Con una firme vocación floydiana, ‘THE ILLUSION OF DESINGN’ nos ofrece tres largas jamás en las que este proyecto ruso nos invita a explorar insondables atmósferas psicodélicas en una galaxia lejana. Suaves pasajes instrumentales que se ven adornados por arrancadas de fuzz intoxicante y narcótico en una conjunción de elementos pesados y pasajes lisérgicos.  Sabiendo como crean el paisaje idóneo para que el oyente efectúe un fascinante viaje astral a los confines del cosmos a través temas con un sonido cristalino y un poder de atracción descomunal. Masajeando al oyente con bellas melodías, ritmos inquietantes y balsámicos desarrollos de gran calidad compositiva e interpretativa. Su psicodelia borboteante siempre trata de ofrecer su lado más sensual sin renunciar esas embestidas de fuzz que equilibran su magnético sonido. ASTEROID BLUES, con tres EP’s a sus espaldas y sin hacer mucho ruido, trata de hacerse con hueco en los corazones de los amantes de la psicodelia del siglo XXI con una propuesta honesta y llena de calidad. Cada vez son más este tipo de proyectos individuales que ven la la luz para gozo de los que que amamos los sonidos más psicotrópicos, y en los genes de DenpaFuzz, está el abrirles nuestras puertas para que el mundo puede deleitarse con su propuesta.

‘Fig 1’ abre el EP con diez minutos de sonidos atmosféricos en los que la psicodelia se pone el traje de astronauta para gravitar por los confines del cosmos. Lento, pausado y con un poder magnético impresionante, el tema brota entre multitud de efectos que crean un viento sideral sobre el que desarrollar todo su potencial heavy-psych. Cadente, y sin prisa para eclosionar el tema se construye sustentado en unos sólidos tambores mientras la guitarra adquiere el protagonismo para invitarnos a un viaje a dimensiones desconocidas. Sus plácidos pasajes invitan a la relajación y el disfrute de la mejor psicodelia espacial del momento. Con ciertos interludios, el tema cambia de fisonomía para dejarse llevar por vientos lisérgicos en una espiral psicotrópica de gran magnetismo.  Dotando al corte de pesados riffs todo se despeña en un torrente de fuzz y pedales que crean el escenario perfecto para el desarrollo de la propuesta sonora del único miembro de esta enigmática banda. melodías de ensueño y unos riffs pegadizos consiguen engancharnos al tema con suma facilidad.  

En tonos más exóticos y con un cierto hipnotismo ‘Fig 2’ juega con los sintetizadores y las guitarras brindándonos un caleidoscopio sonoro de lo más atrayente. Repitiendo sus ritmos el tema gravita en atmósferas siderales bajo los efectos de los teclados y los pedales de la guitarra. Con unos firmes tambores una brisa psicotrópica se apodera del corte entre riffs que golpean al unísono. Reverberaciones oscilantes en un mundo etéreo en el que todo sucede con vocación de continuidad. Hilando los pasajes más atmosféricos con riffs de vocación Stoner el tema no cesa en su empeño de ofrecer sonidos lisérgicos. Al igual que en la canción anterior, el tema adquiere intensidad y pesadez en su parte final, todo, sin perder su aura psicodélica.

Cerrando el EP Fig 3’ parte de un lento génesis con suaves acordes que van creando el escenario en el que se va a desarrollar la trama. En una atmósfera espacial llena de misterio, la jam se deja llevar por elementos psicodélicos con sutiles elementos jazz. Ofreciendo riffs rugosos con altas dosis lisérgicas ASTEROID BLUES ondula en un espacio ingravitatorio hacia los confines del cosmos. Creando una auténtica maraña de solos psicotrópicos, el tema se estructura en capas de sonido creando un tejido tupido en el que todo encaja. Un ritmo magnético nos transporta en este viaje interestelar en el que las vibraciones Stoner están presentes incrementando la intensidad de sus reverberaciones heavy-psych.

Reseña: LOWEN.- ‘Unceasing Lamentations’

Aprovechando una actuación acústica en Doomsday Fest Online (Brighton), el pasado mes de diciembre, ‘UNCEASING LAMENTATIOS’ se compone de tres temas improvisados en los que la tradición y el legado de las civilizaciones milenarias de Oriente Medio se plasman en un fascinante relato lleno de sentimientos. Sustentado en la portentosa voz de Nina Saeidi, cantando en sumerio, iraní y acadio, el EP cuenta con los sutiles acordes de guitarra de Shem Lucas para servir de soporte al derroche de sentimientos, sensualidad y espiritualidad en este oscuro relato. Un ejercicio liberador que se fundamenta en la música antigua para reflejar atormentados episodios del pasado que nunca debemos de olvidar. Toda una catarsis sonora que hace que los demonios abandonen el alma para sentirnos libres. La monumentalidad y el poder de seducción que Nina imprime a cada verso hace que estas tres sencillas canciones nos pongan la pausa en el frenético mundo en el que vivimos.  Tres canciones minimalistas que no necesitan de muchos artificios para reflejar toda la belleza que contienen, aquí desde la más absoluta sencillez, LOWEN, prescinde del pesado sonido doom presente en su debut ‘A CRYPT IN THE STARS’ para regalarnos en un ejercicio liberador, toda la magia de oriente y su legado cultural en tres canciones honestas y sencillas, pero llenas de hermosura. Un relato intimista en el que la voz portentosa y superdotada de Nina copa todo el protagonismo ofreciendo otra visión más liviana, sentimental y lírica de la música de LOWEN.

The Exalted One Who Walketh abre el EP con10 hechizantes minutos de cantos ancestrales en los que Nina plasma toda su magia trasladándonos a solitarios y reflexivos espacios de oriente. Cantado en sumerio, transcribe versos tomados de una lamentación de la destrucción de una ciudad sumeria conocida como ‘E-lum didara’. Sus desgarradores tonos místicos que penetran en el oyente bajo una misteriosa atmósfera en la que los acordes de guitarra salpican un tema lleno de desgarradores pasajes en los que Nina plasma todos sus sentimientos. Sus devocionales pasajes reflejan el legado de la música antigua de Oriente Medio. La parte final cuenta con una atmósfera oscura con la guitarra acústica explotando en esta fantástica improvisación en la que el duo trata de reflejar el sonido del pasado en un canto reivindicativo lleno de fuerza. Impactante para el oyente, el tema consigue que se nos pongan los pelos de punta ante el derroche vocal de Nina, una magnífica cantante que aquí muestra otra faceta del sonido de la banda con un resultado fascinante. La variedad de texturas que los registros vocales adquieren son todo un regalo para el oyente a pesar de la sencillez y minimalismo de la composición.

Usando la daf y una caja shrut, Against Evil Done By The Serpent es una transliteración del acadio de una tablilla de arcilla que dirigía la afinación de un instrumento a través de comparaciones metafóricas entre dioses y cada cuerda. Con más protagonismo de la guitarra y el acompañamiento instrumental el tema, ahora cantado en acadio vuelve a reflejar atormentados pasajes llenos emotividad e intensidad. Desde la pausa, la improvisación va tomando forma de canción. Todo un torbellino sonoro que atrapa al oyente, para hacerle partícipe del legado de los ancestros. Un magnífico reflejo de la tradición en una puesta particular y curiosa, pero llena de magnetismo y atractivo. Nina en está ocasión eleva su voz para hacerla serpentear en distintos tonos sin perder un ápice de fuerza. Un tema suave, pero arrollador que vuelve a hechizarnos en un sortilegio mántrico y revelador. Rabia y sensualidad unidas en una cusa común, en nueve minutos llenos de belleza con distintas fases en su desarrollo. Desde pasajes calmados con un erotismo intrínseco en contraste con otros mucho más atormentados.

‘Lalae Madar’ cierra el EP diferenciándose de los cortes anteriores con sus cuatro minutos. Aquí comprimen las estrofas para un desarrollo fluido y oscuro. Con suaves arpegios la guitarra aporta un aura misteriosa mientras Nina sigue con su relato lírico cuyo origen es una canción de cuna iraní que encarna el dolor de la guerra y el abandono que sintieron muchos niños durante la guerra Irán-Irak y, lamentablemente, sigue siendo apta para muchos niños en el Medio Oriente de hoy. La canción de cuna se centra en un niño que ha experimentado el trauma de la guerra al ser consolado por una madre que promete que no los abandonará mientras pisan terreno peligroso incluso en sus sueños. Sus notas, transmiten todo ese dolor que se ceba con los más frágiles. Su tono de tristeza se refleja con acierto en un ejercicio liberador que rinde tributo a la tradición y las costumbres de la civilización más antigua del planeta.