Entrevista/Interview: DOCTOR DOOM

Hace unas semanas los franceses DOCTOR DOOM publicaban por sorpresa su nueva canción ‘In This Town’. Sin ninguna noticia de la banda desde hacia tiempo y sin mas información en el momento de su publicación, ahora se ha confirmado que el nuevo álbum de los franceses verá la luz el próximo otoño vía Ripple Music. Entrevistamos a su bajista Sebastian y a su nuevo guitarra Bertrand, que nos cuentan todos los detalles de la banda y de este nuevo álbum, del que DOCTOR DOOM por el momento, se reserva su nombre.

(English: A few weeks ago the French DOCTOR DOOM releasee their new song ‘In This Town’ by surprise. With no news from the band for some time and no further information at the time of its publication, it has now been confirmed that the new album by the French will be released next fall via Ripple Music. We interview their bassist Sebastian and his new guitar Bertrand, who tell us all the details of the band and this new album, of which DOCTOR DOOM for the moment, reserves its name.)

Foto: Laura Rubio

ENTREVISTA (English below):

DenpaFuzz: ¿Han pasado casi seis años desde la publicación ‘This seed we have sown’ ¿No os parece mucho tiempo sin nuevas canciones? ¿En que habéis dedicado todo este tiempo?

(Sebastian): Bueno, tuvimos que pasar un tiempo buscando a nuestro nuevo guitarrista, Bertrand, y trabajando en las canciones con él. También pensamos que sería una buena idea tocar la mayoría de las cosas nuevas en vivo antes de incluirlas en el álbum, por lo que parte de ese tiempo se ha centrado en ensayar y actuar. También hay que decir que todos tenemos nuestras vidas ocupadas con el trabajo y la familia, y no es fácil dedicar el tiempo suficiente a nuestros proyectos musicales. Hemos estado grabando este álbum desde principios del año pasado y, por supuesto, la actual crisis de salud ha ralentizado aún más las cosas.

DenpaFuzz: La salida de vuestro guitarrista Jeremie, ¿Cómo ha afectado al desarrollo de la banda? ¿Cómo habéis suplido su marcha?. ¿Alguno de vosotros estáis inmersos en algún otro proyecto al margen de Doctor Doom?

(Sebastian): Perder a Jérémie retrasó un poco nuestro progreso, ya que acabábamos de comenzar a grabar el álbum, pero tuvimos la suerte de encontrar a Bertrand a través de un sitio web para conocer músicos, y rápidamente recogió nuestro material y aportó su propia contribución a nuestro sonido. . En general, ha sido una transición bastante fluida y estamos muy contentos con la alineación actual. Con respecto a otras actividades, he estado trabajando lentamente en un proyecto con algunos tipos geniales que se inclinan más hacia el heavy metal, no quiero decir mucho al respecto todavía, pero espero que tengamos algo que mostrar este año y Michel toca en una banda de metal más moderna llamada Worselder, y también en una banda progresiva llamada Host, ambos proyectos geniales, ¡tuvimos suerte de que él también pudiera unirse a nosotros!

(Bertrand) Tengo un proyecto a largo plazo llamado CROOKHAVEN, con mi compañero Scott Dangerfield, un cantante estadounidense que conocí en Irlanda hace unos años. Aquí no hay rock’n’roll, solo música acústica en su mayor parte. Hicimos un álbum hace 3 años y actualmente estamos trabajando en el segundo.

‘EL ÁLBUM Ya tiene un nombre, pero aún no estamos listos para anunciarlo, sin embargo, podemos decirles que habrá ocho canciones, incluida ‘In This Town’,

DenpaFuzz: Según mis noticias el nuevo álbum está ya listo y preparado para salir el próximo otoño vía Ripple Music. ¿Tiene ya nombre? ¿Cuántos temas estarán incluidos en él?

 (Sebastian): Así es, todavía queda un poco más de trabajo por hacer en las grabaciones, pero deberíamos estar listos para el otoño. Ya tiene un nombre, pero aún no estamos listos para anunciarlo, sin embargo, podemos decirles que habrá ocho canciones, incluida ‘In This Town’, que ya lanzamos.

hemos optado por un sonido un poco más crudo para el nuevo álbum

DenpaFuzz: El primer adelanto ‘In This Town’, parece mantener la esencia retro de la banda, si bien noto algo diferente en las voces. ¿Vamos a encontrar en el resto de los temas alguna diferencia en este sentido o es solo una sensación mía?

(Sebastian): De hecho, hemos optado por un sonido un poco más crudo para el nuevo álbum, ojalá sea una mejora con respecto al primero. Hemos pasado mucho tiempo tratando de que todo suene a la perfección para su disfrute. No solo la voz, sino que todos los instrumentos tienen menos producción esta vez, y el resto de canciones irán en la misma línea, aunque cada una con su propio carácter.

DenpaFuzz: ¿Cuál es la fuente de inspiración de vuestras nuevas canciones? ¿Cómo nace una canción de DOCTOR DOOM? ¿Es un trabajo colectivo o cada uno de los temas es obra de alguno de vosotros?

(Bertrand): Para este nuevo disco, realmente no puedo hablar por los demás, ya que la mayoría de las canciones ya estaban escritas cuando me uní a la banda hace dos años. Solo escribí mis solos y algunos fragmentos aquí y allá. Los otros chicos de la banda son mi mayor inspiración de verdad. Por ejemplo, Jean-Laurent o Sebastian crean un par de riffs, un verso o un estribillo, o ambos, y luego trato de desarrollar esas ideas, agrego mi propio toque, tal vez escribo un puente, algunos solos, un outro … Luego grabo algunas guitarras scratch, les envío eso, y luego se recuperan con otras cosas, y así continúa por un tiempo, hasta que todos están globalmente satisfechos. Y luego ensayamos las nuevas canciones, cambiamos algunas cosas más… suceden toneladas de modificaciones de principio a fin. Luego tocas las canciones en vivo y cambias cosas de nuevo … ¡básicamente es una historia sin fin!

(Sebastian): ¡Me gustaría saltar aquí y decir que Bertrand está subestimando su importancia en el nuevo sonido Doctor Doom! Sus grabaciones en las demos y sus arreglos, realmente han traído una nueva dimensión a las canciones existentes, y ha contribuido en gran medida al material que tenemos en proceso para el álbum.

DenpaFuzz: ¿Cómo es el proceso de grabación y masterización, ¿Lo estáis haciendo vosotros mismos o hay alguien ajeno a la banda que se encarga de esa tarea?

(Sebastian): Soy el encargado de las tareas como ingeniero de sonido, hemos estado grabando todo en mi casa. Comenzamos con una grabación de todos tocando juntos para darle una sensación más en vivo, y hemos estado regrabando y sobregrabando algunas partes para darle el nivel de pulido que se espera de un álbum de estudio. El excelente Kent Stump of Wo Fat de Crystal Clear Sound Studio hizo la masterización de In This Town, y planeamos quedarnos con él para el álbum también.

“Chicos, cuando finalmente llegUe este nuevo disco y esté entre sus manos, ¡¡Hazlo sonar fuerte HIJOS DE PUTA!! “

DenpaFuzz: Me consta que son muchos los seguidores de DOCTOR DOOM, que se van a sentir felices con la noticia de un nuevo álbum vuestro. ¿Qué le diríais a vuestros fans?

(Bertrand):  Yo les diría : “Chicos, cuando finalmente llegar este nuevo disco tan esperado y esté entre sus manos, ¡¡Halo sonar fuerte HIJOS DE PUTA!! “

DenpaFuzz: Si bien vosotros lleváis un tiempo en el dique seco, el resto de la escena está prácticamente sin actividad desde que el Covid llegó. ¿Cómo estáis viviendo estos tiempos convulsos?

 (Sebastian): Como dijimos anteriormente, ha hecho que la grabación del álbum lleve más tiempo de lo que debería, y no ha habido conciertos para nosotros. Sin embargo, el momento no fue el peor posible para nosotros, ya que habíamos decidido centrarnos en la grabación en lugar de actuar durante 2020. Lo bueno es que, aunque hemos estado trabajando para conseguir las canciones actuales, hemos estado “trabajando desde casa ”sobre ideas para el tercer album”. A menudo le lanzamos algunos riffs a Bertrand y él es un maestro en producir arreglos completos a partir de nuestras ideas y en hacer grabaciones de las demos para mostrar cómo pueden sonar. El próximo álbum debería llevar menos tiempo (tocaremos madera) ya que muchas de las canciones están bastante compuestas. Si las restricciones continúan una vez que hayamos terminado con el álbum actual, pasaremos directamente a grabar el nuevo material.

DenpaFuzz: En el mes de abril teníais previsto participar  en el festival británico HRH Psych en la ciudad de Liverpool junto a grandes bandas como Electric Moon, Oresund Space Collective, Cosmic Dead, Red Spektor, etc… La actual situación pone en peligro su celebración ¿Será posible que se podáis tocar allí finalmente? ¿Tienes previsto algún show en los próximos meses? Al hilo de esto, ¿como veis la situación actual de la escena post-Covid?

(Sebastian): Desafortunadamente, anunciaron que el festival se retrasó hasta el próximo año. Ahora será el 16 y 17 de abril de 2022, ¡pero estaremos allí! Actualmente no es realmente posible tocar muchos shows aquí, así que no tenemos nada planeado todavía, y como mencionó Jean-Laurent, hemos estado aprovechando este tiempo al máximo para enfocarnos en nuestras grabaciones, así que no lo hemos hecho. estado buscando activamente trabajos. Ha sido interesante ver el aumento de las transmisiones en vivo durante este tiempo, es genial que algunas bandas todavía estén tratando de salir a la luz a pesar de las dificultades. Todas las artes escénicas se han visto muy afectadas por esta crisis, y creo que llevará un tiempo volver a la “normalidad” nuevamente. ¡Crucemos los dedos para 2022!

DenpaFuzz: Solo me queda agradeceros vuestras palabras y desearos mucha suerte con este nuevo álbum que está por venir. Espero que pronto podamos encontrarnos en algún concierto.

(Sebastian): ¡Muchas gracias por tu trabajo llevando noticias musicales a la gente en estos tiempos difíciles! Nos encantaría poder hacer otra gira por España cuando todo esto termine.

(Bertrand): Gracias por su interés en la banda, y de hecho espero verlos a todos en un concierto caliente y sudoroso en algún lugar y beber algunas pintas juntos.

(Traducción: Laura Rubio)

Foto: Laura Rubio

ENGLISH:

DenpaFuzz: (It’s been almost six years since the release of “This seed we have sown”, Doesn’t that seem like a long time without new songs to you? What have you been doing all this time?)

Sebastian: (Well, we had to spend some time finding our new guitarist, Bertrand, and working on the songs with him. We also thought it would be a good idea to play most of the new stuff live before committing it to the album, so some of that time has been focussed on practicing and performing. It also has to be said that we all have busy lives with work and families, and it’s not easy to make enough time for our musical projects. We have been recording this album since the start of last year, and of course the current health crisis has slowed things down further.)

DenpaFuzz: The departure of Jeremie, how did it affect the development of the band? How did you fill his role? Do any of you have other projects outside of Doctor Doom?

(Sebastian): Losing Jérémie did delay our progress a little, as we had just started recording the album, but we were very fortunate to find Bertrand through a website to meet musicians, and he has quickly picked up our existing material and brought his own contribution to our sound. It’s been a fairly smooth transition overall, and we’re very happy with the current lineup. Regarding other activities, I’ve been slowly working on a project with some cool guys that’s leaning more towards heavy metal, don’t want to say too much about it just yet, but hopefully we’ll have something to show this year and Michel plays in a more modern metal band called Worselder, and also a progressive band called Host, both cool projects, we were lucky he was able to join us too!

(Bertrand) I have a long distance project called CROOKHAVEN, with my mate Scott Dangerfield, an American singer I met in Ireland a few years ago. No rock’n’roll here, just acoustic music for the most part. We did an album 3 years ago and we’re currently working on the second one.

DenpaFuzz : According to my sources, the new album is ready to go next autumn vía Ripple Music. Does it already have a name? How many songs will there be?

(Sebastian): That’s right, there’s still a little more work to do on the recordings but we should be ready for autumn. It does already have a name, but we’re not quite ready to announce that yet, we can tell you however that there will be eight songs, including In This Town, which we have already released.

DenpaFuzz: The first song “In This Town”, seems to keep the same retro essence of the band, but I can feel something different in the voice. Is it just me or will the voice also be different on the rest of the songs?

(Sebastian): Indeed we have gone for a bit more of a raw sound for the new album, hopefully it’s an improvement over the first one. We’ve spent a lot of time trying to get everything sounding just right for your enjoyment. Not only the voice, but all of the instruments have less processing this time, and the other songs will be in the same vein, although each with its own character.

DenpaFuzz: Where does the inspiration for your new songs spring from? How is a Doctor Doom song born? Is it team work or is each song written by one of you?

(Bertrand): For this new record, I can’t really speak for the others since most of the songs were already written when I joined the band two years ago. I just wrote my solos and a few bits here and there. The other guys in the band are my biggest inspiration really. For instance, Jean-Laurent or Sebastian come up with a couple of riffs, a verse or a chorus, or both, and then I try and develop those ideas, add my own touch, maybe write a bridge, some solos, an outro… Then I record some scratch guitars, send them that, and then they bounce back with other stuff, and it goes on like that for a while, until everyone is globally satisfied. And then we rehearse the new songs, we change some more stuff… tons of modifications happen from start to finish. Then you play the songs live, and you change stuff again… basically it’s a never ending story!

(Sebastian): I’d just like to jump in here and say that Bertrand is underselling his importance in the new Doctor Doom sound! His demo recordings and arrangements have really brought a new dimension to our existing songs, and he has contributed heavily to the material we have in the works for the album after this one.

DenpaFuzz : What is the recording and mastering process? Are you doing it yourselves or is someone outside of the band in charge of this?

(Sebastian): I’m the one in charge of audio engineering duties, we’ve been recording everything in my home. We started with a recording of everyone playing together to give it more of a live feel, and we have been re-recording and overdubbing some parts on top of this to give it the level of polish expected of a studio album. The excellent Kent Stump of Wo Fat fame from Crystal Clear Sound Studio did the mastering for In This Town, and we plan to stick with him for the album too.

DenpaFuzz: I am aware that many Doctor Doom followers, are going to be happy about the news concerning the new album. Is there something you would like to say to them?

(Beltrand): I’d say to them: “ Guys, when you finally get this long awaited new record between your hands, just PLAY IT LOUD MOTHERFUCKERS!! “

DenpaFuzz: You have been quiet for a while, as most of the scene is right now since Covid is here. How are you experiencing these agitated times?

(Sebastian): As we said above, it has made recording the album take longer than it should have, and there have been no concerts for us at all. The timing wasn’t the worst possible for us though, as we had already decided to focus on recording instead of performing during 2020. What’s great is that while we’ve been working on getting the current songs down, we have been “working from home” on ideas for the third album. Often we’ll throw some riffs at Bertrand and he is a master of producing full arrangements from our rough ideas and making demo recordings to show how they could sound. The next album should take less time (touch wood) as a lot of the songs are pretty much composed. If the restrictions continue once we’re done with the current album, we’ll just go straight onto recording the new material.

DenpaFuzz: In april it was planned for you to play in the British festival HRH Psych in the city of Liverppol, alongside great bands such as Electric Moon, Oresund Space Collective, Cosmic Dead, Red Spektor,etc… The current situation puts in danger its celebration. Do you think it’s going to be possible to play there in the end? Do you have any shows planned for the next months?, Talking of which, How do you see the current post Covid scene?

(Sebastian): Unfortunately they just had to announce that the festival has been delayed until next year. It will now be 16th and 17th April 2022, but we’ll be there! Currently it’s not really possible to play many shows here, so we don’t have anything planned yet, and as mentioned by Jean-Laurent, we’ve been making the most of this time to focus on our recordings, so we haven’t been actively looking for gigs. It’s been interesting to see the rise of live streams during this time, it’s great that some bands are still trying to put themselves out there in spite of the difficulties. All of the performing arts have been hit very hard by this crisis, and I think it will take a while to get back to “normal” again. Let’s keep our fingers crossed for 2022!

DenpaFuzz: All that’s left to say is thank you for your words, and wish you a lot of luck with your new album. I hope to see you soon in a concert.

(Sebastian): Thank you very much for your work bringing music news to people in these troubled times! We would love to be able to do another Spanish tour when all this is over.

(Bertrand): Thanks for your interest in the band, and indeed hope to see you all in a hot sweaty gig somewhere and drink some pints together

DoctoR DooM

Ripple Music

Entrevista: EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO

El pasado 19 de marzo EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO, publicaban su último trabajo ‘TRINIDAD’ (reseña, aquí.) El cuarteto pasaba por Madrid en la gira de presentación del mismo ofreciendo dos shows el pasado Jueves Santo en la Sala Independance Club, donde dejaban patente una vez más que son una de las mejores bandas en directo del pais, y que su particular puesta en escena rompe los esquemas de aquellos que asisten por `primera vez a un concierto suyo. Con un show matinal y otro por la tarde EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO descargaba su devocional apuesta por los sonidos post-rock, post-metal y doom con una solvencia digno de halago. A su vez dejaban patente que la CULTURA ES SEGURA, y que si, con las debidas medidas de seguridad los conciertos son posibles. Sobre sus nuevo disco y sobre otras cuestiones aprovechamos para hablar con su bajista Sky Bite el cual nos daba algunos detalles del álbum y sobre la banda en la siguiente entrevista..

DenpaFuzz: Acabáis de publicar un nuevo trabajo, ‘TRINIDAD’. Tras casi diez años en la carretera, primero como dúo, luego como trio y ahora como cuarteto, tres lp ‘HE’, ‘SHE’ y ‘IT’y varios EP’s, da la sensación que con esta nueva trilogía EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO comienza una nueva etapa, ¿Esto es así? ¿Se plantea un nuevo futuro para la banda?

Sky Bite: Sí, han sido momentos complicados para nosotros, dejábamos atrás un tour muy extenso que se paró en seco y un montón de proyectos de futuro truncados. Pero de esa rabia y esa desesperanza nacieron estas tres canciones donde nos pareció oportuno reflejar precisamente esos tres “elementos” que hacen tanta falta hoy en día, la Fe donde tratamos de transmitir que la gente debe aferrarse a algo (en nuestro caso a la música), la Esperanza una donde intentamos dar un halo de luz entre tanta oscuridad y malas noticias y para finalizar Caridad la que para nosotros es la canción más importante de la banda en muchos sentidos y en cuyo videoclip quisimos reflejar nuestro humilde homenaje a las personas afectadas por la pandemia.

DenpaFuzz: Sois una banda en la que nada parece dejado al azar, en la que todo tiene un por qué y está perfectamente diseñado y premeditado. En este nuevo trabajo, compuesto por tres temas, habéis lanzado tres videos de cada uno de ellos, y ahora el trabajo completo, con el añadido de vuestro Ep de 2016 como ‘extra’ en la edición en vinilo. Os he escuchado comentar que ‘Trinidad’ no será lo único que escuchemos vuestro durante este año. ¿Eso quiere decir que tendremos más música nueva del ALTAR DEL HOLOCAUSTO EN 2021?

SkyBite: En este año pasado tan convulso, hemos tenido ocasión de pasar más tiempo juntos para componer y trabajar sobre estas composiciones, centrándonos en cada uno de los momentos de cada tema y poniendo más que nunca los sentimientos en las canciones. Como señalas no dejamos nada al azar, y este disco está estructurado así de manera consciente, queremos que el oyente en la medida de lo posible escuche el disco de principio a fin, experimentando cada pasaje como suyo propio. Nuestras mentes no dejan de trabajar en ningún momento y siempre estamos intentando crear nuevas atmósferas.

‘Queremos que el oyente en la medida de lo posible escuche el disco de principio a fin, experimentando cada pasaje como suyo propio’

DenpaFuzz: A pesar de vuestra producción discográfica, no tengo duda de que sois una banda de directo. Pocas bandas nacionales tienen tantas actuaciones al cabo del año como vosotros, de hecho, y debido a la pandemia tuvisteis que cancelar las últimas fechas de la gira de presentación de vuestro anterior Lp ‘IT’, pero ya estáis de nuevo en la carretera con varios shows programados para las próximas semanas, ¿Cómo os ha afectado este parón debido a la pandemia? Y ¿Cómo os planteáis estas nuevas actuaciones con las restricciones de aforo y las medidas de seguridad? ¿creéis que vuestra propuesta llegará igualmente a la gente que asista a vuestros conciertos?

Skybite: Ahora mismo hermano, lo que queremos es presentar TRINIDAD en todas las homilías posibles, por supuesto ajustándonos a la normativa vigente en cada momento y adaptando nuestro show a esas medidas. Ahora mismo estamos empezando a rodar y estamos muy contentos de los primeros shows. Este próximo Jueves santo haremos en Madrid doble pase para presentar el disco y tenemos muchas más fechas que más adelante iremos desvelando para reencontrarnos con todos nuestros feligreses.

‘Es necesario transmitir el mensaje de que la cultura es SEGURA y necesaria para vivir ‘

DenpaFuzz: Al hilo de la pregunta anterior ¿Cómo veis el futuro de la música en directo a lo largo del año? En vuestro último Ep ‘Trinidad’ uno de los temas es ‘Esperanza’, ¿Tenéis esa ‘esperanza’ en que el ‘divino’ haga que la situación vuelva a algo parecido a la normalidad? ¿Sois optimistas?

SkyBite: Sí hermano, Siempre mantenemos esa Esperanza y aunque creemos que este año va a seguir con restricciones, sabemos que es algo que volverá y que podremos disfrutar todos de nuevo. Es necesario transmitir el mensaje de que la cultura es SEGURA y necesaria para vivir. Ahora mismo tenemos que disfrutar de cada homilía que podamos realizar.

DenpaFuzz: Hablando de cuestiones divinas, tengo un par de curiosidades por resolver. El nombre del Altar del Holocausto para la banda, de donde sale, ¿Cuál es su origen y de quién fue la idea de este?

SkyBite: El nombre de la banda no es más que una cita bíblica, concretamente Éxodo 27: 1-8. En dicho Altar el sacerdote sacrificaba varias ofrendas, algunas por sus propios pecados y otras por los pecados del pueblo. Mediante estas ofrendas se llegaba a ser perdonado y aceptado por Dios. En el momento de la elección del nombre nos pareció una cita impactante y que encajaba muy bien con la propuesta.

Nuestra indumentaria es un hábito que utilizamos para cubrirnos ya que siempre hemos dicho que creemos que no es necesario mostrar nuestros rostros para poder transmitir nuestra música’.

DenpaFuzz: Vuestra puesta en escena con toda la parafernalia religiosa, así como vuestro propio vocabulario, nombre de canciones, etc, (y sin tratar de ser impertinente ni irrespetuoso) ¿Es solo una pose impostada, una crítica a la religión o realmente sois creyentes? Si me atrevo a hacer esta pregunta es porque en multitud de ocasiones en vuestros conciertos me he encontrado con gente con opiniones de los más dispares, incluso, cuando he compartido algún video vuestro o alguna de las fotos que he hecho de vuestros shows, gente de fuera de España se ha sorprendido e incluso algunos (varios) me han preguntado si erais seguidores del KU KLUX KLAN. A veces es difícil discernir esto…

SkyBite: Cada persona es libre de interpretar nuestra propuesta. Nosotros creemos en ella y creemos que es bueno que toda la gente se pueda acercar a disfrutarla. Nuestra indumentaria es un hábito que utilizamos para cubrirnos ya que siempre hemos dicho que creemos que no es necesario mostrar nuestros rostros para poder transmitir nuestra música.

DenpaFuzz: Igualmente, el hecho de que en vuestros conciertos no se os pueda ver quienes sois, ¿obedece a un ánimo de mantener la incógnita sobre quién está detrás de los instrumentos y eso pueda despertar más interés y expectación en el público o se trata de llevar la puesta en escena al detalle cuidando todos los detalles? No me negareis que eso es un buen marketing, jajaja. ¿Os veremos alguna vez sin disfraces? Me consta que no sois tan feos, jajajajaja (es broma) ¿Os lo habéis planteado en algún momento?

Skybite: Como te he comentado anteriormente, nosotros no vemos necesario mostrar quién es cada persona que está interpretando la música. Intentamos que sea la música la que hable por nosotros, la que transmita los sentimientos, y la que haga que cada feligrés pueda descubrir sus percepciones hacia ella. No es una opción que barajemos ya que es algo en lo que hemos estado muy convencidos desde el principio.

DenpaFuzz: Vuestra música y por ende vuestra puesta en escena están llena de misticismo, ofreciendo por un lado la parte oscura del misterio religioso, pero, por otro lado, también de la mística. Tengo la sensación de que con ‘TRINIDAD’ tal y como reflejé en mi reseña del disco, esto cambia. Si antes aparte de los predominantes sonidos post-rock, había muchos momentos post-metal y doom, y en este último trabajo encuentro más melodías, unos temas más lineales, sin tantos cambios de ritmo, menos doom, y por otro lado, vuestras canciones, hasta ahora era difícil de recordar sus interminables nombres, sin embargo, aquí, tres temas, tres palabras. ¿Responde esto a ese ‘cambio’ y al comienzo de una nueva etapa en la banda?

SkyBite: Este nuevo disco Trinidad viene compuesto en un año que ha sido muy difícil para todo el mundo. Este nuevo disco tiene tres pilares en los que creo que todxs debemos basarnos y son la Fe, la Esperanza y La Caridad. Creemos que es un disco más luminoso, que pueda transmitir algo bueno a todo el mundo que lo escuche. Este es el disco que hemos trabajado y del que nuestras ideas han fluido.

DenpaFuzz: ¿Cómo nacieron las canciones de ‘Trinidad’? ¿Eran conceptos que ya estaban perfilados, o por el contrario los nuevos tiempos pandémicos os inspiraron para hacer un trabajo así? Al igual que antes os comentaba que mi reseña del mismo percibía un trabajo más luminoso y melódico, también he tenido la sensación de que os atrevíais a incorporar elementos de blues o jazz. Esto no significa que vuestra esencia no esté presente que sin duda lo está, pero ¿Esto también forma parte de ese aparente cambio en vuestro sonido?

Skybite: Como comentaba antes hermano, por supuesto que TODO ha influido en este disco. Esperanza es un tema que como bien señalas tiene toques Blues, pero es una cosa que surgió y que por supuesto trabajamos sobre ella y dio como resultado ese tema que para mí es algo totalmente innovador dentro de la música de EADH, ese inicio que te lleva a desembocar en un final muy Doom que es algo que consideramos marca de la casa.

Intentamos que sea la música la que hable por nosotros, la que transmita los sentimientos, y la que haga que cada feligrés pueda descubrir sus percepciones hacia ella

DenpaFuzz: Hasta ahora todas vuestras canciones son instrumentales, con contados pasajes recitados y alguna voz, pero un pajarito me ha dicho algo sobre que próximamente podemos tener sorpresas con la incorporación de alguna voz. Me atrevo a aventurarme, ¿Podemos ver en el Altar algo como lo que hemos visto en el último álbum de Acid mess, con voces flamencas o tonos andaluces?

Skybite: Es algo que de momento no hemos barajado pero por supuesto que estamos abiertos a cualquier colaboración. Todo sea llevar más adelante nuestra propuesta.

DenpaFuzz: Como antes he comentado, sois una banda infatigable en cuanto a actuaciones en directo, habéis recorrido todos (o casi todos) los rincones de nuestra geografía ysi no me equivoco habéis tocado en Francia y en Portugal, donde coincidí con vosotros, el salto a Europa, ¿es vuestra asignatura pendiente? ¿Tenéis planes al respecto que podáis desvelar? ¿Cómo pensáis que puede entenderse vuestra música y vuestras performances fuera de nuestras fronteras?

SkyBite: Estamos en un momento en el que vamos a trabajar con toda la fuerza en llevar nuestra música a todos los lugares donde se pueda. Por supuesto ahora tenemos que ir poco a poco, tenemos la intención de anunciar los shows de mes a mes y siempre teniendo en cuenta que vamos a demostrar que la cultura es SEGURA Y NECESARIA.

DenpaFuzz: Debido a la pandemia, las cancelaciones de festivales y conciertos en pequeñas salas, no dejan de sucederse. En ese nuevo futuro del que hablamos, ¿Cómo pensáis que va a quedar la escena de la música en vivo? ¿Os sentís más cómodos en una sala pequeña o en un festival? ¿Pensáis que habrá que reinventarse?

Skybite: Nosotros somos una banda que se encuentra muy cómoda en directo, sea cual sea el formato. Tú nos has podido ver este pasado Jueves Santo y disfrutamos cada momento de una manera muy especial. Ahora es lo que toca y con lo que estamos muy contentos es con poder presentar nuestra música en todos los rincones posibles.

DenpaFuzz: Muchas gracias por vuestras palabras, felicidades por vuestro trabajo y si queréis mandar algún mensaje a vuestros fieles…. En DenpaFuzz siempre tendréis vuestro pulpito….

Skybite: Un abrazo a todxs los trabajadores del sector cultural que hacen posible que podamos seguir adelante y por supuesto que toda la gente se acerque a escuchar Trinidad.

El Altar Del Holocausto

Premiere: SLAVEDOWN ‘The enemy inside’ y track by track

Los gerundenses SLAVEDOWN publican su segundo álbum ‘THE ENEMY INSIDE’ vía La Familia Revolución. Desde Denpafuzz tenemos el honor de ofreceros en exclusiva la escucha del álbum antes de su publicación en el día de mañana, así como el ‘track by track’ en el que cada miembro de la banda nos comenta cada canción de este trallazo que es ‘THE ENEMY INSIDE’ un álbum que golpeará traseros.

Tres años después de su alabado álbum debut, vuelven a la carga con las pilas cargadas. Ofreciendo buenas dosis de crudo hard-rock y una tormenta de riffs Stoner-metal. Así lo atesoran temas como ‘S.I.R. (Slave i remain)’, seguramente la mejor manera de abrir un álbum, directo a la yugular o ‘Come and see the Monster rise’ en los que las reminiscencias del heavy metal se conjugan con los dictados Stoner. Los ecos sureños aparecen en canciones como ‘You can’t have it anymore’ con sus crujientes riffs o la aplastante ‘Deliver us from evil’ en la que el legado del hard-rock más primitivo se amasa con estribillos pegadizos. Entre esta avalancha de fuerza, y tras coqueteos thrash como ‘Posion as cure’ encontramos pistas más sosegados como ‘Sharing the cross’ en el que los gerundenses parecen sentirse seducidos por el legado de The Doors en una particular visión hard-rockera con tonos épicos. En definitiva, ‘THE ENEMY INSIDE’ es un trabajo sólido, crudo y contundente, que sorprenderá a aquellos que todavía no saben como se las gastan estos chicos.

La banda nos repasa tema a tema el contenido de ‘THE ENENY INSIDE’, un álbum llamado a hacer correr ríos de tinta por su carácter primitivo, pesado y troglodita, pero también por su buena producción y versatilidad. Un trabajo en el que el hard & heavy coquetea con el Stoner y el metal de una forma solvente y concluyente.

TRACK BY TRACK:

S.I.R. (Slave I Remain)

Corso: Un viaje catártico por el largo y tortuoso camino de la vida. Sin arrepentimiento.
Runo: Una locomotora sonora. Es directo y contundente. Es la “sonidificación” de la rabia y su catarsis.
Villano: Riff poderoso, cajas a negras y gritos de dolor, no le puedes pedir más a un inicio de disco.
Gere: S.I.R. es un claro ejemplo del trabajo a cuatro manos en Slavedown, se compuso en una hora, a partir de un riff con tintes clásicos. Cada uno puso en este tema una parte de cerebro y nueve partes de corazón. Cogió forma mientras lo tocábamos, alimentándonos de la misma energía que estábamos generando. Es una declaración de guerra a las clases altas, pero sin complejos, desde una posición de poder.

Come and see the monster rise’

Corso: La incomprensión del ser humano hacia lo diferente, lo extraño. Un grito en el vacío.
Runo: Un tema que suena gigante, precisamente como un monstruo. El peso de las guitarras con el paso firme de bajo y batería hacen que el rugir de la bestia sea glorioso.
Villano: ‘Come and see the Monster rise’ es una aria barroca bañada en melancolía.
Gere: Esta pieza es un vals, un tres por cuatro si nos ponemos exquisitos con la nomenclatura musical. Rabia y tristeza a partes iguales, como cuando te sientes parte de una causa perdida pero no puedes parar de avanzar. En un mundo justo, con esta canción nos habríamos garantizado una pensión a base de royalties, pero eso es otra causa perdida.

‘Not to fall back again’

Corso: La no-rendicion. La lucha por tus ideales hasta el final. Una patada en los cojones al destino.
Runo: Probablemente el shuffle con más mala leche de la historia reciente del Rock.
Villano: Toneladas de actitud de una banda de barrio para enfrentar un mundo hostil.
Gere: Seguramente la manera apropiada de escuchar este tema sea atado a una silla, mientras un policía de la secreta te muele a palos.

You can’t have it anymore’

Corso: La frustración por el rechazo. El nacimiento de la ira, el odio y el rencor.
Runo: Para mi es la demostración empírica de que hay groove en el rock más allá del alcohol y la mala leche, que ya molan
Villano: ¿Quién le pone un efecto flanger a la batería en el año 2021? Slavedown.
Gere: Uno de mis favoritos, pasa del groove enfermizo a la NWOBHM sin despeinarse y se va por donde ha venido, pero dejando poso. Si queréis aflojar un tornillo que se os resiste, acercadlo al altavoz mientras suena la intro. Este bajo con fuzz está diseñado para poner a prueba cualquier estructura industrial.

Poison as cure’

Corso: Un canto al hedonismo. Una mirada al abismo. Una cura demencial para la supervivencia diaria.
Runo: Hemos probado de encajar el filo del Thrash en nuestra movida. No solo creo que lo hemos logrado sino que nos hemos pasado de vueltas, y no, no lo digo como algo malo.
Villano: Rápido, Sucio y atemporal.
Gere: Empezó como un tema influenciado por el Thrash de los 80s y acabó siendo una de las piezas más locas del disco, la parte central y el solo son demenciales. La más rápida sin duda, cojonuda para arrancar la cara B de esta obra.

Deliver us from evil’

Corso: Una alegoría sobre el sentimiento de pertenecer a algo y protegerlo con pasión.
Runo: Si Slavedown fuera una religión, este tema sería su plegaria. Sonidos agresivos con decisión para acompañar la voz de Corso. Para que difunda el mensaje.
Villano: Un buen ejemplo de como Slavedown hace un buen cocktail con las influencias de cuatro degenerados. ¿Qué puede ir mal?
Gere: Que se vayan poniendo en fila india nuestras influencias clásicas, que les vamos a dar el tratamiento Slavedown… A estas alturas del trabajo ya te has dado cuenta de que no hacemos ni guiños ni concesiones, aunque sintamos el más absoluto de los respetos por todas las bandas que forman nuestro imaginario.

‘Sharing the cross’

Corso: Un acercamiento al miedo. Un abrazo a la soledad y al dolor. El principio del fin.
Runo: Es nuestra faceta más progresiva y psicodélica. Intrigante, fría e incómoda. Crea una atmósfera tan oscura como el propio ente que es Slavedown.
Villano: Una nana diabólica.
Gere: Esta banda es un cocktail de melomanía, y este tema un viaje a sonidos menos presentes en la mezcla, pero igualmente importantes. Toda la densidad de estas atmósferas se consiguió tocando las guitarras con un E-Bow, un artilugio que excita las cuerdas mediante electromagnetismo sin tener que rascarlas. Imposible escribir un tema así si el LSD no ha tenido peso en tu camino vital.

‘Forgiveness’

Corso: La redención final. La búsqueda del perdón imposible. Un lamento sobre la pérdida.
Runo: Para mi un himno. La instrumentación es la plataforma ideal para los puños en alto de muchas voces proclamando su estribillo.
Villano: Este tema es el grito animal de la banda abriéndose paso.
Gere: Queríamos acabar el disco con un tema que dejara con ganas de más… Este es perfecto, si no tarareas el estribillo mientras le vuelves a dar la vuelta al disco deberías ir al endocrino.

En su edición física, el disco se puede encontrar en tres formatos:

EDICIÓN BLACK VINYL 
EDICIÓN BLACK VINYL + CD
EDICIÓN DELUXE LIMITADA A 100 COPIAS, WHITE VINYL  + CD

Slavedown

La Familia Revolución

Entrevista (interview) & track by track con Kiryk Drewinski (WEDGE) (Español-English)

El pasado 15 de enero se publicaba vía Heavy Psych Sounds ‘LIKE NO TOMORROW’, el tercer álbum de los berlineses WEDGE. Para conocer todos los detalles de este nuevo álbum, hablamos con KIRYK DREWINSKY, su líder, guitarra y cantante. KIRYK nos cuenta todos los detalles tema a tema.

(Read the interview in english below)

(On January 15th, ‘LIKE NO TOMORROW‘, the third album by Berliners WEDGE, was released via Heavy Psych Sounds. To find out all the details of this new album, we spoke with KIRYK DREWINSKY, its leader, guitar and singer. KIRYK tells us all the details track by track).

ENTREVISTA EN ESPAÑOL:

DenpaFuzz: Desde que WEDGE lanzó su primer álbum en 2014, hasta este tercer álbum, han pasado casi 7 años hasta este nuevo álbum lanzado el pasado 15 de enero. ¿Sois una banda que se lo toma con calma?

Kiryk: No necesariamente. El lanzamiento se planeó originalmente para principios de 2020, pero a veces el destino (en este caso un pequeño virus) te juega una mala pasada. En general, la brecha bastante larga entre nuestro primer y último álbum también se explica por el hecho de que lanzamos nuestro debut bastante rápido. Ya lo habíamos grabado por completo antes de tocar un solo concierto o encontrar el nombre de una banda. Heavy Psych Sounds nos había dado la oportunidad de lanzarlo de inmediato, así que lo tomamos, calientes como estábamos (ni siquiera tuve tiempo para diseñar una portada “real”, así que hice la portada de la foto simple, muy atípica para mi). Después del lanzamiento del primer álbum, tuvimos que ponernos al día con lo que las bandas hacen realmente antes del lanzamiento de un debut: ensayar un set completo en vivo y hacernos un nombre. Entonces, normalmente habríamos lanzado el primer álbum un año después y el nuevo, como dije, ya en 2020. Si lo miras de esa manera, la brecha entre el primer álbum y el último se reduce al menos 2 años… bueno, en teoría. Pero créeme, no podríamos tenerlo más rápido. Somos un ejército de 3 hombres y también bastante solitarios. Todo lo que hacemos, lo hacemos sin mucha ayuda del exterior. Así que a veces las cosas tardan un poco más. Solo para recaudar el dinero para la producción de un álbum adecuado toma bastante tiempo cuando solo somos tres.

Una banda siempre está en busca de su obra maestra

DenpaFuzz: Manteniendo vuestra esencia musical, da la sensación de que ‘LIKE NO TOMORROW’ es un álbum diferente, más pesado y aún más versátil. ¿Cómo definirías el contenido de este nuevo álbum?

Kiryk: Una de las palabras descriptivas que escucho a menudo en relación con el nuevo álbum es la palabra “maduro”. Creo que hay algo en eso. Realmente hemos tocado mucho desde que empezamos y ahora sabemos bastante bien lo que estamos haciendo (o al menos mucho mejor que al principio). Creo que las canciones están mucho más pensadas y desarrolladas. Simplemente aprendes con cada producción. A menudo, los fans de una banda quieren que sus nuevos álbumes suenen exactamente como el primero, porque generalmente es el que hace que los fans se conviertan en fans. Puedo entender esto muy bien, pero también encuentro emocionante escuchar cuando una banda atraviesa un desarrollo. Por ejemplo, si bandas como Free nunca se hubieran separado del blues de su primer álbum, “Fire And Water” no se habría hecho. Lo mismo ocurre con muchas otras bandas y obras maestras de la historia del rock. Una banda siempre está en busca de su obra maestra. Así, cada disco es una etapa en el camino hacia allí, por así decirlo, y en este viaje hacia allí, el sonido debe cambiar (al menos parcialmente), o mejor aún, mejorar.

Dunajam

DenpaFuzz: También parece que los ecos del garage y el sonido vintage de los 60 tienen un poco menos de protagonismo en detrimento del rock más crudo. ¿Que tienes que decir sobre esto?

Kiryk: En general, nuestro estilo tiene sus raíces en el sonido de la época dorada del rock (aproximadamente entre 1965 y 1975). Esto es solo unos diez años, pero musical y estilísticamente hubo una explosión de diversidad musical. En ese momento, la división en géneros estrictamente definidos no era tan pronunciada como lo es hoy. Por supuesto, había categorías, pero la demarcación era más sobre la generación que sobre la orientación musical de las bandas. Por ejemplo, si observa grabaciones de festivales famosos del pasado o programas de televisión como Beat Club, etc., verá muchas bandas diferentes actuando frente a una audiencia joven y homogénea. Hoy en día es más bien al revés: la escena de la música rock está más mezclada generacionalmente, mientras que la orientación de las bandas es más estrecha. Ergo: festival de metal o festival de stoner contra festival de Woodstock. Esto también explica nuestro enfoque de la música. Nos vemos más en la tradición de las bandas del pasado y no tomamos los estilos musicales tan estrechamente. Simplemente tocamos lo que nos gusta. Sin embargo, de acuerdo con las convenciones de nuestro tiempo antes mencionadas, nuestro público es bastante heterogéneo, lo que nos gusta. Cuando se trata puramente del sonido de nuestras grabaciones, hay que tener en cuenta que nuestro primer álbum se grabó originalmente como una demo en nuestra sala de ensayo, mientras que los siguientes álbumes se produjeron en estudios adecuados.

DenpaFuzz: Una vez más, Heavy Psych Sounds es el sello responsable de la publicación de vuestro álbum. En los tiempos que vivimos relaciones duraderas con una misma discografía parece que no se prodiguen mucho. ¿Cómo valoras esta mutua fidelidad?

Kiryk: Creo que Heavy Psych Sounds ha crecido mucho en los últimos años sin tener que hacer concesiones. La etiqueta se ha mantenido auténtica durante todos estos años, lo que a veces no es tan fácil cuando eres ambicioso. Esto, por supuesto, fortalece aún más su posición. Su consistencia es un gran activo en estos tiempos volátiles y una característica de calidad de la que también nos beneficiamos como banda.

‘A menudo, los fans de una banda quieren que sus nuevos álbumes suenen exactamente como el primero, porque generalmente es el que hace que los fans se conviertan en fans.

DenpaFuzz: Al escuchar las canciones del disco, he percibido canciones en las que el sonido del órgano tiene un mayor protagonismo que en trabajos anteriores. ¿Has querido conseguir un sonido algo más progresivo o es una sensación mía?

Kiryk: Esto es algo que se ha desarrollado de forma natural. Nuestro sonido es simplemente lo que sucede cuando los 3 hacemos música juntos y siempre está compuesto por nuestras preferencias musicales individuales. Creo que puedes escuchar nuestras respectivas influencias bastante bien en el nuevo álbum. Los tres miembros de WEDGE amamos la misma música, pero en diferentes proporciones, que también fluctúan un poco con el tiempo. A nuestro bajista / organista David, le encanta escuchar jazz. Nuestro baterista Holg es más un progresista y un líder de hard rock temprano, mientras que yo (guitarra y voz) originalmente tengo un trasfondo más de garage y psicodélico. Pero, por supuesto, estas son imágenes muy toscas, ya que generalmente somos grandes amantes de la música y podemos encontrar algo que nos guste en cualquier estilo de música. En cualquier caso, es el amor común por la música rock lo que nos conecta a los tres. Es cierto que hay un poco más de órgano en el nuevo álbum que en los anteriores, pero no es tanto una decisión consciente, sino que se debe los arreglos de las canciones. Siempre arreglamos las melodías juntos y decidimos canción por canción. Algunas simplemente funcionan mejor sin el órgano, mientras que otras simplemente tienen sed de él. Puede que no te llame la atención al principio, pero muy pocas veces tenemos canciones en las que se escucha el órgano durante toda la canción. Este uso bien dosificado hace que su presencia sea aún más efectiva, lo que paradójicamente tiende a mejorar la percepción de este instrumento. “Menos es más”.

Fun House (Madrid)

DenpaFuzz: Vayamos con las canciones. “Computer” parece que no se toma prisioneros y se apoya en el sonido vintage del órgano en puro Deep Purple con el toque particular de WEDGE, ¿no?

Kiryk: Creo que “Computer” resume bastante bien nuestro sonido. Por eso es la primera canción del disco, nuestra carta de presentación, por así decirlo. La canción comienza como un boogie-tock que conduce a una parte de órgano pesada en la que se sientan las voces. Una parte psicodélica bastante extraña introduce el largo solo de guitarra, que tiene una sensación ligeramente jazzística y no tiene órgano. Después del solo hay este extraño 11 tiempo antes de que regresemos al boogie y el órgano vuelva a tocar. Probablemente sea una excepción que hoy en día alguien escuche un órgano en la música rock y no piense en los Doors o (cuando se pone un poco más pesado) en Deep Purple. Pero creo que esto es una especie de cambio de percepción debido al hecho de que el órgano ha sido reemplazado gradualmente por una variedad de instrumentos similares a sintetizadores a finales de los 70 como muy tarde. Antes de eso, el uso de un órgano era algo común. Fue, junto con el piano, el instrumento de teclado elegido por cualquier banda. La comparación directa con Deep Purple es, por tanto, demasiado fácil para nosotros. Podría enumerar 100 bandas en la parte superior de mi cabeza que también usan un Hammond y con quienes podríamos tener más en común que con Deep Purple. No obstante, ¡la comparación todavía nos honra mucho, por supuesto!

DenpaFuzz: Sin perder un ápice de energía, ‘Playing a role’ se convierte en sonidos de boogie rock y un sonido más de los 60, mutando en un espacio más psicodélico entre sonidos de garaje y rock and roll.

Kiryk: Lo gracioso de “Playing A Role” es que es una canción que escribí originalmente para mi banda en ese momento, The Magnificent Brotherhood, una banda de garaje. Sin embargo, nunca logramos grabarla y pensé que sería una pena dejarlo así. Deliberadamente omitimos el órgano en nuestra nueva versión y lo hicimos un poco más rockero que la versión original, casi en línea The Kinks, aunque, por supuesto, ese espíritu todavía resuena un poco.

DenpaFuzz: “Blood red wine” me evoca por momentos una estructura pura de los 70’s con momentos que incluso se acercan a A.O.R. Es uno de los temas que puede diferir del sonido visto hasta ahora, aunque la dualidad de órgano y bajo me parece abrumadora.

Kiryk: “Blood Red Wine” es una de nuestras canciones más oscuras, y realmente no tenemos muchas de esas. Nació de la idea de que la vida que uno lleva no es la que realmente busca. Se trata de la adicción y el embotamiento resultante como motivo central de la vida y el deseo de escapar de ella. De ahí el estado de ánimo algo sombrío. Sin embargo, el protagonista se ha resignado a su destino. Escribí esta canción en un momento en que yo mismo estaba en un punto de inflexión en mi vida. A diferencia del tipo de “Blood Red Wine”, tomé la otra bifurcación en el camino. Realmente no puedo identificar el término AOR personalmente, o más bien nunca me lo he planteado hasta ahora, pero si se toma en cuenta que los pensamientos antes mencionados suelen afectar a las personas en una fase más madura de su vida, el término “orientado a los adultos” encaja bastante bien. Musicalmente sólo intentamos darle a la canción el estado de ánimo que necesita.

Siempre vemos los álbumes como un todo y también elegimos las canciones y su ubicación de acuerdo con los estados de ánimo que se complementan entre sí para intensificarse entre sí’.

DenpaFuzz: “Across the water” recoge los momentos del rock clásico y la costa oeste hace eco ‘como si quisiera darnos un respiro del frenesí del resto de las canciones. Por otro lado, parece que las melodías vocales tienen un mayor protagonismo. ¿A qué se debe este pequeño giro?

Kiryk: Siempre vemos los álbumes como un todo y también elegimos las canciones y su ubicación de acuerdo con los estados de ánimo que se complementan entre sí para intensificarse entre sí. Creo que este punto de vista también proviene del hecho de que soy diseñador gráfico en mi “otra vida” y me ocupo mucho del efecto de los colores. Todo el mundo conoce, por ejemplo, el poder del rojo intenso sobre el azul intenso. Los colores vibran literalmente en el ojo debido a su contraste de color y parecen muy intensos. Entonces, podría decir que “Across The Water” es una canción azul: el silencio después y antes de la (próxima) tormenta. En general, los álbumes siempre necesitan muchos colores diferentes para no parecer aburridos o demasiado monótonos. El canto a dos voces apoya la dualidad, que aparece una y otra vez como leitmotiv en la letra de la canción: Dos personas, dos países diferentes, agua y tierra, desesperación y esperanza, pasado y futuro, etc.

DenpaFuzz: Después de la calma de la canción anterior, “Queen of the night” parece beber del proto-metal y rock de los 70 con fuertes dosis de rock and roll. ¿Es una invitación a la fiesta y el verdadero espíritu del rock and roll más clásico?

Kiryk: Sí, exactamente, este es nuestro tema más rockero en el álbum. Aquí solo queremos dejar que pase el rato y celebrar la vida en contraste con las canciones líricamente algo más pesadas. “Queen Of The Night” trata sobre una persona que todos hemos conocido en un momento u otro. Un personaje extraordinario que consigue, en sentido positivo, llamar la atención de todos y hacer que todos se diviertan con su abrumadora presencia. Para nosotros, una canción al estilo de principios/mediados de los 70 parecía bastante adecuada: una era de brillante, groupies, hedonismo excesivo y un ritmo de vida elevado. Una época en la que la luna brillaba más que el sol.

Dunajam

DenpaFuzz: ‘U’n’I’ es un nombre extraño, ¿cuál es su origen? ¿Qué significa eso? En particular, piens0 que puede ser un tema típico del sonido que has estado tocando desde el principio, pero con más energía. ¿Está aquí el ADN puro de la banda?

Kiryk: ‘U’n’I’ (pronunciado: Tú y yo) se trata de dos personas, “tú y yo” y, por otro lado, es una alusión al prefijo “uni”, que describe principalmente “uno” o “singular”. La canción destaca la diferencia entre dos personas como algo positivo. En un mundo globalizado que lucha por la uniformidad, quiero enfrentarme a ella y volver a enfatizar la idea del individualismo. El progreso no proviene del conformismo, sino del discurso de dos personas con opiniones diferentes, tal vez incluso diametralmente contrarias. En cuanto al sonido, la canción se basa en un ritmo de cencerro. A veces nos gusta ponernos un poco funky … o lo que consideramos funky. De todos modos, la batería y el ritmo son los protagonistas de esta canción. Sí, se podría decir que el ADN WEDGE literalmente llena toda la estancia aquí; )

Probablemente habrá algunos CONCIERTOS al aire libre aquí y allá en el verano, pero me temo que nada será igual antes de 2022

DenpaFuzz: “At The Speed Of Life” nos lleva de regreso a los sonidos del “flower power” de la costa oeste, prescindiendo de sus genes de garaje y sonando puramente 60. Sin embargo, el trabajo de base grueso le da un aspecto más contemporáneo. ¿Estamos ante el puente que conecta los años 60 con el siglo XXI?

Kiryk: “At The Speed Of Life” es probablemente una de las canciones más pegadizas de “Like No Tomrrow”. Al mismo tiempo, tiene esta parte media algo extraña y psicodélica que realmente me gusta. Todo el conjunto crea un bonito contraste una vez más. Al escribir canciones, no nos preocupamos de si algo sonará como 60 o no. Cuando tocamos una nueva canción juntos por primera vez, inmediatamente obtiene su dirección por sí sola.

DenpaFuzz: Personalmente, siempre he pensado que las canciones de larga duración son las que realmente reflejan todo el potencial de una banda. “Soldier” tiene Hard-rock, psicodelia, momentos que incluso me recuerdan a la Marshall Tucker Band, garage…. La canción lo tiene todo. Si mi memoria no me falla, seguramente sea la canción más larga que hayas compuesto hasta ahora. ¿Por qué esta duración y por qué esta variedad de estilos? ¿Cuál es su esencia?

Kiryk: Definitivamente cortamos la canción a la mitad para la grabación de estudio. Sin embargo, la versión de estudio duró más de 9 minutos, ¡jaja! En directo improvisamos bastante en la primera parte. Es solo una de esas pistas que necesita mucho espacio para respirar. Solo la intro, que es una acumulación del núcleo de la canción, podría ser una canción en sí misma. Y así es como lo vemos también en el contexto del álbum: la intro podría fácilmente ser la salida de la canción anterior. Es una especie de puente entre dos partes. Me gusta especialmente la melancolía de algunos temas de bandas como Allman Brothers. Probablemente de ahí proviene principalmente la influencia de la canción. Este ligero toque country, si se dosifica correctamente, describe un anhelo musical de espacio y libertad. Yo, al menos, siento este sonido de esa manera. También líricamente “Soldier” habla sobre el deseo de autodeterminación y libertad espiritual.

DenpaFuzz: Supongo que con la situación de la pandemia que estamos experimentando, los planes futuros con respecto a posibles conciertos serán inciertos. ¿Crees que a lo largo del año 2021 volveremos a tener música en vivo como la conocemos? ¿Tienes planeada alguna actuación en los próximos meses?

Kiryk: Desafortunadamente, soy un poco realista al respecto. Probablemente habrá algunos al aire libre aquí y allá en el verano, pero me temo que nada será igual antes de 2022. Probablemente tampoco después de eso, porque el panorama musical siempre ha cambiado constantemente, como todo lo demás en la vida. Este evento particularmente drástico también dejará su huella para siempre. Mirando hacia atrás, estamos realmente agradecidos por cada concierto que se nos permitió tocar hasta Covid, y al mismo tiempo, por supuesto, tenemos muchas esperanzas y mantenemos los dedos cruzados por todos nosotros. Planeamos ponernos al día con nuestra gira de lanzamiento de principios de 2022 y luego, con suerte, celebraremos “Like No Tomorrow”. ; )

DenpaFuzz: Muchas gracias por tus palabras y te deseo mucha suerte con el disco. Espero que podamos vernos pronto en uno de sus shows. Un abrazo.

Kiryk: ¡Gracias! Siempre es un placer verte a ti y a la pandilla en uno de nuestros Conciertos. Es por personas con ideas afines como tú, que celebran el rock’n’roll como una religión, que nos encanta hacer lo que hacemos. Hasta entonces, manténgase saludable y consulta nuestra página para obtener actualizaciones.

Reseña (review):

https://denpafuzz.com/2021/01/15/resena-wedge-like-no-tomorrow/


(Interview in English):

DenpaFuzz: Since you released your first album in 2014, it has been almost 7 years since your third album has been released on January 15th. Are you a band that takes it easy?
Kiryk: Not necessarily. The release was originally planned for early 2020, but sometimes fate (in this case a small virus) plays a trick on you. In general, the rather long gap between our first and last album is also explained by the
fact that we released our debut rather over-fast. We had already recorded it completely before we had even played a single gig or found a band name. Heavy Psych Sounds had given us the chance to release it right away, so we took it, hot as we were (I didn’t even have time to design a “real” cover, so I did the simple photo cover, very atypical for me). After the release of the first album we had to catch up on what bands actually do before the release of a debut: Rehearse a complete live set and make a name for ourselves. So normally we would have released the first album one year later and the new one, as I said, in 2020 already. If you look at it that way, the gap between the first and the last album shrinks by at least 2 years …well, in theory. But believe me, we could not have

done it faster. We are a 3-man army and also quite loners. Everything we do, we do without much help from outside. So sometimes things take a bit longer. Just to raise the money for a proper album production takes quite a while when there are only three of us.
DenpaFuzz: Keeping your musical essence, it gives the feeling that ‘LIKE NO
TOMORROW’ is a different album, heavier and even more versatile. How would
you define the content of this new album?

Kiryk: One of the descriptive words I often hear in connection with the new album is the word “mature”. I think there is something to it. We’ve really played a lot since we started and by now we know quite well what we’re doing (or at least much better than in the beginning). I think the songs are much more thought out and developed. You just learn with every production.
Often fans of a band want their new albums to sound exactly like the first one, because it’s usually the one that made the fans becoming fans. I can understand this very well, but I also find it exciting to hear when a band goes through a development. For example, if bands like Free had never broken away from the blues of their first album, “Fire And Water” would not have been made. The same goes for many other bands and masterpieces in rock history.
A band is always in search of its masterpiece. Thus, every album is a stage on the way there, so to speak, and on this journey there, the sound must change (at least partially), or even better, improve.

DenpaFuzz: It also seems that the garage echoes and the vintage sound of the 60’s have a little less prominence to the detriment of the more raw rock. What do you have to say about this?
Kiryk: In general, our style is rooted in the sound of the golden era of rock (roughly between 1965 and 1975). This is only about ten years but musically and stylistically there was an explosion of musical diversity. At that time, the division into strictly defined genres was not as pronounced as it is today. Of course, there were categories, but the demarcation was more about the generation than about the musical orientation of the bands.
For example, if you look at recordings of famous festivals of the past, or TV shows like Beat Club, etc., you see many different bands performing in front of a homogeneous young audience. Nowadays it’s rather the other way around: the rock music scene is more generationally mixed, while the orientation of the bands is more narrow. Ergo: metal festival or stoner festival vs. Woodstock festival. This also explains our approach to music. We see ourselves more in the tradition of the bands of the past and don’t take musical styles so narrowly. We just play what we like. However, in keeping with the aforementioned conventions of our times, our audience is rather mixed in age, which we like.
When it comes purely to the sound of our recordings, you have to take into account that our first album was recorded originally as a demo in our practice room, while the next albums were produced in proper studios.

DenpaFuzz: Once again, Heavy Psych Sounds is the label responsible for the
publication of your album. In the times that we live long-lasting relationships with the same discography it seems that they are not lavished much. How do you value this mutual fidelity?

Kiryk: I think Heavy Psych Sounds have grown a lot in the last few years without having to make any concessions. The label has remained authentic over these many years, which is sometimes not so easy when you are ambitious. This, of course, strengthens their position even more. Their consistency is a great asset in these volatile times and a quality feature from which we also benefit as a band.
DenpaFuzz: Listening to the songs on the album, I have perceived songs in which the sound of the organ has a greater role than in previous works. Have you wanted to achieve a somewhat more progressive sound or is it a feeling of mine?
Kiryk: This is something that has developed naturally. Our sound is simply what
happens when the 3 of us make music together and is always composed of our
individual musical preferences. I think you can hear our respective influences quite well on the new album. All 3 people in WEDGE love the same music, but in different proportions, which also fluctuates a bit over time. Our bassist/organist David loves to listen to jazz. Our drummer Holg is more of a prog and early hard rock head, while I (guitar & vocals) originally have more of a garage and psychedelic background. But of course these are just very rough pictures, as we are generally big music lovers and can find something we like in any style of music. In any case, it is the common love for rock music that connects the three of us. It’s true that there’s a bit more organ on the new album than on the previous ones, but that’s not so much a conscious decision as it is due to the arrangement of the songs. We always arrange the tunes together and decide from song to song. Some just work better without the organ, while others just thirst for it. It may not jump out at you at first, but we very rarely have songs where the organ is heard throughout the entire song. This well-dosed use makes its presence all the more effective, which paradoxically tends to enhance the perception of this instrument. „Less is more“.

DenpaFuzz: Let’s go with the songs. ‘Computer’ seems that it does not take
prisoners and it is supported on the vintage sound of the organ in pure Deep
Purple line with the particular touch of WEDGE, is not it?

Kiryk: I think that “Computer” sums up our sound pretty well. That’s why it’s the first song on the record, our calling card so to speak. The song starts as a boogie rocker that leads to a heavy organ part on which the vocals sit. A rather weird psychedelic part introduces the long guitar solo, which has a slightly jazzy feel to it and is completely without organ. After the solo there is this freaky 11 beat before we return to the boogie and the organ kicks in again.
It’s probably rather an exception that nowadays someone hears an organ in rock music and doesn’t think either of the Doors or (when it gets a bit heavier) of Deep Purple. But I think this is a kind of perception shift due to the fact that the organ has been gradually replaced by a variety of synth-like instruments at the end of the 70s at the latest. Before that the use of an organ was commonplace. It was, along with the piano, The keyboard instrument of choice for any band. The direct comparison with Deep Purple is therefore a bit too easy for us. I could list 100 bands off the top of my head that also use a Hammond and with whom we might even have more in common than with Deep Purple. On the other hand, the comparison still honours us a lot, of course!

DenpaFuzz: Without losing an iota of energy, ‘Playing a role’ develops into boogie rock sounds and a more 60’s sound, mutating into a more psychedelic space between garage sounds and rock and roll.
Kiryk:
The funny thing about “Playing A Role” is that it’s a song I originally wrote for my band at the time, The Magnificent Brotherhood, a garage band. However, we never managed to record it and so I thought it would be a shame to leave it that way. We deliberately left out the organ in our new version and made it a bit rockier than the original almost Kinks-esque Literation, although of course that spirit still resonates a bit.
DenpaFuzz: ‘Blood red wine’ evokes in me at times a pure structure of the 70’s
with moments that even come close to A.O.R. It is one of the issues that may differ from the sound seen so far, although the duality of organ and bass seems overwhelming to me.

Kiryk: “Blood Red Wine” is one of our darker songs, and we don’t really have that many of those. It was born out of an insight that the life one leads is not the one one actually strives for. It deals with addiction and the resulting dullness as a central motif of life and the desire to escape from it. Hence the somewhat gloomy mood. However, the protagonist has resigned himself to his fate. I wrote this song at a time when I myself was at a turning point in my life. Unlike the guy in “Blood Red Wine“ I took the other fork in the road. I can’t really relate to the term A.O.R. personally, or rather I’ve never dealt with it so far, but if you take into consideration that the above mentioned thoughts usually hit people in a more mature phase of their life, the term “adult oriented” fits quite well. Musically we just tried to give the song the mood it needs.

DenpaFuzz: ‘Across the water’ takes up classic rock moments and west-coast
echoes ’as if it wanted to give us a break from the frenzy of the rest of the songs. On the other hand, it seems that vocal melodies have a greater role. What is this little twist due to?

Kiryk: We always see albums as a whole and also choose the songs and their placement according to which moods are complementary to each other in order to intensify each other. I think this point of view also comes from the fact that I am a graphic designer in my „other life“ and deal a lot with the effect of colours. Everyone knows, for example, the power of rich red on rich blue. The colours literally vibrate in the eye due to their colour contrast and appear very intense. So you could say “Across The Water” is a blue song: the quiet after and before the (next) storm. In general, albums always need many different colours in order not to appear boring or too monotonous. The two-part singing supports the duality, which appears again and again as a leitmotif in the lyrics of the song: Two people, two different countries, water and land, despair and hope, past and future etc.

DenpaFuzz: After the calm of the previous song, ‘Queen of the night’ seems to
drink from proto metal and 70’s rock with strong doses of rock and roll. Is it an invitation to the party and the true spirit of the most classic rock and roll?

Kiryk: Yes, exactly, this is our good-time rocker on the album. Here we just want to let it all hang out and celebrate life in contrast to the lyrically somewhat heavier songs. “Queen Of The Night” is about a person we’ve all met at one time or another. An extraordinary character who manages, in a positive sense, to attract everyone’s attention and make everyone enjoy themselves with her overwhelming presence. For us, a song in the style of the early/mid 70s seemed quite fitting: an era of glitter, groupies, excessive hedonism and a high pace of life. A time when the moon shone brighter than the sun.

DenpaFuzz: ‚U’n’I’ is a strange name, what is its origin? What does it mean? I
particularly think that it can be a typical theme of the sound that you have been playing since the beginning, but with even more energy. Is the pure DNA of the band here?

Kiryk: U’n’I (pronounced: You and I) is about two people, “you and me” and on the other hand is an allusion to the prefix “uni”, which mostly describes “one” or “singular”. The song highlights the difference between two people as something positive. In a globalised world which is striving for uniformity, I want to stand against it and reemphasize the idea of individualism. Progress does not come from conformity, but from the discourse of two people with different, maybe even diametrically contrary opinions. Sound-wise, the song is based on a driving cowbell groove. We like to get a bit funky sometimes… or what we consider to be funky. Anyway, the drums and the rhythm are the main actors in this song. Yes, you could actually say that the WEDGE DNA literally
fills the entire room here ; )

DenpaFuzz: ‘At the speed of life’ takes us back to the ‘flower power’ sounds of the West Coast, dispensing with your garage genes and sounding purely 60’s. However, the thick base work gives it a more contemporary look. Are we facing the bridge that connects the 60’s with the 21st century?
Kiryk: “At The Speed Of Life” is probably one of the catchiest songs on “Like No
Tomorrow”. At the same time, it has this somewhat weird, psychedelic middle part that I really like. The whole thing makes for a nice contrast once again.
When writing songs, we don’t worry about whether something will sound like 60s or not. When we play a new song together for the first time, it immediately gets its direction all by itself.

DenpaFuzz: Personally, I’ve always thought that full-length songs are the ones that truly reflect the full potential of a band. Hard-rock, psychedelia, moments that even remind me of the Marshall Tucker Band, garage. The song has everything. If my memory serves me correctly, it is surely the longest song you have composed so far. Why this duration and why this variety of styles? What is its essence?
Kiryk: We definitely cut the song in half for the studio recording. The studio version became over 9 minutes long nevertheless, haha! Live we jam quite a bit in the first part. It’s just one of those tracks that needs a lot of breathing room. Just the intro, which is a build up to the core of the song, could be a song in itself. And that’s how we look at it in the context of the album, too: the intro could just as easily be the outro of the previous song. It’s sort of a bridge between two parts. I especially like the melancholy of some tunes of bands like the Allman Brothers. That’s probably where the influence for the song came from mostly. This slight country touch, if correctly dosed, describes a musical longing for space and freedom. I, at least, feel this sound that way. Also lyrically “Soldier” talks about the desire for self-determination and spiritual freedom.
DenpaFuzz: I suppose that with the situation of the pandemic that we are
experiencing, future plans regarding possible concerts will be uncertain. Do you think that throughout the year 2021 we will have live music as we know it again? Do you have any action planned in the coming months?

Kiryk: Unfortunately, I’m a bit realistic about that. There will probably be a few open airs here and there in the summer, but I’m afraid nothing will be the same before 2022. Probably not really after that either, because the music landscape has always changed constantly, like everything else in life. This particularly drastic event will also leave its mark forever. Looking back, we are really grateful for every concert we were allowed to play until Covid, and at the same time we are of course very hopeful and keep our fingers crossed for all of us.
We plan to catch up with our release tour from early 2022 and then hopefully we will celebrate “Like No Tomorrow”! ; )

DenpaFuzz: Thank you very much for your words and I wish you good luck with the album. I hope we can see each other soon at one of your shows. A hug.
Kiryk: Thank YOU! It’s always a pleasure to see you and the gang at one of our
concerts. It’s because of likeminded people like you, who celebrate rock’n’roll like a religion, that we love to do what we do. Until then, stay healthy and check our homepage for updates!

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Entrevista/Interview: SAMSARA BLUES EXPERIMENT. Chris nos da los detalles del nuevo álbum y de la despedida de la banda.

Hace unas semanas los berlineses SAMSARA BLUES EXPERIMENT anunciaban un hiato en la actividad de la banda, así como la publicación el próximo mes de enero de su nuevo y probablemente último álbum ‘END OF FOREVER’. Un título que es toda una declaración de intenciones en cuanto al futuro de la banda. Un trabajo que quedará como referente de la psicodelia pesada que durante más de 10 años nos ha ofrecido SAMSARA BLUES EXPERIMENT. Chris Peters, su cantante guitarra y principal artífice, nos cuenta todos los detalles de la despedida así como de su nuevo y último álbum. (english below)

“Es 2020, detengámonos para glorificar los “buenos viejos tiempos”, por ejemplo, y sigamos adelante con nuestras vidas”

DenpaFuzz: Después de trece años de vida, parece que el proyecto SAMSARA BLUES EXPERIMENT, se apaga, al menos por el momento. Supongo que decisión no ha sido fácil. ¿Qué sensaciones os produce este cese de actividad indefinido? ¿Cómo os sentisteis al anunciarlo?

Chris Peters (SBE): Para ser perfectamente honesto contigo, me siento bastante aliviado. Supongo que esta no es la respuesta que complacerá a los fans (?) Pero si hay algo que considero una de mis fortalezas es la honestidad. Estoy muy agradecido por todo lo que este proyecto me ha dado, pero los últimos meses han sido agotadores y aunque hay muchas razones por las que esta banda tuvo que parar por ahora, el mayor problema para mí es que simplemente no me siento lo suficientemente bien con esto. Parecía todo tan rígido y tenso, no solo el sentimiento dentro de la banda, sino también mi percepción de esta “escena” y todo … No sé hombre. Es 2020, detengámonos para glorificar los “buenos viejos tiempos”, por ejemplo, y sigamos adelante con nuestras vidas.

Sonicblast Fest

No puedo volver allí y fingir que estaría feliz con eso. Ya no soy ese tipo de chico, he cambiado.


DenpaFuzz: Supongo que esta pregunta puede ser algo prematura, ya que ninguno sabemos lo que nos deparará el futuro, pero vuestros fans seguro que quieren saber si pueden tener esperanzas. ¿Volveremos a ver a SAMARA sobre un escenario o publicando nuevo material en un futuro?

Chris Peters (SBE): Mi idea es concentrarme en mis trabajos en solitario como Surya Kris Peters, tal vez con más voz, más guitarra e incluso algunos otros “elementos rockeros” tradicionales, pero ya veremos. Samsara como era … No puedo volver allí y fingir que estaría feliz con eso. Ya no soy ese tipo de chico. He cambiado.

DenpaFuzz: Escuchando vuestro nuevo álbum, me da la sensación de que os habéis querido despedir a lo grande, como si quisierais hacer un regalo a vuestros seguidores. En el nuevo álbum encontramos fielmente reflejado el sonido que nos ha enamorado durante estos últimos años. ¿Esto es algo premeditado o fruto de la casualidad y la creatividad? ¿Son canciones nuevas o se trata del desarrollo de ideas ya perfiladas?

Chris Peters (SBE): La cosa es que la mayoría de estas canciones tienen tres años y también me parecen viejas en este momento. Debido a ciertos eventos en estos últimos tres años, nos tomó un poco de tiempo registrarlos. Una vez más, no creo que realmente pueda dirigirme a nadie, … si hiciera eso, tendríamos que repetir “el álbum verde” una y otra vez. Entonces, básicamente, todo lo que hacemos es grabar las cosas que nos salen de la cabeza, ¿verdad? Si a alguien le gusta, bueno está bien … si no, ¿qué puedo decir? Afortunadamente, parece que mucha gente se acostumbró al “sonido Samsara” y también mejoramos como banda, por lo que las posibilidades de que a alguien le guste son mayores que al revés.

Krach am bach festival

En serio, también podríamos haberlo llamado “Blood, Sweet & Tears” LOL

DenpaFuzz: Al respecto de la pregunta anterior, ¿En qué os habéis inspirado para escribir este álbum? ¿Cómo nacen las canciones y quién es el artífice de estas composiciones? ¿Son un trabajo en común de los tres o por el contrario pertenecen a alguno de vosotros?

Chris Peters (SBE): La mayor parte de SBE se basó en ideas básicas que vine a presentarles a los otros chicos, uno o dos riffs en cada álbum pueden ser de alguien más en la banda, pero la mayor parte siempre proviene de mis ideas donde doy el marco dentro cada miembro puede aportar su parte. Las canciones en sí mismas pueden representar los tiempos en que se escribieron, pero luego, como te comentaba, las canciones de ese álbum en particular tienen en su mayoría tres años … Los últimos años perdí bastante el interés por el rock tradicional.. No puedo nombrar muchas fuentes de inspiración.
 
DenpaFuzz: Hablemos un poco de los temas del álbum. ‘Second birth’ es un tema directo, sin concesiones, Da la sensación de que queréis dejar noqueado al oyente a la primera. Heavy-psych en estado puro. Honestamente creo que es tema que podría definir vuestro sonido más auténtico a la perfección. Pesadez, psicodelia y elementos orientales, lo tiene todo, ¿no?  

Chris Peters (SBE): Si te soy sincero, no pensamos en esas cosas.

Krach am Bach festival


DenpaFuzz: ‘Massive pasive’ parece tener influencias del sonido psico-progresivo de los 70’s. Incluso percibo momentos campestres que me evocan a Jethro Tull. Sin renunciar a la pesadez, el tema fluye con mucha naturalidad. ¿Qué lado de la balanza tiene más peso en el tema, los riffs contundentes y espesos o los momentos acústicos en los que se transmite más dulzura?  

Chris Peter (SBE): Siempre pensé que tiene una especie de vibraciones de Nirvana. Una vez más, no tengo ni idea de qué decir … Estoy feliz de haber hecho esa grabación después de todo.

DenpaFuzz: ’Southern sunset’ parece seguir una línea similar, pero aportando más optimismo. Una canción que usa más sonido hard-rock sin perder esa aura progresiva y un grandísimo trabajo de guitarra. También percibo en la introducción momentos más propios de Santana con esos ritmos coloristas y el sonido vintage de los teclados.
   
Chris Peters (SBE): Si señor!!, hace calor … Hasta te he soltado dos palabras en portugués.

Krach am Bach Festival


DenpaFuzz: Vuestro lado más tierno y delicado aparece en un tema como ‘Lovage leaves’ Sinfonismo, y una atmósfera bucólica, algo de misticismo….… ¿En que está inspirado? ¿Qué queréis transmitir?

Chris Peters (SBE): ¡Quiero que te enamores de mí! ¿Aún no te has derretido? Ah … ya sabes, vengo de un fondo de guitarra clásica. Me refiero a cuerdas de nailon, dedos y esas cosas … así que de vez en cuando vuelvo a estas raíces, supongo. También escuché un poco de influencia de Camel en el teclado, ¿puede ser?

Era mi bebé, realmente mi bebé, cuando comencé esa banda, pero algo se perdió y después he encontrado algo más.

Sonicblast Fest


DenpaFuzz: ‘End of forever’ nos presenta a los SAMSARA más mágicos. Hablar de obras maestras puede parecer un poco pretencioso, pero sin duda este tema en mi humilde opinión podría ser un tesoro de la psicodelia pesada. Aquí están todos los elementos que han caracterizado a la banda desde sus inicios. ¿En algún momento habéis premeditado el sonido general del álbum para que contuviera toda vuestra esencia, sin experimentos?

Chris Peters (SBE): Todo salió de forma natural, además de muchas discusiones esta vez .Bueno, si realmente es una “obra maestra” para ti, tal vez valió la pena toda la sangre, sudor y lágrimas. En serio, también podríamos haber llamado al álbum “Blood, Sweat and Tears” LOL

DenpaFuzz: Christian, tras tu traslado a Brasil, ¿seguirás componiendo música desde allí para tus proyectos en solitario? Aunque al principio te he preguntado sobre esto, vuestros seguidores tienen la incertidumbre de si dentro de un tiempo puedan tener más material vuestro, ¿os habéis planteado la posibilidad de componer nuevas canciones desde la distancia, o es algo completamente descartado?  

Chris Peters (SBE): Yo, como Surya Kris Peters, grabaré pequeñas melodías sobre Samsara, hombre, no sé. Hay mucho estrés y desorden emocional en este momento. Era mi bebé, realmente mi bebé, cuando comencé esa banda, pero algo se perdió y después he encontrado algo más.

Sonicblast Fest



DenpaFuzz: Solo me queda desearos a los tres mucha suerte en vuestra nueva vida y daros las gracias por todo el legado que nos dejáis como una de las bandas más destacadas de la escena psicodélica de los últimos años. Ojalá todo esto sea solo un paréntesis, aunque, evidentemente vuestra felicidad es lo primero. GRACIAS.
Feliz vida nueva en Brasil Christian!!. Al 200 % hahaha.

Chris Peters (SBE): 200% amigo, por sempre aproveite as cores da vida! (contesta en portugués) (200% amigo, ¡disfruta siempre de los colores de la vida!)


INTERVIEW IN ENGLISH (Traducción German Fafian)

A few weeks ago SAMSARA BLUES EXPERIMENT announced a hiatus in the band’s activity, as well as the publication next month of January of their new and probably last album ‘END OF FOREVER’. A title that is a statement of intent regarding the future of the band. A work that will remain as a benchmark for heavy-psych that SAMSARA BLUES EXPERIMENT has offered us for more than 10 years. Chris Peters, his guitar singer and leader, tells us all the details of the farewell as well as his new and last album.

“It’s 2020, let’s stop to glorify the ‘good old days’, for example, and get on with our lives.”


DenpaFuzz: After 13 years of musical career. It seems that the proyect calls it quits, at least for the time being.  I guess the decision has not been easy. What kind of sensations and feelings do you get from this indefinite hiatus? How did you feel when you made the announcement?

Chris Peters (SBE): To be perfectly honest with you I feel pretty much relieved. I guess that this is not the answer that will please the fans out there (?) but if there’s one thing I consider one of my strenghts it is honesty. I am very grateful for all this project has given me, but the last months have been nothing but tiring and even though there are plenty of reasons why this band had to stop for now, the biggest problem for myself is that I just don’t feel well enough anymore with this. It seemed all so rigid and tense, not just the feeling within the band but also my perception of this “scene” and everything … I don’t know man. It’s 2020, let’s stop to glorify the “good old days” for instance and move on with our lifes.

I can’t go back there and pretend I’d be happy with it. I’m not that kind of guy anymore, I’ve changed.


DenpaFuzz: I guess this question will be a bit premature as none of us know what will come in the future, but I think your fans might want to know if they can hold on to a little hope. Will we ever see SAMARA hitting the stage or releasing some material in the future?

Chris Peters (SBE): My idea is to concentrate on my solo works as Surya Kris Peters, maybe with more vocals, more guitar and even some other traditional “rock elements” but we shall see. Samsara as it was … I can’t go back there and pretend I’d be happy with it. I’m not that kind of guy anymore. I have changed

DenpaFuzz: Listening to your new album, it gives me the impression that you wanted to say goodbye in a big way, as if you wanted to give your fans a final gift. In the new album we find faithfully represented the sound that has made your fans fall in love with the band in recent years. Is this something premeditated or the result of chance and creativity flow? Are these new songs or is it the further development of older ideas that were already outlined?

Chris Peters (SBE): The things is, most of these songs are three years old and they also feel old to me right now. Due to certain events within these last three years it took a bit long to record them. Again, I don’t think I really could address anyone out there, … if I’d do that we’d have to repeat “the green album” over and over again. So all we do basically is recording the things that pop out of our heads, right? If someone likes it, well okay … if not, what can I say? Fortunately it seems that quite a lot of people got used to the “Samsara sound” and we also improved as a band, so chances someone may like it are higher than the other way 😉



He was my baby, really my baby, when I started that band, but something was lost and then I have found something else.


DenpaFuzz: Regarding the previous question, what have you been inspired by to write this album? How are the songs born and who is the creator of these compositions? Are they the result of a team work of the three or do they belong to one of you?

Chris Peters (SBE): Most of SBE was based on basic ideas that I came to present to the other guys, one or two riffs on each album may be from someone else in the band but most of it has always come from after my ideas where I give the framework within each member can contribute his part. The songs in itself may represent the times in which the’d been written, but then like I told you the songs on that album in particular are mostly three years old … The last years I kinda lost interest in a lot of traditional rock music. I can’t name you many inspirations …

DenpaFuzz: Let’s talk a bit about the songs on the album. ‘Second birth’ is a direct song, without compromises. It gives me the feeling that you want to knock out the listener on first listen. Heavy-psych in its purest form. I honestly think that it is a theme that could define your most authentic sound perfectly. Heaviness, psychedelia and oriental elements, it has it all, right? Was it meant to be a destillation of your style?

Chris Peters (SBE): We don’t think about such things honestly.

DenpaFuzz: ‘Massive pasive’ It seems to be influenced by the psychedelic-progressive sounds from the 70’s. I even perceive country-ish/folkish moments that remind me of Jethro Tull. Without renouncing the heaviness, the theme flows very naturally. What you think has more weight in the song? The forceful and thick riffs or the acoustic moments in which more sweetness is transmitted?

Chris Peters (SBE): I always thought it has a kind of Nirvana-vibe? Yet again, I’m a bit clueless on what to say … I’m just happy we made that recording after all.

DenpaFuzz: ’Southern sunset’ seems to follow a similar style, but bringing a happier more optimistic sound. A song that uses more hard-rock sounds without losing that progressive aura and great guitar work. I also perceive in the introduction, some moments which sound more typical of Santana with those colorful rhythms and the sound of vintage keyboards.

Chris Peters (SBE): Si señor, hace calor  … I even threw in two words of portugues there.

DenpaFuzz: Your softer and delicate side shows up in a song like ‘Lovage leaves’ Symphonic  and an almost bucolic atmosphere, some mysticism….… What was it inspired by? What did you want to convey onto the listener?

Chris Peters (SBE): I want to make you fall in love with me! Haven’t you melted yet  ? Ah … you know, I come from a classical guitar background. I mean nylon strings and fingerpicking and stuff … so from time to time I go back to these roots I guess. I also hear a bit of Camel-influence on the keyboard perhaps?

DenpaFuzz: ‘End of forever’ presents us with a more “esoteric” SAMSARA. Talking about masterpieces may seem a bit pretentious, but without a doubt this tune, in my humble opinion, is a treasure  cove of heavy psychedelia. Here we find all the characteristic elements of the band since its inception. Have you ever premeditated the general sound of the album so that it contained all your essence, without experiments? Or again, it jus came put that way naturally?

Chris Peters (SBE): It all came out naturally, plus a lot of discussions this time … well if it really is a “masterpiece” for you maybe it was worth all the blood, sweat and tears. Seriously, we also could have called the album “Blood, Sweat and Tears” LOL

DenpaFuzz: Christian, after your move to Brazil,. Will you continue to write music for your solo projects? Although at the beginning I asked you about this, your followers are uncertain if in a while they will have more of your material, have you considered the possibility of writing new songs remotely. With today’s technology and the current status of things, many bands and musicians worldwide are exploring the posibility of remote collaborations and writing partnerships. Or is it completely ruled out?

Chris Peters (SBE): Me as Surya Kris Peters will go on to record these little tunes  About Samsara aw man, I don’t know there’s a lot of stress and emotional clutter attached to this right now. It was my baby, really my baby, when I started that band, but something got lost and then something else has been found.

DenpaFuzz: I can only wish the three of you the best of luck in your new life and new endeavors and thank you for the legacy that you leave us as one of the most outstanding bands on the psychedelic scene in recent years. Hopefully this is all just a momentary hiatus or parenthesis in your musical creers, although, obviously your happiness comes first. THANKS.
Happy new life in Brazil Christian !!. 200% hahaha.

Chris Peters (SBE): 200% amigo, por sempre aproveite as cores da vida!

https://www.facebook.com/samsarabluesexperiment