Reseña: MANDALA. ‘The echoes of your mind’

El segundo álbum de MANDALA nos trae la crudeza de su sonido analógico contrastando con una pesadez intrínseca entre cuidadas melodías bien construidas. Un fascinante álbum en el que las atmósferas psico-progresivas y la cálida, sensual y hechizante voz, logran crear seductores temas llenos de fuerza y belleza. Cinco años después de la publicación de su debut “MIDNIGHT TWILIGHT”, la banda anglo-noruega MANDALA nos sirve su segundo majar. Un álbum gourmet para los amantes de del rock ácido psicodélico cuyo contenido se compone de entrantes lisérgicos, un plazo principal pesado y crudo, todo ello regado con especias y aromas llegados de oriente en monumentales comitivas. Si a eso unimos la profunda y cálida voz aflorando de esas atmósferas progresivas, estamos ante un menú más propio de un Restaurante de la guía Michelin. Unos temas para degustar en atmósferas sosegadas y dejar que los mismos te pongan los pelos de punta. Sensualidad, mística, garra, son muchos los adjetivos que podríamos usar para describir toda la voz de su líder y guitarra Rhys Marsh. Cualquiera que escuche este álbum sin tener ningún detalle previo de la banda, pensaría que está grabado hace 40 o 50 años, pero no, si escarbamos en sus surcos, podemos vislumbrar entre los mágicos bosques psicotrópicos de sus temas, la pesadez Stoner contemporánea. Siempre con sutileza y elegancia, pero a la vez tratando se originales y sonar auténticos, sin artificios ni sobreproducciones. En tiempos en los que muchas cosas son impostadas, aquí encontramos un oasis de pureza entre las atmósferas psico-progresivas que construyen con tanta delicadeza. Trances místicos, momentos bucólicos, blues pantanosos, sinfonismo, algodonadas melodías, bosques ácidos o monumentales desarrollos palaciegos, componen todo un tesoro para los amantes de la psicodelia. Con la influencia del rock ácido californiano de finales de los 60’s, y también la de grandes dinosaurios del rock progresivo de los 70’s como Génesis, incluso Pink FLoyd pero especialmente King Crimson, crean un brebaje sonoro con multitud de sensaciones gustativas, que nos narcotizará por completo ofreciéndonos 40 minutos de puro éxtasis en los que no tienen ningún obstáculo para experimentar. De esa explotación logran crear temas bien elaborados que no dudan en recoger el legado de bandas como Motorpsycho o God is An Astronanaut, aportando el sonido contemporáneo y combinando mágicos pasajes ensoñadores, en contraposición de momentos pesados sin perder su vocación vintage ni sus fragancias exóticas.

MANDALA lo componen, Rhys Marsh (voz, guitarra), Will Spurling (Batería) y su nuevo bajista Markus Wisth EdvardsenTHE ECHO OF YOUR MIND’  abarca siete temas grabadas en vivo en el estudio de grabación propiedad de Rhys Marsh en Autumnsongs, en el centro de Noruega. Una grabación que se extendió a lo largo de diez días del verano noruego y sus luminosas noches. 

‘A soul in the night’ nos seduce desde sus primeros acordes con pasajes exóticos que son golpeados por riffs secos y tambores poderoso. La profunda voz comienza su hechizo en las primeras estrofas. Una épica llena de mística se apodera del oyente cautivándole en un trance de psicodelia con dulces melodías entre el ocasional estruendo de unos pasajes que envuelven el tema en manto psico-progresivo de tintes vintage. Con desgarradores momentos el corte serpentea entre melodías orientales y la rugosidad de su base rítmica. Esos aromas del medio riente que aparecerán en el resto de los temas son una seña de identidad de los anglo-noruegos.

Con pasajes sinfónicos más propios de los 70’s ‘Alive on the Edge’ sigue la estela psico-progresiva del corte anterior con dulcificadas melodías que nos susurran en gratificante tema en el melancólico estribillo principal se desgarra en un derroche de sentimiento adornado con pasajes orientales de cierta épica.  La elegante melodía y la destreza de una voz sobresaliente hace que caiga rendido al conjuro de MANDALA. El tema entre en una espiral psicotrópica en la que las guitarras se retuercen mostrando su acidez entre un bosque borroso de sonidos y efectos que crean un a atmósfera caótica. Toda una bacanal heavy-psych a la altura de los grandes del género. La parte final se relaja gracias al magnético sonido de un bajo que me evoca a momentos KING CRIMSON, referencia que podríamos encontrar en otros pasajes del tema, a pesar de un cierto trasfondo Stoner de algunos de sus riffs.

La percusión es la encargada de abrir ‘Blood is water’, un corte más bucólico que se sustenta en una base acústica entre nubes de psicodelia que parece proteger sus frágiles pasajes. Sobre esa estructura folk la banda toma elementos vintage para adornarlos pasajes más propios del rock progresivo sin que pierdan su sencillez y dulzura.

‘In the midst of a midnght escape’ se desarrolla en una atmósfera más oscura entre acordes de blues y un aura psicodélica chamánica. Haciendo que todo se desarrolle a cámara lenta para subir la intensidad en momentos puntuales. Elevándose por desgarradores pasajes que transitan entre un bosque enigmático e inquietante en una narrativa que logra atrapar al oyente y en la que el legado de King Crimson parece estar presente nuevamente. Siempre de menos a más, el tema se adorna con buenos momentos de guitarra en extenuantes solos que no reniegan del legado de Pink Floyd antes de que el corte se zambulla en un rico de sustancias lisérgicas.

Con una entrada más propia de un tema de Bob Dylan,  ‘One last circle’ se decora con fragancias orientales entre los acordes repetidos de la guitarra acústica. Ritmos tradicionales más propios de las mil y una noches, con el hechizante sonido del sitar ponen la nota de color en un tema que juega con lo tradicional sin perder su aura piscodélica.

Crudo pesado y difuso, ‘This fading light’ rompe la magica atmósfera del tema anterior para ofrecer el lado más pesado de MANDALA. Riffs Stoner y voces que navegan entre registros más propios del grunge de los 90’s y de otros más setenteros que bien podrían hacer bandas GENESIS. Pero no solo eso, sus giros nos señalan espacios casi doom con un sonido de bajo inmenso, pero también nos muestran bellos prados más cercanos al post-rock. evocándome momentos de bandas como GOD IS AN ASTRONAUT, entre fuertes tambores y un excelso bajo, las curvas del camino son ofrecen un paisaje multicolor y versátil que pasa por palacios progresivos y cauces tortuosos. Salpicando con una neblina narcótica el tema pasa a una fase más psicodélica, algo que no debería sorprendernos a estas alturas, ya que la estructuración de los temas, tiene un patrón prediseñado. En esta ocasión con menos pasajes cantados, la banda experimenta distintos sonidos al largo de sus más de siete minutos. El álbum cierra con ‘Beneath the captive sun’. Un tema de psicodélica chamánica que parece acariciarnos para narcotizarnos entre efluvios de hongos mágicos que expanden su sonido introducirnos en una dimensión desconocida donde todo se sucede con calma. Apacible y con alguna resonancia exótica, el tema se vuelve más áspero y pesado. Un nuevo giro hace que el tema descienda nuevamente a frondosos espacios con ciertos tonos místicos bajo un oscuro manto psico-progresivo en el que los instrumentos analógicos se ejecutan como en décadas atrás. Ese sonido limpio y en bruto supone uno de los alicientes de la banda.  Una arrancada de furia nos deleita con desgarradores momentos que nos sacan de la oscuridad para liberarnos. Épico.

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Reseña: THE SILENCE.- ‘Electric Meditations’

Los japoneses THE SILENCE eran una banda desconocida para mí hasta la publicación de ‘ELECTRIC MEDITATIONS’, su quinto álbum. El peculiar cuarteto en activo desde 2014 (¿Dónde he estado yo todo este tiempo?) nos presenta un álbum experimental que recupera el legado de los pioneros de la psicodelia japonesa de comienzo de los 70’s para jugar con vientos de saxo y flauta en distintos escenarios sonoros. A estas alturas tengo claro que la técnica de los músicos japoneses está a prueba de cualquier duda, y aquí queda patente. Igualmente la capacidad para la experimentación y composición de sonidos arriesgados, es otra constante en los músicos del país del sol naciente, por lo tanto, aquí tenemos la ecuación perfecta para salir de lo convencional.

Desde momentos en los que el blues aparece entre nebulosas lisérgicas, hasta un escenario completamente experimental en el que los ruidos y efectos crean momentos de auténtico caos sonoro, que supone la esencia de la banda, la banda juega con ese caos para componer sus canciones impresionantes. En el álbum encontramos atmósferas meditativas, frenesí rítmico y acidez, mucha acidez.  Evidentemente este no es un álbum para todos los públicos, pero sin dudas los amantes del rock ácido y experimental encontrarán con facilidad su espacio en unos surcos que rezuman L.S.D.

Si músicos ácidos japoneses como el pionero Shinki Chen han influido claramente en THE SILENCE, tampoco es descabellado pensar en Damo Suzuki y algunos de sus episodios con CAN como fuente de inspiración a su sonido. si sus gruesas guitarras y las buenas voces son un aliciente, cuando el saxo o la flauta entran en escena, el escenario sonoro cambia completamente. El cálido arrullo de algunos pasajes contrasta con lo incisivo y penetrante de sus momentos más experimentales. Entre esos, existe una innata vocación hard psych de una banda curiosa y particular.

Potentes riffs rasguean la apertura de ‘Tsumi to Warai’ entre una voz desgarrada con un registro que me recuerda a David Bowie Entre esa vorágine de cadentes riffs, el saxo hace acto de presencia en un hechizo, mientras los riffs se repiten con platillos chirriantes y un ritmo sólido. Creando un aparente caos, el saxo sobrevuela la bacanal rítmica mientras la voz parece ir por otro lado. Creando un resultado impactante e hipnótico. De repente el silencio deja paso a una línea de bajo con influencia jazz potente y magnético, el tema retoma los tambores y los vientos mientras el bajo se contonea altivo. En otra arrancada de locura, todo se vuelve diabólico y frenético.

 Con un evidente aroma a 70’s ‘Buttrerfly blues’ parece tomar el legado ácido de Shinki Chen. -un fantástico groovy con tonos funk y el penetrante sonido de saxo nos invitan a entrar en una atmósfera vintage para susurrarnos con una dulce flauta que nos narcotiza. Un espacio de calma en el que conviven los vientos de saxo y flauta entre tambores brillantes. Por momentos con aspecto de jam el tema retoma la acidez en una sucesión de cambios y giros. Aquí la guitarra se desangra en solos hirientes mientras la instrumentación es envuelta en psicotrópicos. Todo un espacio experimental en el que los japoneses parecen sentirse cómodos.

‘Meido Missi’ nos acaricia entre elementos de fusión jazz creando un ambiente cálido y acogedor. Vestigios de Zappa, y el saxo que se eleva luminoso arropado con cadentes sonidos experimentales que generan un espacio apacible. Al igual que en el tema anterior el contraste del sosiego hechizante de flauta y saxo y la penetrante voz, así como el ruido de fondo resulta de lo más estimulante. Con un tempo lento el tema camina parsimonioso engrosando repetidamente su sonido a trompicones. Una repetición envolvente que es silenciada dejando un espacio para el susurro antes de retomar desgarradores pero bellos pasajes.

‘Electric meditations’, el tema que da nombre al álbum recupera la acidez y la rugosidad de las guitarras jugando con el stereo. Golpean con fuerza los riffs hard sin prisa y envueltos en nebulosas psicodélicas recuperan el legado de la psicodelia hard japonesa de los 70’s. Piensa en Shinki Chen y la seducción vocal y rudos y crujientes riffs ejecutados con pausa. Añade el profundo sonido de viento y el espacio mediático ye hipnótico está creado. Amplificando todo crean una cortina nebulosa y difusa que nos envuelve narcotizándonos. Está caro que a estos chicos les gusta experimentar y sorprendernos con constantes cambios y giros en la trama. En la parte final cesa la instrumentación dejando espacio a unos cristalinos desarrollos de guitarra a los que se une el sonido del saxo arrastrando a los tambores para crear otro caos sonoro entre la calma.

Los últimos once minutos que ocupa ‘Improvisation’ suponen un espacio para la experimentción en el que el cuarteto se viste de CAN. Entra campanillas el silencio reina mientras el tema se va armando con extraños efectos.  Creando esa atmósfera meditativa van incorporando distintos instrumentos que crean un ambiente enigmático y catártico en el que todo parece inconexo. Un caos sonoro del que nos saca el saxo entre gruesos tambores y platillos. La experimentación en estado puro.

Alejados de la propuesta paranoide del corte anterior, ‘I’am a man’ retoma el rock enérgico y vibrante de los primeros 70’s. Aquí con el blues en la vena los vestigios de los pioneros ácidos japoneses regresan con fuerza. Poderosos riffs y una voz en tono blues, construyen un tema aturdidor que nos invade entre ritmos pegadizos y contagiosos y una hemorragia ácida y esquizofrénica. Una nueva locura sónica que huye del inquietante silencio del tema precedente para sumirnos en una bacanal sónica descomunal.

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Reseña: ELECTRIC MOON.- “Live At Freak Valley Festival 2.019”

En la primavera de 2019 por fin se alinearon los astros para mí, y además, por partida doble. Desde hacía mucho tiempo estaba entre mis objetivos poder visitar el mítico festival alemán, y también poder ver en directo a ELECTRIC MOON, afortunadamente para mí, en la última edición de Freak Valley Festival, ambos deseos se cumplieron. Teniendo en cuenta que desde hace un tiempo tengo un estrecho contacto con su guitarrista Dave, propietario del sello Sulatron Records, tener la posibilidad de encontrarnos en persona hace que su show y este álbum sean especiales para mí.

En activo desde hace más de una década y con más de 20 álbumes publicados (muchos de ellos en directo), ELECTRIC MOON son todo un referente en la escena psicodélica espacial de tintes kraut. Sus largas jams improvisadas son un escenario para la experimentación más psicotrópica, y en este su nuevo álbum, lo dejan patente. Tras varias horas de festival la media noche había llegado y con un cielo amenazador, la tormenta hasta ese momento nos había respetado, pero otro tipo de tormenta iba a descargar sobre nosotros. Un escenario cubierto de luces azules y el silencio recibían al trío alemán. Sula, Lulu ya habían tomado posiciones en el escenario, y afinaban sus instrumentos antes de que el “viaje” comenzara. Los efectos de Sula y los platillos de la batería de Pablo, con una Lulu arrodillada en el escenario junto a su bajo, nos iniciaban en una odisea lisérgica de tintes espaciales llena de misticismo. Si por algo han destacado siempre ELECTRIC MOON es por su capacidad para las improvisaciones psicodélicas y en esta ocasión no iba a ser para menos. Su show transitó por insondables espacios que hacían que nuestros cerebros despegarán de la tierra para visitar una nueva dimensión como refleja este álbum con un impecable sonido.

LIVE AT FREAK VALLEY FESTIVAL 2019’ está compuesto por tres largas jams que rondan los 20 minutos cada y dos temas que completan los setenta minutos de su duración. Con la formación que los vio nacer con Dave Smith (Sula Bassana) a la guitarra y casio, Lulu Neubeck (Komet Lulú) al bajo y Pablo Carneval a la batería nos ofrecen un trance hacia una dimensión sensorial en la somos estimulados por sus magnéticos desarrollos instrumentales. Reverberaciones, efectos y ritmos kraut herederos de sus paisanos de los 70’s y pioneros del género, completan un álbum mágico. Todo un hechizo sensorial para los allí presentes, pero también para los que disfruten del álbum en el calor de su hogar. ‘LIVE AT FREAK VALLEY FESTIVAL 2019’ es el reflejo de una noche mágica en la que ELECTRIC MOON, dejaron patente el porqué de la reputación que atesoran.

El concierto fue transmitido en vivo por el canal alemán Rockpalast y la masterización y mezcla corrió a cargo del reputado Ranko Snchenidr en un trabajo que refleja a la perfección el sonido que pudimos vivir “in situ”.

LIVE AT FREAK VALLEY FESTIVAL 2019” está disponible en CD vía Sulatron Records, y será editado en vinilo vía Rock Freak Records.

El álbum abre con ‘Increase’, entre efectos y loops el trance hacia dimensiones desconocidas parte de una forma hipnótica. Sin ningún tipo de prisa van construyendo un espacio gravitario que tarda en comenzar a elevarse. Algunos acordes místicos completan la ceremonia de despegue hacia el interior de esa “luna eléctrica” llena de un magnetismo que nos atrapa irremediablemente. La fase del despegue culmina con unos impactantes solos de guitarra y unos tambores que aportan una fuerza inusitada a la nave nodriza de la banda. Tras siete minutos de larga introducción, ya no hay vuelta atrás. Todo envuelto entre sustancias psicotrópicas el tortuoso viaje hacia los confines del universo ha comenzado. Su apuesta de rock espacial evocadora de los dictados de Hawkwind, robustece el tema entre efectos a mod de estrellas fugaces. Llegados aquí todo se vuelve alucinógeno. Puro rock ácido y pesado sin perder sus genes espaciales que explota en un frenesí implacable que nos golpea con todo su poder entre incesantes efectos hasta el alunizaje final en algún remoto lugar de los confines del universo. Un tema intenso y envolvente que hace las delicias de los presentes como demuestra la ovación registrada.

Con una introducción en una línea más floydiana ’777’ da paso a un torbellino de rock ácido entre incesantes ritmos kraut. Un tema pesado con mucho fuzz que nos envuelve en una orgía ácida llena de hipnotismo. Una arrolladora jam ejecutada a la velocidad de la luz que pasa por encima del oyente dejando un rastro desolador en sus diez primeros minutos. Tras la tempestad llega una aparente calma para tomar fuerza y rearmarse tornándose más espacial sin perder su ímpetu. Tras un cuarto de hora de intensidad el tema reposa flotando en espacios siderales de los que sale con gran intensidad retomando su carácter inicial. En su parte final. Apoteósico y exuberante. 

Sin salirse de los dictados kraut, ‘The picture’ tema incluido en el álbum ‘THEORY OF MIND’ sigue incidiendo en el carácter más espacial del trio. ELECTRIC MOON crean una espiral lisérgica de proporciones descomunales. La faceta más contundente de la banda queda reflejada en los repetitivos ritmos entre los efectos siderales de una de las bandas que mejor domina el género. Una vorágine de efectos con el bajo de Lulu golpeándonos con fuerza en un hechizo implacable que nos traslada a lo desconocido entre robóticos ritmos.  La experimentación en estado con arrancadas endiabladas y parones para reponer energías en una nueva odisea espacial llena de pesadez. Un tema ruidoso y con una energía endiablada.

El álbum continúa con “D-Tune. Un tema de ocho minutos perteneciente a su álbum ‘LUNATIC REVENGE’’. En el que el misticismo regresa gracias a las bellas armonías que exhuma la guitarra de Sula. Un corte con el que no necesitas alucinógenos ni sustancias psicotrópicas ya que en cada acorde puedes encontrar tu dosis. Aquí van más directo por un camino más clásico sin abandonar la constante experimentación innata en la banda. Rock ácido en estado puro sin perder la vocación espacial.

‘Der Mondsenator auf dem Weg zur Erde’ cierra el álbum con tres minutos acústicos llenos de belleza en los que Sula se toma las cosas con calma acompañado de la percusión de Pablo y que fue grabado en una sesión acústica que ofrecieron en el backstage. Un complemento perfecto del que no se pudo disfrutar en el escenario principal.

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Premiere, entrevista (español-english) y reseña del nuevo álbum de APE SKULL “FIELDS OF UNCONSCIOUS”

Presentamos en exclusiva el tercer álbum del trio italiano APE SKULL, “FIELDS OF UNCONSCIOUS”. La banda nos desvela todos los detalles del álbum (lee la entrevista abajo-read the interview below).

Han pasado cinco largos años desde que “FLY CAMEL FLY”, su último álbum viera la luz recibiendo multitud de halagos por la calidad que atesoraba una banda que parece salida del túnel del tiempo. Instalados en el sonido de comienzos de los 70’s con Hendrix como profeta, y bandas como Cream, Edgar Broughton Band o tantas otras como referentes, APE SKULL están de vuelta. ¡Y de que manera! La espera finalmente ha merecido la pena. Tras un tortuoso camino y mil problemas par conseguir un sello que publicará sus nuevas canciones, el trio romano se muestra en plenitud de facultades creando un álbum sobresaliente de rock “vintage”. Sin poses y plenos de autenticidad, su sonido sale de sus entrañas con naturalidad. La efectiva combinación de blues, funky, psicodelia, soul y puro hard rock ácido, hará sin ninguna duda las delicias de los amantes más puristas del rock a la vieja usanza. Habrá quien les califique como “retro” y no les faltará razón, pero escuchando “FIELDS OF UNCONSICIOUS” no tienes la sensación de que los romanos copien a nadie, lo cual es un importante aval. Tras todas las dificultades para que este trabajo vea la luz, incluida una impresión de prueba del vinilo defectuosa con dos introducciones cortadas, por fin podemos disfrutar nuevamente de la magia de APE SKULL. Tres tipos que saben tocar sus instrumentos con maestría y que sacan lo mejor de si mismos por una causa común, no en vano cumplen con todas las características del power trío al uso, como tantos que florecieron en la década de los 70’s, a pesar de que estemos en pleno siglo XXI. Personalmente me produce gran satisfacción que finalmente puedan ver como su creatividad puede ser compartida con todos sus seguidores. Estamos ante cerca de cuarenta minutos de puro ROCK ÁCIDO con mayúsculas, sin artificios.  

APE SKULL son: Giuliano Padroni (batería, voz solista y coros), Fulvio Cartacci (guitarra y coros) y Pierpaolo Pastorelli (bajo y coros) “FIELDS OF UNCONSICIOUS” fue grabado y mezclado en Track Back (Toulouse) por Jameerl Abdul Kebab, correspondiendo el diseño y arte de la portada a Marcello Crescenzi y Susanna Doccioli y producido por APE SKULL y Sronk Records.

Sobre auténticos y genuinos tonos vintage, sin artificios ni poses, “Fields Of Unconscious” con esos tambores briosos, la guitarra oscilante y una poderosa línea de bajo crean un tema con un groovy vacilón y sugerente que nos invita a disfrutar de un guateque en el que las melenas al viento conviven entre pantalones de campana y camisas de flores. Como ya nos han demostrado en sus anteriores álbumes APE SKULL parecen salidos de la máquina del tiempo. Puro hard-rock y blues rock entre humo cannabico. El corte funciona a pesar de no tener una complicada composición, sencillo pero sencillamente genial.

Con rasgueos Funky, “All Thats I Want” con sus vivaces ritmos y un Flow que te atrapa, desencadena la fiesta por todo lo alto. Wah wah esparcido entre vibraciones que por momentos toman el legado Hendrix, y que por otros recuerda al Santana más desmadrado. Una efectiva fusión de blues hiriente que contagia al oyente sin remisión. Solos asesinos en esa orgía rítmica con cierto aspecto negroide, funky, soul y blues se incrustan en hard rock bajo una esfera luminosa más propia de cualquier club de Harlem. La combinación de estribillos y coros en una revisión del Hendrix más funk. ¡Sumible!

Entre ondulantes riffs retro, “Freedom” y un ritmo aparente cansino los solos de Fulvio emulan al Dios de Seattle. Un manto psicodélico envuelve un corte ácido y penetrante lleno de sentimiento. Todo un viaje con distintas etapas en el camino, con momentos para la pausa entre atmósferas lisérgicas, colinas más tortuosas y sobre todo una luminosidad aplastante. Es difícil destacar a cualquiera de sus componentes ya los tres son virtuosos de sus instrumentos. Si a ello unes la capacidad creativa para hacer que todo sea divertido, el resultado es de lo mas apetecible. Seguramente el tema que cumpla más los estereotipos de rock contemporáneo a pesar de que en él encontramos ecos más propios de RARE EARTH.

“I’m Coming Home, Baby” se deja llevar por el blues en una atmósfera festiva al igual que el resto de los temas. Coros y estribillos pegadizos entre solos y ritmos ondulantes. Difícilmente podrás quedarte parado con el groovy contagiosos que el tema contiene. Ramalazos boogie-rock en un tema que huele a bourbon y parece ambientado en un club de carretera de comienzos de los setenta. El claro ejemplo de que con muy poco se puede hacer una canción que funcione.

Los cantos tribales de los nativos americanos introducen un tema que el trío romano viene interpretando en sus directos desde hace años. “Heya” la canción de Robert Markley, J.P.Stalling cuya mejor interpretación pertenece al álbum de 1970 “Cosmic Blues“ de los alemanes JERONIMO, cobra una nueva dimensión en manos de APE SKULL. Una versión ácida que se deja llevar por una atmósfera humeante entre los cantos rituales. Rasgueos de guitarra sobre una batería sostenida y los chamánicos cantos se combinan con pasajes puramente 70’s. Aquí prescindiendo de los teclados, puede que no sea tan corrosiva como la de los alemanes, pero desde luego, mantiene toda la esencia aumentando la duración de la original.

Los ecos Hendrix aparecen nuevamente en “Glory Days”. Otro tema de blues ácido con voces rotas y cálidos pasajes más propios del genio de Seatle. Un tema desgarrador en el que el tempo es más pausado pero los registros vocales consiguen clavarse en el oyente. Sus repetidas armonías dejan espacios instrumentales llenos de tórridos momentos. El trabajo de batería imprime una gran fuerza a un tema que parece avanzar sin mirar atrás.

El álbum cierra con “Atom in the sky”. Riffs que me evocan a RAM JAM y su mítico “Black Betty” son el claro ejemplo de que estos chicos viven instalados en el hard-rock de los 70. Sin complejos y sin imitar a nadie el rugoso tema contiene una efectiva armonía entre riffs más difusos y crudos. Unas melodías vocales de lo mas sugerentes colorean un tema lleno de dinamismo a pesar de su rugosidad. Seguramente el tema más pesado de todo el trabajo ofrece una montaña rusa de emociones plagada de momentos ácidos y evidentemente vintage en el que los platillos chasquean sin parar en una bacanal de ritmos poderosos.

ENTREVISTA:

DenpaFuzz: ¿Cómo habéis pasado todos estos años hasta que éste, vuestro tercer álbum ha sido realizado?

APE SKULL : Seguimos probando y creando nuevas canciones, como siempre lo hemos hecho. De hecho, entre álbumes creamos muchas canciones nuevas o ideas sobre lo que podría ser una pista nueva, pero muchas de ellas quedaron incompletas o no llegaron a nuestros LP. De hecho tenemos muchas grabaciones, unas 30, que están aparcadas en nuestro Youtube

DenpaFuzz: Tras dos álbumes publicados con el sello Heavy Psych Sounds, FIELS OF UNCONSCIOUS será publicado por Skronk Records. , ¿A qué se debe ese cambio? Y ¿Cómo ha sido esa etapa hasta que habéis encontrado un sello con el que publicarlo?

APE SKULL: Este disco sale producido por nosotros y por Skronk Records. Esta es una elección ligada sobre todo a un querido amigo, así nos complació. Nosotros debemos mucho a Heavy Psych Sounds Records y estaremos muy felices de poder colaborar de nuevo con ellos en nuestro próximo disco.

DenpaFuzz: Hablemos de contenido del nuevo álbum. Si tuvieras que explicar a alguien que nunca ha escuchado a APE SKULL, ¿Cómo definiríais su contenido?

APE SKULL: Esta no es una respuesta fácil de dar. Nos gusta pensar que si tu tienes que explicar con precisión y con largas descripciones lo que creas, tal vez
en alguna parte hay algo mal. Dejando la libertad de encontrar lo propio manera y recibir el mensaje con el propio estado de ánimo podría ser un logro. Sin embargo, el significado es único y absolutamente no puede ser abrazado por que odian a los “diferentes o a “los otros.

DenpaFuzz: ¿Cuál es la fuente de inspiración de la banda para componer los temas? ¿En qué bandas os fijáis (si es que lo hacéis en alguna) para componer vuestras canciones?

APE SKULL : Honestamente, cuando estamos en la sala de ensayo, tocamos instintivamente, ven sube con un riff, una idea y sigue adelante. No pensamos primero en qué hacer y cómo hacerlo, qué matiz o banda necesita estar presente. Cada uno pone su línea, su carácter en él. Todos los géneros musicales que te gustan, las canciones que te encantan escuchar, tu favorito artistas y bandas son la materia prima que crea, en un sentido musical, tu personalidad. No es necesario convocarlos cada vez. Creemos que este es el caso para casi todos los músicos.

DenpaFuzz: Aunque en ‘FIELS OF UNCONSCIOUS’ el blues sigue presente, parece que ese sonido es menos evidente que en vuestros álbumes previos, ¿Es una apreciación mía o habéis querido ampliar de alguna manera el horizonte de vuestro sonido cuidando más las composiciones de las canciones?

APE SKULL: Quizás esto podría ser subjetivo. Nos parece que en este hay más o menos los mismos ingredientes que los otros nuestros álbumes, tal vez simplemente se cocinan con especias ligeramente diferentes. Pero obviamente somos muy interesado en entender por qué se puede entender de esta manera.

DenpaFuzz: También encuentro más vibraciones negroides en alguno de los temas, como “All Thats I Want” o ‘Freedom’, un camino muy acertado en mi opinión.

APE SKULL: Nunca hemos escondido estos matices y nuestra pasión por lo afro
músicos estadounidenses. Podemos escucharlos en muchas canciones de álbumes anteriores, como en “Make Me Free”, pero también “So Deep” tiene una base funky. En youtube puedes encontrar nuestra versión improvisada de “Comin ‘Home Baby” de Ben Tucker, pero también sonidos más ásperos. Nos gusta vagar, sin barreras.

DenpaFuzz: En “Fly camel fly” eran Damnation of Adam Blessing con “Driver”, ahora Jeronimo con el himno “Heya”, ¿Es esto un homenaje a alguna de vuestras favoritas? “Heya” la venís interpretando en vuestros directos desde hace años, ¿Era el momento de homenajearla en un álbum?

APE SKULL: Siempre hemos incluido un “homenaje” en nuestros álbumes, tiene su significado: la referencia a géneros y sonidos que están en nuestro trasfondo pero también para interpretar la canción con nuestra personalidad, obviamente esperando tener éxito con esta.

DenpaFuzz: Al margen de que tras varias escuchas del álbum haya podido percibir alguna vibración que me puede evocar a determinadas bandas de los 70’s, es evidente que especialmente en los dedos de Fulvio se percibe el amor por Jimi Hendrix, ¿Qué tenéis que decir a esto?

APE SKULL: Este es un hecho innegable. En verdad, todos nosotros, tal vez como todos, hemos asimilado y metabolizado lo que más nos llamó la atención y nos formó nosotros a partir de una edad temprana. Jimi es JIMI.

DenpaFuzz: Con estos tiempos convulsos en medio de esta pandemia que nos está asolando, ¿Cómo se presenta el futuro próximo respecto a la posibilidad de subiros a un escenario para presentar vuestro nuevo álbum?

APE SKULL: Es difícil pensar en eso ahora, es una situación que requiere respeto y altruismo. Estaremos felices de volver al escenario pronto porque significa que hemos dejado atrás esta terrible situación. Esperando que algo cambios para mejor.

DenpaFuzz: Muchas gracias por vuestras palabras y espero que pronto podamos vernos de nuevo en un concierto vuestro. ¿Os deseo mucha suerte en esta nueva etapa!

APE SKULL: Muchas gracias por tu trabajo y tus palabras. Si esperamos verte pronto y brindar por algo grandioso. ¡Larga vida al rock.!

INTERVIEW (ENGLISH):

DenpaFuzz: Until this, your third album has been made, how have you spent
all these years?

APE SKULL: We kept trying and building new songs, like we always have. In fact, between albums we created a lot of new songs or ideas about what could be a new track, but a lot of them remained incomplete or didn’t make it onto our LPs. In fact we have a lot of recordings, about 30, which are parked on our youtube.

DenpaFuzz: After two albums released on Heavy Psych Sounds, FIELDS OF UNCONSCIOUS will be released by Skronk Records. why this change? And how was that time until you’ve found a stamp to publish it with?.

APE SKULL: This album comes out produced by us and by Skronk records. This is a choice linked above all to a dear friend, we were pleased that way. We owe a lot to Heavy Psych Sounds Records and we will be very happy to collaborate ith again for the next our album .

DenpaFuzz: Let’s talk about content from the new album. If you had to explain
to someone who has never listened to APE SKULL, how would you define its contents?

APE SKULL: This is not an easy answer to give. We like to think that if you have to explain accurately and with long descriptions what you create, maybe somewhere there is something wrong. Leaving the freedom to find one’s own way and to receive the message with one’s own state of mind could be an achievement. However, the meaning is unique and absolutely cannot be embraced by those who hate the “different” or “the others”.

DenpaFuzz: What is the band’s source of inspiration for composing the tracks?
What bands do you look at (if any) to compose your songs?

APE SKULL: Honestly, when in the rehearsal room, we play instinctively, come up with a riff, an idea and move on. We don’t first think about what to do and how to do it, what nuance or band needs to be present. Each of us puts his line, his character into it. All the musical genres you like, the songs you love to listen to, your favorite artists and bands are the raw material that creates, in a musical sense, your personality. There is no need to summon them every time. We think this is the case for almost everyone musicians.

DenpaFuzz: Although in ‘FIELS OF UNCONSCIOUS’ the blues is still present, it seems that this sound is less evident than in your previous albums, is it an ppreciation of me or have you wanted to expand in some way the horizon of your sound taking more care of the compositions of the songs?

APE SKULL: Perhaps this could be subjective. It seems to us that in this album there are more or less the same ingredients than the others our albums, maybe they are just cooked with slightly different spices. But obviously we are very interested in understanding why it can be understood in this way.

DenpaFuzz: I also find more black music vibrations on one of the tracks, such
as “All Thats I Want” or ‘Freedom’, a very successful path in my opinion.

APE SKULL: We have never hidden these nuances and our passion for afro american musicians. We can hear them in many songs on previous albums, like in “Make Me Free” but also “So Deep” has a funky base. On youtube you can find our improvised version of “Comin’ Home Baby” by Ben Tucker but also rougher sounds. We like to wander, without barriers.

DenpaFuzz: In “Fly camel fly” were Damnation of Adma Blessin with “Driver”,
now Jeronimo with the hymn “Heya”, Is this a tribute to any of your favorites?
“Heya” you’ve been performing it on your live shows for years, was it time to honor her on an album?

APE SKULL: We have always included a “tribute” in our albums, it has its own
meaning: the reference to genres and sounds that are in our background but
also to interpret the song with our personality, obviously hoping to succeed in
this.

DenpaFuzz: Apart from the fact that after several listens of the album he could
perceive some vibration that can evoke me to certain bands of the 70’s, it is clear that especially in Fulvio’s fingers there is a love for Jimi Hendrix, what do
you think about this?

APE SKULL: This is an undeniable fact. In truth, all of us, perhaps like everyone, have assimilated and metabolized what struck us most and formed us starting from young age. Jimi is JIMI.

DenpaFuzz: With these convulsive times in the midst of this pandemic that is
ravaging us, how does the near future present itself regarding the possibility of
getting on stage to present your new album?

APE SKULL: It’s hard to think about it now, it’s a situation that requires respect and altruism. We will be happy to be back on stage soon because it will mean hat we have left this terrible situation behind. Hoping that something changes, for the better.

DenpaFuzz: Thank you very much for your words and I hope that soon we can
meet again at a concert of yours. Do I wish you much luck in this new stage!

APE SKULL: Thank you very much for your work and your words. Yes, we hope
to see you soon and toast for something great. Long live rock
!!!

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Reseña: ACID MOON AND THE PREGNANT SUN.- “Speakin’ Of The Devil”

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“SPEAKIN’ OF THE DEVIL” es el álbum debut de la banda de Tel Aviv (Israel) ACID MOON AND THE PREGNANT SUN, una especie de supergrupo formado por Aviran Haviv y Omer Haviv bajista y guitarra de THE GREAT MACHINE en unión con diversos músicos de la escena israelita. Un cuidado y delicado trabajo en el que no vas a encontrar riffs poderosos y esa actitud punk que caracteriza a la banda, sino que te vas a embarcar en un túnel del tiempo a la California mas florida de finales de los sesenta, a las vastas praderas en las que la banda sonora es la música country y americana, al rock ácido de los primeros 70’s entre exóticos aromas mediterráneos de psicodelia colorista, o la los momentos garage rock más primitivos. Su evocadora portada, es una invitación a explorar un contenido al que hace justicia. Siempre ofreciendo el lado más melódico en canciones que rezuman sentimientos y que inevitablemente nos evocan épocas pasadas. Siempre es agradable ver a unos músicos saliendo de la zona de confort del estilo que les hace populares para, sin ataduras experimentar con otras vibraciones que nunca han visto la luz. En esta ocasión, se percibe a una banda llena de frescura, una banda que se mueve como pez en el agua por estilos que probablemente nunca nos hubiéramos imaginado, pero que a la postre, supone todo un regalo para el oyente. Son distintas las influencias que podemos encontrar en estos surcos, desde un sonido evocador de Jefferson Airplane, hasta momentos de loner-folk, más propios de un híbrido entre Johnny Cash, Marc Benno o Tom Waits. Puede parecer algo demasiado meloso, pero por el contrario el groovy contagioso de los primeros Rolling Stones también aparecen para brillo a alguno de los temas. Unas canciones que también tomas prestados los sonidos tradicionales de su tierra, para adornar unas canciones bien construidas. La participación de gran numero de músicos israelitas más habituados a distintos estilos, solo hace que enriquecer a este proyecto llamado ACID MOON AND THE PREGNANT SUN. La pregunta es: Después de este sobresaliente álbum, ¿La banda tendrá continuidad con nuevos trabajos?? Como decía Bob Dylan: “La respuesta está en el viento….”

El álbum abre con los sonidos americana de “I love you”, aderezados con psicodelia aromatizada de tonos orientales. Entre armonías garage-rock el tema nos traslada al espectro mas underground de los 60’s. Cuidadas melodías con bordes ásperos y primitivos. un tema ondulante y envolvente que guarda un espacio para atmósferas lisérgicas que lo hacen cambiar de aspecto. Un tema fresco y pegadizo que supone una magnífica carta de presentación de este nuevo proyecto. 

Con una apertura mas rockera, “Speakin’ of the devil” se viste con el sonido de los 70’s. Evocando ambientes rurales los aromas sureños arropan una quebrada sobre medios tiempos. En un escenario casi country la desgarradora voz se balancea entre acordes acústicos. Un bello tema con olor  a brisa campestre por una senda que me evoca a Marc Benno o Delaney Bramlett. Evidentemente estamos ante un sonido alejado del que practica THE GREAT MACHINE, por lo que no salgo de mi asombro. En una nueva pirueta controlada, la parte final se desarrolla en ritmos boogie rock más dinámicos entre buenos solos de guitarra. 

Juegos de percusión nos introducen en “Creatures of the abyss” para hacernos flotar en algodonadas atmósferas sureñas con acolchados prados. Con los teclados y la percusión como protagonistas y entre arrancadas y parones, el tema coquetea con elementos jazz, folk, y hasta progresivos para ofrecernos una cara distinta de la que comenzó. Ornamentos exóticos dan dar brillo a otro notable tema lleno de calidad.

En un espacio más progresivo y con reminiscencias freak “Wide”, rezuma sabor a west-coast y a bandas como TRAFFIC. Olor a marihuana y flores en el pelo con ecos de JEFFERSON AIRPLANE por los cuatro costados. Con buenos momentos psicotrópicos la canción es un caleidoscopio multicolor. Ritmos hipnótico y pegadizos que nos sumen en un viaje ácido de mucha calidad.  Sintetizadores y efectos completan un tema que cualquiera, tras su escucha, dataría en la California de 1967. ¡¡¡Absolutamente brutal!!!

Latiendo con acordes acústicos “Brith sky at night” nos seduce con su bella melodía y la calidez de una voz que denota melancolía. Otra bella canción sencilla y llena de sentimientos con cuidados y delicados acordes de gran sencillez.  Una armonía repetida entre sutiles ritmos que acaba atrayéndome de nuevo. 

Instalados en esas apacibles atmósferas, los israelitas construyen “Save me”. Nuevamente los ecos west-coast con ritmos stonianos van construyendo otro espacio colorista con sabor a 70’s. Un tema que van moldeando con cuidado usando distintas influencias sonoras. siempre con pincelas, consiguen moldear un tema que conjuga elementos eléctricos y acústicos entre guitarras coloristas y riffs mas propios del dúo RichardsJagger en los primeros años de los Stones. Una canción envuelta en un atrayente manto vintage. 

A modo de epílogo “Sparrow”, nace de sosegados acordes de tonos rurales llenos de melancolía. El folk triste de voz aguardentosa entre Johnny Cash y Tom Waits fluyendo entre armonías con ecos sureños con desgarrador relato de añoranza y melancolía pone el epílogo a un sorprendente y sobresaliente trabajo. 

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