Premiere, entrevista (español-english) y reseña del nuevo álbum de APE SKULL “FIELDS OF UNCONSCIOUS”

Presentamos en exclusiva el tercer álbum del trio italiano APE SKULL, “FIELDS OF UNCONSCIOUS”. La banda nos desvela todos los detalles del álbum (lee la entrevista abajo-read the interview below).

Han pasado cinco largos años desde que “FLY CAMEL FLY”, su último álbum viera la luz recibiendo multitud de halagos por la calidad que atesoraba una banda que parece salida del túnel del tiempo. Instalados en el sonido de comienzos de los 70’s con Hendrix como profeta, y bandas como Cream, Edgar Broughton Band o tantas otras como referentes, APE SKULL están de vuelta. ¡Y de que manera! La espera finalmente ha merecido la pena. Tras un tortuoso camino y mil problemas par conseguir un sello que publicará sus nuevas canciones, el trio romano se muestra en plenitud de facultades creando un álbum sobresaliente de rock “vintage”. Sin poses y plenos de autenticidad, su sonido sale de sus entrañas con naturalidad. La efectiva combinación de blues, funky, psicodelia, soul y puro hard rock ácido, hará sin ninguna duda las delicias de los amantes más puristas del rock a la vieja usanza. Habrá quien les califique como “retro” y no les faltará razón, pero escuchando “FIELDS OF UNCONSICIOUS” no tienes la sensación de que los romanos copien a nadie, lo cual es un importante aval. Tras todas las dificultades para que este trabajo vea la luz, incluida una impresión de prueba del vinilo defectuosa con dos introducciones cortadas, por fin podemos disfrutar nuevamente de la magia de APE SKULL. Tres tipos que saben tocar sus instrumentos con maestría y que sacan lo mejor de si mismos por una causa común, no en vano cumplen con todas las características del power trío al uso, como tantos que florecieron en la década de los 70’s, a pesar de que estemos en pleno siglo XXI. Personalmente me produce gran satisfacción que finalmente puedan ver como su creatividad puede ser compartida con todos sus seguidores. Estamos ante cerca de cuarenta minutos de puro ROCK ÁCIDO con mayúsculas, sin artificios.  

APE SKULL son: Giuliano Padroni (batería, voz solista y coros), Fulvio Cartacci (guitarra y coros) y Pierpaolo Pastorelli (bajo y coros) “FIELDS OF UNCONSICIOUS” fue grabado y mezclado en Track Back (Toulouse) por Jameerl Abdul Kebab, correspondiendo el diseño y arte de la portada a Marcello Crescenzi y Susanna Doccioli y producido por APE SKULL y Sronk Records.

Sobre auténticos y genuinos tonos vintage, sin artificios ni poses, “Fields Of Unconscious” con esos tambores briosos, la guitarra oscilante y una poderosa línea de bajo crean un tema con un groovy vacilón y sugerente que nos invita a disfrutar de un guateque en el que las melenas al viento conviven entre pantalones de campana y camisas de flores. Como ya nos han demostrado en sus anteriores álbumes APE SKULL parecen salidos de la máquina del tiempo. Puro hard-rock y blues rock entre humo cannabico. El corte funciona a pesar de no tener una complicada composición, sencillo pero sencillamente genial.

Con rasgueos Funky, “All Thats I Want” con sus vivaces ritmos y un Flow que te atrapa, desencadena la fiesta por todo lo alto. Wah wah esparcido entre vibraciones que por momentos toman el legado Hendrix, y que por otros recuerda al Santana más desmadrado. Una efectiva fusión de blues hiriente que contagia al oyente sin remisión. Solos asesinos en esa orgía rítmica con cierto aspecto negroide, funky, soul y blues se incrustan en hard rock bajo una esfera luminosa más propia de cualquier club de Harlem. La combinación de estribillos y coros en una revisión del Hendrix más funk. ¡Sumible!

Entre ondulantes riffs retro, “Freedom” y un ritmo aparente cansino los solos de Fulvio emulan al Dios de Seattle. Un manto psicodélico envuelve un corte ácido y penetrante lleno de sentimiento. Todo un viaje con distintas etapas en el camino, con momentos para la pausa entre atmósferas lisérgicas, colinas más tortuosas y sobre todo una luminosidad aplastante. Es difícil destacar a cualquiera de sus componentes ya los tres son virtuosos de sus instrumentos. Si a ello unes la capacidad creativa para hacer que todo sea divertido, el resultado es de lo mas apetecible. Seguramente el tema que cumpla más los estereotipos de rock contemporáneo a pesar de que en él encontramos ecos más propios de RARE EARTH.

“I’m Coming Home, Baby” se deja llevar por el blues en una atmósfera festiva al igual que el resto de los temas. Coros y estribillos pegadizos entre solos y ritmos ondulantes. Difícilmente podrás quedarte parado con el groovy contagiosos que el tema contiene. Ramalazos boogie-rock en un tema que huele a bourbon y parece ambientado en un club de carretera de comienzos de los setenta. El claro ejemplo de que con muy poco se puede hacer una canción que funcione.

Los cantos tribales de los nativos americanos introducen un tema que el trío romano viene interpretando en sus directos desde hace años. “Heya” la canción de Robert Markley, J.P.Stalling cuya mejor interpretación pertenece al álbum de 1970 “Cosmic Blues“ de los alemanes JERONIMO, cobra una nueva dimensión en manos de APE SKULL. Una versión ácida que se deja llevar por una atmósfera humeante entre los cantos rituales. Rasgueos de guitarra sobre una batería sostenida y los chamánicos cantos se combinan con pasajes puramente 70’s. Aquí prescindiendo de los teclados, puede que no sea tan corrosiva como la de los alemanes, pero desde luego, mantiene toda la esencia aumentando la duración de la original.

Los ecos Hendrix aparecen nuevamente en “Glory Days”. Otro tema de blues ácido con voces rotas y cálidos pasajes más propios del genio de Seatle. Un tema desgarrador en el que el tempo es más pausado pero los registros vocales consiguen clavarse en el oyente. Sus repetidas armonías dejan espacios instrumentales llenos de tórridos momentos. El trabajo de batería imprime una gran fuerza a un tema que parece avanzar sin mirar atrás.

El álbum cierra con “Atom in the sky”. Riffs que me evocan a RAM JAM y su mítico “Black Betty” son el claro ejemplo de que estos chicos viven instalados en el hard-rock de los 70. Sin complejos y sin imitar a nadie el rugoso tema contiene una efectiva armonía entre riffs más difusos y crudos. Unas melodías vocales de lo mas sugerentes colorean un tema lleno de dinamismo a pesar de su rugosidad. Seguramente el tema más pesado de todo el trabajo ofrece una montaña rusa de emociones plagada de momentos ácidos y evidentemente vintage en el que los platillos chasquean sin parar en una bacanal de ritmos poderosos.

ENTREVISTA:

DenpaFuzz: ¿Cómo habéis pasado todos estos años hasta que éste, vuestro tercer álbum ha sido realizado?

APE SKULL : Seguimos probando y creando nuevas canciones, como siempre lo hemos hecho. De hecho, entre álbumes creamos muchas canciones nuevas o ideas sobre lo que podría ser una pista nueva, pero muchas de ellas quedaron incompletas o no llegaron a nuestros LP. De hecho tenemos muchas grabaciones, unas 30, que están aparcadas en nuestro Youtube

DenpaFuzz: Tras dos álbumes publicados con el sello Heavy Psych Sounds, FIELS OF UNCONSCIOUS será publicado por Skronk Records. , ¿A qué se debe ese cambio? Y ¿Cómo ha sido esa etapa hasta que habéis encontrado un sello con el que publicarlo?

APE SKULL: Este disco sale producido por nosotros y por Skronk Records. Esta es una elección ligada sobre todo a un querido amigo, así nos complació. Nosotros debemos mucho a Heavy Psych Sounds Records y estaremos muy felices de poder colaborar de nuevo con ellos en nuestro próximo disco.

DenpaFuzz: Hablemos de contenido del nuevo álbum. Si tuvieras que explicar a alguien que nunca ha escuchado a APE SKULL, ¿Cómo definiríais su contenido?

APE SKULL: Esta no es una respuesta fácil de dar. Nos gusta pensar que si tu tienes que explicar con precisión y con largas descripciones lo que creas, tal vez
en alguna parte hay algo mal. Dejando la libertad de encontrar lo propio manera y recibir el mensaje con el propio estado de ánimo podría ser un logro. Sin embargo, el significado es único y absolutamente no puede ser abrazado por que odian a los “diferentes o a “los otros.

DenpaFuzz: ¿Cuál es la fuente de inspiración de la banda para componer los temas? ¿En qué bandas os fijáis (si es que lo hacéis en alguna) para componer vuestras canciones?

APE SKULL : Honestamente, cuando estamos en la sala de ensayo, tocamos instintivamente, ven sube con un riff, una idea y sigue adelante. No pensamos primero en qué hacer y cómo hacerlo, qué matiz o banda necesita estar presente. Cada uno pone su línea, su carácter en él. Todos los géneros musicales que te gustan, las canciones que te encantan escuchar, tu favorito artistas y bandas son la materia prima que crea, en un sentido musical, tu personalidad. No es necesario convocarlos cada vez. Creemos que este es el caso para casi todos los músicos.

DenpaFuzz: Aunque en ‘FIELS OF UNCONSCIOUS’ el blues sigue presente, parece que ese sonido es menos evidente que en vuestros álbumes previos, ¿Es una apreciación mía o habéis querido ampliar de alguna manera el horizonte de vuestro sonido cuidando más las composiciones de las canciones?

APE SKULL: Quizás esto podría ser subjetivo. Nos parece que en este hay más o menos los mismos ingredientes que los otros nuestros álbumes, tal vez simplemente se cocinan con especias ligeramente diferentes. Pero obviamente somos muy interesado en entender por qué se puede entender de esta manera.

DenpaFuzz: También encuentro más vibraciones negroides en alguno de los temas, como “All Thats I Want” o ‘Freedom’, un camino muy acertado en mi opinión.

APE SKULL: Nunca hemos escondido estos matices y nuestra pasión por lo afro
músicos estadounidenses. Podemos escucharlos en muchas canciones de álbumes anteriores, como en “Make Me Free”, pero también “So Deep” tiene una base funky. En youtube puedes encontrar nuestra versión improvisada de “Comin ‘Home Baby” de Ben Tucker, pero también sonidos más ásperos. Nos gusta vagar, sin barreras.

DenpaFuzz: En “Fly camel fly” eran Damnation of Adam Blessing con “Driver”, ahora Jeronimo con el himno “Heya”, ¿Es esto un homenaje a alguna de vuestras favoritas? “Heya” la venís interpretando en vuestros directos desde hace años, ¿Era el momento de homenajearla en un álbum?

APE SKULL: Siempre hemos incluido un “homenaje” en nuestros álbumes, tiene su significado: la referencia a géneros y sonidos que están en nuestro trasfondo pero también para interpretar la canción con nuestra personalidad, obviamente esperando tener éxito con esta.

DenpaFuzz: Al margen de que tras varias escuchas del álbum haya podido percibir alguna vibración que me puede evocar a determinadas bandas de los 70’s, es evidente que especialmente en los dedos de Fulvio se percibe el amor por Jimi Hendrix, ¿Qué tenéis que decir a esto?

APE SKULL: Este es un hecho innegable. En verdad, todos nosotros, tal vez como todos, hemos asimilado y metabolizado lo que más nos llamó la atención y nos formó nosotros a partir de una edad temprana. Jimi es JIMI.

DenpaFuzz: Con estos tiempos convulsos en medio de esta pandemia que nos está asolando, ¿Cómo se presenta el futuro próximo respecto a la posibilidad de subiros a un escenario para presentar vuestro nuevo álbum?

APE SKULL: Es difícil pensar en eso ahora, es una situación que requiere respeto y altruismo. Estaremos felices de volver al escenario pronto porque significa que hemos dejado atrás esta terrible situación. Esperando que algo cambios para mejor.

DenpaFuzz: Muchas gracias por vuestras palabras y espero que pronto podamos vernos de nuevo en un concierto vuestro. ¿Os deseo mucha suerte en esta nueva etapa!

APE SKULL: Muchas gracias por tu trabajo y tus palabras. Si esperamos verte pronto y brindar por algo grandioso. ¡Larga vida al rock.!

INTERVIEW (ENGLISH):

DenpaFuzz: Until this, your third album has been made, how have you spent
all these years?

APE SKULL: We kept trying and building new songs, like we always have. In fact, between albums we created a lot of new songs or ideas about what could be a new track, but a lot of them remained incomplete or didn’t make it onto our LPs. In fact we have a lot of recordings, about 30, which are parked on our youtube.

DenpaFuzz: After two albums released on Heavy Psych Sounds, FIELDS OF UNCONSCIOUS will be released by Skronk Records. why this change? And how was that time until you’ve found a stamp to publish it with?.

APE SKULL: This album comes out produced by us and by Skronk records. This is a choice linked above all to a dear friend, we were pleased that way. We owe a lot to Heavy Psych Sounds Records and we will be very happy to collaborate ith again for the next our album .

DenpaFuzz: Let’s talk about content from the new album. If you had to explain
to someone who has never listened to APE SKULL, how would you define its contents?

APE SKULL: This is not an easy answer to give. We like to think that if you have to explain accurately and with long descriptions what you create, maybe somewhere there is something wrong. Leaving the freedom to find one’s own way and to receive the message with one’s own state of mind could be an achievement. However, the meaning is unique and absolutely cannot be embraced by those who hate the “different” or “the others”.

DenpaFuzz: What is the band’s source of inspiration for composing the tracks?
What bands do you look at (if any) to compose your songs?

APE SKULL: Honestly, when in the rehearsal room, we play instinctively, come up with a riff, an idea and move on. We don’t first think about what to do and how to do it, what nuance or band needs to be present. Each of us puts his line, his character into it. All the musical genres you like, the songs you love to listen to, your favorite artists and bands are the raw material that creates, in a musical sense, your personality. There is no need to summon them every time. We think this is the case for almost everyone musicians.

DenpaFuzz: Although in ‘FIELS OF UNCONSCIOUS’ the blues is still present, it seems that this sound is less evident than in your previous albums, is it an ppreciation of me or have you wanted to expand in some way the horizon of your sound taking more care of the compositions of the songs?

APE SKULL: Perhaps this could be subjective. It seems to us that in this album there are more or less the same ingredients than the others our albums, maybe they are just cooked with slightly different spices. But obviously we are very interested in understanding why it can be understood in this way.

DenpaFuzz: I also find more black music vibrations on one of the tracks, such
as “All Thats I Want” or ‘Freedom’, a very successful path in my opinion.

APE SKULL: We have never hidden these nuances and our passion for afro american musicians. We can hear them in many songs on previous albums, like in “Make Me Free” but also “So Deep” has a funky base. On youtube you can find our improvised version of “Comin’ Home Baby” by Ben Tucker but also rougher sounds. We like to wander, without barriers.

DenpaFuzz: In “Fly camel fly” were Damnation of Adma Blessin with “Driver”,
now Jeronimo with the hymn “Heya”, Is this a tribute to any of your favorites?
“Heya” you’ve been performing it on your live shows for years, was it time to honor her on an album?

APE SKULL: We have always included a “tribute” in our albums, it has its own
meaning: the reference to genres and sounds that are in our background but
also to interpret the song with our personality, obviously hoping to succeed in
this.

DenpaFuzz: Apart from the fact that after several listens of the album he could
perceive some vibration that can evoke me to certain bands of the 70’s, it is clear that especially in Fulvio’s fingers there is a love for Jimi Hendrix, what do
you think about this?

APE SKULL: This is an undeniable fact. In truth, all of us, perhaps like everyone, have assimilated and metabolized what struck us most and formed us starting from young age. Jimi is JIMI.

DenpaFuzz: With these convulsive times in the midst of this pandemic that is
ravaging us, how does the near future present itself regarding the possibility of
getting on stage to present your new album?

APE SKULL: It’s hard to think about it now, it’s a situation that requires respect and altruism. We will be happy to be back on stage soon because it will mean hat we have left this terrible situation behind. Hoping that something changes, for the better.

DenpaFuzz: Thank you very much for your words and I hope that soon we can
meet again at a concert of yours. Do I wish you much luck in this new stage!

APE SKULL: Thank you very much for your work and your words. Yes, we hope
to see you soon and toast for something great. Long live rock
!!!

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https://www.facebook.com/skronkrecords

Reseña: BLUES PILLS.- “Holy Molly!!”

¿Una vuelta a los orígenes? Cualquiera que tras la publicación de su último álbum “LADY IN GOLD” se sintiera defraudado con el camino que tomó el sonido de la banda, ahora puede estar de enhorabuena, BLUES PILLS recupera la acidez que les vio nacer. Con su nuevo álbum parece que han superado la etapa en la que la banda se alejaba de la crudeza. “HOLY MOLLY!!” es una especie de liberación de la banda tras los convulsos tiempos pasados desde su anterior álbum según sus propias palabras. Tras algunas depresiones y estados de ánimo bajo mínimos, recuperan las riendas de lo que de verdad quieren ser. Renovados con la salida de su guitarrista Dorian y habiendo asumido su puesto el hasta ahora bajista Zack Anderson, éste deja su lugar en el bajo al nuevo miembro Kristoffer Schander. Todos estos cambios y la necesidad de recuperar su identidad hacen de su nuevo trabajo una oportunidad para congraciarse con su auténtico sonido a una banda que quiere (y aquí lo demuestra con solvencia) volver a sonar cruda, olvidándose de unos artificios a los que se vieron llevados a usar por quienes movían sus hilos. Sin miedo a equivocarme, me atrevo a decir que ¡¡BLUES PILLS han vuelto!!!, ¡¡y de que manera!!!!. Esa banda que había sorprendido años atrás a propios y extraños está en plenitud de facultades, tanto compositivas como interpretativas.

Es posible que no haya una vocalista en la escena como Ellin Larson, algo que queda patente en todos los temas del álbum. Desplegando su repertorio de registros vocales entre ácidos riffs que recuperan el sonido basado en las guitarras con el que nacieron,

Los temas guardan una constante en su desarrollo y siempre acaban eclosionando en momentos de rabia y pesadez por muy sosegados que se muestren en su inicio. Utilizando los teclados únicamente en un par de temas, la banda nos golpea con ácidos riffs entre los derroches vocales de su cantante, El cambio de roll de Zach, pudieran hacer pensar que los cimientos de la banda se resientan, pero la realidad es que vuelven a recuperar la solidez y la firmeza de siempre. Explorando todo el espectro sonoro que va desde el blues al soul, pasando por el jazz, la psicodelia y hard rock más rabioso, nos ofrecen un trabajo variado y logrado. Sonidos vintage, sonidos retro, pero construidos con la suficiente calidad para que a pesar de su origen, su aspecto sea de lo más contemporáneo. Nada es rancio aquí, y la frescura y efervescencia de las canciones contenidas en el álbum son una invitación y un regalo para los fans de la banda que pensaban que ya los habíamos perdido para siempre. El reflejo de unos músicos jóvenes y sencillos, que no quieren perder esa frescura y que como ellos mismos dicen, no están preparados para el mainstream, ¡¡Mejor así!!

Entre vibraciones blues y soul-rock “Proud woman” con sus fuertes ritmos nos devuelven la esencia de los primeros 70’s. Una Ellin esplendorosa despliega todo su arsenal de registros vocales dejándose al alma en un tema lleno de garra que es toda una invitación a seguir explorando este nuevo álbum. Un trabajo que, a la vista de éste primer tema, promete fuertes emociones. Pesado, ácido y colorista, el tema irradia energía por los cuatro costados. El tema refleja la liberación de la banda tras unos años duros.
“Low road” sin andarse con tonterías, nos sumerge en una espiral ácida como las que la banda ofrecía en sus comienzos. Parece estar superada la etapa más “blandita” de la banda.  Heavy-blues y psicodelia ácida en una orgía psicotrópica en un convite al frenesí. Un tema arrollador en el que BLUES PILLS recuperan toda la fuerza que les vio nacer. Fuzz y solos asesinos se suceden en un torbellino rítmico que evoca su autentico sonido.   Ese que hizo correr ríos de tinta sobre su calidad y que ahora la banda retoma con gran acierto para satisfacción de muchos de sus seguidores acérrimos.
El hard-rock y el heavy-blues construyen “Dreaming my life away” aderezándolos con un aroma vintage. Otro nuevo derroche vocal de Ellin. Una cantante que no parece tener límites en su talento. Rock clásico, sólido, contundente, pesado en el que se incrustan esos solo asesinos que tan resultones son. Entre desgarradoras voces y coros la canción refleja que todo está perfectamente ensamblado.
“California”, un evocador nombre para una canción que parece mostrarse como una oda al verano del amor. En modo pseudo-balada los elementos west-coast se suceden evocando floridos paisajes llenos de color. El tema supone un nuevo escaparate para el lucimiento de su vocalista. Variando los registros, con desgarradores aullidos de tonos negroides entre coros más propios de una iglesia baptista.  Con unas armonías de rock clásico en las que brillantes momentos de guitarra consiguen el equilibrio entra la dulzura y la garra.

“Rythym in the blow” no hace prisioneros. Hard psych de altos vuelos en un tema ardiente. La destrucción iniciar y los potentes riffs, unido al aullido inicial de Ellin nos muestra que los BLUES PILLS más crudos están inexorablemente de vuelta.  Guiños a Janis y riffs de corte retro construyen un tema primitivo y áspero en el que el blues sigue presente entre endiablados ritmos.

Bajo los acordes del blues-soul más sensual “Dust” nos acaricia con sensuales melodías que reflejan el lado más sosegado de la banda. Esto no quiere decir que las guitarras no afloren entre las embestidas de rabia de la voz que esa chica tan talentosa.

Entre ritmos contagiosos que coquetean con el funk y soul-rock, “Kiss my past goodbye” retoma la faceta bailona de la banda entre sus pesados desarrollos guitarreros. Ondulante y con mucho “flow” el tema se contonea en una espiral de ritmos y solos con momentos netamente hard-rock, que contrastan con ese blues rock desgarrador que las voces y coros generan. Todo un torrente que por una u otra vía acaba por arrollarnos. El frenesí y el desenfreno se apoderan de otro tema poderoso,

En modo balada, “Wish I’d Know” partiendo de delicados acordes acústicos, los suecos nos susurran con un tema heredero de algún momento west-coast. Un soleado ambiente campestre nos cubre de tonos grises entre algodonados momentos con un envoltorio negroide. Más cerca del soul, el tema fluye elevándose en una evolución que va haciéndolo más sólido. Con coros casi gospel, contrapesan los momentos más desgarradores de la voz, mientras la guitarra en un segundo plano se desangra en solos hirientes hasta que se el corte se disipa lentamente,

“Bye bye birdy” transita por una atmósfera más oscura. Un espacio más lisérgico e inquietante. Una nueva arista de una banda que tiene claro el camino pero que no se encorseta. Siguiendo la tónica de la mayoría de los temas, las revoluciones van incrementándose según avanza la canción. Ramalazos vocales en línea Janis y unos momentos de gran pesadez nos hacen olvidan como había comenzado todo, Con extraños momentos la banda se sumerge en una insondable psicodelia entre coros y extrañas voces mientras la batería explota entre distorsiones y efectos.

El cierre parte de unos acordes de piano en “Song from a mourning Dove”. Un elemento que aparecía en su anterior trabajo y que aquí tiene los momentos contados, Un blues de tonos jazz e incluso soul, en el que no faltan esas arrancadas de rabia a las que nos tienen acostumbrados, En cualquier caso, BLUES PILLS son capaces de lucir en distintos escenarios sonoros y este tema, es una muestra de ello. Adornando con pasajes más psicodélicos el tema va mostrando distintas caras en una evolución constante que hace que se module en sus armonías abarcan un amplio espectro sonoro.

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Reseña: MOUTH.- “Out of the vortex”

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“OUT OF THE VORTEX” es una recopilación de versiones perdidas y mezclas alternativas procedentes de las sesiones de grabación de los álbumes “VORTEX“, publicado en 2.017 y “FLOATING” DE 2.018. La banda de Colonia ha querido celebrar así el tercer aniversario de la publicación del citado “VORTEX“, el álbum que les puso en boca de todos, para ofrecernos estos temas, únicamente disponibles en su página de bandcamp. Teniendo como objeto cerrar una brecha hasta el próximo álbum que casi tienen ya terminado. El contenido es bastante evidente, tal y como nos recuerda su portada, un híbrido entre los dos álbumes que al fin y al cabo, son la materia prima para este curios trabajo. Aquí podemos encontrar un cara nueva de MOUTH, una faceta probablemente más psicodélica y ácida de la que ofrecen los temas en sus álbumes originales. Temas como “Vortex”, manteniendo sus dieciséis minutos de duración, pero sonando más lisergico que el original, y que tal y como me comentaba la propia banda, les parece incluso mejor. Eso sucede también con la breve mezcla alternativa de “Mars of Cyclopes” reducida do exiguos minutos, o “Mountain”, que se muestra menos pulida y posiblemente con mayor frescura. Como aliciente, encontramos dos temas inéditos como “Ready”, construido bajo una susurrante atmósfera progresiva en tonos sinfónicos que rozan lo pastoral, dejando claro que el terreno hard-progresivo es un territorio en el que se manejan a la perfección con ese aire retro que les caracteriza.“Homagotago’s peddle boat trip” el otro tema inédito, ve al trío transitar por ese apacible bosque psico-progresivo en una equilibrada combinación de teclados y guitarra repartiéndose el protagonismo entre coloridos ritmos de percusión de vocación kraut.  MOUTH es una de las bandas que mejor saber reflejar en sus temas ese espíritu vintage evocador del mejor hard-progresivo de los 70’s, y aquí, una vez mas queda fielmente reflejado. Ya solo nos queda esperar ese nuevo álbum en ciernes, para comprobar si el camino de los alemanes sigue siendo el mismo o si por el contrario, nos sorprenden con nuevas rutas.

MOUTH son Christian Koller (voces, guitarras y teclados) Thomas Johnen (bajo) y Nick Mavridis (batería y teclados).

El álbum abre con una versión alternativa de “Vortex”, uno de los temas más emblemáticos de MOUTH, y en el que tras una introducción con efectos espaciales que se disipan en el infinito, llega la explosión de su característico órgano pastoral bajo unos tambores ceremoniales y buenas dosis de wah-wah. Cociendo a fuego lento, van ligando el tema mientras la guitarra va adquiriendo el protagonismo.  Los bellos momentos progresivos descienden a místicos pasajes antes de emprender una senda psico-progresiva con destino a los 70’s. Creando atmósferas borrosas entre vibrantes ritmos y una particular voz. Casi en forma de jam, la guitarra revolotea sobre la compleja estructura compositiva creando un denso sonido. Con momentos hipnóticos el corte se deja llevar por efluvios psicotrópicos que cambian su carácter. Con pausados y susurrantes acordes el tema se vuelve oscuro y misterioso. En ese enigmático entorno los vestigios de jazz se unen a la fiesta de los sentidos.  Como si hubieran atravesado una nueva dimensión, las complejas estructuras progresivas su tornan más narcóticas. Aquí la guitarra soma brillantemente con el órgano más apagado, pero siempre bajo una batería ardiente. El resultado es una bella suite con distintos actos en dieciséis minutos algo más ácidos que el original.  

“March of the cyclopes” es un exiguo extracto del original de “VORTEX” mutilada a escaso dos minutos pero manteniendo los solos psicodélicos sobre esas voces y ambientación progresiva con un tono algo menos kraut. 

Manteniendo la esencia setentera que les caracteriza, “Mountain” tema incluido también en “VORTEX“, el rock clásico aparece más brillante y luminoso de rock clásico arropado por un manto envolvente del que afloran las guitarras con cierto aroma exótico. Aquí la mezcla es muy similar al original, aunque con algo más de acidez.  

“Parade” es un tema bastante más hipnótico que transita por calmados senderos progresivos entre voces y coros. En esta ocasión dejan de lado la rabia de la versión orignal, para ofrecer un aspecto más calmado que el que aparecía en “VORTEX”.

El primer tema inédito, “Ready” se desarrolla bajo una cálida y aterciopelada voz entre el cálido sonido del órgano protector. Adentrándose en territorio sinfónico, crea una oscura atmósfera sobre tonos pastorales que no se alejan de la vocación vintage de la banda. Un buen aliciente conocer este lado más desconocido de MOUTH.

El clásico “Macbeth” aparece en una versión más contenida como si realmente fuera la primera pincelada antes de pulir sus aristas. Un tema más crudo y primitivo pero que conserva toda su frescura. 

Cerrando el álbum “Homagotago’s peddle boat trip” el segundo corte inédito, nos muestra un groovy pegadizo y contagioso sobre una base psico-progresiva con algún momento inquietante. Un lento y parsimonioso paseo por un nuevo bosque lleno de magnetismo y con una neblina psicotrópica que emana de esa mágica guitarra. Utilizando perfectamente el espacio para que la dualidad órgano-guitarra mantenga un gran equilibrio. Misterio, su carácter repetitivo no supone un obstáculo para su escucha, sino que finalmente acaba atrapándonos entre esos efluvios narcóticos. De igual manera me da la sensación de que al tema le faltan aspectos por pulir, retoques que a la postre solo pueden enriquecerlo.  

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Reseña.- KRYPTOGRAF.- “Kryptofraf

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Parece que estos chicos van en serio, sin dejarse llevar por una simple moda. El éxito de los singles liberados previamente, auguran que el debut de los noruegos KRYPTOGRAF esté llamado a ser uno de los álbumes destacados de este año. Inspirados en el proto-metal de comienzos de los 70’s y teniendo a Black Sabbath como su Santo Grial, el cuarteto de Bergen nos presenta un variado cóctel de sonidos hard-rock añejos en los que el aroma psicodélico sobrevuela unos cuidados desarrollos progresivos. El hecho de que los registros vocales no recaigan en solo cantante, sino en tres, hace que el foco del oyente (especialmente en directo), se centre en la banda como conjunto, sin protagonismos personales. Sin tópicos, y sintiéndose libres para componer sus canciones, no tratan de ser una copia de nadie, sino que reflejan el espíritu del pasado para recrear temas con tonos vintage, pero siendo fieles a su propia personalidad. Podría parecer que estamos ante una nueva banda nórdica que practica retro-rock, pero en las entrañas de este debut hay mucho mas. Toda una invitación a la exploración de un sonido atemporal  que  si bien mama de clásicos como Sabbath, Pentagram o Boulbous Creation, por citar algunos, también tiene ofrece vobraciones de bandas contemporáneas como Kadavar, Witchcraft, Uncle Acid & THe Deadbeats o sus paisanos Motorpsycho, de los cuales parecen inspirarse para crear esas magnéticas atmósferas progresivas. Viviendo en la oscuridad en la mayoría de sus temas, no faltan los luminosos momentos auspiciados por unos tambores atronadores y unas guitarras difusas que se tornan afiladas y punzantes para que el oyente caiga atrapado en sus pegadizos temas. Esos riffs que serpentean como una anaconda cruzando el Amazonas, son una de sus señas de identidad de la banda,  para que nada resulte aburrido.  Un debut lleno de gratificantes sensaciones en este puente de ida y vuelta entre los gloriosos 70’s y el siglo XXI en toda una liturgia que juega tanto con espacios ocultistas como con melodiosos pasajes del folk-progresivo. Pero también encontramos atmósferas psicotrópicas más propias de un bosque repleto de hongo mágicos esparciendo sus emanaciones lisérgicas alcanzando nuestras neuronas para narcotizarnos entre sensuales y gratificantes pasajes.  Sin duda, estamos ante uno de los mejores debut de los últimos tiempos. Sólo tienes que dejarte llevar por esos temas crudos de puro rock and roll sin etiquetas que te cogen por la pechera para invitarte al baile con sus guitarras rugientes para entenderlo.

El mejor antídoto para que vayamos olvidando estos difíciles tiempos que nos ha tocar vivir, y pensar que….. ¡¡HAY ESPERANZA!!!

KRYPTOGRAF son : Vegard Strand (guitarra y voces), Odd Erlend Mikkelsen (guitarra y voces), Eirik Arntsen (batería y voces) y Eivind Standal Moen (bajo). La portada es obra del amigo de la banda Lars Bigum Kvernberg y está disponible vía Apollon Records.  

Sin contemplaciones, “The veil” no se anda con tonterías y va directo al grano.  Sus riffs hard retro enseguida enamoran al oyente. La voz en tonos Graveyard parece recordarnos que estos chicos son escandinavos. Entre las vibraciones del proto-metal de los 70’s y algunos de los sonidos de Kadavar, el tema nos arrolla sin remisión. Sus potentes tambores esos ritmos contagiosos, y sus solos afilados son una tentación de la que es difícil poder escapar. Un tema vintage de solidez a prueba de bombas que también es capaz de seducirnos con sus pegadizas melodías. 

Con una oscura introducción bajo un ambiente de misterioso “Omen”, me evoca al sonido que Kadavar nos ofrecía en su último álbum. Oscuro, doomy, y algo progresivo la alargada sombra de Black Sabbath también está presente. Cadente y repitiendo el riff sobre el que está construido, el juego de voces con “falsetes” y sus rugientes riffs serpentean en primer plano custodiado por una estructura hard-progresiva. Entre las sombras, el tema avanza parsimonioso con una cierta épica subyacente para acabar enredándose en una espiral de solos bajo una atmósfera tenebrosa. a pesar de tener una estructura sencilla el corte se muestra de lo más efectivo. 

Inmersos en un escenario más psicodélico, y con brillantes solos de guitarra, “Seven” se deja llevar por los dictados del rock psico-progresivo de finales de los 70’s. El sonido arcaico de la guitarra y esos fornidos tambores se salpican de coros aromatizados en una nube psicotrópica. Armonías aromatizadas que parecen cambiar el tono de los pegadizos temas anteriores para ofrecernos una nueva faceta de la banda. Ecos chamánicos entre efectos y pedales que suponen un placentero viaje de LSD. Con una ambientación sinfónica para cubrir una bacanal lisérgica de grandes proporciones. Personalmente es el tema que mas me gusta de todo el álbum, y en el que dejan patente que el éxito de sus singles no ha sido una mera casualidad. Los apacibles pasajes toman influencias dispares para desarrollar un tema mágico en el que la mística se une con un caleidoscopio de solos ácidos en los que la dietilamida escapa en cada acorde. Siempre he dicho que en los temas de larga duración con los nueve minutos de éste, es donde se ve la calidad de una banda. Las bandas mediocres harían que esos nueve minutos se hicieran eternos, pero aquí, acabas pidiendo mas. 

“Crimson horizon” emana de extraños efectos antes de adentrarse en una selva proto-metal en pura línea Sabbath. Su Santo Grial como me decían en la entrevista que les hice hace un par de semanas. Sus reconocibles riffs se acompañan de una voces más melodiosas para engancharnos de inmediato al tema. Contundente y pesado pero perfectamente equilibrado, no faltan sus pinceladas lisergicas a pesar que el tema se desarrolla más sobre un escenario que acaba inclinándose a laderas heavy-rock bajo una parente sencillez. 

Una apertura con lánguidos acordes acústicos desata la furia en “Sleeper”. De nuevo Kadavar en el horizonte bajo un corte de hard-progresivo con cuidadas melodías flotantes sobre una instrumentación más cruda y turbia. Un grandísimo trabajo de bajo lleva el tema en volandas entre coros angelicales en esa atmósfera gris y con sabor añejo. 

Instalados en los acordes acústicos, “Ocean” se recuesta en el folk-progresivo. Con multitud de arpegios y una ambientación sinfónica se apartan de los cánones del retro-rock ofreciendo una cara mucha más sobria y profunda. Delicadas armonías construyendo un tema de gran belleza con ciertas notas de melancolía.  

Tras el relax, nos despiertan en “New Colossus” con altas dosis de proto-metal. Con Pentagram en el punto de mira en esta ocasión, los riffs envolventes y reiterativos se van matizando en oscilaciones rítmicas de gran calado. Las voces pseudo-ocultistas aportan ese tono de oscuridad que la banda incorpora a casi todas sus canciones. Tras la explosión de oscuridad inicial, el corte va evolucionando a un espacio más progresivo en una línea que se acerca a Elder. Una gran combinación de hard rock primitivo y vintage con otras vibraciones más elaboradas sobrevolando la sencillez inicial de la canción. 

A modo de epílogo, “Infinite” en un minuto y medio, crea una atmósfera psicodélica con solos de guitarra y efectos para poner el cierre a un magnífico debut, que augura un gran futuro a la banda, El tiempo nos dirá…. 

Lee aquí la entrevista con  Vegard Strand (español)

https://denpafuzz.wordpress.com/2020/05/31/entrevista-a-kryptograf-y-premiere-de-su-nuevo-single-sleeper/

Lee aquí la entrevista con  Vegard Strand (english)

https://denpafuzz.wordpress.com/2020/05/31/interview-kryptograf-and-song-premiere-sleeper/

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https://www.facebook.com/bergenapollonrecords/

 

 

Reseña: SIENA ROOT.- “The secret of our time”

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Tres años después de la publicación de su último álbum “A DREAM OF LASTING PEACE”, los retro-rockers suecos SIENA ROOT publican “THE SECRET OF OUR TIME”, sin dejar de ser fieles al sonido que les lleva caracterizando desde hace veinte años. Creando cada canción de forma diferente consiguen que todo encuadre, siempre  intentando desarrollar y encontrar formas nuevas para ser creativos y de no hacer lo mismo una y otra vez. Seguramente estamos ante el álbum más logrado en años por una banda que continúa reinventándose constantemente. Un álbum conceptual, sobre la naturaleza humana y la relación con la tecnología y la realidad artificial en el que el blues, el soul y el folk aparece entre desarrollos más progresivos sustentados por su habitual sonido retro rock. Temas que nos seducen con vientos west-coast  y en los que conjugan las voces de dos magníficas cantantes como Zubaida Solid y Lisa Lystam, y que ha contado con la colaboración de grandes músicos como Stefan Koglek (Colour Haze), Johan Borgström o Lisa Isaksson, al margen de la habitual colaboración con KG West. Equilibrando los temas entre los riffs más pesados y la dulzura de suaves pasajes, siempre con la inestimable ayuda de la dupla de cantantes, nos ofrecen canciones llenas sentimiento. Con temas dinámicos, que son contenidos por dulces melodías dotadas de  una belleza aderezadas con esos tonos vintage que el órgano purpleliano siempre aporta. Si, SIENA ROOT abrieron nuevos horizontes en la escena retro-rock, y dos décadas después siguen estando en lo mas alto de la misma.  

Cada canción versa sobre diferentes temas relacionados con el ecosistema, donde la humanidad juega un papel importante. Además, el álbum articula una dura crítica a las respuestas rápidas y digitales a temas existenciales y filosóficos complicados. A pesar de las actuales crisis sociales, económicas y ecológicas causadas por el hombre, la humanidad juega un papel importante en el ecosistema de la tierra. Es la fe en la humanidad y en su inteligencia orgánica la clave para resolver las actuales crisis sociales, económicas y ecológicas.

Con una introducción pseudo-espacial, “Final stand” da paso al rock clásico que lleva caracterizando a los suecos desde sus inicios. La poderosa voz de Lisa se acompaña con pasajes de hard progresivo en los que el órgano y ciertos efectos que contrastan con los pasajes vocales. Si algo tiene este álbum que le hace destacar de sus últimos trabajos es la dupla de voces femeninas de Lisa y la nueva incorporación Zubaida. Con un buen tempo, el tema se muestra sólido a la vez que atmosférico. Sus potentes momentos hard elevan el tema para mostrar a la banda en toda su plenitud.  Al margen de la sólida base rítmica, las guitarras aparecen puntualmente, pero siempre con brillantez.

Por la senda del blues-rock y con una clara vocación retro-rock, “Siren song” con sus cadenciosos tonos vintage, y la fantástica combinación de voces,  resulta un corte de lo más pegadizo. El característico órgano purpleliano aparece entre finos y estilizados solos de guitarra para conseguir un corte redondo. Con cabalgatas sonoras o con momentos puramente blues, el tema van ondulando constantemente. 

“Organic inteligence”, uno de los temas que la banda nos adelanto hace semanas, está dominado por esa sensualidad que le aportan esas voces femeninas. Unas voces maravillosamente combinadas entre tonos vintage y que por momentos me evocan al registro de la mismísima Janis Joplin. Como si estuviéramos a comienzos de los setenta, los coros angelicales explotan con rabia. Sencillamente genial, el tema por si mismo hace que el álbum merezca la pena. Este es el sonido con el que los suecos se han forjado su leyenda como pioneros del rock con raices de los setenta.

Entre vibraciones mas propias del folk psicodélico, “Mender“, con sus susurrantes pasajes comandados por ese incisivo órgano retro parece querer elevarse. Un espejismo que se reafirma en la vocación sinfónica de sus ondulantes riffs. Samir, con su bajo mantiene el tiempo del corte, mientras el bucolismo vocal va tornándose mucho más adormentado al inclinarse hacia el blues. Con intensos momentos en los que la guitarra  aúlla cual lupus mirando a la luna, el derroche de sensualidad vocal hace que el tema nos arrulle en un canto de cuna de lo mas gratificante. Un bello tema lleno de matices.

Si en el conjunto del álbum, encontramos la faceta más folk y progresiva de los últimos tiempos de la banda, el hard-rock energico también tiene cabida. “In your head” parte vital con wah wah y ritmos más pesados que dejan espacio al lucimiento de la guitarra. El omnipresente órgano, en un segundo plano evoca a Purple como pocas bandas lo saben hacer. De la intensidad inicial, el tema reposa en la dulce voz por acolchados y seductores momentos. Los tonos folk se combinan con pasajes más progresivos por apacibles entornos llenos de frescura y una cierta melancolía. Si las voces duales en muchos momentos del álbum, la dualidad de órgano y guitarra aquí adquiere una nueva dimensión.

Divertido y lleno de frescura, “When a fool wears the crown”,  serpentea por espacios retro rock que acaban siendo seducidos por el registro blues de la voz. los coros pegadizos y el estribillo, así como el colorido ritmo nos traslada al corazón de los setenta.   Desde la sencillez, SIENA ROOT es capaz de construir temas de lo mas atrayentes, siempre incorporando algún elemento nuevo, aquí los virtuosos solo tanto de órgano como de guitarra nos hace viajar en el tiempo a la época dorada del rock.   

“Daughter on the mountains”, con sus bucólicos pasajes adornados con el sonido del sitar, camina entre acolchados prados mecidos por una suave brisa. La sensualidad vocal y los bellos acordes exóticos, nos llevan a campestres espacios en los que la voz, camina entre alfombras west-coast en línea Grace Slick. Aterciopelado y con un aura de misticismo, el lado más sensual y seductor se ve reflejado con brillantez. Uno de esos temas que acaba poniendo los pelos de punta con todo el sentimiento que trasmite. 

Nuevamente el sonido del sitar aparece en “Have no fear”. Sobre laderas folk psico-progresivas, la banda construyen el tema más experimental del álbum. Múltiples efectos y teclados atmosféricos. Tras los pasajes vocales del comienzo el tema se sumerge en una exploración instrumental que se aleja de la vocación de los cortes precedentes.  Aun así, el principal activo del álbum sigue apareciendo con esas voces con sabor a miel. 

Cerrando este fantástico trabajo, “Imaginary borders”, parte de pasajes sinfónicos rebosantes de bucolismo en vena west-coast para caminar lleno de sensualidad antes retomar los pegadizos riffs retro rock tan característicos de SIENA ROOT.  Otro tema con bellos momentos llenos de romanticismo con floridas melodías y una flauta en segundo plano que suaviza el ímpetu. Una atmosférica instrumentación escondida en forma de pseudo-balada  que se eleva con mesura. como si estuviéramos en el verano del amor, el tema irradia un optimismo y buen rollo muy apetecible.  También nos ofrece buenos momentos de guitarra entre la envolvente brisa y derroche vocal. 

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