TOP 25 NACIONAL 2019

Aquí la lista con los 25 álbumes más destacados de la escena nacional durante éste año 2.019. 

25.- AXIOM9.- “CIRCLE OF NOVAS”  , , instrumental, improvisation

Recorriendo insondables espacios a través de la improvisación, una tormenta de meteoritos lisérgicos nos acecha en este álbum de un solo tema. Cuarenta minutos en los que las vibraciones espaciales se conjugan con momentos de psicodelia pesada y estructuras progresivas. Hipnóticos, magnéticos y galácticos, sus efectos nos adormecen para levitar en un agujero negro del que no podemos vislumbran su final.

24.- DERIVA.- “HAIKU I” , ,

Finas y elegantes vibraciones post-rock entre complejos desarrollos instrumentales que se expanden por el universo musical explorando las fornteras de distintos géneros que van desde el progresivo hasta el post-metal más crudo. Desde los descarnado a lo melodioso, sus tres temas nos tocan el corazón.

23.- GRIM COMET.- “AFTERLIFE” , , ,,

Un álbum salido de la casualidad, ya que la intención primera de la banda era sacar un disco mucho más oscuro.  El resultado son nueve temas directos que viajan en un trayecto de ida y vuelta entre los setenta y el grunge de los noventa. Alejados del metal y del doom que les vio nacer, crean canciones que manan con naturalidad, sin forzar. Aquí no encontramos largos desarrollos de guitarra y viajes psicotrópicos de tintes metálicos, sino que todo resulta más sosegado, mas centrado en un rock alegre y sin ataduras. Un disco al que le sobran etiquetas y en que siempre usando la linea recta, sin rodeos, cada tema tiene una identidad propia, yendo al grano. Esto hace que entre sus surcos podamos vislumbrar ecos de ZZ TopThin Lizzy, y sobre todo Alice in Chains, especialmente en algunos registros vocales de Willy de Moya, su cantante y guitarra. Aún navegando entre distintas aguas, el timón que les marca el rumbo sigue siendo el grunge con el que crecieron, que ocupa un mayor protagonismo en sus genes musicales.

22.- ELEPHANT RIDERS.- “RISEN” , ,

Los cinco temas contenidos en ‘Risen’ suponen toda una apisonadora de riffs monolíticos que dejan un rastro de devastación a su paso. Los malagueños ejecutan su Stoner-metal con muchos vestigios llegados de los noventa. Voces crudas y rabiosas junto a una poderosa base rítmica hace que ‘Risen’ sea de esos trabajos que no hacen prisioneros. Directos a la yugular para deleite de los amantes de lo sonidos más contundentes. Si bien en ‘1.000 nails’ se muestran algo atmosféricos, esto resulta ser casi un espejismo. ‘Faded’ recupera el fuzz desértico con aroma a grunge desde la guitarra de Ignacio Córdoba. Salvajes y metálicos, insuflan algún tono melódico para contrarrestar en ‘Sick ego’. Toda una apuesta alternativa ejecutada a máxima velocidad.

21.- ELECTRIC BELT.- “NEVER SEEN THE DEVIL” ,, , ,

El cuarteto de Jaen viene con un disco bajo el brazo más denso y fornido que nunca. Evidentemente la música de ELECTRIC BELT nace del blues, esos blues herederos de Robert Johnson que han sonado desde hace décadas en garitos de mala reputación en los que se respiraba humo y alcohol. “NEVER SEEN THE DEVIL” sigue rezumando blues, no podía ser de otra manera, pero ahora incorporan elementos de psicodelia y de hard rock así como del rock más clásico. Un sonido sucio en el que las voces aguardentosas crean el clima perfecto que pretenden para el disfrute de los seis temas incluidos en sus surcos. Rudimentarios pero efectivos logran su objetivo con el magnifico groovy rítmico contenido.

20.- HELA.- “VEGVÍSIR” ,

Navegando entre la oscuridad la sacerdotisa eleva sus plegarias entre las tinieblas para ofrecernos una trabajo en el que la psicodelia pesada y el doom conviven en entornos ocultistas. Melodías misteriosas que nos elevan a un estado superior donde la mente ha abandonado nuestro cuerpo y las divinidades son adoradas con dulces voces. Finas texturas sobre un tapiz grueso y rugosos que se va tejiendo para mostrarse acolchado y sugerente.

19.- DIEAWAY.- “LIGHT ECHOES” ,, , , ,

Una visión personal que recrea  las vibraciones grunge con las que crecieron, para adaptarlas al siglo XXI dotándolas de ciertas dosis de metal, enterrándolas en arenosos desarrollos stoner en los que no faltan unas dosis ácidas. Un disco que deja claro que no nace por el arte de la improvisación. Estructuras trabajadas concienzudamente que no dudan en tomar prestadas resonancias de distintos estilos y acoplarlas a unas cuidadas melodías vocales. El mimo melódico en ningún caso es obstáculo para que su cantante y guitarrista David deje patente todo la garra atesoran sus cuerdas vocales. Su particular Dr. Jekyll y Mr. Hyde que dota de solidez unos temas ásperos y crudos que son capaces de transformarse en seductores lamentos melódicos. A pesar de que su sonido sigue instalado en los noventa, consiguen actualizarlo creando su propia identidad alternativa. Saturados de convencionalismos, nos traen frescos y armoniosos vientos nacidos de tormentas paridas por pesados ritmos. Incisivos a la vez que seductores, sus siete temas te ofrecen un viaje en el tiempo con billete de vuelta al presente.

18.- RED EYE.– “TALES FROM THE DAYS OF YORE” , , , ,

Dentro de su estilo, ofrecen un álbum que parece hecho por una banda completamente consolidada. Siguiendo la estela de Sleep o Electric Wizard, el doom más ortodoxo se adereza con dosis psicotrópicas en seis temas plomizos construidos sobre gruesos riffs. Temas lentos y pesados como ‘Encounter’ o ‘B.H.C’ son auténticos muros de sólidos riffs, en los que a pesar de su contundencia descienden a laderas psicodélicas con una maestría al alcance de pocos. El cuarteto consigue despertar la admiración de los amantes del género con estructuras monumentales y una magnifica combinación de las guitarras de Antonio y Pablo. Las tinieblas se ciernen sobre temas como ‘Azathoth’ mostrando su lado más ocultista y ritual. En contraposición el stoner-doom de ‘Hall of the slain’ ofrece los momentos más luminosos de un trabajo que tiene sus momentos más atmosféricos con el tema ‘Waves’. El resultado es uno de los mejores discos nacionales de doom.

17.- WE ARE IMPALA.- “VISIONS” , ,

En una escena post-rock donde los estereotipos se repiten con demasiada asiduidad, un álbum como el de los barceloneses es un auténtico soplo de aire fresco. Temas instrumentales de gran complejidad que sin embargo fluyen cual manantial en las montañas. Un torrente musical en el que guitarras llenas de melodías no pierden su pesadez en un escenario en el que la psicodelia llena de color escarpadas laderas que rozan riscos post-metal. Un álbum para dejarte llevar por unos temas llenos de belleza que siguen la línea señalada en su debut, con una madurez asombrosa. Desde la magia ensoñadora de ‘Echoes of blue’ (probablemente el mejor corte) y su evolución hacia lo monumental, hasta la fuerza de ’Rituals’ todos los temas tienen un lado épico y majestuoso a la vez que reconfortante. ‘Alpha Centauri’ y sus teclados nos trasladan a otra dimensión dentro del particular cosmos en el que se mueve el cuarteto, con una vocación casi espacial conjugan con personalidad grandes momentos para el gozo del oyente.

16.- ADRIFT.- “PURE”  , ,

La fuerza exuberante de los madrileños traducida a monumentales construcciones creadas a base de monolíticos riffs. Metal, hardcore y post-metal de muchos kilates. Un álbum de sonidos gruesos y pesados que no duda en coquetear con el black-metal, sin perder su rumbo. aturdidor y faraonicos sus temas te golpean con una fuerza hipnótica bajo trepidantes ritmos en los que las voces guturales se desgañitan tratando de salir de las más inmundas catacumbas. Implacable cadencia en la sección rítmica entre los crujidos de sus hilarantes y frenéticos riffs.

15.- MOCKER’S.- “OREKA AHULA”  , , , , ,,

Un trabajo que se fundamenta en una particular visión del yin y el yan. El equilibrio entre conceptos contrapuestos en la condición humana que se refleja en la variedad de estilos que podemos encontrar entre sus surcos. Con un denominador común que parte de las voces en euskera, como si de una declaración de intenciones se tratara en cuanto a no renunciar a sus raices, consiguen ofrecernos un coctel de estilos en siete temas que toman influencias del hard rock setentero, del post-rock, de la psicodelia, o del post-hardcore, del rock progresivo del stoner más desértico así como especialmente del rock más reivindicativo. Todo ello elaborado y ejecutado desde una mirada alternativa que nace del rock vasco que tanta gloria dio a esa tierra en los años noventa en la que no faltan los guiños a los ecos progresivos de hace cuatro décadas. El resultado es un disco ameno y variado en el que podemos encontrar distintas vibraciones bien complementadas como para que el resultado sea de lo mas apetecible. Desde el rock radical vasco hasta los ecos sinfónicos andaluces.

14.- POLISONG.- “SOUL REVOLUTION” ,

Puro hard-rock a la vieja usanza llegado desde Ferrol en esta nueva entrega. Temas para la diversión y el disfrute envuelto en potentes riffs y coros y estribillos pegadizos. Recuperando la parte más lúdica del rock and roll setentero. Ecos de Grand Funk en temas como el que da nombre al segundo álbum del cuarteto gallego. Un derroche de energía que bebe de fuentes como Free, Bad Company o bandas como Georgia Satellites. Buenas melodías que complementan unos temas bien construidos.  Rock clásico que derrocha fuerza por los cuatro costados.  Temas que nos recuerdas a las bandas americanas de finales de los setenta con temas como ‘Brand new day’ que podría haber sido compuesto por Boston o Journey. Mas cercanos al heavy-rock en ‘Space Traveller’ nunca falta un buen solo en ninguno de sus cortes. Incluso se atreven con una pseudo-balada como ‘Darkness and light’ sin perder ese fantástico groovy vocal que nace del blues. Un divertido y bien construido disco que dará muchos buenos momentos.

13.- VERTICAL ROCK BAND.- “VOL. 3” , ,

Un trabajo lleno de riffs maravillosos, así como algunas voces y coros que nos atrapan a través de cinco canciones en las que incorporan suficientes melodías para bajar la guardia antes de patear el trasero con una buena dosis de riffs potentes y efectivos. Sin perder nunca el ritmo, su trabajo te atrapa con una apuesta que revitaliza el hard-rock de siempre con vibraciones desérticas con altas dosis de fuzz hilarante. Una monstruosidad salida de la Mancha para conquistar el mundo. Pura energía.   

12.- DOMO.- “DOMONAUTAS VOL. 1” , , , ,

Combinando largos temas con otros más breves en los que la psicodelia pesada toma prestados distintos elementos progresivos y desérticos. Estamos ante una banda que sin perder su espíritu de trabajo sobre sus jams psicodélicas, en esta ocasión, incide en espacios progresivos más propios de la escena andaluza y mediterránea de los setenta. Posiblemente menos espaciales y más progresivos, la incorporaciones de las voces de la mano de su bajista Oscar, con una mayor presencia, aportan un aura alternativa que ya hemos visto en bandas como Atavismo o Híbrido.  Tonos orientales que nos acarician en contraposición con la pesadez de su psicodelia y de los momentos más stoner del álbum. El resultado es un logrado trabajo psico-progresivo con poderosos ritmos difusos y aromatizantes atmósferas exóticas herederas de las grandes bandas españolas que llegaban del sur en  los años setentas. Fuzz, bellas melodías y ondulantes temas que afloran desde la calma elevándose en construcciones monumentales sin perder el aroma lisérgico.

11.- OTUS.- “EPHEMERAL” ,

Un trabajo en el que los sentimientos afloran de una manera desgarradora por toda la carga sentimental que contiene. Sentimientos producidos por el sufrimiento padecido por la dura enfermedad de su padre en sus últimos dias de vida en toda una experiencia vital. Un trabajo que refleja la oscuridad y el desasosiego de la soledad en temas fundamentalmente acústicos que van en la linea de figuras como Nick CaveNeil Young o PJ HarveyLa musica es uno de los principales canalizadores del arte y de la inquitudes del artista, “EPHEMERAL” es un fiel reflejo de esta afirmación logrando transmitir ese lúgubre estado de ánimo de Juan. Temas temas tristes y profundos, pero llenos de calidad. Una propuesta diferente a la que estamos acostumbrados, pero que nos proporciona grandes momentos de gozo musical en un trabajo lleno de autenticidad, sin poses.  Si, es un álbum distinto en el que no hay grandes riffs, pero en el que todo está creado con gusto y esmero desde ese oscuro y tormentoso sosiego de la soledad.

10.- SURYA.- “OVETHROWN” , , , , , , , ,

Álbum conceptual que navega entre las aguas de los sonidos arenosos salidos de los desiertos californianos en los noventa y las corrientes hard-rock que nacieron en la década de los setenta. Un equilibrio que se sostiene en poderosos ritmos aliñados con un exuberante fuzz y riffs monolíticos sin renunciar a cuidadas melodías que se recuestan en remansos psicodélicos en los que se vislumbra una cierta esencia andaluza. El resultado es un atractivo y atrayente trabajo que fluye con soltura en cada uno de sus temas y acaba por sorprendernos gracias a la madurez que refleja cada uno de sus temas. Guitarras que su superponen en distintos niveles para conformar temas prietos y efectivos que se colorean con distintas influencias para acabar construyendo un sólido oleo multicolor.  La temática del álbum se circunscribe la venganza de un hijo que fue repudiado por su padre, conformando cada tema un capítulo de dicha historia.

9.- PYRAMIDAL.- “PYRAMIDAL” , , , , ,

Un álbum mas maduro y progresivo, así como mucho más rico en matices y con un trabajo de elaboración más complicado que sus discos precedentes. Encerrados en ese supuesto triangulo entre Pink Floyd, Hawkwind y Black Sabbath, los alicantinos rompen las cadenas para ofrecernos otros sonidos más exóticos con los que cuidan más los detalles. Aportando nuevos matices a su música, dejándose influenciar por sonidos Canterbury e incluso kraut sin perder su vocación espacial. coqueteando incluso con el jazz, no pierden la energía de su poderosa base rítmica ofreciéndonos grandes momentos en los que la oscuridad de sus vibraciones se pierde en el universo mas tenebroso. En esa búsqueda de nuevos sonidos, cuentan con la colaboración de Judit Aliaga al violín y de Arantxa Marín al saxo, dotando a su música de un sinfonísmo clásico que da más profundidad a su sonido.  Ampliando el espectro del público al que pueden llegar con esa onda consiguen completar un álbum versátil  y compacto. Uno de esos discos que cuanto más los escuchas, más detalles le sacas, lo que denota toda su grandeza.

8.- THE MOTHERCROW.- “MAGARA” , , , , , , , .

“MAGARA”, recupera los sonidos mas viscerales de los años setenta sin perder la esencia blues-rock con la que nació la banda. Acercándose a vibraciones más pesadas que por momentos coquetean con el heavy rock y los contemporáneos sonidos stoner, los barceloneses no pierden su esencia en unos temas fuertemente influenciados por las portentosas cuerdas vocales de Karen. Seduciendonos o amedrentandonos, sus melodías confluyen siempre en temas coloreados por ritmos de tintes vintage. Definir su sonido como retro-rock, sería demasiado simple. En el álbum podemos encontrar seductores momentos de flirteo con el jazz, rudos espacios en los que el boogie-rock más frenético se apodera de alguno de sus temas, así como espacios en los que la psicodelia se entromete entre sus riffs. Una conjunción entre los ecos del hard-rock y el blues-rock mas clásico con un envoltorio más acorde con el siglo XXI. Un álbum en el que los sentimientos salen a flor de piel para transmitirnos toda su energía o cautivarnos con sus melodías.

7.- EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO.- “IT” ,, , ,

Cerrando su trilogía musical (“-HE-“”,”-SHE-“,”-IT-“) EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO nos presenta un álbum con seis corte íntegramente dedicados a la figura del Espíritu Santo. ¿Que podemos esperar de una banda que toma su nombre de una cita bíblica del Éxodo 27 1.8 y que su puesta en escena se compone de vestimentas de penitentes y parafernalia religiosa? Para un banda que confiesa que su fuente de inspiración es Jesuscrito, la respuesta puede no ser sencilla, pero “-IT-“ supone toda una redención para el alma. El encuentro de la luz a través de ampulosos desarrollos post-rock que salen de sus limpias guitarras, para contrarrestar a la fuerzas del mal que aparecen con su pesadez de sus ritmos doom. Unos rezos que reconfortan el espíritu fustigándonos con su contundencia post-metal para redimirnos del pecado. Mesiánicos y sobrenaturales, nos enseñan que hay luz fuera de las tinieblas. Una tenue luz descrita con ensoñadores y cristalinos desarrollos de guitarra. un susurro que nos libera de nuestros pecados para elevarnos con su música a espacios celestiales. Un trabajo verdaderamente impresionante suyo sonido es de una pureza infinita en un ensamblaje en el que los distintos elementos encajan a la perfección. Uno disco, que, no escucharlo y disfrutarlo, sería un verdadero pecado, no pudiendo obtener su absolución

6.- THE DRY MOUTHS.- “MEMORIES FROM PINES BRIDGE” , , , , ,

Una bucólica estampa en la portada del sexto trabajo de los almerienses THE DRY MOUTHS nos da pistas del contenido de un álbum marcado por la tragedia y lleno de simbolismo para el trío andaluz. Un disco que recoge improvisaciones y pasajes instrumentales en tonos psico-hipnóticos. Siempre desde una poética mirada interior. Un trabajo hecho para los adentros, ideal para la reflexión en soledad. Melancolía y reflexión desde la tristeza de unos introvertidos y espontáneos temas que seguramente reflejan uno de los estados en los que el músico más goza, improvisando, sin ataduras.  Canciones emotivas grabadas con el objetivo de que recordaran a algo, y la verdad es que lo consiguen.

5.- SOULBREAKER COMPANY.- “SEWED WITH LIGHT” , , , ,

A estas alturas hablar de un nuevo disco de SOULBREAKER COMPANY, es hablar de algo que seguramente será grande. Una banda que se reinventa con cada trabajo y que refleja en sus creaciones influencias que van desde el hard clásico de los setenta a los sonidos de los noventa pero recostándose en sonidos psicodélicos y  progresivos en una revisión contemporánea de los mismos. Si con su anterior trabajo “LA LUCHA” dejaron el listón muy alto, con “SEWED WITH LIGHT” inciden en no bajar el pistón. Once temas intensos en los que la banda va ondulando en una montaña rusa de sonidos con un denominador común, giros inesperados que suelen acabar en un plácido descenso, siempre manteniendo la elegancia y la ampulosidad sin renunciar a la sutileza y en los que no faltan los sonidos pesados y espesos.

4.- SATURNA.-“ATLANTIS” , , ,

Inspirados por las vibraciones del proto-metal y el hard setentero de las que son fieles seguidores, “ATLANTIS” se debate en esa encrucijada en la que los riffs contundentes y pegadizos conviven con buenas melodías vocales herederas del blues-rock mas desgarrado y las vastas llanuras desérticas.  Un ejercicio del rock clásico en pleno siglo XXI demostrando que el stoner mas ortodoxo puede estar perdiendo fuerza y que la sombra de Black Sabbath sigue siendo muy alargada convirtiéndose en una fuente inagotable de inspiración. Pegadizos ritmos retro que galopan a toda velocidad guiados por la fantástica voz de James y sus contagiosos estribillos que te atrapan en sus fauces.  Aderezando algunas de sus armonías con toques de blues humeante incorporan elementos psicodelicos en este paseo contemporáneo por el pasado más glorioso del rock. Un pasado que sigue en su punto de mira y que es trasmitido a cada uno de sus temas con personalidad propia  mostrando una madurez que se traduce en temas más ricos en su estructura.

3.- FREE RIDE.- “FREE RIDE” , , ,,

Una banda nacida de la estepa de Guadalajara donde comenzó su aventura con un generador en medio del campo, y unos instrumentos repartiendo fuzz al viento. Inspirados e influenciados por aquellos pioneros de los desiertos californianos han seguido su estela con la misma vocación. Unas vibraciones que sin ningún genero de dudas te recordarán a Nebula o Fu Manchú.  Un trío que reparte fuzz en cada tema, unas veces al más puro estilo desértico, otras con vibraciones llegadas de la psicodelia de los setenta. Solos endiablados en línea Earthless que se impregnan de psicotrópicos para descender a calmados pasajes asegurándonos un buen “viaje”; o en dinámicos temas con herederos de los ecos alternativos del Detroit de finales de los sesenta con ese sonido sucio y grasiento generado por ásperos riffs. Otro espejo en el que mirarse viene de décadas atrás; el espíritu de Hendrix en algún momento se apodera de los dedos de Borja, su guitarrista, para desarrollar alguno de sus temas.  En ocasiones con estructuras simples, pero que resultan atractivas por el groovy que llevan en sus ritmos, en otras, mucho más en línea heavy-psych con desarrollos más complejos. Un magnífico debut.

2.- SAGENESS.- “AKMÉ”  , , , ,

Una banda que no necesita cantante para transmitir la infinidad de sensaciones que aporta con sus terapeuticas composiciones. Con unas influencias que van desde Colour Haze hasta Pink Floyd sin desdeñar los ritmos stoner, y estructuras que coquetean con el post-rock. Relajantes a la vez que intensos el trío consigue elevar nuestras almas en un viaje para el que no se necesitan cinturones. Llevando al oyente en volandas por atmósferas de atractiva psicodelia pesada en las que ondulantes vientos stoner hacen acto de presencia incrustándose en gruesos riffs. Una de las claves de  “AKMÉ” está en esos maravillosos momentos en los que las guitarras nos atrapan entre su regazo para acariciarnos cual madre con su bebé. Un purificador relato musical para degustar con calma y apreciar todos sus matices

1.- HIBRIDO.- “I” , , ,

“Rock Post-Alternativo, Psicodelia Progresivo…o algo así…desde Algeciras…2/3 partes de Viaje a 800 y Atavismo mezclado con otra guitarra asesina”. Así definen HÍBRIDO su sonido, y lo cierto es que no están desacertados en esa descripción. Éste primer disco nos trae resonancias psico-progresivas con un linaje setentero en las que encontramos grandísimos momentos creativos. Bebiendo de alguna manera del néctar del que han mamado Atavismo, los sonidos herederos de los pioneros del rock andaluz, se reflejan en algunos de los cinco largos temas que contienen sus surcos. Unas letras llenas de épica sobre pesados ritmos, y notas de melancolía presiden un sorprendente y sólido trabajo que se inició hace cuatro años.

 

Crónica: PIEDRA FEST 2.019 (Madrid)

El pasado fin de semana se celebraba en la Sala madrileña El Perro de la Puerta de Atrás del Coche el festival PIEDRA FEST 2.019, organizado por los infatigables Nooirax Producciones. Seis bandas de distintas procedencias repartidas en dos días era el suficiente reclamo como para no dejar de ir al evento. 

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En la jornada del viernes, los encargado de abrir la noche eran SPACE DEER, Con una Sala con la mitad del aforo el trío madrileño comenzaba su show regalándonos sus habituales riffs arenosos. Ya han pasado casi un año desde la publicación de su segundo EP y no han perdido un ápice de energía. Repartiendo fuzz a diestro y siniestro, y acompañados por el buen sonido de la sala, temas como “Sunburn” o “Sounds of circunstance”  ponían en movimiento al personal presente. Habituales de la escena madrileña, la banda presentaba algún tema no contenido en sus discos como “Desire” o “Ghost magnet” para cerrar una actuación en la que mantuvieron el nivel de aspereza y energía al que nos tienen acostumbrados.

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Unos minutos después llegaba el momento del quinteto malagueño EVILDOG.  Los andaluces se convertían en la sorpresa de la noche con una apuesta alternativa que tomaba elementos del rock clásico sobre finas melodías que se veían enaltecidas con la fantástica voz de Victoria Villa, su vocalista. Sensualidad y garra combinadas con un resultado brillante.

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Temas sencillos que sonaban a música celestial. Sin estridencias, pero con fuerza, la banda repasaba los cuatro temas de su EP Nothing To Break”, con temas como “Please” que nos trasladaban a espacios más propios de la música americana, o la dulce y sensual “To my lover”, interpretada con un derroche de sentimiento total.

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Una joven banda, pero compenetrada como veteranos que me sorprendía con una incendiaria versión de una de los temas más cañeros de The Beatles, contenido en su “White album”. IMG_3570.jpg

“Helter Skelter” interpretado por los malagueños fue la guinda a un apetitoso pastel. Curiosamente, durante su actuación y seguramente por el desconocimiento de la banda, la sala ofrecía su aspecto más vacío de público de toda la velada. Una lástima, porque estábamos ante una formación completamente prometedora. Personalmente no termino de entender a la gente que solo va a ver a las bandas que conoce, lo cierto, es que ellos se lo pierden, y el pasado viernes, muchos, se perdieron a la mejor banda de la noche.

Ya con mucho más personal en el interior de la sala, los barceloneses AVIDA DOLLARS cerraban la noche a base de su stoner metal alternativo. Ritmos pesados que coqueteaban con momentos heavy-rock en el despliegue mas pesado de la noche. Predominando su lado más salvaje, la banda combinaba algún tema más calmado entre potentes riffs con olor a metal. IMG_3646.jpg

Cantando en castellano, ponían esa nota alternativa  que por momentos se acercaba a espacios más propios del post-rock. Pero definitivamente, la banda hizo que pesara mas su contundencia. Con una actitud que les hacía darlo todo sobre el escenario, saltaban del escenario para situarse en lo alto de la barra que divide el mismo, alentando a un público entregado a su apuesta musical.

La jornada del viernes había transcurrido con tres shows en los que el público iba variando y tras departir con alguno de los músicos y dar buena cuenta de unas cervezas era el momento de la retirada para coger fuerzas para el huracán que nos esperaba en la noche del sábado.

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Con bastante más personal que en la jornada del viernes, muchos habituales de la escena en vivo madrileña se congregaban en las inmediaciones del Perro un rato antes de que FREE RIDE comenzaran su actuación. 

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A estos tipos les gusta la cerveza y los encuentros generaban charlas que se prolongaban mientras el trío comenzaba su actuación. IMG_3721.jpg

Poco a poco el personal iba bajando a la sala. Hacía solo diez días que les habíamos visto brillar con luz propia en el show que dieron junto a Nebula. Una de sus bandas fetiches junto a Fu Manchú como quedaba patente en el repertorio que ejecutaron.

No faltaron “Nothing to lose” “Nowhere fast”  como sello de identidad de su sonido. Gran parte de los presentes ya sabían lo que nos esperaba con FREE RIDE, pero aquellos que les veían en vivo por primera vez me comentaban su gran asombro ante la calidad de su ejecución. Derroche de fuzz desde la guitarra de Borja y un Beto que acariciaba los parches de su batería dando el golpe justo. El momento más apoteósico (y me harto de decirselo…) es cuando deciden llevarnos de viaje con temas como “Sativa”.

Largos pasajes heavy-psych de altos vuelos a los que es imposible que nadie escape y todos caemos en su manto psicotrópico.  Sin darnos cuenta, su actuación había terminado sin que nos diéramos cuenta. el público pedía más, pero los horarios impedían un nuevo tema por lo que la banda se retiraba pidiendo disculpas para dejar el escenario a la siguiente banda.

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El dúo mexicano TERROR CÓSMICO era la segunda de las bandas de la noche. Hacía pocas fechas habían dejado toda su impronta en directo en Wurlitzer Ballroom, y el sábado pasado les tocaba repetir en Madrid. Algunos de los presentes ya habían presenciado su actuación por lo que optaron por tomar unas cervezas antes del comienzo de la actuación de los barceloneses THE MOTHERCROW.  Siempre hay un debate sobre la aceptación de los dúos, pero cuando arremeten con tanta contundencia, uno solo puede quitarse el sombrero. Javier y Nicolás,  hicieron un derroche de metal y doom sin faltar a la cita con momento mucho más psicotrópicos en un show en el que predominó la contundencia. Un sonido denso envolvía la acogedora cueva del Perro envolviéndonos en un manto de oscuridad. Una exuberante locura sonora que coqueteaba con dictados post-metal para completar una intensa actuación.

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La noche iba avanzando y el momento que tanto meses llevaba esperando se iba a producir. Había muchas ganas de ver en directo a THE MOTHERCROW, y mucho mas desde la publicación de su fantástico álbum “MAGARA” como culminación a un arduo trabajo.

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La banda llegaba desde Tarragona, donde habían actuado la noche anterior en la presentación de su nuevo bajísta Dani, tras la salida de la banda de Claudia. Con su cantante Karen con algunos problemas respiratorios la banda se mostraba motivada con esta presentación en Madrid. Los primeros acordes de “Stone” abrían su actuación. El blues, el soul y rock clásico de los setenta nos golpeaba con toda su fuerza desde el inicio del show.

 

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La grave voz, junto a la actitud de Karen con sus constantes bailes, hacían prometer un gran noche. Tras el primer tema un pequeño problema con la batería de Pep, nos daba un breve descanso para similar lo que se nos venía encima. Mientras, Karen aprovechaba para dar unos tragos a morro de la botella de bourbon, mientras brindaba con el personal y Max tocaba unos acordes de blues para arremeter una vez resuelto el problema con “Mantis. La cadencia blues-soul y la voz aguardentosa se mezclaban con los solos de la guitarra. Buena cadencia rítmica, wah wah y toques con la pandereta. Las hostilidades más contundentes se iniciaban con “Revolution”. Retro-rock de altos vuelos y un frenesí total. Derrochando buen hacer, Max se unía a Dani, para ejecutar unos solos incendiarios.

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Una fuerte ovación fue el resultado a la conclusión del tema. mas bourbon y Karen en modo “Madre Cuervo” con sus brazos extendidos y los flecos de su camisa cayendo entre luces azules a contraluz servían para desplegar toda su sensibilidad con “Forevermore”, un tema, que concluyeron de manera apoteósica.

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Estaba claro que los barceloneses se estaban metiendo al personal en el bolsillo en su presentación en Madrid con su retro-rock de altos vuelos.  “Magara” precedía a un nuevo brindis con bourbon invitando a sus compañeros de banda, antes de preguntar al personal si querían caña, tras lo cual  la contundente “Lizard queen” hacía bailar al personal en uno de los momentos mas contundentes del show. Cada tema recibía una fuerte ovación.

Ashes” ponía fin a una brillante actuación en la que THE MOTHERCROW que lo que habíamos percibido en su disco, no era un espejismo. Una banda solvente, con un batería sobre el que no caben las sospechas, un brillante guitarrista y un bajo que parece haberse acoplado a la banda rápidamente.

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Si a eso unimos que Karen es un “animal de escena” la tormenta perfecta está servida.

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Ante la insistencia del público la banda regresaba al escenario para ofrecer un nuevo tema mientras presentaba a los miembros de la formación. “Swait it”, ponía fin a una gran noche de rock and roll a la vieja usanza.

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Todas las fotos aquí:

https://www.facebook.com/DenpaFuzz/

Entrevista a “THE MOTHERCROW”

El pasado 17 de mayo THE MOTHERCROW publicaban su primer álbum “MAGARA”. Hemos querido hablar con ellos para que nos detallen como se ha gestado ese gran trabajo publicado por Nasoni Records, Nooirax Producciones y La Rubia Producciones, así como los detalles de la formación de la banda así como sus inquietudes y sus motivaciones.

“El rock ya es retro…No nos gusta ponernos barreras a la hora de crear, no nos queremos identificar con un subgénero específico”.

DenpaFuzz: Hace unas semanas vio la luz “MAGARA” vuestro primer disco tras una campaña de Crowfounding, ¿Cómo ha sido esa experiencia de recaudar fondos para conseguir la grabación?

“THE MOTHERCROW”(Karen)Crear la campaña de Verkami fue muy intenso, hubo mucho trabajo previo de diseño para el “crowfundig”, creamos un vídeo de presentación al proyecto, videos individuales de cada músico, recompensas locas para poder compartir experiencias con el grupo… nos emocionamos muchísimo viendo cómo la gente se volcaba con el proyecto. Fue una inversión muy fuerte para poder grabar en las condiciones de nuestros sueños.

DenpaFuzz: Para este primer disco habéis tenido un cambio de formación con la incorporación de Pep y Max, ¿Cómo se gesta esa colaboración? ¿Qué han aportado al trabajo que veníais haciendo Karen y Claudia previamente?

“THE MOTHERCROW”(Claudia y Karen)Tras la partida de Sergio y Gerard, durante el verano de 2017, tuvimos la oportunidad de tocar con grandes músicos dentro de la escena heavy psych de Barcelona. Alexandre Sánchez (Prisma Circus) Gustavo Rodríguez (Lazy Lady) y Alex Carmona (Cachemira) fueron algunos de los grandes talentos que se sumaron al vuelo de la madre cuervo. Al volver de la gira con los mercenarios decidimos dar comienzo a las audiciones para encontrar a dos personas que compartieran la misma filosofía y ambición por la familia que es “The Mothercrow”.

Casualmente, en las puertas de un concierto de los suecos Graveyard, Max Eriksson se ofreció a probar en el proyecto y desde el primer ensayo, su dedicación e implicación por The Mothercrow ha sido absoluta. Pocos días después, Pep Carabante (Warchetype, Cuzo) nos contactó por internet interesado en hacer una prueba con nosotras. Tras el siguiente ensayo los cuatro, notamos que por fín habíamos encontrado una solidez y la dureza que hace tiempo estábamos buscando.

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“Nos gusta movernos entre los extremos, desde momentos más sutiles y sensuales del funk y el soul, hasta explosiones de rabia y cabalgues épicos del hard rock y el heavy metal.”

DenpaFuzz: El sonido de THE MOTHERCROW, de alguna manera podría encuadrarse en lo que venimos llamando retro-rock, ¿Os sentís cómodos con esa etiqueta? ¿Cuál sería vuestra propia definición de vuestro sonido?

“THE MOTHERCROW”El rock ya es retro, así que podemos decir que sí. La etiqueta de retro puede englobar muchísimos estilos que amamos desde los ‘50 hasta finales de los ‘70. No nos gusta ponernos barreras a la hora de crear, no nos queremos identificar con un subgénero específico.

DenpaFuzz: Los temas, ¿por quien están compuestos y como han sido grabados? ¿Son ideas que ya existían?, o ¿han sido creaciones completamente nuevas?

“THE MOTHERCROW”: Algunas canciones nacieron tiempo atrás hasta llegar a completar este álbum. Temas como ‘Forevermore’ compuesto por Claudia en la etapa anterior del grupo, o riffs como el de ‘Magara’ creado por Max hace más de 10 años.

El resto de material fueron ideas que Max fue trayendo al local, invertimos muchas horas semanales en componer, estructurar y pre-producir las canciones antes de plasmarlas. Entramos al estudio pinchando en directo a la cinta el power  trío, sumando después guitarras, voces y percusiones. Nuestro ingeniero y productor Alberto Sol de Sants, vivió la canciones prácticamente en crudo y nos aportó ideas de armonías, coros, incluso algún que otro enigmático hammond.

DenpaFuzz: Finalmente el vinilo ha sido publicado por los ya experimentados Nasoni Records y en formato cd por  Nooirax Producciones y La Rubia Producciones, ¿Por qué ellos?

“THE MOTHERCROW”(Karen): Tras tantear varias puertas con el pre-master, Nasoni fueron uno de los primeros en contactar con nosotros, y tras contrastar ofertas decidimos seguir adelante con ellos. La edición en CD era casi obvia de que fuera de la mano de Alex Nooirax por sus anteriores trabajos con Cuzo y otros amigos vitorianos de la mano de Cosmic Tentacles. La Rubia Producciones quisieron sumarse al carro ¡y no pudimos negarnos!

DenpaFuzz: El hecho de que la banda se soporte en un principio en dos mujeres, ¿Es un beneficio, o es más duro para una mujer hacerse un hueco en la escena?

“THE MOTHERCROW”(Karen y Claudia)Tiene pros y contras. De por si no abundamos la mujeres dentro del rock. Ahora mismo se le da más visibilidad al papel femenino, algo muy positivo, pero donde es muy difícil encontrar un equilibrio entre cantidad y calidad, y más aún una nube que llueva a gusto de todos. Siempre se puede encontrar algún contra, ya sea de algún misógino camuflado con alguna grosería descerebrada o a veces alguien por simple curiosidad o sorpresa, sin ningún tipo de ofensa normalmente, haciendo preguntas de este estilo. Pero no deja de ser un tatuaje en nuestro ADN y es muy difícil que, quien siempre fue el objeto dentro del mundo, también el del heavy y el rock, pase a tomar la empuñadura.

“Querríamos poder acallar las bocas que, cuando dices ser músico, automáticamente preguntan, ¿Pero en qué trabajas?”

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DenpaFuzz: Supongo que vuestras influencias serán variadas, pero si tuvierais que decir el nombre de la banda que más ha influido en vuestro sonido ¿Cuál o cuáles  serían?

“THE MOTHERCROW”Hay innegables como Led Purple, Frank Sabbath y Pink Zeppelin. Somos pasionarios del sonido más duro y estridente pero también nos encantan grupos como Free, Grand Funk Railroad, The Who, Warhorse, Blue Cheer, Jody Grind, Love, Cactus…

DenpaFuzz: En “Magara” encontramos distintos estilos que van desde el blues, al hard-rock, psicodelia, Stoner. ¿Con cual os sentís más cómodos y más identificados?

“THE MOTHERCROW”: Nos reiteramos en que no nos queremos cerrar ninguna frontera. Nos gusta movernos entre los extremos, desde momentos más sutiles y sensuales del funk y el soul, hasta explosiones de rabia y cabalgues épicos del hard rock y el heavy metal.

DenpaFuzz: El disco tiene una fuerte carga simbólica en cuanto a las letras, ¿De donde viene esa inspiración? ¿Quién crea las letras? Y la composición de los temas, ¿Es un trabajo común o alguien lleva la voz cantante?

“THE MOTHERCROW” (Karen)Las letras son un trabajo que voy componiendo sobre los sentimientos que me transmiten cada una de las canciones. Con ayuda en ideas y traducciones por parte de Claudia y Max, fuimos dando vida a cada una de ellas. El cierre del disco contiene aportaciones de un poema cedido por Ian Mason, cantante de The Wizards.

 

“Un volumen atronador, desde sensuales susurros hasta gritos desgarradores,  bajos graves y con medios punzantes, guitarras afiladas con solos que te perforan el cerebro y una percusión intimidadora cual tambores de guerra.”

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DenpaFuzz: ¿Cuál es la meta de THE MOTHERCROW? ¿Cuál sería vuestro sueño como banda?

“THE MOTHERCROW”Nos encantaría que algún día este proyecto de vida nos pudiera pagar las facturas. Querríamos poder acallar las bocas que, cuando dices ser músico, automáticamente preguntan, ¿Pero en qué trabajas?. Poder invertir todo nuestro tiempo en la música, en componer y girar por el máximo posible de lugares.

DenpaFuzz: El objetivo en cuanto a la difusión de vuestro trabajo como banda. ¿Va mas allá de nuestras fronteras? ¿Alguna oferta o proyecto para tocar fuera de España?

“THE MOTHERCROW”(Max)Tenemos muchísimas ganas de salir fuera de nuestro territorio. Sabemos que es un estilo que tiene un público potencial en Europa y el siguiente paso será llamar a esas puertas.

DenpaFuzz: ¿Qué puede esperar el público que vaya a ver un concierto vuestro?

“THE MOTHERCROW”(Karen): Un volumen atronador, desde sensuales susurros hasta gritos desgarradores,  bajos graves y con medios punzantes, guitarras afiladas con solos que te perforan el cerebro y una percusión intimidadora cual tambores de guerra. Cuatro personas descargando toda su energía al nivel de su pasión por este estilo y esta familia. Mucho sudor, tequila y patadas voladoras.

DenpaFuzz: ¿Como ha sido la respuesta del público en esos primeros shows que habéis dado hasta ahora en Barcelona en Euskadi y Asturias?

 “THE MOTHERCROW”Ha sido una experiencia abrumadora. La acogida de ‘Magara está siendo fascinante, el público se vuelca con nosotros y nos encanta interactuar con ellos. Es muy emocionante poder interpretar este álbum en directo, con todos los sentimientos que encierra.

DenpaFuzz: ¿Cómo se presenta la temporada de verano en cuanto a próximos shows? ¿Os veremos pronto por Madrid?

“THE MOTHERCROW”El verano será tranquilo, sólo de cara a la galería. Nos toca centrarnos en asuntos personales y mucho trabajo extra-musical para prepararnos óptimamente de cara a seguir la presentación a finales de año y la próxima temporada de festivales. Madrid será una de nuestras primeras fechas, aún no anunciada, pero os chivamos que estaremos allí el próximo 5 de octubre.

Desde DenpaFuzz queremos desearos suerte con el disco y con vuestra carrera, así como daros las gracias por vuestras palabras

“THE MOTHERCROW”: Ha sido un placer poder compartir este momento. Gracias a vosotros por la dedicación y el buen hacer de gente tan apasionada por el Rock. ¡Ojalá pronto aunemos el Magara en directo!

Reseña de “MAGARA”:

https://denpafuzz.wordpress.com/2019/05/17/resena-the-mothercrow-magara/

Reseña.- THE MOTHERCROW.- “MAGARA”

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Nacidos en Barcelona de la mano de su vocalista Karen Asensio, THE MOTHERCROW hacen su puesta de largo con “MAGARA”, tras incorporar a su formación al batería Pep Carabante y al guitarrista sueco Max Eriksson que se unen a su bajista Claudia González y a la propia Karen para darle un impulso a su sonido respecto de sus dos primeros EP’s. Un esperado trabajo realizado con el esfuerzo de una campaña de crowdfunding que recupera los sonidos mas viscerales de los años setenta sin perder la esencia blues-rock con la que nació la banda. Acercándose a vibraciones más pesadas que por momentos coquetean con el heavy rock y los contemporáneos sonidos stoner, los barceloneses no pierden su esencia en unos temas fuertemente influenciados por las portentosas cuerdas vocales de Karen. Seduciendonos o amedrentandonos, sus melodías confluyen siempre en temas coloreados por ritmos de tintes vintage. Definir su sonido como retro-rock, sería demasiado simple. En el álbum podemos encontrar seductores momentos de flirteo con el jazz, rudos espacios en los que el boogie-rock más frenético se apodera de alguno de sus temas, así como espacios en los que la psicodelia se entromene entre sus riffs. Una conjunción entre los ecos del hard-rock y el blues-rock mas clásico con un envoltorio más acorde con el siglo XXI. Un álbum en el que los sentimientos salen a flor de piel para transmitirnos toda su energía o cautivarnos con sus melodías. En todos los temas destaca poderosamente la incesante y fornida batería, que es perfectamente complementada con robustas lineas de bajo. Como contrapunto a esa virulencia las voces recorren un amplio espectro de registros. Desgarradores momentos que arrastran a la banda a ejecutar poderos riffs, en pura vena hard & heavy, con momentos boogie-rock o acaramelados pasajes en los que acarician susurrantes al oyente por terrenos que transitan en algún espacio entre el soul, el blues o incluso el jazz de cabaret….

El título del álbum alude una filosofía del animismo en la que se aúnan todos los seres, el entorno natural y sus fenómenos, hasta objetos cotidianos pueden ser dotados de esa Fuerza Vital Universal que nos conecta a todos. Respaldando incluso la creencia de una estrecha relación entre los vivos y los muertos. ¡¡¡Toda una declaración de intenciones!!.

En palabras de la propia banda, “MAGARA” es un álbum que enfrenta sentimientos y sonidos añejos, mezclados con nuevas vivencias y emociones, dando más libertad a las sombras, pero sin olvidarse de la luz, una definición que suscribo.

“Revolution” fue el primer adelanto que nos ofreció la banda. Conteniendo en sus interior vibrantes riffs stonerizados con ropajes retro, en los que el bajo nos golpea con contundencia mientras Karen nos ofrece un repertorio de registro soul-rock y blues. Pegadizos, vibrantes y pesados, tratan de transmitir toda su destreza en el directo para transmitirla al interior de su surcos. Un canto a la lucha, defendiendo derechos coartados en nuestro país recientemente como la libertad de expresión o el derecho a voto. En rebelión contra los políticos corruptos que nos gobiernan.

Con una introducción en la que la linea de bajo se muestra poderosa, “Mantis” ofrece a la Karen más sensual y seductora. Blues-rock sobre una estructura rítmica que se repite. Leves momentos funky servidos por el wah-wah. Esa amante depredadora que primero te conquista y una vez que has caído en sus encantos de golpea con fuertes riffs.  Una femme fatale capaz de enamorar y acabar con un hombre en una misma noche siguiendo los pasos de una moderna Judith, hija de Merari. Destruyendo mitos de sumisión y dependencia, empoderando la feminidad.

Siguiendo la estela blues más ortodoxa, desde el susurro, con una cansina cadencia, “Stone” se muestra fornido a pesar de su frágil apariencia melódica. riffs retro van elevando el tono que acaban por arrastrar la voz. Una voz que ya hemos escuchado en algunas bandas en las que la vocalista sigue los caminos que hace décadas señaló Janis u otras muchas vocalistas de los primeros setenta. que convivían entre potentes sonidos hard. Aquí se sigue esa estela y también los momentos en los que la guitarra aulla cual lobo en la noche. Oda a el Basajaun, numen perteneciente a la mitología vasca que habita en lomás profundo de los bosques o cavernas en lo más alto de las montañas, al cuidado de lanaturaleza.

A caballo de ritmos boogie-rock, “Swat it!“, por momentos me recuerda a ZZ TOP en sus primeros riffs.  Bajo los mandos de una frenética batería y coros efectivos y replicantes, encontramos una novedad respecto a los temas precedentes. Para darle todavía más color vintage, se incorporan pasajes de órgano en un contoneo constante a través de distintos ritmos. el tema sirve de escaparate para que cada músico ejecute solos con sus instrumento tomando el protagonismo. la versatilidad hecha canción surgiendo inspirada por el sentimiento de contradicción de vivir un momento “in situ” grabándolo con un dispositivo para una posteridad caduca como la que nos proporcionan las redes sociales.

En tonos mucho más grises, y con aires de desamor, “Forevermore” camina por la senda de la calma y el dolor. Los momentos más suaves y oscuros de “MAGARA” aparecen coloreados por brillantes solos de guitarra que se recuentan en laderas psicodélicas. La sensualidad en contraste con el dolor. Un sentimiento de duelo, saber que el amor generado entre dos personas puede ser tan fuerte que aunque alcance a girar en una espiral de dolor, no se quiere o puede parar de alimentarlo.

“Guan (lo kanta)” nos ofrece a THE MOTHERCROW con un nuevo registro en tonos acústicos, queriendo acercarse al jazz y al folclore, suavemente nos susurra. Un canto reconfortante que hace que nos sintamos protegidos y aliviados a la vez. No existen los temores entre sus bellas melodías. Describiendo la nostalgia, aparece un nuevo actor en escena. El sonido de la flauta en tonos folclóricos nos hace retornar al pasado. Estamos ante una canción de cuna en euskera, instigando al miedo para inculcar noción cómo habitúan las nanas, con Lamias y seres de la noche, pero alentando con que a pesar de todo siempre estará La Madre Cuervo cuidando de todos nosotros.

Tras el sosiego y la calma, “Lizard queeen” rompe las cadenas en pura vena hard & heavy. Los riffs más cañeros van recorriendo espacios de distintas décadas. Desde el stoner contemporáneo al heavy de los ochenta y el hard rock de comienzos de los setenta. iaje inspirado en los sentimientos de miedo y angustia bajo los que habitamos, una personificación de la ansiedad que toma nuestro control.

“Magara”, el corte que da nombre al álbum, ofrece una nueva visión. ritmos arenosos contenidos poco a poco van elevándose con tonos americanos. Un choque de sentimientos que se enfrentan con el soul y blues aparecen sutilmente entre un corte hard-rock que apaba apagandose como una llama con leves acordes de sitar. Nacido a ritmo de desierto, el caminar del dromedario. Un sentimiento Tuareg de viajar, vagar, pertenecer y perecer para prevalecer siempre en la tierra de la que se ha nacido. La Fuerza Vital Universal.

El trabajo se cierra con “Ashes”, un calmado corte lleno de sentimiento en el que el protagonismo de la guitarra alimenta los suaves pasajes vocales y rítmicos. Otra vez por acolchadas praderas en las que la oscuridad cubre desgarrados sentimientos por el camino del blues. Un tema lleno de belleza y tristeza con momentos oscuros momentos lisérgicos. Almas y corazones encontrados en el camino eterno. Sentimientos puros en una fusión de lírica. Una reafirmación de la indudable necesidad de alcanzar el extraordinario amor verdadero por encima de todo.

La banda entró a grabar su primer álbum el pasado diciembre de 2018 en Sol de Sants Studios (Barcelona) con el ingeniero/productor Alberto Pérez a los mandos de su mítica mesa analógica NEVE rescatada de los años 70, y una grabadora Tascam añadiendo la calidez y carácter de cinta de 2 pulgadas.
Durante siete días muy intensos, la banda plasmó las nueve canciones con las bases en
conjunto para capturar la energía y el feeling del directo, sumando texturas y otros
instrumentos para enriquecer el sonido.
En los meses siguientes fue mezclado por el mismo Alberto y masterizado por Marco
Rostagno de Hitmakers Studio.

“MAGARA” ve la luz bajo el sello Nasoni Records  para la edición en vinilo y por Nooirax Producciones y La Rubia Producciones para la difusión del formato en CD.

Karen Asensio (voces y percusión), Claudia González (bajo, coros, flauta, sitar, y percusiones), Max Eriksson (guitarras y coros) y Pep Carabante (batería).

Alberto Pérez colabora con órgano Hammond.

 

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