progressive-rock – DenpaFuzz

Reseña: MONKEY3.- ‘Welcome to the machine’

Tras la publicación de su último y aclamado álbum, ‘SPHERE’ (reseña aquí) en 2019, los pioneros del psych rock instrumental suizo MONKEY3 nos presentan su nueva oferta cósmica, ‘WELCOME TO THE MACHINE’. En el que posiblemente sea su álbum mas épico y oscuro, una vez más, MONKEY3 envuelve a los oyentes en su neblina auditiva cósmica única. El séptimo álbum de la banda mantiene el poder cautivador de los suizos, elevando la apuesta y corroborando de nuevo, que son una de las bandas destacadas de la escena psico-espacial y Stoner del continente europeo. Una odisea cósmica y sensorial a semejanza de películas como 2001: A Space O Dyssey , The Matrix, Sunshine, Solaris y 1984 (en las cuales está insipIrado), revelando una lucha encarnizada de contra las máquinas en un salto al vacio del cosmos. Entre supernovas, asteroides, galaxias y agujeros negros, la música de MONKEY3 logra penetrar en el oyente como viene haciéndolo desde hace años, en un intrigante viaje a lo desconocido, en busca de respuestas. «¿Los seres humanos se están convirtiendo en máquinas o las máquinas se están convirtiendo en seres humanos?«, se cuestiona la banda. El álbum mantiene el relato con una fluidez asombrosa que va contando al oyente esta particular historia que se anticipa a un incierto futuro de la humanidad. Embutido en intrigantes atmosferas melancólicas, las embestidas de pesadez son sacan de un trance incierto entre colosales riffs, inquietantes paisajes de teclados y una base rítmica fornida. MONKEY3 no se ciñe únicamente a estándares psicodélicos, sino que toma prestados momentos post-rock y complejos desarrollos progresivos, para cautivar al oyente en un viaje astral hacia lo inexplorado en el que los ecos floydianos tienen su espacio (De hecho el propio nombre del álbum parece ser un guiño a la banda del fluido rosa). Una vez mas queda sobradamente probado, que la ausencia de voces en una banda no es un obstáculo para conquistar al oyente con su propuesta, y estos chicos, son maestros en estas lides. En poco tiempo podremos comprobar en directo como son trasladadas a los escenarios las canciones incluidas en ‘WELCOME TO THE MACHINE’, ya que la banda acaba de anunciar las fechas de la primera parte del tour de presentación del álbum. Allí estaremos para contároslo.

‘WELCOME TO THE MACHINE’ está disponible vía Napalm Records.

Sumiéndonos en un espacio sideral, ‘Ignition’ nace de un lento génesis palpitante para desarrollarse entre supernovas y un entorno ingravitatorio a lo largo de diez minutos fascinantes en los que el cuarteto suizo plasma todo su potencial. Una odisea espacial en la que los riffs musculosos co-habitan con unos teclados que se inclinan por entornos cósmicos embutidos en una atmósfera psicodélica. Toda una tortuosa travesía con melodías cautivadoras y un ritmo trepidante que surca los confines del espacio impulsado por su cautivadora psicodelia así como por impactantes riffs.

La colisión de dos elementos crea caos, pero también paz y armonía. Esto da origen a algo completamente nuevo. Con este argumento ‘Collision’ se desarrolla en una misteriosa atmósfera con bellos pasajes psicodélicos de guitarra que gravitan en una órbita sideral construida a base de tenues sintetizadores y un ritmo hipnótico. Acolchado en su sonido, el corte contiene una cálida línea de bajo que recubre las paredes de sus armonías. Impulsados por ese combustible, MONKEY3 nos enredan entre psicotrópicos paisajes sonoros manteniendo el magnetismo en un entorno sideral, complejo, pero fascinante y exótico.

Incidiendo en la particular visión de la psicodelia de los suizos, ‘Kali Yuga’ parece coquetear con elegantes y sofisticados momentos post-rock para crean un corte majestuoso. Controlando la intensidad, la pista palpita entre teclados y efectos antes de sucumbir a cautivadores pasajes floydianos en los que la guitarra de Boris se muestra esplendorosa. Habitando en la penumbra, la canción muestra un tono melancólico que se compensa con hermosas melodías bajo un ambiente inquietante.

El relato futurista de los suizos prosigue con ‘Rackman’. Otra canción de psicodelia cósmica con hermosos desarrollos en una fluida narrativa que surca el universo atravesando nebulosas siderales. La pista toma elementos progresivos que son incorporados a su fuerte pero cadente ritmo, creando un ‘todo’ que te atrapa en su relato. No faltan los crujientes riffs que MONKEY3 añaden a sus canciones consiguiendo que estas se muestren sólidas y firmes. Nuevamente, una guitarra floydiana empuja la pista a un hipnótico trance en los confines del espacio sideral.

Como epílogo del álbum, los doce minutos de ‘Collapse’ reflejan a la perfección el sonido de la banda. A semejanza de ‘Time’ de Pink Floyd, la pista conjuga todas las inquietudes de MONKEY3. Pesados por momentos, delicados y susurrantes en otros, pero siempre causando sensaciones en el oyente. Con toda la monumentalidad, los golpes de pesadez que la pista contiene son amortiguados por ensoñadores pasajes instrumentales que sitúan al oyente en otro nivel sensorial. Un espacio que la banda domina a la perfección y que se plasma en sus mágicos desarrollos instrumentales.

monkey3

Napalm Records

Reseña: ENTROPÍA.- ‘Eclipses’

El cuarteto vasco nos presenta su nuevo álbum ‘ECLIPSES’. Cinco años han pasado desde la publicación de su álbum ‘INVISIBLE’, y ahora nos compensan con cinco hechizantes canciones que gravitan en un espacio psico-progresivo que es enriquecido con elementos espaciales y golpes de Stoner rock ensamblados con mesura. Con el legado de las grandes bandas del rock progresivo de los 70’s como referente, la banda crea su propio y personal relato. Una narrativa llena de belleza que habita en un escenario presidido por la melancolía. Estos chicos se saltan los convencionalismos y nos hacen salir de la zona de confort para deleitarnos con bellas canciones con un aroma añejo y unos elementos completamente contemporáneos. Ecos del sonido Canterbury se entrelazan con logrados pasajes psicodélicos en una búsqueda de nuevas rutas para expandir su sonido. Con cada canción con su propia identidad, pero con un hilo conductor que parece estar presente en cada una de estas cinco fantásticas canciones. Desde que comenzaron como banda allá por el año 2014, los hemos visto crecer musicalmente sin hacer ruido, y ahora es el momento para que su música sea reconocida como merecen. Porque ‘ECLIPSES’ es un álbum soberbio, un álbum que refleja la evolución y capacidad para crecer como banda sin renunciar a sus principios. Teniendo en cuenta que su repercusión musical puede circunscribirse más al ambiente Stoner y psicodélico, muchos de esos obstinados seguidores del rock progresivo más ortodoxo, pueden llevarse una grata sorpresa al escuchar esos ecos propios de King Crimson o Pink Floyd, pero también de ese sonido Canterbury que tantas alegrías nos dio en el pasado.

ENTROPÍA son: Jon Bellido (teclados y voz), Roberto Nieves (guitarra y voz), Lasto (bajo) y Andoni Penela (batería).

‘ECLIPSES’ fue grabado en vivo y mezclado en Brasil Studios (Madrid) los días 4, 5, 6, 7 y 8 de diciembre de 2021, y los días 21, 22, 23, 29 y 30 de enero de 2022. Fue masterizado por Jonas Munk, guitarra de CAUSA SUI y propietario de El Paraiso Records. El álbum está disponible vía Clostidrium Records.

El álbum abre con los sonidos psico-progresivos de ‘Thesan’. Tras una introducción atmosférica presidida por los teclados, y por un lento ritmo que poco a poco nos va introduciendo en el relato de los vascos. Sin prisa para evolucionar la pista los acordes se suceden hasta la legada unos riffs gruesos que muestran el lado Stoner que contiene ENTROPÍA. Si bien se trata de una pincelada, esto no impide que los largos desarrollos instrumentales exploren ese territorio en el que lo progresivo y lo psicodélico se dan la mano. Con voces netamente progresivas, la pista es custodiada por la fuerza y gravedad de esa inclinación por los sonidos desérticos. Ciertamente una combinación que rinde sus frutos al hacerse las transiciones con total fluidez. La canción nos ofrece interesantes pasajes de guitarra que colorean los dictados de los teclados, auténticos guías del corte.

Decantándose claramente por un espacio más progresivo ‘Dysania’ nos susurra con sus acolchadas melodías vocales y una instrumentación más sofisticada. Ecos del progresivo español de décadas pasadas, afloran entre surco y surco de una pista suave, sencilla, pero que cuenta con unos magníficos arreglos que la hacen atractiva para el oyente. En la parte central la pista se torna más dinámica y experimental, ofreciendo un sonido evocador de los grandes dinosaurios de los 70’s. ENTROPÍA no hacen canciones lineales, y la pista tiene sus giros inesperados haciendo que su aspecto sonoro mute constantemente. Desee la placidez y un reconfortante sosiego con elementos sinfónicos cercanos al legado de King Crimson, hasta momentos más virulentos en los que todo parece alocarse.

‘Tarbes’ parte de una bella introducción acústica para sucumbir a los dictados de la melancolía en un espacio de tonos grises. Allí la banda saca su lado más suave y amable con aterciopeladas voces. Al llegar a la parte central los elementos espaciales aparecen creando una atmósfera cósmica mientras los tambores se encabritan en ritmos tribales y una instrumentación mucho más compleja. Esta seña de identidad se representa con ese carácter progresivo en todo su esplendor, siendo enriquecido con algunos elementos psicodélicos.

Tras el frenesí final de la canción anterior, las aguas vuelven a calmarse en ‘Caledoscopia’ Otra pista de mas de nueve minutos en la que todo sucede a cámara lenta en su parte inicial. Bellos acordes de guitarra y un cálido manto psico-progresivo van tejiendo un hermoso tapiz sonoro. Relajante y sofisticado, el corte va masajeando al oyente en una plácida sesión terapéutica, y a su vez, sumamente relajante. Casi susurrante por momentos, la canción prescinde de esas embestidas de riffs plomizos hasta la parte central. Allí riffs de vocación doom se unen a la fiesta para ofrecer otro lado más contundente y pesado como contrapunto a las frágiles melodías que coquetean con momentos más propios del Sonido Canterbury o incluso con pasajes floydianos teñidos de Carmesí. Uno de los temas más interesantes de un álbum maduro y bien construido.

El álbum concluye con ‘Polaris’, otro corte psico-progresivo con muchos alicientes. Creando dos niveles sonoros, la cálida y susurrante voz, convive con unos tambores briosos y unos pasajes que se van tornando más grandilocuentes. Este espacio progresivo se enriquece con alguna pincelada Stoner en forma de riffs que afloran de la nada para desaparecer al momento. Así con esta montaña rusa la pista prosigue en su avance en busca de nuevas vías por las que transitar alejada de convencionalismos. Todo un caleidoscopio de vibraciones psico-progresivas adornadas con versátiles ornamentos que acaban por enriquecer esta pieza más propia de otros tiempos si prescindiéramos de esos momentos desérticos.

entropía

clostridiumrecords

Reseña: LUCID SINS.- ‘Dancing in the dark’

Los orfebres escoceses del ocult-rock de los años 70’s regresan con un hermoso álbum de sonidos vintage que te arrastran a lo mas profundo del bosque, donde los espíritus de los ancestros y los relatos de cuentos y leyendas más oscuros tiene su morada. Sustentados por su talento compositivo y por su prodigioso dominio de los instrumentos, crean bellas canciones de rock progresivo envueltas en una sutil psicodelia y aromas tradicionales. Una amalgama de estilos que van desde el rock hasta el folk, pasado por la psicodelia, lo progresivo e incluso hasta el jazz. Piensa en una marmita en la que se cuecen a fuego lento los sonidos de bandas como JETHRO TULL, BLACK SABBATH, WISHBONE ASH, CAMEL, FAIRPORT CONVENTION, BLACK WIDOW o CAMEL, aderezados por conjuros ocultistas en un ritual pagano adornado con bellas melodías, y elementos de bandas contemporáneas como DUNBARROW, WITCHCRAFT o UNCLE ACID & THE DEADBEATS, y encontrarás un esquisto manjar llamado ‘DANCING IN THE DARK’. Un álbum oscuro que hará las delicias de los amantes del progresivo del 70’s con sus dosis de proto-doom y sus coloristas momentos campestres. Aquí no hay espacio para el aburrimiento ya que cada canción contiene elementos diferenciadores sin renunciar a la esencia propia de la banda. Bello, sutil, elegante, oscuro y completamente cautivador, su fluida narrativa acaba por hacer que su escucha sepa a poco, dejándote con ganas de más. Estamos ante un trabajo sobresaliente que se convierte en una gratificante aventura para el oyente en la que magia aflora en cada uno de sus surcos. Si nunca has escuchado a LUCID SINS y te atraen los oscuros sonidos nacidos de las entrañas de los 70’s, ponte cómodo, bebe una buena copa de vino, y disfruta.

La historia de ‘DANCING IN THE DARK’ es la siguiente… Tropiezas por el bosque. Solo y lejos de casa. Todos los caminos os han devuelto a este lugar. Perdido en un mundo verde. Escondido en la oscuridad. A medida que la luz se desvanece, se vislumbran llamas parpadeantes y se percibe el olor del humo. En un pequeño claro, las sombras proyectadas por un fuego moribundo toman formas humanas. Inclinándose en busca de calidez, comparten diez historias de esperanza y traición, magia y locura, amor y muerte. Las palabras susurradas se mezclan con recuerdos lejanos y, a medida que el fuego crece, tu sentido de identidad se quema y quema. Una a una, las figuras comienzan a bailar y girar mientras sonidos psicodélicos ocultos flotan entre los árboles. Atrapado en la vorágine, suspendido en lo alto de una red arremolinada de hojas y percepción, liberas tu control sobre el espacio y el tiempo… En el suelo del bosque, agitado por el amanecer, intentas darle sentido a la niebla dentro de tu mente. Para recordar dónde has estado. Para saber quién fuiste alguna vez. Alrededor de un fuego resplandeciente, en lo profundo del bosque, están Dancing In The Dark… ¿Bailarás con ellos?

LUCID SINS son: Andreas Jonsson – Voz, guitarra, bajo, órgano, sintetizador, Ruaraidh Sanachan – Batería, bajo, percusión, órgano, mellotron, flauta dulce, coros.

Invitados en el álbum: Espen Andersen, Stuart Coleman, Hanna Tuulikki, Alex Ward
Arte de portada obra de David V. D’Andrea.

‘DANCING IN THE DARK’ está disponible vía Totem Cat Records.

‘Jack Of Diamonds’ recupera la esencia del hard-progresivo de los 70’s con una cálida atmósfera más propia de un relato de cuentos y leyendas. La cautivadora voz y una suave melodía, junto a un ritmo cadente nos llevan al corazón de la década dorada, con una vibra evocadora de Wishbone Ash o AMAZING BLONDEL, y cuidados arreglos. Buenos pasajes de una suave guitarra nos sumen en una cautivadora oscuridad. Esos tonos ocultistas más propios del proto-doom, son tratados con un esmerado trabajo en unos arreglos que facilitan la escucha al oyente.

Siguiendo una senda similar al corte de apertura, ‘In The Woods (The Drifter)’ incide más en los desarrollos progresivos. En esta ocasión me viene a la cabeza el sonido de los álbumes de JETHRO TULL de mediados de los 70’s. Dulces y contenidos, los escoceses crean otra mágica canción en la que todo fluye con soltura en una senda de ensueño asediada por momentos de melancolía. Con esos tonos ocultistas muy presentes, estos chicos nunca cruzan la barrera hacia un mundo más pesado, sino que amortiguan sus riffs mas gruesos con un trabajo compositivo absolutamente fascinante. Una oda a un pasado lejano en el que la épica lo cubría todo.

‘The Dance’ sigue coloreando sus armonías de un aroma vintage en el que el rock exploraba espacios progresivos sin rubor. Dulces y tenues, LUCID SINS saben como conquistar al oyente con una sutileza y elegancia propia de otros tiempos. Una melancólica atmósfera preside la escena entre dulces melodías vocales que siempre ofrecen su versión más placida.

Con un swing alegre y contagioso ‘Take Me With You’ se nutre de elementos jazz y cuenta como invitado con Espen Andersen, de los maestros noruegos del proto-doom DUNBARROW. Esto supone el primer dueto en una canción en la que el sonido del órgano hammond aporta un gran carácter vintage. Aquí nada es lo que parece, pero el resultado es fantástico. Los pasajes de guitarra siguen brillando a un nivel superior, lo que, unido una esmerada composición, hacen de la pista una verdadera joya en la que los ecos WISHBONE ASH afloran de nuevo.

‘Sanctuary Stone’ se sumerge en un espacio folk, más propio de bandas como FAIRPORT CONVENTION. La mágica y cautivadora voz de Hanna Tuulikki, y el uso de algún instrumento tradicional, marcan el devenir del corte. Folk progresivo evocador de tiempos pasados como guiño a la música tradicional.

Devolviéndonos a las atmósferas ocultistas, ‘A Call In The Dark’ es un sortilegio en álbum oscuro y remoto lugar en lo profundo del bosque. Su amenazante línea de bajo y un tempo constante unido a algunos quiños Sabbath, son la guía de este inquietante relato más propio de bandas como BLACK WIDOW y mas concretamente su ‘Come to the Sabbath’, esta vez adornado con alguna melodía progresiva.

‘The Toll’ transcurre en un espacio vintage presidido por el majestuosos sonido del órgano. El relato ocultista persiste en otra canción oscura que se ejecuta con un sonido contenido que va elevándose entre riffs rugosos y un ambiente humeante.

El relato prosigue con ‘From The Bough’, en donde las suaves melodías vocales, miran al legado de los 70’s para construir otra canción de hard-progresivo a la vieja usanza. Piensa en un hibrido entre Wishbone Ash y Camel.

Retomando las vibraciones folk, ‘The Raven’s eye’ nos sususrra en un canto seductor evocador de la tradición. Verdes pastos y un bucólico entorno con olor a hierba se adornan con dulces voces en una nueva colaboración de Hanna Tuulikki. Un ejercicio de melancolía en el que podemos encontrar ecos de Jethro Tull en sus años más campestres.

‘Catch the wild’ cierra el álbum con brillantes momentos psico-progresivos en los que el legado de Ian Anderson también parece venerarse. Algo más alejados de los postulados ocultistas, los elementos folks, aparecen en otra bella canción progresiva. Esmerados en los arreglos, el corte contiene toda la esencia de LUCID SINS, un atributo con un intenso olor a perfume de alto standing. La parte final el sonido del clarinete de Alex Ward lleva la canción a un espacio mas propio de Pink Floyd tocando jazz.

Lucid Sins

Totem Cat Records

Reseña: ROSTRO DEL SOL.- ‘Blue storm’

Después de su impactante y magistral álbum debut de 2021, el combo mexicano ROSTRO DEL SOL regresa con un Ep de cuatro canciones que se desarrollan a lo largo de mas de media hora. Ep, Lp, lo mismo da, lo importante es que podemos disfrutar de nuevo del trabajo de estos magistrales y aventajados músicos. ‘BLUE STORM’, dos piezas largas y dos cortos con un carácter diferenciado pero que su vez tiene muchas características en común. ‘BLUE STORM’ es un álbum vertiginoso que ve enriquecido el sonido de la banda con una mayor presencia de sonidos de viento, lo que hace que sus canciones caminen por una senda más progresiva, prescindiendo algo más de la psicodelia ácida y el blues que nos mostraron en su álbum homónimo (reseña aquí). Incidiendo en el legado de bandas como ATOMIC ROOSTER o COLLOSEUM, y apoyándose en algunos sonidos más propios de bandas como CAMEL, la banda no pierde el norte, sino que se centra en una exuberante exploración vintage. Buenas melodías que oscilan en su intensidad (especialmente en la dos primera canciones) y una bacanal de ritmos que consiguen calar en el oyente, son los argumentos de esta nueva entrega. Un caleidoscopio de sonido progresivos con pincelas psicodélicas, un groovy fantástico y momentos embriagadores en los que la banda se deja llevar por sonidos expansivos. Un cautivador y fascinante collage musical llegado de Ciudad de México para recordarnos como tocaban loas grandes bandas hard-progresivas de los 70’s. Algo que en pleno siglo XXI siempre es de agradecer, porque la creatividad no se perdió con el final de siglo XX, sino que en la actualidad podemos encontrar propuestas de bandas como esta, que veneran aquellos sonidos, y los ejecutan sin complejos. ¿Puede haber mayor homenaje?, porque como tantas veces he dicho, hoy, SI se sigue haciendo buena música, aunque esta, se parezca a la de los viejos tiempos de gloria del rock, y la prueba son álbumes como éste y bandas como ROSTRO DEL SOL.

‘BLUE STORM’ fue grabado y mezclado en Rec-On Studios entre 2022 y 2023 por Jorge Trejo y masterizados por Juan Puget. La portada estuvo a cargo de Elena Ibáñez, y la contraportada es obra de Miguel Isidoro. Disponible vía Stolen Body Records.

ROSTRO DEL SOL son en ‘BLUE STORM’: Mitch Balant (guitarra), Baruch Hernández (teclados), Israel Mejía (bajo), Roy Cabrera (voz), David Trejo (batería), Daniel älvarez (saxo), Antonio Álvarez (saxo), Joel Franco (saxo) y Damián Burgos (batería en ‘Blue storm’).

‘Blue storm’, la canción más larga del EP, con 14 minutos, escarba el legado hard-progresivo de los 70’s adoptando un sonido más propio de bandas como ATOMIC ROOSTER. El predomino de los teclados como base de su sonido es solo uno de los argumentos de una canción oscilante, con saxos, una línea de bajo realmente magnética, y unos solos de guitarra que ponen la acidez en este conglomerado de vibraciones vintage. Cabe destacar el trabajo de una voz que, sin ser maravillosa, cumple a la perfección su misión cautivando al oyente con su registro. El corte es todo un torbellino de estilos que se agolpan en busca de un objetivo común. Aparentemente caótico por momentos, la canción parece salida de una jam diabólica en la que el blues tiene su momento de protagonismo. Lo cierto es que su monumental sonido hace que el corte adquiera una exuberancia descomunal.

Brotando suavemente ‘Kinich Ahau’ mantiene el alma progresiva de los mexicanos entre tonos relajados. En esta canción compuesta en 2016, la atmósfera vintage nos confunde sobre el año en el que vivimos. Sobre esa base retro, la guitarra describe ensoñadores pasajes con un aroma sureño y un ritmo que por momentos se intensifica para decaer en un espacio en el que la elegancia de sus melodías nos envuelve en una gratificante atmósfera. Aquí los elementos de viento van llevándonos a un entorno sonoro en el que los apacibles sonidos progresivos se intercalan con sutileza. La parte central de la canción presenta momentos más propios de bandas progresivas de los 70’s en su faceta más melódica y dulce. La entrada de la voz ralentiza el corte y todo se vuelve más suave y volátil. Aquí los pasajes sinfónicos en línea Camel toman el protagonismo con el sonido del saxo. Un ejercicio compositivo que refleja la faceta más experimental y jazzera de estos hijos de Montezuma. En este espacio jazz-rock progresivo el corte se rearma para discurrir por ese espacio sonoro en el que tan bien saben moverse estos chicos. El guitarrista de la banda comenta sobre la canción: “Esa rola se la hice a mi hijo cuando estaba en gestación. No la había sacado porque con los compañeros anteriores que estuvieron en la banda no había encontrado esos sonidos que tenía en mi cabeza. Le conté la idea que tenía de la letra a Roy y él fue quien la hizo y quedó perfecto en lo que yo quería transmitir. Hay unos versos que dicen: ‘La espera terminó, vino de estrellas distantes y de una galaxia incierta donde nacen los soles. Un día llegó para compartir la luz y hacernos recordar emociones olvidadas a cómo usar el corazón para amarnos’. En ese tiempo no la estaba pasando muy bien que digamos y Kinich, mi hijo, hizo que me diera cuenta de muchas cosas para así cambiar mi forma de ver la realidad”.

Si las dos primeras canciones llegaban a los diez minutos, ‘El Ritual’ se desarrolla en cuatro minutos de solos de guitarra y un penetrante órgano vintage. Desnudando su lama la desgarradora voz nos sitúa en un espacio psico-progresivo de un nítido carácter vintage. Todo un viaje al corazón de los 70’s en una pista hard-prog de manual. Eso sí, ejecutada por la vía directa.

‘Dark metamorphosis’ cierra este Ep con una bacanal de sonidos retro al más puro estilo 70’s. El mayor protagonismo de la voz y las embestidas de los instrumentos de viento chocan con un ritmo vibrante y golpes de hard-rock con pinceladas funk. El tema mas contundente del álbum gracias a la sobriedad de sus momentos más rockeros. Aquí el legado de bandas como COLLOSEUM vuelve a aflorar sin rubor.

Rostro Del Sol

Stolen Body Records

Reseña: FUZZ SAGRADO.- ‘Luz e sombra’

Retomamos la publicación de reseñas de álbumes tras un periodo de inactividad debido a los múltiples viajes y festivales, haciendo justicia a un álbum publicado hace unos meses y que estaba preparado para ser destripado. Siguiendo la estela del debut ‘A NEW DIMENSION’ (reseña aquí) con su nuevo proyecto FUZZ SAGRADO, Chris Peters, el líder de SAMSARA BLUES EXPERIMENT, se deshace de las angustias y sinsabores del final de su etapa con su banda matriz con su segundo lp ‘LUZ E SOMBRA’. Un título lo suficientemente explícito como para darnos pistas de su evocador contenido. Mostrándose inmerso en un sonido en el que la guitarra, y sobre todo las voces, nos devuelven toda su esencia musical, esta segunda entrega, está llena de alicientes para todos aquellos fans que nos quedamos huérfanos con el final de SAMSARA BLUES EXPERIMENT. Sin duda un álbum liberador, con letras profundas y con el que el músico alemán, ahora instalado en Brasil, parece ejercer su particular catarsis interior. Si con su debut nos dejó claro que sus devaneos experimentales bajo el seudónimo de Surya Kris Peters no le alejaban del rock pesado y psicodélico que tocó durante tantos años, ahora ‘LUZ E SOMBRA’ sirve de confirmación de que la creatividad de Chris, continúa en plena forma. El propio músico manifiesta que el álbum representa su regreso al mundo del rock mas pesado, un mundo en el que las guitarras afiladas se siente cómodas entre ritmos más pesados, algo que conoce a la perfección. Tocando todos los instrumentos, las letras de canciones y el trabajo vocal, son dos de los puntos a tener en cuenta en esta nueva entrega. En el aspecto musical, nadie debería de tener ninguna duda, porque sus más longevos fans, encontraran aquí ese sonido psicodélico, pesado, progresivo, que mira sin rubor al legado de los 70’s, pero que lo hace con una mirada contemporánea y sumamente respetuosa. Sus nueva canciones se desarrollan en oscuras atmósferas en las que se reflejan los sinsabores del pasado y en las que se vislumbra la luz de la esperanza. Luces y sombras en las entrañas de un gran músico, que una vez más no nos defrauda con otro fantástico álbum. Un álbum oscuro, sólido, lisérgico, vintage, en el que el rock progresivo juega un importante papel, y sobre todo, en el que el sonido de SAMSARA BLUES EXPERIMENT está muy presente para gozo de sus seguidores.

‘There’s No Escape’ nos introduce en el álbum a través de atmosféricos pasajes psico-progresivos en los que se percibe una cierta influencia floydiana. Agolpándose los sonidos y tomándose su tiempo el corte nos devuelve a la esencia que nos conquistó en los primeros álbumes de SAMSARA BLUES EXPERIMENT. Oscura y con unas entrañas fornidas, la canción escarba en la melancolía con buenos pasajes de guitarra y una voz cautivadora. Este es el sonido auténtico de Christian.

Sin abandonar los sonidos psico-progresivos’ Wake Them Up’ habita entre tenues pasajes nebulosos. Creando una cortina espesa y brumosa, los devaneos guitarrísticos se ejecutan entre una densa instrumentación que no abandona ese espacio psico-progresivo de inspiración 70’s, pero con un enfoque completamente contemporáneo.

La canción que da nombre al álbum, ‘Luz e Sombra’ se desarrolla entre atmosféricos pasajes psico-progresivos aportando al oyente una sensación de relajación. El corte se desarrolla en un ambiente de oscuridad y en el aparecen numerosos cambios estilísticos haciendo del corte una pieza intensa y versátil.

La esencia de SBE aflora sin rubor en ‘One Endless Summer» Con la mirada puesta en los 70’s, cualquier fan de SAMSARA encontrará aquí un apetitoso bocado. Sus tonos vintage y la penetrante voz nos llevan de viaja a un espacio en el que las sombras parecen tomar a las luces en esta distopia musical.

‘Leaving Samsara’ es un canto de liberación a todas las cadenas que atrapaban a Chris con su anterior banda. Tratando de emprender un nuevo camino los ecos del sonido que le aupó la fama, están presentes en esta catártica canción con la que definitivamente parece emprender su aventura en solitario. Musicalmente el corte se desarrolla entre buenos pasajes de guitarra y un ritmo difuso empapado de psicodelia.

Con un tono más dulcificado, las guitarras acústicas se mezclan con profundos pasajes eléctricos en Memories Of A Future Passed. La canción prescinde de las voces para trasmitir la esperanza con un ambiente relajado y ensoñador.

Con buenas de dosis de hard rock 70’s ‘Love In Progress‘ se balancea entre efectos y una mirada al Stoner a través de sus gruesos riffs. Su turbio sonido y un halo de esperanza. Los elementos progresivos están presentes en una canción que usa estribillos reconocibles en detrimento de grandes desarrollos instrumentales.

‘Learning To Live, And Live Again’ es un canto de liberación para olvidar las angustias del pasado. De nuevo, el inconfundible sonido de SBE sirve de sustento para este melancólico paseo sonoro. Con una mayor presencia de teclados y de pasajes atmosféricos, el hard-progresivo adquiere una nueva dimensión.

Poniendo el broche final a este maravilloso álbum, Broken Earth’ baja las revoluciones dejando brillar la guitarra con melodiosos acordes llenos de belleza. Completamente instrumental, el corte parece ejercer de apropiado epílogo para un álbum catártico y liberador, un álbum intimista en el el que Chris se desprende de sus demonios.

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