Reseña: ELDER.- ‘Innate passage’

Desde su nacimiento, ELDER ha sido una banda que no se ha quedado estancada en su sonido, y su sexto álbum ‘INNATE PASAGE’ es el claro ejemplo de ello. Con un ampuloso pero reconfortante sonido, el cuarteto se pone al lado de bandas como MOTORPSYCHO para desarrollar sus canciones. Sinfónicas, psicodélicas, y con las dosis justas de pesadez, las canciones de su nuevo álbum parecen invitarnos a explorar un nuevo mundo, un entorno lleno de sensaciones. Complejos en su composición, pero a su vez sumamente magistrales, los seis temas de su nuevo álbum resultan sumamente gratificantes. Cinco largas canciones evocadoras del sonido de grandes bandas del pasado como YES o KING CRIMSON, pero también de los experimentales y ya citados MOTORPSYCHO, componen un trabajo sublime que eleva a ELDER a un estrato al alcance de pocas bandas.  ‘INNATE PASAGE’ es un álbum, que te llevará a sus surcos una y otra vez, y que en cada nueva escucha te va a ofrecer nuevos alicientes que, por sus complejas composiciones, no pudiste apreciar a la primera. Sin duda (y aunque sea un tópico), un álbum que se postula como firme candidato a álbum del año. Un álbum repleto de emociones que son transmitidas al oyente para proporcionarle un gratificante viaje lleno de alicientes. Porque ELDER son una banda innovadora, que compone majestuosas canciones con las que continúan su particular exploración del intrincado mundo del rock progresivo. Sus sonidos expansivos, las voces etéreas y la capacidad para tocar la nota justa en el momento justo. Una maquinaria bien engrasada capaz de sorprender a cualquiera, porque cada nuevo álbum del cuarteto, genera una gran expectación, y ganas de saber que se les habrá ocurrido esta vez. Necesitamos bandas como ELDER, bandas que no tengan miedo a experimentar y a abrir nuevos caminos estilísticos en su carrera. Los resultados están ahí, y el prestigio que tiene ELDER, no es obra de la casualidad, sino de un trabajo bien hecho y de un talento bien focalizado.

fundador Nick DiSalvo y las guitarras y teclas de Mike Risberg, el ahora establecidola batería de Georg Edert, que hizo su debut en Omens, y la calidez tonal del bajista Jack Donovan.

“Este disco canaliza el mundo surrealista en el que vivimos desde un punto de vista fantástico, no super-literalmente, y cómo nosotros, como humanos, procesamos eso; cada uno en su propio paso por el tiempo y el espacio y cualquier versión de la realidad que elija para sí mismo. La frase ‘Pasaje Innato’ me apareció al escribir el disco. El paso y la transición son necesarios en la condición humana y este proceso nos es intrínseco. Todo el crecimiento y la introspección que atravesamos en los últimos años me lo hicieron más evidente que cualquier otra experiencia en la vida hasta ahora”. –Nick DiSalvo

INNATE PASSAGE’ está disponible en Europa a través de Stickman Records y en América del Norte en Armageddon Shop.

‘Catastasis’ nos conquista desde sus primeros acordes mostrando un gran magnetismo en su propuesta psicodélica. Con un grueso sonido ELDER nos sume en un trance sensorial en el que todos los elementos parecen encajar a la perfección. Mostrando un mundo onírico sus bellas melodías exploran un escenario psico-progresivo en el que los ecos del rock de los 70’s se adornan con pinceladas cercanas al post-rock. La etérea voz a caballo entre el legado de Yes y la complejidad de King Crimson parecen mestizarse con un fascinante resultado. Cadente por momentos, la canción se toma su tiempo para eclosionar. Envuelta en un sinfonismo monumental. Nos susurra entre complejos desarrollos que mutan constantemente sin perder el hilo argumental.  El tema mantiene una atmósfera de melancolía sin renegar de buscar nuevas vías en las que los desarrollos progresivos enriquecen su particular psicodelia. Todo un arco iris multicolor de sensaciones para fascinar al oyente con un sonido, que, a pesar de tener muchos elementos del pasado, se muestra completamente innovador.

Con una atmósfera ensoñadora y con cierto tono espacial ‘Endless return’ explora un gratificante entorno sensorial. Hipnótica por momentos y sin mostrarnos el camino, la canción contiene momentos de suavidad adornados con bellos pasajes instrumentales y una voz sumamente cautivadora. Un poderoso bajo y unas guitarras hermosas van tejiendo un intricado matiz sonoro con el que ELDER atrapa al oyente. Constantes giros en la trama entre guitarras que se superponen y un poderoso bajo, nos van dirigiendo a un escenario hermosa y fascinante a la vez. Si, esto es rock progresivo, pero un rock progresivo del siglo XXI, que no se ciñe a ningún molde, aunque las influencias son palpables. Es inevitable para mí, recordar a MOTORPSYCHO, cuando escucho el nuevo sonido de ELDER.

 ‘Coalescence’ mantiene este tono gris de las canciones precedentes. Cocinado a fuego lento, poco a poco va exhumando olores y fragancias que te conquistarán. Fornido en su base rítmica, la banda equilibra sus desarrollos instrumentales con hermosas melodías con las que cautivarnos. Sin duda, otro corte de rock progresivo de muchos quilates en el que la psicodelia es incrustada con mesura y elegancia. Sus efectos atmosféricos y sus aromatizados pasajes lisérgicos, acaban por situarnos en un espacio balsámico y reconfortante que agradecerán nuestros sentidos. Situados en nuevo Jardín del Edén, la etérea voz de DiSalvo nos devuelve a la vida perfumándonos con agradables fragancias. Un hermoso espacio, que solo aporta agradables sensaciones a pesar de su complejidad compositiva. La canción evoluciona intensificando su pesadez sin renunciar a lo etéreo de su propuesta. Complejo pero rebosante de belleza el corte combina momentos aturdidores con pasajes ensoñadores en un ejercicio compositivo magistral.

En ‘Mergedin dreams-ne plus ultra’, ELDER opta por la delicadeza, para desarrollar una canción psico-progresiva que parece compuesta en un espacio celestial.  Magnética en su apertura, su larga duración permite una exploración infinita de vibraciones. Con majestuosos desarrollos que se acercan a postulados post-rock, la banda ofrece brillantes pasajes de guitarra que ondulan livianamente dejando espacio a su riffs más poderosos y pesados. Con un sonido estratificado en dos niveles la banda crea dos canciones en una. O muchas canciones en una sola, porque las ampulosidades de sus armonías me impiden determinar exactamente en qué escenario se encuentran. Son tantos los giros y meandros de este caudaloso rio sonoro que su descripción resulta sumamente compleja. Sin duda, una buena escucha suplirá la ausencia de recurso para poder transmitir al lector todo su potencial. Un sonido de bajo perturbador en ese segundo plano que todo abarca, un ritmo fuerte y dinámico, y los constantes escarceos de su dupla de guitarras, son un argumento suficiente para caer rendido a esta monstruosidad compositiva.

Poniendo el broche al este magistral álbum, ‘The purpose’ borbotea entre pasajes psicodélicos bajo suaves tonos que nos masajean proporcionando una agradable sensación. Sus reconfortantes desarrollos, cambian levemente su aspecto para llevarnos a un espacio etéreo haciéndonos flotar entre sus melodías. Reminiscencias de Yes para acariciarnos con suavidad con hermosas armonías vocales. En esta ocasión ELDER parecen optar por la sencillez con una música delicada y completamente hermosa en la canción más algodonada de todo el álbum. El carácter progresivo omnipresente, se manifiesta aquí, mostrando su lado más amable y apacible. Esto no impide que el corte oscile, elevándose puntualmente sin perder su verdadero espíritu. Una canción con una belleza superlativa que parece sumergirse en la melancolía.

Elder

Stickman Records

Armageddon Shop

Reseña; DOCTOR DOOM.- ‘A shadow called danger’

Siete años de espera posiblemente sean muchos, pero el día ha llegado, y ya tenemos aquí el segundo álbum de los proto-rockers franceses DOCTOR DOOM. Inspirados en los sonidos clásicos de los 70’s, el cuarteto nos presenta ocho canciones llenas de frescura con un aroma vintage. Con ecos de bandas como GRAVEYARD, WITCHCRAFT o WISHBONE, la banda nos resarce de esta larga espera con un trabajo realmente impactante. Riffs proto-metal, desarrollos progresivos, melodías vocales hechizantes y unas gotitas de blues, son los ingredientes de esta pócima mágica. Un sonido pesado que nos traslada a unos tiempos en los que el rock brillaba con luz propia en un universo oscuro, legendario y rebosante de épica. El el álbum se aprecia el buen trabajo con los arreglos de unas canciones que nos meten en un cuento en el que las leyendas y los mitos del pasado se presentan con una fuerza narrativa fluida y llena de matices. Con las guitarras como abanderadas de canciones que coquetean con el heavy-rock más vibrante pero que también exploran oscuros bosques progresivos rebosantes de encanto. Sus reconocibles armonías hacen que cualquier viejo rockero encuentre su sonido favorito, en estos surcos que en ocasiones se empapan de sustancias psicotrópicas para destilar unas gotas de blues pesado y sugerente. ‘A SHADOW CALLED DANGER’ es una gran noticia para los amantes de una banda que ha estado oculta demasiado tiempo y que ahora renace como el Ave Fenix de unas cenizas que nunca terminaron de apagarse, y que arden con fuerza en una hoguera de vibraciones vintage a través de ecos proto-metal y heavy rock que bien podrían emparentarse con bandas como Hällas en una versión contenida. Porque en este álbum no ha sonidos estridentes, pero si mucha fuerza compositiva plasmada en canciones que seducen al oyente con un relato sumamente atractivo. Superada la partida de su guitarra Jeremy, la entrad en la banda de Bertrand Legrand, permite que DOCTOR DOOM siga avanzando en su carrera. Proto-heavy, rock de siempre o llámalo como quieras, pero el refinado sonido de este nuevo álbum, tiene todos los ingredientes para ser considerado un plato de alta cocina, un manjar que debe de estar en la mesa de todos los comensales gourmets de los sonidos del rock de los 70’s .

«A SHADOW CALLED DANGER’ fue masterizado por Kent Stump en el estudio Crystal Clear Sound en Texas, con obras de arte diseñadas por el artista francés Xavier Aliot. Se lanzará el 18 de noviembre en varios formatos de vinilo a través de Black Farm Records, y la versión en CD saldrá el 20 de enero de 2023 a través de Ripple Music

DOCTOR DOOM son:
Jean-Laurent Pasquet – Guitarra, voz
Sébastien Boutin Blomfield – Bajo
Michel Marcq – Batería
Bertrand Legrand – Guitarra.

El álbum abre con uno de los temas más largos, ‘Come Back to Yourself’ . Profundos y suaves acordes de guitarra abren la puerta a un mundo mágico. Tras la introducción la canción palpita hasta explorar sonidos más propios de otros tiempos. Con una cadencia Graveyard, una atractiva melodía se adorna con solos que van y vienen en un constante oscilar por terrenos hard-rock. El magnético bajo amortigua las embestidas de unas guitarras contenidas. El corte cabalga brioso por un espacio vintage, de tonos progresivos. Con momentos en los que el blues se fusiona con la psicodelia y lo progresivo, el corte calma su ímpetu proporcionándonos gratificantes momentos.

Los tambores nos llevan directamente a ‘What They Are Trying To Sel’l. Aquí DOCTOR DOOM se sumerge en un espacio más rocoso, en el que el blues aflora con sutileza entre vibrantes ritmos. Con un groovy contagiosos la canción se eleva con desgarrados pasajes que reposan en una sima proto-doom de manual. Embarcados en esos sonidos de los 70’s la oscuridad se apodera de la canción. Un descenso a lúgubres espacios de los que la banda sale con golpes de heavy rock con un tono vintage aportado por la entrada del órgano. El corte acaba con logradas y contagiosas melodías de guitarra y unas voces inquitantes hasta sumirse en una espiral de riffs.  

‘Ride on’ nace de suaves acordes acústicos que empapan el ambiente de aromas florales. Una nueva vuelta de tuerca a un sonido que se expande en distintos escenarios estilísticos. Retomando sonidos más propios de Witchcraft o Graveyard, el blues empapado de psicotrópicos nos arrulla en un entorno nebulosos sumamente gratificante. Sin perder el enfoque melódico el corte bebe del legado del los 70’s para narcotizarnos con hermosos pasajes de guitarra. Un fascinante viaje de ida y vuelta que se torna más desgarrador. Con un buen manejo de coros y voces, la canción se estratifica pudiendo apreciar cada instrumento con nitidez.

Sin duda, ‘A SHADOW CALLED DANGER’ es un álbum variado y divertido, y los golpes de hard rock de ‘Connected by the Worst’ lo corroboran. A caballo entre momentos Rory Gallagher y desarrollos Wishbone Ash, el corte eleva su ritmo e intensidad hasta llevarnos a un espacio heavy-rock. En constante cambio de fisonomía, de la canción se retuerce en su sonido, mutando las armonías más pesadas y afiladas.  

‘Hollow’ se balancea sobre melodías retro con ganchos vocales y solos incisivos. Momentos proto-metal de muchos quilates, con una luminosidad atractiva. Una canción fresca que no renuncia a la esencia de la banda. Con riffs reconocibles recorre espacio que coquetean con el heavy-progresivo con un ritmo cadente pero firme. Con esa mirada al frente, consiguen ir activando las terminaciones nerviosas del oyente hasta tornarse más parsimonioso e incluso algo psicodélico por momentos. Un descanso que sirve para cabalgar por laderas en las que la épica se palpa en cada paso.

A golpe de heavy-blues y con ecos Wishbone Ash, ‘The Rich and the Poor’ nos sume en un trance chamánico lleno de fuerza. Oscuro y con los ecos de las bandas pesadas nórdicas de los 70’s muy presentes, la canción va tornándose más pesada en una exploración proto-metal con esos elementos progresivos que tan bien saben insertar con sutileza. Un conjunto que funciona y resulta fluido en su narrativa.

‘In This Town’ fue la primera canción que los franceses nos desvelaron de este nuevo trabajo. Un blues pesado y humeante en su apertura, que se sustenta en golpes de riffs rugosos y ásperos entre melodías oscilantes guiadas por un groovy cadente y preciso. Con pinceladas psico-progresivas, el tema recorre distintos espacios melódicos con sutiles y sugerentes coros ocasionales. Su nebulosa atmósfera vintage cambia el aspecto del corte, para hacerlo más progresivo. Una formula que funciona y con la que el oyente se despierta en un entorno diferente cada vez que cierra los ojos. Su sonido robusto se nutre de fuertes tambores y un bajo excelso que contrastan con el órgano pastoral. Porto-heavy, rock de siempre o llamalo como quieras, pero la canción consigue hacer volar la cabeza. Como broche final unos pasajes con cierto clasicismo y una melodía más propia de David Bowie, ponen la guinda al tema.  


Como epílogo, Sarabande es una canción que se va cociendo a fuego lento con un tono épico en su apertura. Con unas guitarras duales explorando atmósferas progresivas, la banda nutre de melancolía un corte con fantásticas melodías y una armonía más propia de los dinosaurios de los 70’s, dejando un final abierto a este nuevo capítulo.

DoctoR DooM

Ripple Music

BLACK FARM Records

Reseña: GAUPA.- Myriad’

Saliendo completamente de cualquier encasillamiento y superando incluso en calidad su anterior álbum ‘FEBERDRÖM’, los suecos GAUPA parecen dar un puñetazo en la mesa con su nuevo álbum ‘MYRIAD’. En este nuevo relato épico, la fantasía y la espiritualidad se desarrollan entre poderosos ritmos y unas seductoras melodías celestiales, con las que la banda, te hará despertar de cualquier sueño, invitándote a un maravilloso relato. Comandados por una línea de bajo que taladra la cabeza del oyente, unos tambores que suenan como el trueno en una noche de tempestad, una voz seductora, y rebosante de magnetismo, así como unas guitarras afiladas, GAUPA publica su mejor álbum hasta el momento. Un álbum en el que se percibe la madurez de una gran banda que sabe jugar con los elementos Stoner, el heavy-rock, el folk, lo progresivo, la psicodelia, y un sinfín de géneros, para componer unas magníficas canciones alejadas de cualquier estereotipo. Sin duda, estamos ante un álbum poderoso que pondrá a la banda en el punto de mira de mucha gente, para la que hasta ahora era desconocida. Usando los tiempos con destreza, la contundencia y monumentalidad de sus melancólicas atmósferas, crean unos fascinantes paisajes sonoros a los que no podrás resistirte. El registro lírico de su fascinante cantante  Emma Naslund, destaca en unas canciones que difícilmente se identificarán con un género concreto, porque, en ellas vive la versatilidad. A veces comparada BOJRK, Emma se erige como al alma mater de una banda sólida, que sabe arreglar sus canciones para que se muestren esplendorosas. Una exuberancia impregnada de fragancias lisérgicas y la crudeza de momentos hard & heavy rock, bajo cegadoras tormentas desérticas, son los mimbres de un abanico de estilos que podrías definir en cada canción. Con estos antecedentes, no resulta extraño que hasta el blues o incluso el soul, acudan a la ceremonia de la banda de la ciudad de Falun. No olvidemos el significado de GAUPA, ese misterioso gato salvaje de orejas puntiagudas, garras poderosas, mirada profunda y pelo aterciopelado. Una descripción que bien podría servir para definir las cualidades de la banda. Porque GAUPA son así, y sus canciones contienen elementos compositivos sobre los que podrás recostarte apreciando su ternura, una fuerza desgarradora que te intimidará por momentos, y ese halo de misterio que te lleva a un entorno desconocido. Con ‘MYRIAD’, GAUPA se consagran como una banda a tener muy en cuenta en la escena pesada europea, ya que acaban de publicar un álbum sobresaliente y bastante poco convencional. Solo me queda invitarte a entrar en este cuento de misterio, para que te dejar llevar y descubras un mundo lleno de gratificantes sensaciones.

‘MYRIAD’ está disponible vía Nuclear Blast.


Abriendo de una forma arrolladora, los briosos tambores y los fuertes riffs de ‘Exosekeleton’ nos hacen augurar que estamos ante un monstruo de álbum. Un bajo que te machaca una y otro vez va impulsando un corte pesado como el plomo y que conjuga elementos Stoner, con tonos de heavy rock y una seductora voz lírica. Toda una estampida que nos lleva a un plácido paseo por prados verdes en una atmósfera progresiva que va in crescendo hasta convertirse en un demoledor huracán. Impetuoso y difuso, el sonido de los suecos contiene un sin fin de elementos, que hacen que la canción se enriquezca sin perder sus genes. Una portentosa percusión, unos riffs hilarantes, unido a voz dulce y un bajo monstruoso, completan un corte brutal.

Impulsado por una fornida línea de bajo ‘Diametrical Enchantress’ gravitan entre el blues el soul y el rock de siempre. Su poderoso sonido se alimenta de infecciosos y afilados riffs que contrastan con la seductora voz. Un tempo cadente va ondulando marcado por el sonido de las cuatro cuerdas con elementos progresivos. Un corte vibrante, luminoso y pesado a la vez.

En una espacio suave y relajante ‘Moloken’ nos susurra con una seductora voz y un ritmo pausado. Oscuro y con un aura de misterio, el tema no necesita demasiado en eclosionar entre crujientes riffs elevando el tono vocal. Su lírica desgarradora aflora entre suaves pasajes que acaban por envolvernos en una atmósfera densa y aterradora. Partiendo de una suavidad compositiva, la canción va tornándose más compleja en su armonía en una inclinación psico-progresiva.

‘RA’ se sitúa en un espacio entre el que el Stoner, el rock progresivo y la psicodelia cohabitan en armonía. Una canción poderosa que no renuncia a delicados pasajes auspiciados por la dulce y sentimental voz de su cantante. El tema pasa por distintos estados de ánimo sin perder un ápice de fuerza, desde los pasajes más suaves a los momentos más tortuosos y pesados.

Desde la pausa y dulzura, ‘Elden’ se desarrolla en una tenue atmósfera desde la que una fascinante y susurrante voz llena de encanto nos hipnotiza perturbando nuestros sentidos, haciéndonos partícipe de su hechizo. Aturdidos por la potente línea de bajo, la lírica poética colorea con su sensualidad unos acordes de tintes clásicos en una conjunción melódica con tintes de misterio y oscuridad. Consiguiendo sumergir al oyente en este terrorífico escenario la canción se eleva majestuosa con esa voz lírica más propia de los cantos de sirena. Un sortilegio de vocación ocultista, que parece llamar a alguna divinidad con su melodía. Solos impactantes y la profundidad melódica habitando en un espacio lisérgico y aturdidor. Un corte oscuro, lleno de épica.  

‘My Sister Is A Very Angry Man’ se recrea en contagiosos sonidos hard-rock potente con un aroma añejo. Con un gran frenesí rítmico, la banda nos lleva al foco de la canción. Un vodevil salvaje en el que el blues se asoma a la ventana para impregnar de un groovy retro el auditorio central del corte. Idas y venidas, siempre bajo magnéticos ritmos, hacen que el corte se estira y se afloje con destreza para activar la capacidad sensorial del oyente. Sin darte cuenta estás sumido en una espiral de la que resulta difícilmente salir. Groovy, cambios de ritmos, pesadez y vientos desérticos son en esta ocasión los argumentos para conquistarnos.

Suaves y exóticos acordes una cautivadora voz son el punto de partida de ‘Sömnen’. Un canto ceremonial empapado en sentimiento a través de las estrofas hechizantes de una voz portentosa. Una bella canción que nos susurra entre acordes acústicos de una guitarra que exhuma magia en cada nota. Cuidadas y delicadas melodías son teñidas de sentimientos en una hermosa canción mística.

La psicodelia espacial nos acerca a ‘Mammon’ para demostrar la variedad de registro que nos pueden ofrecer GAUPA. Desarrollándose en un nebuloso espacio arropado por una neblina lisérgica, la sacerdotisa mayor de la mayor expande sus plegarias antes de que la bestia aparezca. Tambores ceremoniales y cantos desgarrados invocan a las fuerzas de este misterioso entorno. Retomando la fórmula de taladran las neuronas del oyente entre polvos narcóticos, la dualidad bajo-batería socava la capacidad del oyente. Un sonido denso y plomizo, que contrarresta lo liviano de su melodía. Un yin yan efectivo que la banda parece tener en sus genes. Encaminando a un territorio más propio del psycho-doom, el corte explora sinuosas cavernas entre vapores psicotrópicos. Una combinación atractiva, construida con unos cuidados arreglos y cambios de ritmo en el momento oportuno. La canción precipita en us parte final en una explosión de aturdidores riffs pesados que estiran la cuerda hasta el infinito.

GAUPA

Nuclear Blast 

Reseña: SAMSARA BLUES EXPERIMENT.- ‘Demos & rarities’

Para todos aquellos que pensaron que SAMSARA BLUES EXPERIMENT era cosa del pasado, nos llega este material inédito de la banda en forma de nuevo álbum. ‘DEMOS & RARITIES’, como su nombre indica, recoge material viejo de la banda alemana para satisfacción de sus incondicionales. Estos surcos muestran todos los elementos por los que SAMSARA BLUES EXPERIMENT reclutó un fiel ejército de seguidores hace unos años. Su propuesta psicodélica con elementos de los 70’s, y riffs pesados, quedan patentes en unas canciones que ahora se liberan del polvo para ver la luz. Desde el anuncio de su final como banda, sus fans quedamos huérfanos de un sonido personal, único y difícilmente inigualable, por lo que este álbum es todo un regalo para todos aquellos que amamos a la banda. Desde su traslado a Brasil, el inquieto Christian, cantante, guitarra y artífice de la banda, ha estado rescatando del olvido algunas grabaciones del pasado, así como nuevas canciones que fueron publicadas bajo el nombre de FUZZ SAGRADO, su nueva versión en solitario de SBE. Su extensa creatividad es un filón que no debemos dejar en el olvido, y que de cuando en cuando, debemos recuperar, porque estas canciones ofrecen una versión diferente, y nos permiten comprobar como evolucionaron realmente las primeras ideas compositivas de la banda antes de plasmarlas en sus discos. Con la mayoría de ellas pertenecientes a su mítico álbum de 2010, ‘LONG DISTANCE TRIP’, pero también con algunas canciones que nunca fueron publicadas en disco, las primeras ideas antes de ser definitivamente arregladas para su publicación, las tenemos aquí. Alguna de ellas, habituales de sus directos, pueden ser reconocibles, pero lo más importante es sentir la esencia, sus genes y su vocación psicodélica, ya que SAMSARA BLUES EXPERIMENT es ya una de las leyendas de la música pesada psicodélica del nuevo siglo.  Siempre nos quedará la esperanza de que algún día la banda regrese de nuevo, pero imagino que eso es un solo un sueño, aunque, a veces, los sueños se hacen realidad, ¿quién sabe?. Pero eso, que seguramente será una quimera, no debe influirnos a la hora de degustar sus canciones en estado puro , con este nuevo álbum.

‘DEMOS & RARITIES’ está disponible vía World in sound.

Perteneciente a su álbum ‘LONG DISTANCE TRIP’ de 2021, ‘Sygnata mystic queen demo’ se desarrolla entre tonos orientales aportando misticismo a su propuesta psicodélica. Guitarras flotantes acompañan un ritmo cadente que se toma su tiempo para elevarse mientras la banda nos sumerge en un bosque lisérgico. Un diabólico trabajo de guitarra nos sume en este trance a lo largo de 8 minutos de vibraciones heavy-psych de manual. Este es el sonido reconocible de una banda que fue referente de la escena tiempo atrás. El corte se desarrolla entre las espesas nebulosas auspiciadas por el grueso sonido del bajo. El corte mantiene la tensión y se nutre de bellos y chamánicos pasajes vocales en su parte central evocadores de los mejores momentos de la banda.   Sin duda la canción muestra a SBE en estado puro. Una banda psicotrópica y pesada a la vez que sabe combinar estos estados de ánimo con sumo acierto.

El exotismo de los aromas orientales de ‘Double freedom demo’ (también publicada en ‘LONG DISTANCE TRIP’) nos sume en un trance místico en el que gratificantes pasajes psicodélicos nos masajean. Guitarras, sitar y una atmósfera nebulosa sirven de soporte para una canción en la que también aparecen fornidos riffs. Su lento transitar recorre bellos escenarios sonoros provocando una gratificante sensación de sosiego. Su oscuro espacio sonoro se nutre de largos desarrollos acompañados por un ritmo cadente y multitud de efectos envolventes. Mirando de reojo a los sonidos de los 70’s SSE desarrollan todo su potencial psicotrópico bajo una leve cadencia progresiva y algunos elementos más propios del stoner. Este es el sonido con el que la banda se ha significado desde su nacimiento, y aquí podemos comprobar esos primeros pasos a lo largo de trece minutos mágicos en los que la pesadez y lo liviano conviven en armonía con aura trascendental.

‘Red rooster jam live’ es uno de los temas que jamás había aparecido en un álbum de SAMSARA BLUES EXPERIMENT, pero que la banda si había interpretado en sus directos. Aquí aparece el sonido más lisérgico y experimental de la banda en improvisaciones lisérgicas sumamente hechizantes. Rock ácido, efectos, ritmos palpitantes, y una sensación de ‘viaje de L.S.D’ a un espacio envolvente y mutante en el que todo puede suceder. Mas de siete minutos de la primera época de una banda que ya maravillaba al mundo con su sonido.

A continuación, otra canción inédita, ‘’Back to life’. En ella aflora el sonido más pesado y contundente de los alemanes. A caballo entre el Stoner más rugoso y el proto-metal, los riffs golpean con fuerza auspiciados por unos poderosos tamborés. Su grueso sonido y su dinámica alternativa ofrecen la otra cara de la banda, un espacio en el que la acidez también está presente para crear la atmósfera nebulosa y lisérgica, pero, sobre todo, la fuerza y la rabia de una joven banda que quiere comerse el mundo.

‘For the lost souls demo’, también estaba incluida en el ya legendario álbum ‘LONG DISTANCE TRIP’. La canción conjuga elementos doom con fuertes golpes de Stoner y una indudable vocación heavy psych. Con un sonido crudo, los ecos del proto-metal de los 70’s se siente en este vibrante y primitivo corte lleno de fuerza y tonos épicos. Una canción arrolladora que se ba gestando a fuego lento desde su apertura psicodélica para ir a batallar a un espacio en el que la fuerza es la protagonista, como queda reflejado en sus pesados momentos con ahora a otros tiempos.

Con otra mirada sobre el resultado original, ‘Singata mystic queen acoustic’ como su propio nombre nos desvela, presenta una versión refinada y onírica de la ya célebre canción de SAMSARA BLUES EXPERIMENT. Un incesante zumbido nos guía en este mantra sonoro con exóticos pasajes y un sonido místico e introspectivo que expandirá tu mente como guía para encontrar esa paz interior.

En una versión acústica reducida a 4 minutos, ‘Double freedom acoustic demo’ conjuga el punto de partida de una canción que finalmente vió la luz con 24 minutos de duración. Una intimista propuesta en la que los exóticos acordes orientales del sitar nos sumen en otro trance relajante y emocional.

Nuevamente en tonos acústicos, la versión que aparece en el álbum de la canción ‘Wheel of lide demo’ refleja los primeros pasos de esta, sin los logrados arreglos que luego aparecieron en el álbum ‘LONG DISTANCE TRIP’. Otra mirada a la misma cara desde un ángulo ligeramente diferente que nos da idea de cómo evolucionó.

‘All is one demo’ es otra de las canciones inéditas que aparecen en el álbum. De nuevo el sitar como argumento para crear una canción suave y rebosante de belleza y espiritualidad, algo, que fue una seña de identidad en el nacimiento de la banda, porque no solo la psicodelia pesada y los riffs rugosos eran parte de la banda, sino que su facilidad para llevarnos de viaje a remotos entornos era uno de sus principales avales, Así queda reflejado en este corte acústico lleno de espiritualidad.

‘Signata retro queen’ pone el cierre con lo parece un extracto de algo menos de un minuto, con ambientación de sonido de pájaros y una breve narración en tono bucólico sobre acordes acústicos.

World in Sound

Reseña: C C QUEEN.- ‘Scavenger’

Dos años después de su EP debut ‘NANCY’ sigue plasmando sus emociones, sus sueños y sus fantasmas en un fascinante álbum en el que la psicodelia aromática se adorna con tenues elementos progresivo en una atmósfera melancólica. Porque ‘SCAVENGER’ nos muestra un universo singular en el que una cálida voz en línea LEONARD COHEN, nos susurra transmitiendo un sinfín de sentimientos encontrados. Un viaje alucinante presidido por una tristeza que se palpa en cada acorde. El buen trabajo compositivo se refleja en canciones que transmiten al oyente un estado de ánimo gobernado por la tristeza. Si bien el sonido de CC QUEEN es sumamente personal, también encontramos el legado de PINK FLOYD en alguna de sus atormentadas canciones. Balanceándose suavemente, este emotivo álbum, nos arrulla poniendo banda sonora al silencio y a una reflexiva soledad. Sin estridencias, las canciones fluyen grácilmente saliendo de la pausa para elevar su intensidad con golpes de fuerza y pesadez, en un escenario en el que el romanticismo muestra su mejor versión. Sin duda, ‘SCAVANGER’ no es un álbum para elevarte el ánimo ni para incitarte al baile, pero si para sumirte en un gratificante sueño a la luz de las velas. Imaginación, creatividad y talento unidos para componer un magnífico y alucinante álbum que, a buen seguro, te sorprenderá.

El álbum arranca con ‘Common sense’ Una canción marcada por la cálida voz de su cantante y guitarra. Un susurro de voz quebrada que es acompañado por cadentes pasajes con tonos psicodélicos.

‘Anarchy opmne’ nace de acordes acústicos para ir mutando a un perturbador entorno lisérgico en el que todo se vuelve turbio y difuso.

Introducido por una especie de cantos ceremoniales más propios de la tradición budista, ‘Scavernger part- 1’ se nutre de pasajes recitados y una suave instrumentación en una enigmática atmósfera. Sin elevar su intensidad el corte contiene pasajes progresivos con un aire de teatralidad.

Ubicados en el sosiego, ‘True’ y su pausada voz se adorna con acordes de guitarra que van revoloteando con dulzura con notable tono floydiano. Recuerda algunos momentos de ‘The Wall’ y entenderás de lo que hablo.

Con mas de ocho minutos ‘Many years’ con unos atractivos tambores y el sonido de los teclados cambian el estilo sin renunciar a ese escenario oscuro y sugerente. Sin estridencias el tema se adorna con diversas melodías comandadas por la cautivadora voz.  Manteniendo la pausa en la mayor parte del corte, éste eclosiona en la parte final con riffs ásperos y pesados sin perder su espíritu.

En un tono más experimental ‘Scavernger part- 1’ se recrea en el sonido del piano para envolvernos en un aura de romanticismo. Aquí la melancolía nos atrapa entre hermosas melodías. Una canción triste y cálida repleta de sentimiento.

‘Litanies’ nos nuestra a los franceses en un curioso espacio progresivo que se elva majestuosos y con un aura perturbadora. En sus ondulaciones aparecen unos fantásticos pasajes de guitarra auspiciados por una rica pero tenue instrumentación.  Un desgarrador corte psico-progresivo que refleja la desazón de una triste historia. En esta canción encontramos los momentos mas pesados y turbadores del álbum insertados con mesura.

CC QUEEN se atreven con una curiosa e irreconocible versión de ‘Basket case’ de GREEN DAY. Olvídate de la fuerza de su potente melodía porque aquí la melancolía reina en un modo más propio de Leonard Cohen. Curioso.

‘Zarof’ prosigue con una fórmula que funciona. Cálida voz susurrante envuelta en un halo de melancolía con elementos psicodélicos y algún embiste progresivo.

En ‘Cannibalism’ persisten las suaves melodías empapadas en fragancias de psicodelia exótica. A paso lento el corte borbotea entre efectos envolventes creando una atmósfera completamente lisérgica. Un cadente caminar que cuenta con esa seductora voz empapada en melancolía exhumando aterciopelados pasajes. De nuevo, los momentos floydianos afloran dando brillo a otra canción dócil y sugerente.

Con una delicada brisa jazzera, ‘Delicious’ nos acaricia suavemente con su relato. Atormentados pasajes recitados se alternan con ese estilo Cohen tan característico. Otro corte romántico y rico en sentimientos que la banda consigue transmitir al oyente.

CC QUEEN