Reseña: PALE PREACHER.- ‘Sadness Makes Me Less Unkind’

Salimos de la zona de confort de la psicodelia y los sonidos pesados para adentrarnos en una apuesta diferente, pero no por ello exenta de calidad. A modo de paréntesis entre los numerosos álbumes stoner, doom, y sobre todo psiodélicos, os presentamos ‘SADNESS MAKES ME LESS UNKIND’. Es el primer álbum de PALE PREACHER, nombre artístico de Francisco Galacho, cantante y  guitarrista de los malagueños THE BLACKBERRY CLOUDS. Con este trabajo en solitario, el autor profundiza como compositor e intérprete en las influencias ya patentes en la segunda etapa de su banda madre, iniciada con en 2021 con ‘Dry Wind‘ , primer LP en el que asumió el rol de cantante y compositor principal, y continuada con ‘Blood on her Boots’ en 2016 y ‘Farewell Songs‘ (2018), estos dos últimos publicados por Clifford Records.
Por un lado, es música inspirada  en las roots americanas, con predilección por el country y el folk, y con artistas como Townes Van Zandt o el Johnny Cash de las American Recordings como referencias; por otro, en el rock alternativo de bandas como The Sadies o Hugo Race & the True Spirit, que parten de esas “raíces” para abrir nuevas vías musicales. Siendo el compositor y ejerciendo de multi-instrumentista, Francisco ha podido dar rienda suelta a su creatividad, mostrando una mayor querencia por la experimentación e interés por explorar distintos registros y estilos. Su eclecticismo nos traslada a parajes del medio-oeste con las raices de la música americana, el blues, el country, alguna pincelada psicodélica e incluso algún tema en el que el gospel aporta la luz a álbum que nace de la oscuridad. Un ejercicio auto-reflexivo en el que el dark-folk contemporáneo se traslada desde las praderas y humerales del sur de Estados unidos hasta el sur de España creando un álbum ecléctico pero completamente cautivador.
Se inicia con el rock psicodélico en su tema ‘Dungeon’, que nos recuerda a Gene Clark o incluso Julian Cope. Un tema en el que deja patente la potencia de su cálida y susurrante voz acompañado de coros femeninos aportados por la cantane de los también malagueños EVILDOG, aportando la dulzura en un corte luminoso pero deja espacio a una atmósfera algo psicodélica con ecos West-Coast.

Instalado en su apuesta folk rock de “Sorrow, Thanks”, tal vez el tema más cercano a la faceta compositiva de Francisco en THE BLACKBERRY CLOUDS y en el que incluso colabora la banda. Trasladandonos a las praderas del medio oeste, el corte se desarrolla entre suaves acordes de raíces americana y alguna pincelada country. El tema ofrece pasajes más intensos y elaborados.

‘Are You Gone?’ es un tema acústico y consolida el lado más crooner del cantante. Con un registro vocal entre Johnny Cash y Leonard Cohen, la canción se sustenta en esos pasajes cantados con gran sentimiento en una oscura atmósfera más propia de un loner-folk de comienzos de los setenta.

Daddy Walked in Darkness’ original de Hoyt Axton, un corte desgarrado y casi industrial que navega entre brumas pantanosas con el blues presente en sus acordes. El sonido de la armónica nos traslada a los humerales sureños. Lleno de fuerza el tema, con una minimalista instrumentación usa distintas referencias estilísticas con un brillante resultado.

Explorando un escenario entre el dark-folk y el country, ‘Train is a-Running’ se viste de oscuridad con arrancadas de fuerza en las que la épica hace acto de presencia. Otro tema profundo en el que los acordes de guitarra se envuelven en un manto que impide la entrada de la luz.

Auto reflexivo e intimista, ‘Preacher on the Bench of Blows’ es el espacio perfecto para que la voz de Francisco brille bajo una sutil instrumentación acústica aportada por la guitarra y acordes de piano.

‘(Aaaaaah) Jesus is no Longer’ es góspel acústico en el que contrasta la dulzura de la melodía con el nihilismo de la letra. Casi en un escenario christian-rock, la espiritualidad se adorna con el sonido slide que nos acerca al country-blues. Los coros eclesiásticos aportan cuerpo a una redentora canción que transmite esperanza. Aquí el country más acaramelado aflora entre sonidos de violín y una cadencia que evoca las raíces del norte del viejo continente. Un tema se transforma, sonando como si estuviera compuesto a finales de los sesenta en alguna cuneta de una larga recta de la ruta 66.

Por último el disco se cierra con la cautivadora y atmosférica ‘Ballad of Will Hurt’. Un oscuro corte de dark-folk al uso de los nuevos tiempos con unos genes country en su interior. Sentimiento en estado puro con leves pinceladas de guitarra y piano y un claro sentimiento de melancolía que se palpa en cada estrofa.

Mención especial merecen las cuidadas letras de las canciones, algo no muy habitual en un disco español de rock cantando en inglés y que nos hablan con sinceridad de culpa y redención, de huida y soledad pero también de amor y hedonismo. Francisco Galacho se ha hecho cargo de la mayoría de los instrumentos, grabando voces, guitarras acústicas y eléctricas, bajo, banjo, piano, órgano y programando y tocando percusiones. En el disco han colaborado Francis Barba (guitarra eléctrica), Frank Mora (bajo y contrabajo) y Juan Illo (batería) compañeros en THE BLACKBERRY CLOUDS y que aportan la calidad habitual en sus interpretaciones. Son más novedosas la colaboraciones del productor Máximo Ruiz tocando guitarra, órgano y armónica, de Luz Prado con el violín y muy especialmente la de Victoria Villa (cantante de Evildog) que aporta un valioso contrapunto a la voz de Francisco en la mitad de los temas. El disco ha sido producido durante el otoño de 2020 por Francisco Galacho Máximo Ruiz, quien también se ha hecho cargo de la grabación, mezcla y masterización en su Hollers Analog Studio, como viene siendo habitual desde el primer encuentro con ‘Dry Wind‘. Tal vez sea la colaboración entre ambos más satisfactoria hasta la fecha, con una producción más madura e imaginativa. La fotografía ha corrido a cargo de Rocío Moreno y el diseño y maquetación por Manolo Luque. ‘SADNESS MAKES ME LESS UNKIND’ está disponible vía Clifford Records.

Pale Preacher

Clifford Records

Reseña: ESTHER ANN GOVE.- ‘Oh Creation’

No es demasiado habitual que me aventure a reseñar álbumes de estas características, pero el debut de ESTHER ANN GOVE, lo merece. ’OH CREATION’ es su álbum debut de la californiana, y en él nos ofrece siete bellas canciones de dark-folk llenas de sentimiento, tristeza y melancolía. Su portentosa y mágica voz, hace que nos sintamos partícipes de las experiencias que narra. Canciones que ponen la piel de gallina al oyente, con sus versos y los suaves acordes de su guitarra.  A través del cautivador arte de sus canciones y la inclinación por los giros dramáticos, así como la escasa instrumentación, consigue atrapar al oyente en un relato descriptivo de sus vivencias y emociones. Los pequeños pueblos y los bosques entre los que se crio en su infancia sirven de inspiración para componer los temas de ‘OH CREATION’. A través de sencillos acústicos marca un camino de regreso a la naturaleza para ésta, nos acaricie con su suave brisa. Su inspiración como compositora bebe de nombres como Gillian Welch, Jason Molina o Townes Van Zandt. Su voz caoba con su cálido registro, retumba en nuestros corazones con sus paisajes salvajemente evocadores de un estado de ánimo. El folk tenue y sus tonos desérticos, son un aliciente para el oyente se olvide de todo durante cerca de cuarenta minutos llenos de magia, sentimiento y melancolía.

Con ilustraciones de Miguel Mesa (Mountaineer), en ‘OH CREATION’ cuenta con  colaboración de Isaac Rigler (DAXMAMountaineer) en la guitarra eléctrica, Clayton Bartholomew (Mountaineer) en la guitarra acústica y Jessica Tung (DAXMA) en el violín.

‘Oh creation’ abre el álbum con un sosegado ambiente de oscuridad. Sencillos acordes de guitarra acompañan pasajes vocales llenos de sentimiento entre la melancolía y la tristeza. Ann consigue transmitir sus sentimientos con gran facilidad y su cálida y mágica voz. 

Con ‘Ghost’ parece describir la soledad del desierto y las montañas que inspiran sus canciones. En esta ocasión se acompaña de suaves coros líricos que arropan su aterciopelada voz con algún acompañamiento más sinfónico. Un tema gris que nos sume en la añoranza.

Con un sonido más country, ‘Buried’ se llena de lírica. Como un susurro la brisa tórrida nos acaricia con dulzura en una atmósfera de soledad con algún claro-oscuro en su desarrollo. Usando una armonía que repite, su voz flota sobre cada acorde creando una emotiva atmósfera.

‘The Gilded Table’ nos sume en la melancolía con sus bucólicos pasajes. Un tema minimalista en que vuelve a dejar patente que su portentosa voz sabe trasmitir el olor del ambiente rural que inspira sus canciones. El tema aumenta su intensión desde su sigiloso comienzo hasta una parte final más atormentada.

Los siete minutos de ‘Fate’ son un compendio de melodías serpenteantes con algodonados pasajes. Si en todos los temas sabe conjugar el protagonismo de su voz con la guitarra, aquí los acordes quedan en un segundo plano, sin perder por completo su función.

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Reseña: MATHER.- ‘This is the underground’

El debut de los griegos MATHER es uno de esos álbumes que de vez en cuando se me quedan estancados en la bandeja de entrada. Pero en una primera escucha hace meses, fue un trabajo que me llegó profundamente. Tras un tiempo olvidado en la carpeta de pendientes la edición en formato vinilo por parte del sello Violence in The Veins, hace que retome con gusto esa tarea pendiente. Pocos álbumes en los últimos tiempos ha podido ofrecerme una variedad de registros como éste. Desde sus trances liberadores de los sentidos, los chamánicos espacios llenos de un misticismo inquietante, o la aspereza de sus pesados riffs, son todo un aliciente para descubrir a otra nueva banda salida de la fértil escena pesada griega.  

Canciones ricas en texturas que siempre encuentran una salida con la que sorprendernos. Unas cuidadas composiciones que toman elementos de distintos estilos para crear un ‘todo’ diferente en cada tema, haciendo que cada canción sea una experiencia única. Sería difícil definir el sonido predominante en ‘THIS IS THE UNDERGROUND’, pero sin duda las reverberaciones psicodélicas, los cuidados desarrollos progresivos (seguramente soporte de todo) y la crudeza de sus riffs, hacen que estemos ante uno de los álbumes más interesantes de los últimos meses. Coqueteando con momentos COLOUR HAZE, con pasajes más propios de PINK FLOYD, con momentos PORCUPINE TREE, eN espacios del medio oeste en línea ALL THEM WITCHES, con sus chamánicos rituales doorsianos o con sus crujientes riffs Stoner-doom más propios de 1.000 MODS, MATHER consigue que sus temas funcionen y nos enganchen sin remisión en sus surcos. Unos surcos que reflejan la gran calidad que tienen estos chicos y la maestría a sus instrumentos, haciendo que todas las piezas encajen en el complejo puzle sonoro que es este álbum. Seguramente me quedaría con calificativo de progresivo para definir en una palabra su sonido, pero, sin duda no se queda solo en eso, de ahí su grandeza. Letras que versan tanto de temas existenciales como la religión y el paso del tiempo, hasta cuestiones de la vida cotidiana como pueden ser las relaciones humanas o incluso el arte y la pintura.

MATHER es un cuarteto de Patras, Grecia, formado en 2017, que rápidamente generó gran revuelo por su dinamismo en directo. MATHER comenzó como proyecto cuando John (guitarra, voz), Leon (bajo) y Aizen (batería) empezaron a tocar juntos a finales de 2017. Unos meses después, la banda ya estaba participando en numerosos festivales locales. En el invierno de 2018, MoonLoop (sintetizadores, voces) se unió a la banda y los cuatro comenzaron a trabajar en su álbum debut mientras seguían tocando en festivales. Después de muchas reuniones y jams, ediciones, partes y canciones recién compuestas, la banda finalizó las pistas y estaba lista para grabar su álbum debut, ‘THIS IS THE UNDERGROUND’. En enero de 2020 comenzaron el proceso de grabación en NoiseBox Studio con el ingeniero de sonido Sakis Bastas tras la mesa. En abril del mismo  año se completó el álbum. La banda estaba ansiosa por tocar y promocionarlo en vivo, pero desafortunadamente las numerosas restricciones provocadas por la pandemia del Covid cambiaron sus planes.

Tras la breve introducción de ‘Om’ en la que nos llevan a un mágico escenario de psicodelia desértica, con sus magnéticos acordes envolventes, ‘Recoil’ se desarrolla en una fusión en la que parecen juntarse en una encrucijada Colour Haze, Pink Floyd y The Doors. Un bello tema con arropado por un órgano vintage y una chamánica voz que acaba por hechizarnos. Pausa y psicodelia reconfortante van creando una atmósfera lisérgica en un insondable espacio en el que la fuerza de los riffs nos seduce bajo una rica instrumentación. Un tema bien construido que se eleva majestuosos para internarse en un bosque mágico en el que la psicodelia el espacio ideal para desarrollarse de la mejor manera posible. Solos ácidos en un entorno con distintas texturas sonoras que muta según avanza. Una canción que por sí misma hace que este álbum ya merezca la pena.  Todo un trance narcótico liberador de nuestros sentidos.

Bajo una atmósfera más propia del medio oeste, los acordes acústicos de ‘A Night To Remember, a day to Forget’ cambian el aspecto del sonido de los griegos. El tema evoluciona desde su aspecto casi folk con su cálida voz, para volverse más luminoso y rítmico Engrosando su sonido, las voces y coros se yuxtaponen mientras todo se trasforma para llevarnos a un espacio de Stoner arenoso. No estamos ante un corte de sonido convencional, ya que, a pesar de tener elementos ortodoxos, se adorna con ese mágico órgano que hace que su aspecto cambie, mostrándonos distintos sonidos. En su parte central el tema reposa en suaves acordes que van describiendo un espacio apacible en el que la psicodelia se inclina a un espacio más progresivo. Con solo dos temas, se puede apreciar el abanico de registros que utilizan MATHER para dar cuerpo y versatilidad a su sonido. Silencioso y susurrante, la canción flota en narcóticos pasajes que suavizan nuestros sentidos creando una sensación de relajación y bienestar. Así, su parte final nos sorprender con ensoñadoras melodías con coros celestiales antes de una explosión de fuerza con riffs mas pesados. Aquí todo se acelera en una fusión de psicodelia, Stoner e incluso post-rock, creando un monumental y épico epílogo.

Después de los casi diez minutos anteriores, el folk con tonos de americana baja las revoluciones en ‘Give in’. Perturbadores pasajes con esa cálida y penetrante voz que se clava en nuestros sentidos. Un tema acústico en el que una sencilla armonía acompaña a la voz, como verdadera protagonista, y Que me evoca a algunos momentos All Them Witches.

Sympathy For The Gods’ parte de melancolía con voces que se superponen entre si bajo una tenue luz transmitiendo una sensación de desasosiego. Evolucionando hacia una atmosfera más turbia, los efectos de los sintetizadores y la repetición de estrofas intercaladas transmiten una sensación perturbadora y oscura. A modo de tragedia griega el tema nos sume en un espacio gris con un sonido que se va tornando más difuso y pesado con un final explosivo que tiene a postulados casi doom antes de despeñarse por un torrente de crujientes riffs.

Con sus casi trece minutos y postulándose como el tema mas largo del álbum, ‘Co​-​Lapse’ parte de un escenario post-rock con suaves acordes de teclado que se van difuminando para dejar espacio a la guitarra. Casi en tonos pastorales, la cálida voz y los angelicales coros se van mezclando con un espacio más propio de Pink Floyd en una atractiva combinación que conjuga el misticismo con una atmósfera psico-progresiva. Tras la calma inicial una explosión sónica se eleva aupada por el penetrante sonido de su idílico órgano. Aquí nos vemos inmersos en un jardín progresivo mucho más ortodoxos con aterciopelados pasajes entre registro vocales mucho más dulces. Leves pinceladas jazz aparecen entre los cadentes y acogedores acordes para crean un marco sinfónico de gran belleza. Una vez mas se repite la máxima de que cuando más largo es un tema, más oportunidades le ofrece a la banda de mostrar su verdadero potencial. Sin tiempo para el aburrimiento el corte atraviesa mil meandros con constantes giros en su trama y sonido. Tanto envolventes riffs creando monumentales pantallas de sonido, un bajo hipnótico e incisivo y la guitarra llenándose de color. Tonos funky, pasajes folk, y un sinfín de influencias sonoras se ven reflejadas en otro maravilloso corte de los griegos. La canción se diluye en su parte final a un escenario más psicodélico, sin perder su esencia progresiva.

‘Engine’ cierra el álbum entre sonidos experimentales y ácidos solos de guitarra. ‘THIS IS THE UNDERGROUND’ nos ha dejado patente que el cuarteto se desenvuelve bien tanto en la psicodelia pesada, como en el Stoner, lo progresivo e incluso en el dark-folk. Aquí su grueso sonido juega sin voces a combinar su lado más tosco sin desdeñar los efectos de los psicotrópicos. Sus oscuros pasajes se adornan con un exotismo misterioso e inquietante. Una leve concesión en un tema que vuelve a crujir con ásperos riffs  Stoner-doom.

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Reseña: SAMSARA JOYRIDE.- ‘Samsara Joyride’

Si eres amante del blues psicodélico, no deberías pasar por alto este fantástico debut. Dicen que quien tiene magia no necesita trucos, y sin ninguna duda estos dos desconocidos la tienen. Uno de mis objetivos cuando comencé mi aventura en DenpaFuzz era el poder descubrir y dar a conocer nuevas bandas y hace unos días me encontré con el primer trabajo de una banda austriaca con el nombre de SAMSARA JOYRIDE, un EP que cumple con esa premisa. Solo fueron necesarios unos minutos para darme cuenta de que estaba ante algo fantástico y lleno de pasión. Este es del tipo de trabajos con los que puedo sentirme más identificado, ya que la música que contienen estos intensos y profundos 37 minutos bien merece ser difundida para el deleite de todo aquel que se atreva darle al play. Seguramente no descubran nada que no se haya hecho antes, pero sus sencillas canciones logran conectar con el oyente, trasladándote a ese entorno imaginario en el que las praderas solitarias del medio oeste parecen ser su fuente de inspiración, y eso, al margen del estilo del que hablemos, es todo un tesoro que cualquiera debería apreciar. Si bien se trata de una grabación casera, la calidad del sonido es sobresaliente, no en vano estos chicos dan prioridad al poder seductor de transmitir sentimientos y sensaciones, prescindiendo de ningún tipo de sobreproducción, aquí todo es pureza. Su contenido son cinco temas de blues psicodélico en los que la dupla de guitarras lleva todo el peso. Si a eso unimos una voz cautivadora, la tormenta perfecta está servida. Sus bellas y suaves melodías toman elementos del medio-oeste, bien sea en momentos acústicos o bien sea en los pasajes eléctricos más ácidos. Una conjunción que bien podría estar a caballo entre J.J. Cale y All Them Witches con los que podemos encontrar numerosas coincidencias estilísticas. Aquí nada resulta impostado, lo que nos lleva apercibir con suma facilidad todos los sentimientos que los austriacos tratan de transmitir. Canciones oscuras y melancólicas en las que no faltan momentos de pesadez gracias a algún aditamento más propio del stoner. Estamos ante una magnifica carta de presentación que espero solo sea el preludio de una exitosa carrera.  Buceando por el ciberespacio no he podido encontrar más información al respecto de la banda distinta de la que figura en su página de bandcamp. De allí se deduce que todas las canciones han sido escritas e interpretadas por los austriacos y el álbum grabado en su mismo hogar.

SAMSARA JOYRIDE son: Michael Haumer (guitarra solista, base y coros), Florian Miehe (guitarra rítmica y voz); acompañados a la batería por Jordan Mc Queen y por Laura Fishtenkamm a los coros.

‘16th district’ abre este maravillo debut con unos acordes acústicos predecesores de una experiencia incierta. Sin saber adónde nos van a llevar los alemanes, la duda queda resuelta con la aparición de una cálida voz entre elementos psicodélicos. Sin darnos cuenta aparecemos en un escenario más propio de medio oeste. Una fusión de elementos propios de J.J. Cale con las vibraciones de bandas como All Them Witches nos sitúan en un escenario rural en el que los instrumentos aparecen con elegancia y sutileza. Si bien el tema se soporta en la guitarra acústica, las incursiones eléctricas y un cadente ritmo van construyendo y corte más propio del dark-folk. Cuidadas melodías con un cierto acento blues se superponen. Toda transcurre con suavidad en este susurrante pero cautivador corte. Pasada la mitad del corte la guitarra se muestra esplendorosa con finos y estilistas solos psyco-blues. Una estructura sencilla acaba por crear un tema lleno de belleza que nos acaricia con delicadeza en un ambiente en el que se conjuga la oscuridad la melancolía, pero, por otro lado, también la esperanza. Sus ocho minutos acaban por dejarme relajado y expectante sobre el resto de contenido del trabajo.
Con mucho más vigor, pero sin perder ese aroma a 70’s y medio oeste, los punzantes solos de guitarra de ‘Shadow of a man’ siguen bebiendo del blues recubierto de tonos lisérgicos. Sin la pesadez stoner de algunos momentos de la banda de Nashville, el legado de All Them Witches parece continuar presente. Momentos más contundentes se apropian de la canción golpeando una y otra vez en una estructura perfectamente diseñada. En la parte central el tema se decanta por un escenario mucho más psicodélico usando el slide de la guitarra y creando una eclosión sonora mucho más tupida. La voz continúa derramando sentimientos con registros entre desgarradores sin perder su calidez. Distintos giros hacen que el corte acabe encabritándose en su parte final. Una huida hacia adelante con duros riffs que son rasgueados una y otra vez produciendo un efecto cautivador.
Nuevamente el blues rural regresa en las cuerdas de la guitarra acústica. ‘Why i play the blues’ es un nombre lo suficientemente evidente como para no tener dudas de su contenido. El blues del Delta aparece en los instrumentos de los alemanes. Suave y profundo cada solo se alarga afilado hasta la extenuación mientras el ritmo parece arrullarnos en un canto gratificante lleno de seducción. Sí, es un blues al uso, pero la habilidad de la guitarra y la sugerente voz hacen que toda mi atención se centre en unos acordes más propio de cualquier bluesmen de plantación sureña. Combinando la sencillez de J.J. Cale, con una guitarra más ácida que la del músico de Oklahoma, el corte se desarrolla sobre una armonía que es coloreada por el virtuosismo y técnica de su guitarrista, auténtico baluarte del sonido de la banda.  
‘Stranger’ nos ofrece un cierto giro a un espacio más psicodélico sin perder de vista el blues pesado. Cantos solitarios con la mirada puesta en el horizonte entre efluvios lisérgicos salidos del blues omnipresente.  El tema se desarrolla, al igual que el resto de este debut, con una pausa envolvente. Todo se desarrolla sin ninguna prisa, pero siempre bajo un hechizante sonido. La grave voz de  Florian Miehe se adereza en esta ocasión con los coros replicantes. Esas fantásticas voces habitan entre desarrollos de guitarra que se ven seducidos por el blues más lisérgico en un arrucho atrayente y de lo más reconfortante. Sus nueve minutos son el espacio perfecto para comprobar todo el potencial compositivo que tienen los austriacos. Susurrante, cálido y mágico el tema consigue hacer partícipe al oyente de su narrativa.

En una línea parecida ‘Safe & sound’ incide en el blues narcótico. EL buen uso con el que se combinan las voces, esta vez con una melodía más pegadiza son complementados con esas notas profundas de la guitarra. Un ritmo algo más vivaz no es obstáculo para que el tema genere un clima de relajación y confort como pocos. Puro sentimiento y punteos bien encajados son acompañados de una batería siempre plácida y contenida. Relax y momentos para la introspección sugieren una escucha con luz tenue para percibir todo el sentimiento que contiene la canción.  

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Reseña: MAUD THE MOTH.- “Orphnē”

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Siempre he sido de la opinión de que tanto en la vida como en la música, debemos de salir de nuestra zona de confort. El nuevo álbum de MAUD THE MOTH, (tercero de su discografia) es un claro ejemplo de las maravillas que puedes encontrarte si sales de escuchar la misma música siempre y te aventuras en nuevas propuestas distintas a las que estas acostumbrado. En “ORPHNE” no vas a encontrar ritmos pesados, ni solos afilados, ni ecos desérticos, pero si te vas encontrar con un álbum intimista e introspectivo lleno de sensibilidad que puede depararte algo mas de media hora muy placentera. Un álbum creado sin incidir sobre un género concreto, pero tratando de generar el ambiente idóneo para transmitir emociones y acercarnos a un mundo mágico e irreal en temas atmosféricos con cuidados elementos decorativos. Cualquier ornamento es válido para que las canciones escapen de la tradición estructural del pop y progresen como evocadores cuentos que beben estéticamente del jazz, la música clásica contemporánea, el avant garde, el soul y, más en espíritu que en forma, del metal. Siempre bajo una apacible atmósfera de oscuridad, los temas fluyen delicados, sensuales y llenos de emotividad gracias a una prodigiosa voz que se hace acompañar de los elementos justos para que nada parezca sobrecargado ni impostado.  “ORPHNE” es un álbum intimista, bello pero a su vez perturbador y sobre todo es el perfecto escaparate para descubrir la prodigiosa voz de Amaya, el verdadero pilar de este trabajo

Nacido en 2010 como el proyecto en solitario de la autora madrileña Amaya López-CarromeroMAUD THE MOTH ha evolucionado a través de varias formaciones pero siempre con el piano como elemento estructural en torno al cual se enroscan y crecen las capas y texturas vocales. 

“ORPHNE” (Ὀρφνή) u “oscuridad”, era una ninfa mítica que habitaba en el submundo de la antigua mitología griega. Este término comparte raíz lingüística con la palabra “huérfano” (ὀρφανός), que originalmente significa sin padre, afligido o desolado. Al vincular ambos términos, “ORPHNE” reflexiona sobre el desarraigo y la identidad brumosa de una mujer desterrada y fragmentada. Los papeles tradicionales de la familia y el apoyo familiar se consideran una luz que está ausente o se ha agotado, lo que fomenta un sentimiento de desolación y alienación de la sociedad.

Las elecciones estéticas en la composición, la letra y los arreglos están fuertemente inspirados en el romanticismo tardío, el art-deco y el surrealismo, como la Isla de los Muertos de Böcklin, las Metamorfosis de Segundo de Chomón, o las obras para piano de inspiración popular de Ravel. Orphnē escapa de lo mundano y se sumerge en un mundo fantástico y desconocido lo que pone los cimientos necesarios para una exploración del yo, el trauma, la pérdida y la parálisis emocional a través de la figura de la fábula.

El yo se define como algo eliminado del plano material que habita el mundo y el universo tal como lo concibieron los antiguos griegos, donde la tierra está encerrada en un firmamento y sostenida por los pilares de la tierra. El yo existe en un estado de ceguera e impotencia, pudiendo pasar a través de la porosa frontera del inframundo, que está a sólo unos metros bajo nuestros pies y no es exclusivo del reino de los muertos.

“Ecdypsis”  nos abre la puerta a una sal llena de clasicismo entre acordes de piano y violines entre bellas melodías de las que aflora la prodigiosa voz de Amaya. Bajo una atmósfera oscura predominante en todo el álbum y algún aroma mediterráneo se combinan elementos románticos llenos de fuerza con un cierto aire atormentado entre esa neblina sinfónica. 

Misterioso y casi minimalista, “The mirror door” se nutre de voces y coros susurrantes. Un canto melancólico tenue e intimista con una vocación atmosférica. 

A modo de interludio, “The stairwell” crea un misterioso ambiente narrativo entre registros líricos algo devocionales.  

“The abattoir” el sinfonismo se manifiesta sobre acordes llenos de un romanticismo clásico y una voz lírica que parte de la penumbra para abrirse paso a la luz. Intrigantes pasajes narrados contrastan con angelicales momentos de esa bella y bien trabajada voz. 

Entre una nebulosa inquietante a modo de apertura y atormentados pasajes de violín “Finisterrae” deja volar cual espectro las voces corales en un espacio algo tétrico del que aflora esa prodigiosa garganta bien arropada por sutiles coros con aires exóticos llegados de oriente con una instrumentación algo más intrincada. 

“As above, so below” es un canto lleno de la oscuridad omnipresente en todo el álbum. Nuevamente los juegos corales sobrevuelan la tenebrosa e inquietante instrumentación. 

Con una vocación jazz “Mormo as a well” conjuga ritmos más vivaces entre sus armonías clásicas. Un tempo diferente al resto de los temas, hace que me sienta confundido en un tema que por otro lado contiene una gran riqueza compositiva y que no termina de definir claramente su camino. 

El álbum cierra con “Epoxy bonds”, un tema que viven entre sombras y claros con una vocación de abrirse a la luz entre el profundo sonido de violines que ceden a armonías mas perturbadoras. 

“ORPHNE” es obra de Amaya López-Carromero (voces, piano, celeste, sintetizadores y percusión), Paúl González (batería), Guillaume Martin (guitarra), Alicia García (violín) e Iván Caramés (cello). La música y letra fue compuesta por  Amaya López-Carromero, los arreglos de cuerda fueron de Alicia García, correspondiendo los arreglos de batería a Paúl González y los de guitarra Guillaume Martin. Las baterias fueron grabadas por Jaime Gómez Arellano en Orgone studios, UK. Las voces y arreglos de cuerda se grabaron en Sonorous Studio (UK) por Amaya López-Carromero y Guillaume Martin y los pianos se grabaron en Reid Hall (UK)
El álbum fue mezclado y masterizado por Jaime Gómez Arellano en Orgone Studios 2019.
El arte de portada es obra de Charles Boisart correspondiendo el folleto interior a Anna Frigat.

“ORPHNE” está disponible vía La Rubia Producciones, Nooirax Producciones y Música Máxica.

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