Reseña: MATHER.- ‘This is the underground’

El debut de los griegos MATHER es uno de esos álbumes que de vez en cuando se me quedan estancados en la bandeja de entrada. Pero en una primera escucha hace meses, fue un trabajo que me llegó profundamente. Tras un tiempo olvidado en la carpeta de pendientes la edición en formato vinilo por parte del sello Violence in The Veins, hace que retome con gusto esa tarea pendiente. Pocos álbumes en los últimos tiempos ha podido ofrecerme una variedad de registros como éste. Desde sus trances liberadores de los sentidos, los chamánicos espacios llenos de un misticismo inquietante, o la aspereza de sus pesados riffs, son todo un aliciente para descubrir a otra nueva banda salida de la fértil escena pesada griega.  

Canciones ricas en texturas que siempre encuentran una salida con la que sorprendernos. Unas cuidadas composiciones que toman elementos de distintos estilos para crear un ‘todo’ diferente en cada tema, haciendo que cada canción sea una experiencia única. Sería difícil definir el sonido predominante en ‘THIS IS THE UNDERGROUND’, pero sin duda las reverberaciones psicodélicas, los cuidados desarrollos progresivos (seguramente soporte de todo) y la crudeza de sus riffs, hacen que estemos ante uno de los álbumes más interesantes de los últimos meses. Coqueteando con momentos COLOUR HAZE, con pasajes más propios de PINK FLOYD, con momentos PORCUPINE TREE, eN espacios del medio oeste en línea ALL THEM WITCHES, con sus chamánicos rituales doorsianos o con sus crujientes riffs Stoner-doom más propios de 1.000 MODS, MATHER consigue que sus temas funcionen y nos enganchen sin remisión en sus surcos. Unos surcos que reflejan la gran calidad que tienen estos chicos y la maestría a sus instrumentos, haciendo que todas las piezas encajen en el complejo puzle sonoro que es este álbum. Seguramente me quedaría con calificativo de progresivo para definir en una palabra su sonido, pero, sin duda no se queda solo en eso, de ahí su grandeza. Letras que versan tanto de temas existenciales como la religión y el paso del tiempo, hasta cuestiones de la vida cotidiana como pueden ser las relaciones humanas o incluso el arte y la pintura.

MATHER es un cuarteto de Patras, Grecia, formado en 2017, que rápidamente generó gran revuelo por su dinamismo en directo. MATHER comenzó como proyecto cuando John (guitarra, voz), Leon (bajo) y Aizen (batería) empezaron a tocar juntos a finales de 2017. Unos meses después, la banda ya estaba participando en numerosos festivales locales. En el invierno de 2018, MoonLoop (sintetizadores, voces) se unió a la banda y los cuatro comenzaron a trabajar en su álbum debut mientras seguían tocando en festivales. Después de muchas reuniones y jams, ediciones, partes y canciones recién compuestas, la banda finalizó las pistas y estaba lista para grabar su álbum debut, ‘THIS IS THE UNDERGROUND’. En enero de 2020 comenzaron el proceso de grabación en NoiseBox Studio con el ingeniero de sonido Sakis Bastas tras la mesa. En abril del mismo  año se completó el álbum. La banda estaba ansiosa por tocar y promocionarlo en vivo, pero desafortunadamente las numerosas restricciones provocadas por la pandemia del Covid cambiaron sus planes.

Tras la breve introducción de ‘Om’ en la que nos llevan a un mágico escenario de psicodelia desértica, con sus magnéticos acordes envolventes, ‘Recoil’ se desarrolla en una fusión en la que parecen juntarse en una encrucijada Colour Haze, Pink Floyd y The Doors. Un bello tema con arropado por un órgano vintage y una chamánica voz que acaba por hechizarnos. Pausa y psicodelia reconfortante van creando una atmósfera lisérgica en un insondable espacio en el que la fuerza de los riffs nos seduce bajo una rica instrumentación. Un tema bien construido que se eleva majestuosos para internarse en un bosque mágico en el que la psicodelia el espacio ideal para desarrollarse de la mejor manera posible. Solos ácidos en un entorno con distintas texturas sonoras que muta según avanza. Una canción que por sí misma hace que este álbum ya merezca la pena.  Todo un trance narcótico liberador de nuestros sentidos.

Bajo una atmósfera más propia del medio oeste, los acordes acústicos de ‘A Night To Remember, a day to Forget’ cambian el aspecto del sonido de los griegos. El tema evoluciona desde su aspecto casi folk con su cálida voz, para volverse más luminoso y rítmico Engrosando su sonido, las voces y coros se yuxtaponen mientras todo se trasforma para llevarnos a un espacio de Stoner arenoso. No estamos ante un corte de sonido convencional, ya que, a pesar de tener elementos ortodoxos, se adorna con ese mágico órgano que hace que su aspecto cambie, mostrándonos distintos sonidos. En su parte central el tema reposa en suaves acordes que van describiendo un espacio apacible en el que la psicodelia se inclina a un espacio más progresivo. Con solo dos temas, se puede apreciar el abanico de registros que utilizan MATHER para dar cuerpo y versatilidad a su sonido. Silencioso y susurrante, la canción flota en narcóticos pasajes que suavizan nuestros sentidos creando una sensación de relajación y bienestar. Así, su parte final nos sorprender con ensoñadoras melodías con coros celestiales antes de una explosión de fuerza con riffs mas pesados. Aquí todo se acelera en una fusión de psicodelia, Stoner e incluso post-rock, creando un monumental y épico epílogo.

Después de los casi diez minutos anteriores, el folk con tonos de americana baja las revoluciones en ‘Give in’. Perturbadores pasajes con esa cálida y penetrante voz que se clava en nuestros sentidos. Un tema acústico en el que una sencilla armonía acompaña a la voz, como verdadera protagonista, y Que me evoca a algunos momentos All Them Witches.

Sympathy For The Gods’ parte de melancolía con voces que se superponen entre si bajo una tenue luz transmitiendo una sensación de desasosiego. Evolucionando hacia una atmosfera más turbia, los efectos de los sintetizadores y la repetición de estrofas intercaladas transmiten una sensación perturbadora y oscura. A modo de tragedia griega el tema nos sume en un espacio gris con un sonido que se va tornando más difuso y pesado con un final explosivo que tiene a postulados casi doom antes de despeñarse por un torrente de crujientes riffs.

Con sus casi trece minutos y postulándose como el tema mas largo del álbum, ‘Co​-​Lapse’ parte de un escenario post-rock con suaves acordes de teclado que se van difuminando para dejar espacio a la guitarra. Casi en tonos pastorales, la cálida voz y los angelicales coros se van mezclando con un espacio más propio de Pink Floyd en una atractiva combinación que conjuga el misticismo con una atmósfera psico-progresiva. Tras la calma inicial una explosión sónica se eleva aupada por el penetrante sonido de su idílico órgano. Aquí nos vemos inmersos en un jardín progresivo mucho más ortodoxos con aterciopelados pasajes entre registro vocales mucho más dulces. Leves pinceladas jazz aparecen entre los cadentes y acogedores acordes para crean un marco sinfónico de gran belleza. Una vez mas se repite la máxima de que cuando más largo es un tema, más oportunidades le ofrece a la banda de mostrar su verdadero potencial. Sin tiempo para el aburrimiento el corte atraviesa mil meandros con constantes giros en su trama y sonido. Tanto envolventes riffs creando monumentales pantallas de sonido, un bajo hipnótico e incisivo y la guitarra llenándose de color. Tonos funky, pasajes folk, y un sinfín de influencias sonoras se ven reflejadas en otro maravilloso corte de los griegos. La canción se diluye en su parte final a un escenario más psicodélico, sin perder su esencia progresiva.

‘Engine’ cierra el álbum entre sonidos experimentales y ácidos solos de guitarra. ‘THIS IS THE UNDERGROUND’ nos ha dejado patente que el cuarteto se desenvuelve bien tanto en la psicodelia pesada, como en el Stoner, lo progresivo e incluso en el dark-folk. Aquí su grueso sonido juega sin voces a combinar su lado más tosco sin desdeñar los efectos de los psicotrópicos. Sus oscuros pasajes se adornan con un exotismo misterioso e inquietante. Una leve concesión en un tema que vuelve a crujir con ásperos riffs  Stoner-doom.

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Reseña: SAMSARA JOYRIDE.- ‘Samsara Joyride’

Si eres amante del blues psicodélico, no deberías pasar por alto este fantástico debut. Dicen que quien tiene magia no necesita trucos, y sin ninguna duda estos dos desconocidos la tienen. Uno de mis objetivos cuando comencé mi aventura en DenpaFuzz era el poder descubrir y dar a conocer nuevas bandas y hace unos días me encontré con el primer trabajo de una banda austriaca con el nombre de SAMSARA JOYRIDE, un EP que cumple con esa premisa. Solo fueron necesarios unos minutos para darme cuenta de que estaba ante algo fantástico y lleno de pasión. Este es del tipo de trabajos con los que puedo sentirme más identificado, ya que la música que contienen estos intensos y profundos 37 minutos bien merece ser difundida para el deleite de todo aquel que se atreva darle al play. Seguramente no descubran nada que no se haya hecho antes, pero sus sencillas canciones logran conectar con el oyente, trasladándote a ese entorno imaginario en el que las praderas solitarias del medio oeste parecen ser su fuente de inspiración, y eso, al margen del estilo del que hablemos, es todo un tesoro que cualquiera debería apreciar. Si bien se trata de una grabación casera, la calidad del sonido es sobresaliente, no en vano estos chicos dan prioridad al poder seductor de transmitir sentimientos y sensaciones, prescindiendo de ningún tipo de sobreproducción, aquí todo es pureza. Su contenido son cinco temas de blues psicodélico en los que la dupla de guitarras lleva todo el peso. Si a eso unimos una voz cautivadora, la tormenta perfecta está servida. Sus bellas y suaves melodías toman elementos del medio-oeste, bien sea en momentos acústicos o bien sea en los pasajes eléctricos más ácidos. Una conjunción que bien podría estar a caballo entre J.J. Cale y All Them Witches con los que podemos encontrar numerosas coincidencias estilísticas. Aquí nada resulta impostado, lo que nos lleva apercibir con suma facilidad todos los sentimientos que los austriacos tratan de transmitir. Canciones oscuras y melancólicas en las que no faltan momentos de pesadez gracias a algún aditamento más propio del stoner. Estamos ante una magnifica carta de presentación que espero solo sea el preludio de una exitosa carrera.  Buceando por el ciberespacio no he podido encontrar más información al respecto de la banda distinta de la que figura en su página de bandcamp. De allí se deduce que todas las canciones han sido escritas e interpretadas por los austriacos y el álbum grabado en su mismo hogar.

SAMSARA JOYRIDE son: Michael Haumer (guitarra solista, base y coros), Florian Miehe (guitarra rítmica y voz); acompañados a la batería por Jordan Mc Queen y por Laura Fishtenkamm a los coros.

‘16th district’ abre este maravillo debut con unos acordes acústicos predecesores de una experiencia incierta. Sin saber adónde nos van a llevar los alemanes, la duda queda resuelta con la aparición de una cálida voz entre elementos psicodélicos. Sin darnos cuenta aparecemos en un escenario más propio de medio oeste. Una fusión de elementos propios de J.J. Cale con las vibraciones de bandas como All Them Witches nos sitúan en un escenario rural en el que los instrumentos aparecen con elegancia y sutileza. Si bien el tema se soporta en la guitarra acústica, las incursiones eléctricas y un cadente ritmo van construyendo y corte más propio del dark-folk. Cuidadas melodías con un cierto acento blues se superponen. Toda transcurre con suavidad en este susurrante pero cautivador corte. Pasada la mitad del corte la guitarra se muestra esplendorosa con finos y estilistas solos psyco-blues. Una estructura sencilla acaba por crear un tema lleno de belleza que nos acaricia con delicadeza en un ambiente en el que se conjuga la oscuridad la melancolía, pero, por otro lado, también la esperanza. Sus ocho minutos acaban por dejarme relajado y expectante sobre el resto de contenido del trabajo.
Con mucho más vigor, pero sin perder ese aroma a 70’s y medio oeste, los punzantes solos de guitarra de ‘Shadow of a man’ siguen bebiendo del blues recubierto de tonos lisérgicos. Sin la pesadez stoner de algunos momentos de la banda de Nashville, el legado de All Them Witches parece continuar presente. Momentos más contundentes se apropian de la canción golpeando una y otra vez en una estructura perfectamente diseñada. En la parte central el tema se decanta por un escenario mucho más psicodélico usando el slide de la guitarra y creando una eclosión sonora mucho más tupida. La voz continúa derramando sentimientos con registros entre desgarradores sin perder su calidez. Distintos giros hacen que el corte acabe encabritándose en su parte final. Una huida hacia adelante con duros riffs que son rasgueados una y otra vez produciendo un efecto cautivador.
Nuevamente el blues rural regresa en las cuerdas de la guitarra acústica. ‘Why i play the blues’ es un nombre lo suficientemente evidente como para no tener dudas de su contenido. El blues del Delta aparece en los instrumentos de los alemanes. Suave y profundo cada solo se alarga afilado hasta la extenuación mientras el ritmo parece arrullarnos en un canto gratificante lleno de seducción. Sí, es un blues al uso, pero la habilidad de la guitarra y la sugerente voz hacen que toda mi atención se centre en unos acordes más propio de cualquier bluesmen de plantación sureña. Combinando la sencillez de J.J. Cale, con una guitarra más ácida que la del músico de Oklahoma, el corte se desarrolla sobre una armonía que es coloreada por el virtuosismo y técnica de su guitarrista, auténtico baluarte del sonido de la banda.  
‘Stranger’ nos ofrece un cierto giro a un espacio más psicodélico sin perder de vista el blues pesado. Cantos solitarios con la mirada puesta en el horizonte entre efluvios lisérgicos salidos del blues omnipresente.  El tema se desarrolla, al igual que el resto de este debut, con una pausa envolvente. Todo se desarrolla sin ninguna prisa, pero siempre bajo un hechizante sonido. La grave voz de  Florian Miehe se adereza en esta ocasión con los coros replicantes. Esas fantásticas voces habitan entre desarrollos de guitarra que se ven seducidos por el blues más lisérgico en un arrucho atrayente y de lo más reconfortante. Sus nueve minutos son el espacio perfecto para comprobar todo el potencial compositivo que tienen los austriacos. Susurrante, cálido y mágico el tema consigue hacer partícipe al oyente de su narrativa.

En una línea parecida ‘Safe & sound’ incide en el blues narcótico. EL buen uso con el que se combinan las voces, esta vez con una melodía más pegadiza son complementados con esas notas profundas de la guitarra. Un ritmo algo más vivaz no es obstáculo para que el tema genere un clima de relajación y confort como pocos. Puro sentimiento y punteos bien encajados son acompañados de una batería siempre plácida y contenida. Relax y momentos para la introspección sugieren una escucha con luz tenue para percibir todo el sentimiento que contiene la canción.  

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Reseña: MAUD THE MOTH.- “Orphnē”

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Siempre he sido de la opinión de que tanto en la vida como en la música, debemos de salir de nuestra zona de confort. El nuevo álbum de MAUD THE MOTH, (tercero de su discografia) es un claro ejemplo de las maravillas que puedes encontrarte si sales de escuchar la misma música siempre y te aventuras en nuevas propuestas distintas a las que estas acostumbrado. En “ORPHNE” no vas a encontrar ritmos pesados, ni solos afilados, ni ecos desérticos, pero si te vas encontrar con un álbum intimista e introspectivo lleno de sensibilidad que puede depararte algo mas de media hora muy placentera. Un álbum creado sin incidir sobre un género concreto, pero tratando de generar el ambiente idóneo para transmitir emociones y acercarnos a un mundo mágico e irreal en temas atmosféricos con cuidados elementos decorativos. Cualquier ornamento es válido para que las canciones escapen de la tradición estructural del pop y progresen como evocadores cuentos que beben estéticamente del jazz, la música clásica contemporánea, el avant garde, el soul y, más en espíritu que en forma, del metal. Siempre bajo una apacible atmósfera de oscuridad, los temas fluyen delicados, sensuales y llenos de emotividad gracias a una prodigiosa voz que se hace acompañar de los elementos justos para que nada parezca sobrecargado ni impostado.  “ORPHNE” es un álbum intimista, bello pero a su vez perturbador y sobre todo es el perfecto escaparate para descubrir la prodigiosa voz de Amaya, el verdadero pilar de este trabajo

Nacido en 2010 como el proyecto en solitario de la autora madrileña Amaya López-CarromeroMAUD THE MOTH ha evolucionado a través de varias formaciones pero siempre con el piano como elemento estructural en torno al cual se enroscan y crecen las capas y texturas vocales. 

“ORPHNE” (Ὀρφνή) u “oscuridad”, era una ninfa mítica que habitaba en el submundo de la antigua mitología griega. Este término comparte raíz lingüística con la palabra “huérfano” (ὀρφανός), que originalmente significa sin padre, afligido o desolado. Al vincular ambos términos, “ORPHNE” reflexiona sobre el desarraigo y la identidad brumosa de una mujer desterrada y fragmentada. Los papeles tradicionales de la familia y el apoyo familiar se consideran una luz que está ausente o se ha agotado, lo que fomenta un sentimiento de desolación y alienación de la sociedad.

Las elecciones estéticas en la composición, la letra y los arreglos están fuertemente inspirados en el romanticismo tardío, el art-deco y el surrealismo, como la Isla de los Muertos de Böcklin, las Metamorfosis de Segundo de Chomón, o las obras para piano de inspiración popular de Ravel. Orphnē escapa de lo mundano y se sumerge en un mundo fantástico y desconocido lo que pone los cimientos necesarios para una exploración del yo, el trauma, la pérdida y la parálisis emocional a través de la figura de la fábula.

El yo se define como algo eliminado del plano material que habita el mundo y el universo tal como lo concibieron los antiguos griegos, donde la tierra está encerrada en un firmamento y sostenida por los pilares de la tierra. El yo existe en un estado de ceguera e impotencia, pudiendo pasar a través de la porosa frontera del inframundo, que está a sólo unos metros bajo nuestros pies y no es exclusivo del reino de los muertos.

“Ecdypsis”  nos abre la puerta a una sal llena de clasicismo entre acordes de piano y violines entre bellas melodías de las que aflora la prodigiosa voz de Amaya. Bajo una atmósfera oscura predominante en todo el álbum y algún aroma mediterráneo se combinan elementos románticos llenos de fuerza con un cierto aire atormentado entre esa neblina sinfónica. 

Misterioso y casi minimalista, “The mirror door” se nutre de voces y coros susurrantes. Un canto melancólico tenue e intimista con una vocación atmosférica. 

A modo de interludio, “The stairwell” crea un misterioso ambiente narrativo entre registros líricos algo devocionales.  

“The abattoir” el sinfonismo se manifiesta sobre acordes llenos de un romanticismo clásico y una voz lírica que parte de la penumbra para abrirse paso a la luz. Intrigantes pasajes narrados contrastan con angelicales momentos de esa bella y bien trabajada voz. 

Entre una nebulosa inquietante a modo de apertura y atormentados pasajes de violín “Finisterrae” deja volar cual espectro las voces corales en un espacio algo tétrico del que aflora esa prodigiosa garganta bien arropada por sutiles coros con aires exóticos llegados de oriente con una instrumentación algo más intrincada. 

“As above, so below” es un canto lleno de la oscuridad omnipresente en todo el álbum. Nuevamente los juegos corales sobrevuelan la tenebrosa e inquietante instrumentación. 

Con una vocación jazz “Mormo as a well” conjuga ritmos más vivaces entre sus armonías clásicas. Un tempo diferente al resto de los temas, hace que me sienta confundido en un tema que por otro lado contiene una gran riqueza compositiva y que no termina de definir claramente su camino. 

El álbum cierra con “Epoxy bonds”, un tema que viven entre sombras y claros con una vocación de abrirse a la luz entre el profundo sonido de violines que ceden a armonías mas perturbadoras. 

“ORPHNE” es obra de Amaya López-Carromero (voces, piano, celeste, sintetizadores y percusión), Paúl González (batería), Guillaume Martin (guitarra), Alicia García (violín) e Iván Caramés (cello). La música y letra fue compuesta por  Amaya López-Carromero, los arreglos de cuerda fueron de Alicia García, correspondiendo los arreglos de batería a Paúl González y los de guitarra Guillaume Martin. Las baterias fueron grabadas por Jaime Gómez Arellano en Orgone studios, UK. Las voces y arreglos de cuerda se grabaron en Sonorous Studio (UK) por Amaya López-Carromero y Guillaume Martin y los pianos se grabaron en Reid Hall (UK)
El álbum fue mezclado y masterizado por Jaime Gómez Arellano en Orgone Studios 2019.
El arte de portada es obra de Charles Boisart correspondiendo el folleto interior a Anna Frigat.

“ORPHNE” está disponible vía La Rubia Producciones, Nooirax Producciones y Música Máxica.

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Reseña: LORD BUFFALO.- “Tohu Wa Bohu”

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Embutidos en los sonidos del medio oeste los texanos LORD BUFFALO presentan un trabajo íntimo, cálido, oscuro. Marcados por la magnética y chamánica voz de Daniel Jesse Pruitt,  el dramatismo envuelve unos temas en los que los oscuros tonos folk nos trasladan a algún lugar imaginario en el medio oeste americano. “TOHU WA BOHU” es toda una catarsis sonora en la que podemos encontrar influencias de ALL THEM WITCHES, CHELSEA WOLF, SWANS, WOVENHAND, NICK CAVE, TOM WAITS o MARK LANEGAN. Psicodelia expansiva en línea DEAD MEADOW, shoegaze, y dark folk conjugado con vibraciones de música”americana”. Un trabajo cautivador que vive en la melancolía y en el que el desasosiego esta presente.  Sinfonismo impulsado por ese violín mágico y aterrador a su vez, entre tambores rituales y lánguidas pero cuidadas melodías. Un trabajo que habita sombrías y lúgubres atmósferas con momentos de caos controlado, pero que resulta emotivo y estimulante. Ofreciéndonos una experiencia inmersiva, sus desgarradores  e inquietantes momentos contrastan con susurrantes y densos pasajes llenos de belleza. Turbio y nebuloso, describe de una forma cautivadora la añoranza del medio oeste con una brillantez digna de elogio. No se si será un álbum que que llame la atención de mucha gente, pero sin duda, aquel que se se atreva a experimentar en sus surcos, se verá atrapado por ellos. La habilidad para que cada tema tenga vida propia, es otra de las características a destacar en un álbum en el todo encaja y fluye, de una forma dramántica e inquietante, pero a su vez mágica.

TOHU WA BOHU”  está disponible vía Blues Funeral Recordings, habiendo sido grabado en Lockhart, TX con el productor Danny Reisch (Chelsea Wolfe, Okkervil River) y masterizado por Dave Shirk (Mastodon, Sun Ra). 

“Razie” se muestra atmosférico y sinfónico describiendo grises estancias en línea Chelsea Wolf. Evolucionando pausado entre efectos la mesiánica y cálida voz de Daniel Jesse Pruitt surge de la neblina. Tonos teatrales que combinan la calma con el desasosiego. Entre distintas capas sonoras el corte goza de una pesadez en sus entrañas a pesar del aspecto liviano con el que se muestra. Atormentado y con momento casi nosie con ondulaciones en los que se engrandece elevándose majestuoso para decantarse por senderos ya transitados por bandas como All Them Witches. Siempre bajo una penumbra sugerente e inquietante a la vez.  El uso de los violines le dota de un cierto tono de romanticismo sobre sus pesados pasajes. 

Entre tonos tétricos los teclados son golpeados de forma hipnótica en “Wild hunt”. Reminiscencias de Traffic en los momentos iniciales, que acaban transformándose en un tema a caballo entre los estándares de música “americana” y espacios más propios de los citados All Them Witches. Habitando en la oscuridad intrínseca de todo el álbum, LORD BUFFALO se dejan seducir por chamánicos espacios de psicodelia expansiva entre espectrales espíritus que siempre mantienen ese punto de tensión. Los atormentados violines aportan ese tono atormentado tan característico. El tema toma mil formas dentro de su verdadera vocación melancólica. 

“Halle Berry” aporta momentos en los que la banda se deja llevar por el ritmo. La voz heredera del Nick Cave más tétrico deja espacio a un mayor protagonismo de la guitarra. Mientras, el inquietante ritmo se va inclinando hacia el blues tímidamente, sin abandonar las sombras el corte parece ofrecernos una faceta algo diferente a los temas precedentes. 

La calidad vocal de “Dog head”,  aparece entre melancólicas estampas del medio oeste. Húmeda y romántica, con el toque del piano y el violín en segundo plano, habitan entre pausas  abruptas y embestidas de una melancolía atormentada. La banda consigue crean ese clima de calidez entre la densa atmósfera. 

Con ritmos casi ceremoniales, “Tohu Wa Bohu”  los tambores sirven de yugo a la guitarra antes de su liberación junto a los violines. Usando las melodías con habilidad consiguen crear el tema mas pegadizo de todo el álbum. Sin salir del todo de los ambientes oscuros el marcado y profundo ritmo deja espacio a un estribillo contagioso entre la nebulosa sonora. Siempre en tonos grises y acompañados de efectos recurrentes el corte parece transmitir mas esperanza que los tristes y pesimistas temas anteriores. 

“Kenosis” con su delicada ambientación nos arrulla entre suaves pasajes. Unos teclados mas acogedores y el impertérrito ritmo de la batería, la murmurante voz se vislumbra entre narcóticos vapores con finas pieza armónicas. Con una sencilla instrumentación consiguen transmitir sentimientos de romanticismo gracias al gran trabajo sinfónico. el la parte final el corte se vuelve mas anarquico, rompiendo sus cadenas.  

Embutidos en un sonido más propio de los noventa “Heart of the snake”, con su hipnótico bajo y su oscura melodía nos ofrece un paseo por lúgubres paisajes, incorporando alguna buena guitarra entre la sencillez instrumental. 

El álbum cierra con un extraño corte como es “LLano etacado nº 2”. Turbio y envuelto en efectos, su ritmo hipnótico nos narcotiza con embriagadores pasajes llenos de fuerza con su disonancias instrumentales prescindiendo de la chamánica voz. 

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RESEÑA: OTUS.- “Ephemeral”

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Segundo trabajo de OTUS, el alter ego del vocalista y guitarra de AATHMA,  Juan Vigueras. Un trabajo en el que los sentimientos afloran de una manera desgarradora por toda la carga sentimental que contiene. Sentimientos producidos por el sufrimiento padecido por la dura enfermedad de su padre en sus últimos dias de vida en toda una experiencia vital. Un trabajo que refleja la oscuridad y el desasosiego de la soledad en temas fundamentalmente acústicos que van en la linea de figuras como Nick CaveNeil Young o PJ Harvey. La musica es uno de los principales canalizadores del arte y de la inquitudes del artista, “EPHEMERAL” es un fiel reflejo de esta afirmación logrando transmitir ese lúgubre estado de ánimo de Juan. De hecho el mismo cuenta: “Éste ha sido, sin lugar a dudas, el disco con el que más he sufrido, tanto en la composición como en la grabación del mismo… Hasta el punto en que, a día de hoy, ni siquiera sé si seré físicamente capaz de reproducirlo en directo por la carga sentimental que conlleva. Pero a pesar de ello creo que el resultado final ha merecido la pena”. lo cual resume a la perfección el contenido de unos temas tristes y profundos, pero llenos de calidad. Una propuesta diferente a la que estamos acostumbrados, pero que nos proporciona grandes momentos de gozo musical en un trabajo lleno de autenticidad, sin poses.  Si, es un álbum distinto en el que no hay grandes riffs, pero en el que todo está creado con gusto y esmero desde ese oscuro y tormentoso sosiego de la soledad.

Con una portada de nuestro querido Sergio Albert, “EPHEMERAL” fue grabado y mezclado por Carlos Santos (Hamlet, Toundra, Wormed…) en Sadman Studios y masterizado por Iván Ferro (Khmer, Ictus…) en Kollapse Stvdio. El trabajo ve la luz de la colaboración de los sellos Lengua Armada, Nooirax Producciones, Cosmic Tentacles, Odio Sonoro, La Choza, The Braves Records, Catábasis Records, Aladeriva, Barraks Promotions y VZQ.

Espacios folk acústicos encontramos en “And i’ll dig and i’ll dig”. Una cálida voz que rezumea sentimiento con un oscuro tono grunge. Desde la sencillez, Juan crea un tema en el que los sentimiento están a flor de piel. Desgarrador en sus voces, la acústica se envuelve en un manto envolvente que dotan de un aura psych al corte. Belleza profunda a pesar del desasosiego que transmite, lo cual es una constante en todos los temas del álbum. El resultado es que solo con una escucha nuestros vellos se erizan ante la gran carga emocional reflejada.

“Cross wrappen in thorns”, sigue esa linea con lánguidos pasajes que no abandonan la penumbra reflejando la calidad vocal. a paso lento, sin prisa, los acordes de guitarra sirven de sólida base para el desarrollo de un tema que se eleva majestuoso a escenarios de épica oscura y profunda. combinando elementos eléctrico, logra construir una oda monumental. Especialmente me atraen las hirientes guitarras que incorpora entre la nebulosa atmósfera.  El tema es un fiel reflejo de su desasosiego.

El legado de Nick Cave parece brillar en “The end of grace”, en esta ocasión con coros mas coloristas sobre lo rusticos acordes de su guitarra, adornada con ese omnipresente manto de oscuridad e incisivos momentos de sintetizador que le dan un toque algo mas inquietetante que los temas precedentes. La ecualización de la voz contribuye a esta sensación.

“Bight” parece inclinarse por escenario más propios de “americana”. Folk-rock que no pierde el registro pseudo grunge de su voz. Algo hipnótico gracias a sus repetitivos acordes, es el fiel reflejo de un desasosiego que finalmente se traduce en un canto de  esperanza ya que el tema parece mostrarse mas luminoso.

Supongo que es difícil meterse en la piel del músico, pero lo cierto es que con sus canciones consigue transmitir a la perfección un estado de ánimo , lo que es digno de elogio y respeto.

Zambulléndose en ese oscuro pozo, “Arcane ghost” prescinde de los pasajes acústicos para crear una atmósfera sombría y casi depresiva. Atormentadores pwsajes tétricos e incluso inquietantes son construidos con ritmos mas graves. siempre me ha parecido brillante la incorporación de elementos instrumentales eléctricos en un álbum evidentemente acústico y este tema refleja esta pensamiento. La guitarra final entre los efectos es simplemente brillante.

“A door in a remote cliff” es otro canto desgarrado sobre acordes acústicos y un aura que envuelve esa voz atormentada.en un registro diferente.  El traje de loner-folk se actualiza con oscuros e inquietantes ornamentos en los que la voz vuelve a ser completa protagonista.

Abandonando la letras en ingles, “Caballos en la nada”, cantado en español, sigue esa linea folk con la poesía en cada estrofa. Nostalgia y añoranza del pasado en una mirada hacia el futuro.

“EPHEMERAL” cierra con un tema extra en su edición CD  cantado en gallego, “Terra”. Efectos y nebulosas creadas por sintetizadores, crean un corte místico y trascendental. Sin salirse de la temática del álbum aquí no encontramos esa guitarra acústica que nos acompañaba en el resto de los temas. Pasajes atmosféricos y sintetizados envuelven la trascendental voz en otro oscuro tema.

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