Reseña: MATHER.- ‘This is the underground’

El debut de los griegos MATHER es uno de esos álbumes que de vez en cuando se me quedan estancados en la bandeja de entrada. Pero en una primera escucha hace meses, fue un trabajo que me llegó profundamente. Tras un tiempo olvidado en la carpeta de pendientes la edición en formato vinilo por parte del sello Violence in The Veins, hace que retome con gusto esa tarea pendiente. Pocos álbumes en los últimos tiempos ha podido ofrecerme una variedad de registros como éste. Desde sus trances liberadores de los sentidos, los chamánicos espacios llenos de un misticismo inquietante, o la aspereza de sus pesados riffs, son todo un aliciente para descubrir a otra nueva banda salida de la fértil escena pesada griega.  

Canciones ricas en texturas que siempre encuentran una salida con la que sorprendernos. Unas cuidadas composiciones que toman elementos de distintos estilos para crear un ‘todo’ diferente en cada tema, haciendo que cada canción sea una experiencia única. Sería difícil definir el sonido predominante en ‘THIS IS THE UNDERGROUND’, pero sin duda las reverberaciones psicodélicas, los cuidados desarrollos progresivos (seguramente soporte de todo) y la crudeza de sus riffs, hacen que estemos ante uno de los álbumes más interesantes de los últimos meses. Coqueteando con momentos COLOUR HAZE, con pasajes más propios de PINK FLOYD, con momentos PORCUPINE TREE, eN espacios del medio oeste en línea ALL THEM WITCHES, con sus chamánicos rituales doorsianos o con sus crujientes riffs Stoner-doom más propios de 1.000 MODS, MATHER consigue que sus temas funcionen y nos enganchen sin remisión en sus surcos. Unos surcos que reflejan la gran calidad que tienen estos chicos y la maestría a sus instrumentos, haciendo que todas las piezas encajen en el complejo puzle sonoro que es este álbum. Seguramente me quedaría con calificativo de progresivo para definir en una palabra su sonido, pero, sin duda no se queda solo en eso, de ahí su grandeza. Letras que versan tanto de temas existenciales como la religión y el paso del tiempo, hasta cuestiones de la vida cotidiana como pueden ser las relaciones humanas o incluso el arte y la pintura.

MATHER es un cuarteto de Patras, Grecia, formado en 2017, que rápidamente generó gran revuelo por su dinamismo en directo. MATHER comenzó como proyecto cuando John (guitarra, voz), Leon (bajo) y Aizen (batería) empezaron a tocar juntos a finales de 2017. Unos meses después, la banda ya estaba participando en numerosos festivales locales. En el invierno de 2018, MoonLoop (sintetizadores, voces) se unió a la banda y los cuatro comenzaron a trabajar en su álbum debut mientras seguían tocando en festivales. Después de muchas reuniones y jams, ediciones, partes y canciones recién compuestas, la banda finalizó las pistas y estaba lista para grabar su álbum debut, ‘THIS IS THE UNDERGROUND’. En enero de 2020 comenzaron el proceso de grabación en NoiseBox Studio con el ingeniero de sonido Sakis Bastas tras la mesa. En abril del mismo  año se completó el álbum. La banda estaba ansiosa por tocar y promocionarlo en vivo, pero desafortunadamente las numerosas restricciones provocadas por la pandemia del Covid cambiaron sus planes.

Tras la breve introducción de ‘Om’ en la que nos llevan a un mágico escenario de psicodelia desértica, con sus magnéticos acordes envolventes, ‘Recoil’ se desarrolla en una fusión en la que parecen juntarse en una encrucijada Colour Haze, Pink Floyd y The Doors. Un bello tema con arropado por un órgano vintage y una chamánica voz que acaba por hechizarnos. Pausa y psicodelia reconfortante van creando una atmósfera lisérgica en un insondable espacio en el que la fuerza de los riffs nos seduce bajo una rica instrumentación. Un tema bien construido que se eleva majestuosos para internarse en un bosque mágico en el que la psicodelia el espacio ideal para desarrollarse de la mejor manera posible. Solos ácidos en un entorno con distintas texturas sonoras que muta según avanza. Una canción que por sí misma hace que este álbum ya merezca la pena.  Todo un trance narcótico liberador de nuestros sentidos.

Bajo una atmósfera más propia del medio oeste, los acordes acústicos de ‘A Night To Remember, a day to Forget’ cambian el aspecto del sonido de los griegos. El tema evoluciona desde su aspecto casi folk con su cálida voz, para volverse más luminoso y rítmico Engrosando su sonido, las voces y coros se yuxtaponen mientras todo se trasforma para llevarnos a un espacio de Stoner arenoso. No estamos ante un corte de sonido convencional, ya que, a pesar de tener elementos ortodoxos, se adorna con ese mágico órgano que hace que su aspecto cambie, mostrándonos distintos sonidos. En su parte central el tema reposa en suaves acordes que van describiendo un espacio apacible en el que la psicodelia se inclina a un espacio más progresivo. Con solo dos temas, se puede apreciar el abanico de registros que utilizan MATHER para dar cuerpo y versatilidad a su sonido. Silencioso y susurrante, la canción flota en narcóticos pasajes que suavizan nuestros sentidos creando una sensación de relajación y bienestar. Así, su parte final nos sorprender con ensoñadoras melodías con coros celestiales antes de una explosión de fuerza con riffs mas pesados. Aquí todo se acelera en una fusión de psicodelia, Stoner e incluso post-rock, creando un monumental y épico epílogo.

Después de los casi diez minutos anteriores, el folk con tonos de americana baja las revoluciones en ‘Give in’. Perturbadores pasajes con esa cálida y penetrante voz que se clava en nuestros sentidos. Un tema acústico en el que una sencilla armonía acompaña a la voz, como verdadera protagonista, y Que me evoca a algunos momentos All Them Witches.

Sympathy For The Gods’ parte de melancolía con voces que se superponen entre si bajo una tenue luz transmitiendo una sensación de desasosiego. Evolucionando hacia una atmosfera más turbia, los efectos de los sintetizadores y la repetición de estrofas intercaladas transmiten una sensación perturbadora y oscura. A modo de tragedia griega el tema nos sume en un espacio gris con un sonido que se va tornando más difuso y pesado con un final explosivo que tiene a postulados casi doom antes de despeñarse por un torrente de crujientes riffs.

Con sus casi trece minutos y postulándose como el tema mas largo del álbum, ‘Co​-​Lapse’ parte de un escenario post-rock con suaves acordes de teclado que se van difuminando para dejar espacio a la guitarra. Casi en tonos pastorales, la cálida voz y los angelicales coros se van mezclando con un espacio más propio de Pink Floyd en una atractiva combinación que conjuga el misticismo con una atmósfera psico-progresiva. Tras la calma inicial una explosión sónica se eleva aupada por el penetrante sonido de su idílico órgano. Aquí nos vemos inmersos en un jardín progresivo mucho más ortodoxos con aterciopelados pasajes entre registro vocales mucho más dulces. Leves pinceladas jazz aparecen entre los cadentes y acogedores acordes para crean un marco sinfónico de gran belleza. Una vez mas se repite la máxima de que cuando más largo es un tema, más oportunidades le ofrece a la banda de mostrar su verdadero potencial. Sin tiempo para el aburrimiento el corte atraviesa mil meandros con constantes giros en su trama y sonido. Tanto envolventes riffs creando monumentales pantallas de sonido, un bajo hipnótico e incisivo y la guitarra llenándose de color. Tonos funky, pasajes folk, y un sinfín de influencias sonoras se ven reflejadas en otro maravilloso corte de los griegos. La canción se diluye en su parte final a un escenario más psicodélico, sin perder su esencia progresiva.

‘Engine’ cierra el álbum entre sonidos experimentales y ácidos solos de guitarra. ‘THIS IS THE UNDERGROUND’ nos ha dejado patente que el cuarteto se desenvuelve bien tanto en la psicodelia pesada, como en el Stoner, lo progresivo e incluso en el dark-folk. Aquí su grueso sonido juega sin voces a combinar su lado más tosco sin desdeñar los efectos de los psicotrópicos. Sus oscuros pasajes se adornan con un exotismo misterioso e inquietante. Una leve concesión en un tema que vuelve a crujir con ásperos riffs  Stoner-doom.

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Reseña: YAWNING MAN.- “Live at Giant Rock”

Quince años han pasado desde que los pioneros del desierto YAWNING MAN publicaron su primer álbum “Rock Formations”, y ahora por fin, los podemos ver en su hábitat natural. Toda una experiencia redentora inspirada en aquella grabación que hace décadas hiciera Pink Floyd en las ruinas de Pompeya. Con ese espíritu, se cumple un sueño de toda la vida: Capturar a YAWNING MAN actuando en el mismo ambiente que tanto inspiró su música. La oportunidad surgió en 2020 a partir de los desafíos que enfrentaron artistas y músicos durante la pandemia de Covid 19, el distanciamiento social que obliga a los artistas a adaptarse creativamente a alternativas para expresarse musical y visualmente. Así, en las primeras horas de la mañana del 18 de mayo de 2020 en el impresionante y misterioso paraje de Giant Rock en el desierto de Mojave la banda comenzó la grabación y filmación con dos únicos actores, la propia banda y el paisaje. Sin público la banda realiza sus meditaciones instrumentales en ese bello e inspirador entorno, un lugar al que ponen banda sonora de la mejor manera posible. Un espacio que a lo largo del tiempo ha atraído a nómadas nativos americanos, científicos, investigadores de ovnis y viajeros de todo el mundo, hechizados por su magnética energía espiritual. Las actuaciones de las bandas al aire libre son legendarias y este álbum-película es la primera representación ingeniosamente compuesta de esa experiencia. La música expansiva, atmosférica y cinematográfica de YAWNING MAN ha encontrado el lugar más apropiado para desarrollarse. Si en algo son maestros es precisamente en su capacidad para crear atmósferas, y aquí con sus cuatro jams lo consiguen una vez más. En el espacio donde probablemente más cómodos se sientan logran sacar lo mejor de sí mismos.

‘LIVE AT GIANT ROCK’ es un trabajo meditativo y que invita a la reflexión en una busca de la paz interior como gran parte de los trabajos de la banda y está disponible vía Heavy Psych Sounds en vinilo, CD y DVD.

A modo de perfecta banda sonora para el amanecer, ‘Tumbleweeds in the snow’ parece querer introducirnos a la luz del día con sus acordes. Un génesis que hace que el tema se vaya creando entre el magnetismo del bajo de Lalli, siempre poniendo el músculo y la destreza y belleza de la guitarra de Gary. Siempre creando esa atmósfera envolvente y protectora, estos chamanes del desierto consiguen reflejar en su música toda la inmensidad y soledad del desierto. Poniendo banda sonora al viento los efectos nos arrullan en canto redentor de lo mas gratificante. Belleza en cada acorde de estos quince minutos de jam instrumental en la que los californianos se rencuentran con su entorno natural.  La fornida línea del bajo custodia ese deambular por el yermo entorno en el que desarrollan su creatividad. Elevando la intensidad con sonidos más pesados crean una atmósfera psicodélica en la que la guitarra de Gary se estira en solos infinitos entre dinámicos ritmos de batería que van oscilada constantemente. Repetitivo, el tema en su parte final hace honor a lo que en realidad es una jam arenosa, envolvente y hechizante y rebosante de mística. En su parte final el incremento de los efectos aporta un aspecto espacial a un escenario desde el que el visionado del cosmos adquiere una particular dimensión.

‘The last summer eye’ con la mitad de duración que el tema anterior parece ofrecernos visión distinta de una única estampa. Sus primeros acordes casi doom, lentos y plomizos dejan rendijas para que la guitarra interfiera poniendo el contrapunto con acordes llenos de belleza. Hipnótico y con aires chamánicos nos envuelven con arenosos e interminables acordes en un ambiente intimista y casi triste. La desolación del entorno parece reflejarse en una composición que va mutando a un escenario casi post-rock. Entre efectos el tema se desboca por una senda libre en la que los tres músicos se dejan llevar por sus instintos. Incorporando elementos y sonidos espaciales el tema avanza si mirar a tras en busca del horizonte mediante hipnóticos pasajes. Seguramente muchas bandas post-rock quisieran tener la creatividad y técnica para realizar los desarrollos de estos moradores de las arenas.

Sumidos en un espacio más oscuro ‘Nazi synthesizer’ consigue equilibrar el tenebroso bajo con imposibles pasajes de guitarra para crear una atmósfera más pesada y aturdidora. Bajando paulatinamente la intensidad vuelven a construir una atmósfera meditativa que parece mirar al horizonte en su ocaso. Siempre con ese aura melancólica y lánguida aquí se muestran más aturdidores e inquietantes, pero a su vez llenos de magnetismo. Esa extraña habilidad para absorber al oyente con sus atmosféricos desarrollos queda patente nuevamente.

El álbum cierra con la jam más larga. Con sus casi dieciocho minutos divididos en dos partes “Blowhole sunrise/space finger”, llena de bellos acordes el desierto de Mojave. Una total paradoja en ese duro y hostil entorno, pero, en definitiva, YAWNING MAN, están en “su entorno”. En el espacio donde probablemente más cómodos se sientan logran sacar lo mejor de sí mismos. Interpretando libremente sus creaciones consiguen crear un mantra liberador en el que la música es la protagonista. Todo un ritual liberador que pasa por distintos estados de ánimo y en el que los efectos del peyote parecen apoderar por momentos del trio en un trance místico y redentor. Mágico y envolvente el tema parece atravesar una nueva dimensión sensorial para sumirnos en un nuevo mundo. Un entorno apacible y acogedor que no reniega del hipnotismo para atraernos en su interior. En su segunda mitad el tema explora otros sonidos con un incremento de la pesadez sin abandonar el hipnotismo. sumiéndonos por momentos en una espiral caótica de acordes repetitivos hasta llevarnos a un nuevo espacio místico en el que encontrarnos con espíritus ancestrales en una redención anímica.

Formados a fines de la década de 1980, la formación de Gary Arce, Mario Lalli y Bill Stinson completa su programa de giras y grabaciones activas de un año. Los antecedentes de Arce y Lalli juntos se remontan al comienzo de YAWNING MAN con antecedentes de Stinson empapado en el mundo de SST Records a través de presentaciones y grabaciones con Greg Ginn y Chuck Dukowski de Black Flag durante varios años. YAWNING MAN son reconocido en toda la comunidad de música heavy underground como una pieza clave en el desarrollo de los subgéneros del desert-rock. Mientras sus contemporáneos gravitaban hacia los pesados ​​riffs del grunge y el post punk, YAWNING MAN se inclinaron en otra dirección con sus composiciones cinematográficas únicas y orgánicas e improvisaciones psicodélicas … la banda sonora perfecta para abarcar la atmósfera espaciosa de paisaje lunar de las bien documentadas “generator parties” de su área a fines de la década de 1980. Fue en estas reuniones donde desarrollaron este estilo y sonido distintivo al encantar a los espectadores con sus aparentemente interminables sesiones instrumentales de forma libre, que resonaban en los hermosos desiertos, mesetas y paisajes del Valle de Coachella.

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Reseña: THE BLOODY MALLARD.- “Realm”

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Sin hacer mucho ruido, los británicos THE BLOODY MALLARD acaban de publicar su debut “REALM”. Uno de los mejores trabajos editados en este mes y en el que a través de siete cortes instrumentales, dejan patente la calidad del trío londinense. Con una pesada base rítmica y desarrollos monumentales que van desde las finas texturas post-rock, a sonidos hermanados con el metal, logran tejer un denso y bello tapiz sonoro que consigue atrapar al oyente.   Su líder y guitarrista Tom Walding, después de experimentar con melodías, ritmos y tonos que recordaban muchos viajes de setas en la zona rural de Kent, los segmentos sónicos finalmente se formaron en canciones que se convirtieron en el álbum,REALM”. Tras esto, cualquiera se podría preguntar: ¿A que suena realmente esa experiencia?. La respuesta bien podría ser: A sonido que evoca la pesadez de bandas como YOB o ELDER, con la finura estilística de PINK FLOYD, la experimentación de KING CRIMSON aderezado con un cierto aroma rural evocador de ancestrales relatos de cuentos y leyendas. Un bosque sonoro en el que los efectos de los hongos mágicos se sienten a través de la psicodelia subyacente conjugándose con la belleza floral de los pasajes progresivos y post-rock, en unas atmósferas que por momentos se oscurecen para acercan a la banda a las cavernas doom. Un resultado armónico que pasa por distintas fases, desde lo inquietante a lo reconfortante sin perder su eclecticismo. Sus cuidadas y elaboradas melodías  nunca parecen construidas al azar, de hecho, cada canción evoluciona con giros y ondulaciones que cambian su vocación para enriquecer cada armonía y conseguir un sonido orgánico que fluye con naturalidad entre múltiples poliritmos haciendo que los temas se compacten.  Un trabajo dinámico que hace que los temas se engrandezcan en su avance, pero siempre en una explosión contenida. Un magnífico debut que me hace augurar que la joven banda londinense consiga estar boca de numeroso publico en próximos tiempos. Un cautivador álbum recomendable tanto, para los amantes mas purístas del rock progresivo, como de los de la psicodelia pesada 

El álbum fue producido grabado y mezclado por Jarred Hearman (Katy B, Wretch 32, Mammal, John Butler Trio, The Prodigy, Slipknot) en Konk and City Sounds Studios y The Gin Factory.

THE BLOODY MALLARD son: Tom Walding (Guitarras), Raihan Ruben (Bajo) y Jake Bradford-Sharp (Batería).

“Haemoglobin” el tema más largo del álbum con sus once minutos, abre con delicadas más propias de la escena post-rock para transmutarse inmediatamente a un escenario de pesadez más propia del doom. Pesados riffs y tambores explosivos llenos de una fuerza capaz de generar monumentales espacios sonoros en un auténtico frenesí de ritmos y riffs. Entre esta eclosión lograr insertar elementos psico-progresivos que a la postre forman la identidad de los ingleses. En contraste con la eclosión anterior, hacen descender el tema a bellos prados sonoros siempre bordeando la frontera del post-rock. Tomándose una pausa por estas mágicas estancias palaciegas tras un pequeño reposo en su intensidad vuelve a elevarse por majestuosos espacios progresivos con una tupid instrumentación. En un nuevo giro argumental, misteriosos y susurrantes desarrollos se apagan silenciosos. Los sutiles y elegantes acordes nos despiertan de este maravilloso sueño en el que nos han sumido para volver a la grandilocuencia de ese sonido grueso y pesado del que hacen aflorar aromáticos y delicados acordes de guitarras soportados por un escenario post-rock.

En un contraste entre los calmados acordes semi-acústicos y los tonos progresivos, “Subject to entropy” con la grandilocuencia del pesado y fornido bajo la banda coquetean con sonido más propios del Stoner-doom sin terminar de deshacerse se ese sonido entre el post-rock y el rock progresivo al uso. En su parte final el tema desciende a entornos más rurales a través de acordes acústicos que hacen que el tema se evapore lentamente. Inspirada en las teorías de la entropía e influenciada por esos riffs doom y stoner, la canción fue escrita con afinaciones, fuzz y distorsión mezcladas con capas acústicas para reflejar la naturaleza de la entropía. Los pensamientos, sentimientos, actividades y existencia sin fin de cada uno están sujetos a los elementos de la naturaleza. La canción tiene como objetivo crear esa realidad envolvente y fue escrita con la intención de dar al oyente la libertad de interpretar el terror o la comodidad.

A modo de susurrante interludio, “Reversion”, nos arrulla con una extraña delicadeza.

“Noble rot”, evoluciona desde calmados y hechizantes pasajes entre setas mágicas para elevarse a momentos turbios y plomizos en ese bosque hechizado del que afloran flotantes pasajes floydianos. Todo un mundo de fantasía psicodélica que se va describiendo con unas cuidadas melodías que conjugan belleza y fuerza sobre el escenario que mejor se mueve el trío. Éste no es otro que esos espacios psico-progresivos que con tanto acierto son capaces de describir como relato de cuentos y leyendas del pasado en los que la épica está presente.

Mostrando su faceta más pesada, Ceremonious Synapses”, un tema dividido en dos partes arranca con fuerza con sus crujientes y plomizos riffs herederos del hard-progresivo llegado de los 70’s. Abandonando los pasajes de ensueño, un fornido bajo y afilados solos de guitarra tratan de aflorar entre la densa base rítmica. Un contraste efectivo en el que los tonos vintage consiguen enganchar al oyente al tema y a su particular narrativa, especialmente en su primera parte.  A pesar de la contundencia, no faltan esos momentos más pausados, pero en esta ocasión con un carácter más rugoso.

Explorando temáticamente el tema de las vías neuronales y los comportamientos dentro del cerebro humano. La conciencia y los comportamientos humanos pueden estar vinculados a la estructura de estas redes neuronales y basarse en ciertos acontecimientos en la vida de una persona (ambientalmente, traumáticamente, meditativamente) estas vías pueden alterar. El tema supone unas narrativas temáticas del esfuerzo consciente por cambiar estos caminos; parte I) centró uno el físico friccionado y disciplinado, mientras que la parte II) se centra en el nivel más profundo y subconsciente espiritual del cambio.

En la segunda parte del tema “Ceremonious synapses (II)”, dejan de lado la pesadez para sumergirse en atmósferas progresivas con constantes cambios y giros estilísticos. Con un sonido que siguen siendo rugoso paulatinamente se van limando para dejarse llevar por desarrollos en los que la psicodelia tiene un mayor protagonismo.

Este maravilloso debut, cierra con “Dawn”, en la que ejecutan un sosegado y sigiloso paseo por apacibles atmósferas a modo de epílogo. El descanso para el guerrero después de las batallas anteriores parece mostrarle el camino de vuelta a casa en un corte poco trascendente en el conjunto del álbum.  

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