Con diez años de intachable carrera y una legión de fieles seguidores a sus espaldas, el trio berlinés no tiene que rendir cuentas a nadie, y su nuevo álbum ‘ISOLATION TAPES’ es el claro ejemplo de ello. Concebido en los tiempos de pandemia y sin la posibilidad de actuar en directo, algo llevan haciendo incansablemente durante mucho tiempo casi sin descanso, la banda crea un álbum introspectivo lleno de melancolía que sorprenderá a más de uno. Los adelantos previos y sobre todo la lista de reproducción que la banda publicó hace semanas como fuente de inspiración del nuevo álbum nos hacían presagiar un resultado así. En ‘ISOLATION TAPES’ no esperes encontrar los riffs explosivos que les han caracterizado durante todo este tiempo, aquí la banda se deja llevar por el bucolismo y por su estado anímico en un trabajo íntimo y reflexivo que juega con elementos floydianos y la psicodelia pop de los 60’s. Dejando de lado los sonidos hard-retro Stoner habituales en sus álbumes anteriores la psicodelia y los bucólicos momentos progresivos de inspiración 60’s toman el protagonismo de un álbum suave y algodonado. El ‘lobo’ el ‘tigre’ y el ‘dragon’ pierden toda su fiereza para ofrecernos su lado más apacible. Muchas bandas a lo largo de la historia han dado un giro a su propuesta sonora y no siempre ésta ha sido bien acogida por sus fans, ¿Sucederá ahora los mismo con los alemanes? En este caso no estamos en un cambio ante exigencias comerciales de una discográfica, sino que la decisión es propia, sin presiones externas, no en vano su nuevo álbum está editado por el propio sello de KADAVAR, Robotor Records. ‘ISOLATION TAPES’ refleja ese estado de ánimo que a todos nos causa la pandemia, irradiando ese estado de tristeza y melancolía por los extraños tiempos que estamos viviendo. Ahora los temas no rugen, sino que nos arrullan en melancólicos cantos en los que las melodías juegan un papel fundamental. Los pasajes sinfónicos sustituyen a los ardientes momentos en los que sus riffs nos golpeaban activando nuestro sistema nervioso. Sus temas, nacidos de la espontaneidad reflejan ese estado de ánimo. Con momentos en los que Pink Floyd parece apoderarse de la banda las dulces armonías se llenan de un sinfonismo y una dulzura más propia de una banda pop de los sesenta cono The Beatles. Coloridos ecos que se tornan más grises y oscuros en manos de KADAVAR. Si, porque si el bucolismo está presente, los colores de las flores del hipismo de finales de los sesenta adquieren aquí una dimensión más oscura y melancólica. Una sensación de tristeza invade sus canciones desde el sosiego. No es la oscuridad de inspiración Sabbath de anteriores registros, no, estamos ante la penumbra de la tristeza, que queda reflejada en unos temas que sustituyen en muchas ocasiones las crudas guitarras por los sintetizadores ofreciéndonos otra cara de la banda.
Sin duda, ‘ISOLATION TAPES’ nos es álbum que podrías esperar de una banda como KADAVAR, pero si eres capaz de salir de la zona de confort, dejar al lado los complejos, puedes disfrutar de su sosegado paseo en la intimidad con su escucha.
Llegados aquí, cabría preguntarse si esto es un nuevo camino en el deambular de la banda, o solo es un paréntesis. También me surge la duda de como pueden encajar estos temas en sus actuaciones en vivo, pero como dijo Bob Dylan, la respuesta está en el viento…. Y los vientos venideros nos lo confirmarán cuando la banda vuelva de gira.
Sin duda, KADAVAR no han pensado en las críticas y han sido honestos consigo mismos y con su creatividad, algo que merece todos mis respetos y admiración (desgraciadamente no siempre las bandas funcionan así y se dejan llevar por elementos externos)
‘ISOLATION TAPES’ está disponible vía Robotor Records.
El álbum abre con ‘The lonely child’ bajo una instrumentación psico-progresiva que va construyendo un tema atmosférico y misteriosos en el que encontramos algunos momentos floydianos. Tras varios minutos de introducción el tema hace presagiar un estallido que finalmente no se produce. Aquí los sintetizadores evocan momentos espaciales más propios de Tangerine Dream entre esa vocación Pink Floyd que encontraremos en varios de los temas del álbum.
‘I fly among the stars’ parte con los sonidos de los sintetizadores y pausados acordes de guitarra que crean ese espacio psicodélico antes de la irrupción de la lánguida voz de Lupus en otro registro que se adorna con ornamentos floydianos sobre cuidadas y apacibles melodías. El resultado es uno de los temas más bellos y hechizantes de todo el álbum. Su carácter espacial contrasta con cualquier registro habitual de los berlineses en un giro inesperado pero muy apetecible si sabes dejarte llevar.
Otro tema sorprendente es ‘Unnaturaly strange ( )’ Claramente influenciado por los californianos Love el tema utiliza sencillas armonías adornadas con un colorista ritmo de tambores entre sintetizadores y guitarras sutiles. Plácido y ‘blandito’ estamos ante otro tema de psicodelia de confitería.
‘(I Won’t Leave You) Rosi’adquiere un tono modernista bajo un dinamismo pseudo-espacial más propio de Hawkwind en un híbrido entre el sonido 60’s de Moody Blues y los pioneros espaciales. Un buen contraste entre los balanceos vocales y sintetizadores en un corte que parte casi a cámara lenta pero que se llena de un extraño dinamismo hasta deflagrar en su parte final
En tonos sci-ffi.y bajo un sinfonismo casi clasicista, ‘The world is standing still’ juegacon melodías vocales casi Beatles entre guitarras flotantes que retoman el legado Pink Floyd creando una atmósfera de relax mostrando un registro armónico que difiere del habitual en la guitarra de Lupus. Su introducción contrasta con la forma en la que acaba desarrollándose una canción con bellos y relajantes momentos.
En un nuevo espacio bucólico, “Eternal Light (We Will Be Ok)”entre voces lejanas, sintetizadores y niños jugando palpita en un lento génesis escondiendo una composición más rica que se soporta en tambores y un ambiente psico-progresivo.
‘Peculiareality’ es un interludio oscuro con lánguidas voces que sirve de introducción a ‘Everything is changing’, tema que fue escogido como single previo. Sobre un espacio de psicodelia pop más propia de los 60’s crean un tema empalagoso. Uno de esos temas con sabor a miel, heredero de la psicodelia barroco que se cubre de una instrumentación sinfónica en un segundo plano. Su sencillez vuelve a contrastar con el sonido habitual del rudo trio. Algodonados pasajes llenos de calma en una explosión de color lleno de dulzura. Adornado con bellos pasajes de guitarra el tema adquiere un brillo y un carácter espacial que escapa de alguna manera de la tristeza que siente en la mayor parte del álbum.
‘The flat earth theory’ es otro interludio con voces pop y ambientación sinfónica que nos lleva hasta el tema que cierra el álbum, ‘Black spring rising’. Aquí, en una vena de calmada psicodelia espacial volvemos a encontrar vestigios Pink Floyd. Sosiego y paz en otro plácido tema que prescinde de batería y se soporta en los teclados y sintetizadores hasta difuminarse.
La constelación de estrellas de la escena underground que componen este ‘supergrupo’ retroalimentan sus talentos ofreciendo un conmovedor e impresionante trabajo evocando atmósferas desérticas con suaves y envolventes composiciones psico-progresivas. Solo habría que poner un inconveniente, tres temas a lo largo de poco más de 20 minutos nos dejan irremediablemente con ganas de más. Esos paisajes arenosos se enriquecen con vibraciones de hard-rock clásico y un talante progresivo de lo más gratificante y glorioso. ‘LAVENDER BLUES’ rezuma una gran química entre todos músicos y eso, sin duda, queda patente en sus tres canciones. Resulta admirable como los temas fluyen a veces en forma de jam en la que no puedes encontrar el verdadero protagonista, ya que todos se dejan su espacio para desarrollar sus cualidades en busca de un objetivo común. Bellas melodías, delays hechizantes, gruesos riffs y enrevesados pasajes con teclados hacen de este trabajo un producto gourmet, a la altura de los más exquisitos paladares. Todo un regalo para los melómanos más exigentes que con el paso del tiempo se convertirá en un trabajo de legendario del desert-rock más elegante y sofisticado. Con una actitud suave y psicodélica que envuelve sus paisajes sonoros del desierto, las 3 canciones contenidas en el EP se mantienen unidas con una inspiración progresiva y de hard rock de la vieja escuela que dejará boquiabiertos a cualquier amante del rock. Esperemos en que esta asociación perdure en el tiempo ofreciéndonos más maravillas como esta.
El ambicioso proyecto formado por Bob Balch (FU MANCHU) y Gary Arce (YAWNING MAN) a la guitarra, también con Tony Reed (MOS GENERATOR) al bajo, voz, sintetizadores y guitarra, y Bill Stinson a la batería (YAWNING MAN) acoge en su senoen esta ocasión a ilustres invitados como Per Wiberg (KAMCHATKA, ex-OPETH) en sintetizadores y piano, Daniel Mongrain (VOIVOID) y Chris Goss. (MASTERS OF REALLITY) a la guitarra.
Cualquiera que esté familiarizado con los términos “Stoner Rock” o “Desert Rock” seguramente habrá escuchado los nombres FU MANCHU o YAWNING MAN. Si eres un fanático del género o un observador casual, sabes que ambas bandas han estado repartiendo material de calidad desde el principio. Aunque estilísticamente diferentes, ambas bandas ocupan un estatus legendario. El sonido de adoración fuzz, estratosférico y bañado por el sol de FU MANCHU y el delay ambiental etéreo de YAWNING MAN nunca se habían cruzado hasta ahora. Sin duda, es un buen momento para estar vivo si eres fan de cualquiera de las bandas.
Su nuevo EP ‘LAVENDER BLUES’ se publicará el 23 de octubre de 2020 vía Heavy Psych Sounds. Todas las canciones fueron mezcladas y masterizadas por Tony Reed, la obra de arte fue diseñada por Max Loeffler.
En una atmósfera con coros lejanos ‘Lavender blues’ transcurre por sosegadas atmósferas entre una tupida instrumentación muy gratificante. Un espacio de confort y belleza en el que las guitarras se superponen bajo un ritmo cadente creando un ambiente psicodélico lleno de elegancia. Con un aura progresiva los instrumentos se fusionan entre acarameladas voces en una sucesión de estratos sonoros que crean un ambiente de confort. Los sintetizadores arropan la dulzura que logran transmitir a lo largo de los trece minutos que el tema nos arrulla. Dejando patente que estamos ante unos excelentes músicos que saben cómo sacar el mayor partido a su instrumento para lograr una canción llena de belleza. Alejado de los pesados ritmos stoner que los integrantes del proyecto suelen ejecutar en sus respectivas formaciones, los aterciopelados pasajes psico-progresivos adquieren una dimensión grandiosa. Sin duda, solo por este tema merece la pena disfrutar de este corto, pero maravilloso E.P. El tema se presenta como la perfecta sintonía para alcanzar la paz interior a través de sus ensoñadores pasajes. La parte final se vuelve más compleja en sus armonías explorando aún más si cabe, ese espacio psicodélico y llenando el tema de una intensidad inusitada. El resultado de todo el proceso es un cuadro con mil texturas y matices del que cualquiera puede disfrutar.
La banda nos da su punto de vista sobre el tema: ‘Esta jam es la primera toma con todas las partes originales. Realmente puedes escucharnos a todos tocando entre nosotros y eso tenía que quedarse. Per Wiberg agregó algunas partes clave increíbles, Tony Reed agregó algunos fantásticos teclados también junto con los pasajes vocales. Esta canción está pensada para viajar … lo que sea que eso signifique para ti. ‘Lavender Blues’ tiene una vibra Hawkwind y Alan Parson Project y Pink Floyd. Me gusta mucho cuando las bandas se inspiran en diferentes géneros y mezclan hasta convertirlo en un guiso sónico único’
‘Blind o fan eye’ nos invita a un paseo por evocadores espacios desérticos en los que los ecos hard rock que te enganchan desde el primer riff. Con sutiles aromas de blues sureño aparecen construyendo un tema menos experimental. Rico en matices el tema va mutando su sonido hacia un escenario más psico-progresivo en el que los efectos aparecen contrarrestando la firme línea de bajo. Un ritmo estable soporta unas melodías vocales más ensoñadoras tras un comienzo más convencional.
‘Esta canción presenta a Chris Goss y Per Wiberg ‘ comenta Balch. ‘ Chris salió al tercer día de nuestra sesión y tocamos cuatro melodías durante unos 10 minutos. Toqué el bajo en una canción. Esa canción es ‘Blink Of An Eye’. Chris Goss manejó mi pedalera y mi amplificador, y yo toqué el equipo de bajo de Tony Reed. A Gary Arce se le ocurrió el riff principal y la sensación de la melodía. Tony agregó guitarras y voces después de inspirarse en una de las melodías clave de Per que nos enviaron después la sesión. Per también arrancó el solo al final. Esta canción tiene un Herbie Hancock se encuentra con Alice Cooper cumple onda de rock pop de 70 a mí. ganchos vocales de Tony Reed están locos! todavía tengo que profundizar en algunos de los otros atascos de Goss. Él reglas y estábamos súper emocionados de tocar con él para hablar sobre equipo y banda «.
Incorporando registros vocales, ‘Labyrinths fade’ refleja el buen hacer de Gary Arce y sus características atmósferas. El tema fluye sobre una estructura de rock-progresivo adornado con los vientos del desierto. Los poderos tambores y una sucesión de efectos dotan de cuerpo a otro corte cuya instrumentación resulta exuberante. Con esos mimbres aparecen incluso solos más propios de cualquier virtuosos guitarra de heavy-metal en una combinación curiosa y aparentemente inconexa, pero que resulta de lo mas efectiva por la calidad para ensamblar las piezas que tiene la banda. En un espacio evocador de sonidos más propios de MOTORPSYCHO la canción nos sorprende con un nuevo giro. Si algo siempre ha caracterizado a las bandas progresivas es precisamente la complejidad de alguna de sus composiciones, aquí ese matiz, resulta de lo mas evidente. Como si fuera una especie de jam, la línea de bajo se eleva poderosa y gruesa sobre los estilizados y vertiginosos solos de esa guitarra afilada más propia del heavy-rock.
Si bien el proyecto crecería lo suficientemente pronto para incluir a músicos como Tony Reed (Mos Generator), Mario Lalli (Fatso Jetson, Yawning Man), Per Wiberg (Spiritual Beggars, ex-Opeth), Bill Stinson (Yawning Man), Nick Oliveri(Mondo Generator, ex-Kyuss, etc.), Lisa Alley e Ian Graham (ambos de The Well), Alain Johannes (Them Crooked Vultures, Chris Cornell, Eleven) y Thomas V.Jäger(Monolord), BIG SCENIC NOWHERE es fundado por Balch y Arce lanzando riffs de guitarra y solistas de ida y vuelta, juntando las partes de la canción un movimiento a la vez. Interactuando y compartiendo música. Desarrollar una química para construir algo nuevo basado en sus experiencias individuales. De esta manera, BIG SCENIC NOWHERE es el corazón de lo que debe manifestarse la colaboración. Algo que se hace más fuerte para la cohesión entre quienes lo hacen posible. El resultado de esta simbiosis fue el álbum debut ‘VISION BEYOND HORIZON‘, que fue lanzado el 31 de enero de 2020 en el sello Heavy Psych Sounds.
Un cautivador viaje musical único y salvaje lleno de psicodelia y delirios de fuzz virtuoso, así como numerosas incursiones progresivas conforman el que probablemente sea el mejor álbum del trio italiano.. Si algo puede llamar la atención de MR. BISON, es la ausencia de bajo y la dupla de guitarras que crean verdaderos muros de sonido, una circunstancia que pasa desapercibida al escuchar ‘SEAWARD’, el cuarto álbum del trío italiano. Un trabajo conceptual que se inspira en la leyenda de las siete perlas del mar Tirreno y en un horizonte imaginario. Narrando mitos estrechamente relacionados con el mar, desde la magia de las Sirenas y el sacrificio de Andrómeda hasta las heroicas aventuras de Ulises y la despiadada maldición de Escila. Temas chamánicos que se sumergen en frondosas atmósferas psicotrópicas. Sin bajar el pistón en ninguno de los temas, presentado cada canción con gran cohesión para lograr un éxtasis abrumador. Su inspiración entre mitos y leyendas hace que consigan reflejar las siete perlas del Tirreno en un collar en forma de canciones que son siete joyas con muchos kilates. Pesado, psicodélico y por momentos monumental, el álbum no tiene pausa en su relato, todo fluye con agilidad. Poderoso y grandilocuente consiguen excitarnos y relajarnos a partes iguales lo cual es todo un aval para sumergirse en su escucha sin complejos.
Cuando en un mismo trabajo logras conjugar vibraciones de bandas aparentemente tan dispares como Hendrix, Earthless, Genesis, Sabbath, Pink Floyd, Motorpsycho (especialmente) o King Crimson con el sonido de las más punteras bandas del stoner, es que algo están haciendo bien. Si a eso añades juegos vocales más propios de Crosby, Stills & Nash, podríamos decir que estamos ante toda una joya de la orfebrería musical de la escena underground contemporánea. Psicodelia pesada, hard de los setenta desarrollos progresivos y blues se unen en la causa común que supone ‘SEAWARD’; el resultado es sencillamente brillante.
El LP fue grabado por Matteo Barsacchi habiendo sido mezclado y masterizado en Audio Design Recordings por el productor Jordan Andreen (Earthless, Sacri Monti), la portada fue obra de Robin Gnista‘SEAWARD’ está disponible vía Subsound Records y Ripple Music.
MR.BISON son: Matteo Barsacchi (guitarra y voz), Matteo D’Ignazi (batería , voces y efectos) y Matteo Sciocchetto(guitarra y voz).
Una intr0ducción atmosférica en ‘Seaward’ el tema que abre y da nombre al álbum, da paso a poderoso riffs Stoner entre voces místicas. En un espacio psico progresivo de gran pesadez el tema desprende aromas a 70’s. La efectiva combinación de las dos guitarras en distintos planos permite que el tema se muestre monumental… Los poderosos tambores que marcan el devenir del tema son contrarrestados por desarrollos de guitarra embutidos en sonidos psicotrópicas. Los italianos abren de una forma grandilocuente adoptado armonías que gravitan entre Yes y los contemporáneos dictados stoner. ¡Sin hacer prisioneros!
Esos ecos del heavy-progresivo de finales de los 70’s aparecen también en ‘From the abyss’ Arrancadas de furia frenética se conjugan con dulces melodías que amansan la fiera. Delicados y susurrantes pasajes progresivos nos arrullan en un canto seductor. Una de las características de la banda es esa complejidad compositiva que hace que los temas pasen por distintas fases en un balanceo constante entre lo pesado y ampuloso y los delicado y sutil. Aquí las guitarras vuelven a brillar con luz propia. Desde momentos heavy-rock hasta otros sinfónicos el tema no deja espacio para el aburrimiento.
La psicodelia pesada de ‘In the storm’ florece vigorosa para deambular durante casi ocho minutos por un espacio cambiante y principalmente psicodélico. El tema es un perfecto escaparate para el desarrollo de toda la capacidad compositiva del trio. Largos pasajes con momentos algodonados más propios de Genesis, entre repetitivos ritmos casi stoner logran combinarse sin que nada resulte superfluo. Otro corte psico-progresivo de gran pesadez que crea distintos espacios entre la relajación y lo aturdidor.
‘Oudeis’ se sumerge en esa enigmática atmosfera narcótica en la que vive el álbum mostrándonos toda la fuerza de una banda que también sabe ofrecer momentos casi doom con momentos Sabbath. Nuevamente exuberantes desarrollos de la dupla de guitarra emprenden una huida al pasado con pasajes proto-metal en los que la neblina nos envuelve. Desgarradoras armonías vocales complementan este coctel explosivo de estilos. Momentos heavy-rock con pasajes que nuevamente me evocan a Yes, especialmente por las voces y coros. Guitarras que aúllan cual lobo en la noche con la luna como testigo aparecen en un frenesí arrollador que muta constantemente en sus formas y sonidos. El tema que más huele a 70’s, contiene momentos verdaderamente desgarradores.
Rezumando Hard rock de muchos kilates con momentos más propios de Earthless, ‘The sacrifice’ evoca parajes campestres con ciertas dosis de melancolía en un relato fornido y penetrante. Toda una bacanal de solos entre esos tambores que lo arrollan todo. Fuerza, pesadez, y contundencia aparente desordenada que finalmente parece encontrarse en un punto en común. A pesar del frenesí, los vestigios del género progresivo italiano de los setenta aparecen entre pesados enardecidos riffs que nos golpean una y otra vez.
Los ondulantes y repetitivos riffs de ‘Underwater’ parecen anunciar el presagio de toda una epopeya en su apertura. Con sonido más propio de Motorpsycho, los italianos crean una espiral de sonidos arrulladores y reconfortantes entre su densa instrumentación. Con una aparente anarquía consiguen hacer que las piezas encajen. Sus oscilaciones tonales preceden a momentos psicodélicos con aromas setenteros. Buenas melodías vocales entre las tupidas armonías consiguen crear un entorno aparentemente apacible, pero lleno de fuerza, como demuestran sus desgarradores pasajes vocales. Una modulación que se balancea entre cautivadoras atmósferas.
‘The curse’”, entre una explosión de fuzz se desarrollacon constantes oscilaciones. Susurrante y cálido, sin perder su aura psicodélica va evolucionando con lentitud hacia espacios más pesados. En un espacio nebuloso el trio se mueve con destreza para sacarnos a entorno más luminosos y grandilocuentes. Sigue resultando fascinante comprobar como dos guitarras y una poderosa batería consiguen crean un corte de semejantes proporciones. Aromatizando el tema con esencias orientales consiguen que hacernos partícipes de su narrativa.
Con las energías renovadas RED SPEKTOR nos ofrece un álbum salvaje de puro hard y heavy-blues primitivo y psicotrópico tras cuatro años de silencio. Después de todo este tiempo, la espera ha merecido la pena. El power trío británico ha creado un álbum ácido que bien podríamos fechar a comienzo de los años 70’s gracias a su sonido vintage. Lleno de temas que exudan sustancias alucinógenas, caminando por el lado más salvaje del blues y la psicodelia con un fantástico groovy contagioso. Incluyendo cortes pesados de proto-metal herederos de Blue Cheer o Sabbath con pegadizos ritmos y unas guitarras asesinas que se desangran en hirientes solos impactantes. Un álbum sólido, pesado y muy psicotrópico que te dejará extasiado. Ya nos sorprendieron desde la publicación de su EP homónimo de 2014 sorpresa que fue refrendada hace cuatro años con su álbum homónimo “RED SPEKTOR”, ahora quizás por una senda más purista, aunque sin renunciar a los contemporáneos dictados Stoner de sus entregas previas.
En cualquier caso, estamos ante un sobresaliente trabajo de blues y de psicodelia ácida más propia de otros tiempos. Si, Hendrix sigue influyendo cincuenta años después de su muerte en decenas o cientos de guitarristas y bandas, pero también Robin Trower o sobre todo Peter Green influyen en una banda que recoge su testigo con maestría manteniendo un gran nivel compositivo. Los británicos consiguen volarnos la cabeza con ocho temas salidos del alma, sin ningún desperdicio, aquí no hay tema malo ni mediocre. Un trabajo robusto que supone su mejor entrega hasta el momento, a pesar de que ya habían puesto el listo muy alto con sus trabajos previos. Sin terminar de apartarse de las rugosas vibraciones pesadas, aquí profundizan más en la esencia del blues psicodelico y los géneros afines que coexistieron con los pioneros del rock. ‘HEART OF THE RENEWED SUN’ es toda una explosión que deflagra sobre nosotros sin darnos tregua, atrapándonos entre sus intoxicantes efluvios. ¡¡¡Si te gusta el heavy-blues psicodélico de los 70’s este es tu álbum!!!
RED SPEKTOR son: John (guitara y voz), Johnny(batería) y Rob (bajo). ‘HEART OF THE RENEWED SUN’ está disponible víaKozmik Artifactz
‘Warflower’ sin contemplaciones, va directo a la yugular desde los primeros riffs. Heavy-blues heredero de bandas como Blue Cheer o Leafhound. Contoneándose vacilón, la acidez rezuma de cada solo entre sus poderosos tambores. Una voz macarruza complementa un tema que se retuerce entre estribillos directos y efectivos. Con un giro inesperado decae a un espacio lisérgico y corrosivo antes de recomponerse con solos hirientes.
Mas inquietante y oscuro ‘Revol’ transita por atmósferas casi ocultistas con momentos floydianos entre un atuendo más propio del proto-metal. Psicodelia pesada y arrolladora con un armazón poderoso. Ecos Sabbath se vislumbran entre los humos narcóticos que envuelven las melodías del tema más largo del álbum. Todo un despliegue de fuerza contenida nos envuelve entre sus poderosas garras. Los juegos corales le aportan un aspecto ritual entre los persistentes efluvios lisérgicos. Intenso y embriagador.
‘Masquerade’ nos arrolla entre pasajes de heavy-blues ácido con una voz cálida y seductora. El blues y la psicodelia fusionadas para conseguir un tema serpenteante y embriagador. Una poderosa línea de bajo y unos platillos que chasquean sin remisión domina los momentos más pausados, mientras todo se ensancha en los arrebatos de rabia contenidos en el mismo. Como un buen blues, esa parte se ejecuta con maestría.
Con cadentes acordes psicodélicos ‘Guided tears’ transcurre entre un bosque en el que los hongos mágicos crean un espacio chamánico. Lento y calmado el tema nos envuelve con su neblina psicotrópica en un hechizo lleno de belleza. En ese entorno las notas del blues ácido aparecen sosegadamente en un ejercicio compositivo de la mas atrayente.
‘Long way down’ parece ser una nueva incursión lisérgica entre emisiones psicodélicas, pero tras un par de minutos el tema cambia su vocación para arrancarse por el blues-rock sin perder su aroma cannabico. Un constante tira y afloja con cadentes riffs más propios del stoner-retro golpean cansinos entre los desgarros sentimentales de los registros v0cales y buenas guitarras. Un tema algo más anodino quizás.
El blues ácido regresa en ‘Violet sun’. Afiladas guitarras y una melodía vocal cálida y profunda derrocha sentimiento entre contundentes tambores en una conjunción que funciona. Siempre con la habilidad para que todo aparezca entre nebulosas psicotrópicas con aroma a 70’s. Crudo e incisivo no pierde su aroma retro con los serpenteantes desarrollos.
‘Heel top pay’ muestra el amor de los británicos por el blues-rock más ortodoxo y puro. Desgarradores solos de guitarra con un ritmo cadencioso y gran sentimiento reflejado en su cantante. Si por algo caracteriza al blues es eso precisamente, su sentimiento, y aquí lo hay a raudales. Un esquema clásico al que la banda aporta energía y pesadez, así como un aura psicódelica. Ahí radica la esencia de esta banda, su capacidad para ofrecernos temas de blues lisérgico está fuera de cualquier duda. Aquí los puritas podrás disfrutar de lo lindo.
‘HEART OF THE RENEWED SUN’ cierra con otro blues infeccioso e intoxicante como es‘Ivory towers’. Cociéndolo a fuego lento, el tema refleja las cualidades del trío. Su vocación por Hendrix, Robin Trower o los grandes del blues de los 70’s., mientras la cadencia rítmica recoge el legado de los grandes de los del género. Como si estuvieran cansados del frenesí de alguno de los temas del álbum, aquí prefieren ofrecen un corte calmado pero penetrante. Esto no significa que la canción no tenga fuerza, todo lo contrario, pero son otras los elementos con los que juegan, lo que refleja su calidad como músicos. Blues ácido en estado puro heredero del legado de Robin Trower. El tema se desarrolla en una atmósfera humeante que acaba por narcotizarnos irremisiblemente.
Presentamos en exclusiva el tercer álbum del trio italiano APE SKULL, «FIELDS OF UNCONSCIOUS». La banda nos desvela todos los detalles del álbum (lee la entrevista abajo-read the interview below).
Han pasado cinco largos años desde que “FLY CAMEL FLY”, su último álbum viera la luz recibiendo multitud de halagos por la calidad que atesoraba una banda que parece salida del túnel del tiempo. Instalados en el sonido de comienzos de los 70’s con Hendrix como profeta, y bandas como Cream, EdgarBroughton Band o tantas otras como referentes, APE SKULL están de vuelta. ¡Y de que manera! La espera finalmente ha merecido la pena. Tras un tortuoso camino y mil problemas par conseguir un sello que publicará sus nuevas canciones, el trio romano se muestra en plenitud de facultades creando un álbum sobresaliente de rock “vintage”. Sin poses y plenos de autenticidad, su sonido sale de sus entrañas con naturalidad. La efectiva combinación de blues, funky, psicodelia, soul y puro hard rock ácido, hará sin ninguna duda las delicias de los amantes más puristas del rock a la vieja usanza. Habrá quien les califique como “retro” y no les faltará razón, pero escuchando “FIELDS OF UNCONSICIOUS” no tienes la sensación de que los romanos copien a nadie, lo cual es un importante aval. Tras todas las dificultades para que este trabajo vea la luz, incluida una impresión de prueba del vinilo defectuosa con dos introducciones cortadas, por fin podemos disfrutar nuevamente de la magia de APE SKULL. Tres tipos que saben tocar sus instrumentos con maestría y que sacan lo mejor de si mismos por una causa común, no en vano cumplen con todas las características del power trío al uso, como tantos que florecieron en la década de los 70’s, a pesar de que estemos en pleno siglo XXI. Personalmente me produce gran satisfacción que finalmente puedan ver como su creatividad puede ser compartida con todos sus seguidores. Estamos ante cerca de cuarenta minutos de puro ROCK ÁCIDO con mayúsculas, sin artificios.
APE SKULL son: Giuliano Padroni(batería, voz solista y coros), Fulvio Cartacci (guitarra y coros) y Pierpaolo Pastorelli (bajo y coros) “FIELDS OF UNCONSICIOUS” fue grabado y mezclado en Track Back (Toulouse) por Jameerl Abdul Kebab, correspondiendo el diseño y arte de la portada a Marcello Crescenzi y Susanna Doccioli y producido por APE SKULL y Sronk Records.
Sobre auténticos y genuinos tonos vintage, sin artificios ni poses, “Fields Of Unconscious” con esos tambores briosos, la guitarra oscilante y una poderosa línea de bajo crean un tema con un groovy vacilón y sugerente que nos invita a disfrutar de un guateque en el que las melenas al viento conviven entre pantalones de campana y camisas de flores. Como ya nos han demostrado en sus anteriores álbumes APE SKULL parecen salidos de la máquina del tiempo. Puro hard-rock y blues rock entre humo cannabico. El corte funciona a pesar de no tener una complicada composición, sencillo pero sencillamente genial.
Con rasgueos Funky, “All Thats I Want” con sus vivaces ritmos y un Flow que te atrapa, desencadena la fiesta por todo lo alto. Wah wah esparcido entre vibraciones que por momentos toman el legado Hendrix, y que por otros recuerda al Santana más desmadrado. Una efectiva fusión de blues hiriente que contagia al oyente sin remisión. Solos asesinos en esa orgía rítmica con cierto aspecto negroide, funky, soul y blues se incrustan en hard rock bajo una esfera luminosa más propia de cualquier club de Harlem. La combinación de estribillos y coros en una revisión del Hendrix más funk. ¡Sumible!
Entre ondulantes riffs retro, “Freedom” y un ritmo aparente cansino los solos de Fulvio emulan al Dios de Seattle. Un manto psicodélico envuelve un corte ácido y penetrante lleno de sentimiento. Todo un viaje con distintas etapas en el camino, con momentos para la pausa entre atmósferas lisérgicas, colinas más tortuosas y sobre todo una luminosidad aplastante. Es difícil destacar a cualquiera de sus componentes ya los tres son virtuosos de sus instrumentos. Si a ello unes la capacidad creativa para hacer que todo sea divertido, el resultado es de lo mas apetecible. Seguramente el tema que cumpla más los estereotipos de rock contemporáneo a pesar de que en él encontramos ecos más propios de RARE EARTH.
“I’m Coming Home, Baby” se deja llevar por el blues en una atmósfera festiva al igual que el resto de los temas. Coros y estribillos pegadizos entre solos y ritmos ondulantes. Difícilmente podrás quedarte parado con el groovy contagiosos que el tema contiene. Ramalazos boogie-rock en un tema que huele a bourbon y parece ambientado en un club de carretera de comienzos de los setenta. El claro ejemplo de que con muy poco se puede hacer una canción que funcione.
Los cantos tribales de los nativos americanos introducen un tema que el trío romano viene interpretando en sus directos desde hace años. “Heya” la canción de Robert Markley, J.P.Stalling cuya mejor interpretación pertenece al álbum de 1970 “Cosmic Blues“ de los alemanes JERONIMO, cobra una nueva dimensión en manos de APE SKULL. Una versión ácida que se deja llevar por una atmósfera humeante entre los cantos rituales. Rasgueos de guitarra sobre una batería sostenida y los chamánicos cantos se combinan con pasajes puramente 70’s. Aquí prescindiendo de los teclados, puede que no sea tan corrosiva como la de los alemanes, pero desde luego, mantiene toda la esencia aumentando la duración de la original.
Los ecos Hendrix aparecen nuevamente en “Glory Days”. Otro tema de blues ácido con voces rotas y cálidos pasajes más propios del genio de Seatle. Un tema desgarrador en el que el tempo es más pausado pero los registros vocales consiguen clavarse en el oyente. Sus repetidas armonías dejan espacios instrumentales llenos de tórridos momentos. El trabajo de batería imprime una gran fuerza a un tema que parece avanzar sin mirar atrás.
El álbum cierra con “Atom in the sky”. Riffs que me evocan a RAM JAM y su mítico “Black Betty” son el claro ejemplo de que estos chicos viven instalados en el hard-rock de los 70. Sin complejos y sin imitar a nadie el rugoso tema contiene una efectiva armonía entre riffs más difusos y crudos. Unas melodías vocales de lo mas sugerentes colorean un tema lleno de dinamismo a pesar de su rugosidad. Seguramente el tema más pesado de todo el trabajo ofrece una montaña rusa de emociones plagada de momentos ácidos y evidentemente vintage en el que los platillos chasquean sin parar en una bacanal de ritmos poderosos.
ENTREVISTA:
DenpaFuzz:¿Cómo habéis pasado todos estos años hasta que éste, vuestro tercer álbum ha sido realizado?
APE SKULL : Seguimos probando y creando nuevas canciones, como siempre lo hemos hecho. De hecho, entre álbumes creamos muchas canciones nuevas o ideas sobre lo que podría ser una pista nueva, pero muchas de ellas quedaron incompletas o no llegaron a nuestros LP. De hecho tenemos muchas grabaciones, unas 30, que están aparcadas en nuestro Youtube
DenpaFuzz: Tras dos álbumes publicados con el sello Heavy Psych Sounds, FIELS OF UNCONSCIOUS será publicado por Skronk Records. , ¿A qué se debe ese cambio? Y ¿Cómo ha sido esa etapa hasta que habéis encontrado un sello con el que publicarlo?
APE SKULL: Este disco sale producido por nosotros y por Skronk Records. Esta es una elección ligada sobre todo a un querido amigo, así nos complació. Nosotros debemos mucho a Heavy Psych Sounds Records y estaremos muy felices de poder colaborar de nuevo con ellos en nuestro próximo disco.
DenpaFuzz: Hablemos de contenido del nuevo álbum. Si tuvieras que explicar a alguien que nunca ha escuchado a APE SKULL, ¿Cómo definiríais su contenido?
APE SKULL: Esta no es una respuesta fácil de dar. Nos gusta pensar que si tu tienes que explicar con precisión y con largas descripciones lo que creas, tal vez en alguna parte hay algo mal. Dejando la libertad de encontrar lo propio manera y recibir el mensaje con el propio estado de ánimo podría ser un logro. Sin embargo, el significado es único y absolutamente no puede ser abrazado por que odian a los «diferentes o a «los otros.
DenpaFuzz: ¿Cuál es la fuente de inspiración de la banda para componer los temas? ¿En qué bandas os fijáis (si es que lo hacéis en alguna) para componer vuestras canciones?
APE SKULL: Honestamente, cuando estamos en la sala de ensayo, tocamos instintivamente, ven sube con un riff, una idea y sigue adelante. No pensamos primero en qué hacer y cómo hacerlo, qué matiz o banda necesita estar presente. Cada uno pone su línea, su carácter en él. Todos los géneros musicales que te gustan, las canciones que te encantan escuchar, tu favorito artistas y bandas son la materia prima que crea, en un sentido musical, tu personalidad. No es necesario convocarlos cada vez. Creemos que este es el caso para casi todos los músicos.
DenpaFuzz: Aunque en ‘FIELS OF UNCONSCIOUS’ el blues sigue presente, parece que ese sonido es menos evidente que en vuestros álbumes previos, ¿Es una apreciación mía o habéis querido ampliar de alguna manera el horizonte de vuestro sonido cuidando más las composiciones de las canciones?
APE SKULL: Quizás esto podría ser subjetivo. Nos parece que en este hay más o menos los mismos ingredientes que los otros nuestros álbumes, tal vez simplemente se cocinan con especias ligeramente diferentes. Pero obviamente somos muy interesado en entender por qué se puede entender de esta manera.
DenpaFuzz: También encuentro más vibraciones negroides en alguno de los temas, como “All Thats I Want” o ‘Freedom’, un camino muy acertado en mi opinión.
APE SKULL: Nunca hemos escondido estos matices y nuestra pasión por lo afro músicos estadounidenses. Podemos escucharlos en muchas canciones de álbumes anteriores, como en «Make Me Free», pero también «So Deep» tiene una base funky. En youtube puedes encontrar nuestra versión improvisada de «Comin ‘Home Baby» de Ben Tucker, pero también sonidos más ásperos. Nos gusta vagar, sin barreras.
DenpaFuzz: En “Fly camel fly” eran Damnation of Adam Blessing con “Driver”, ahora Jeronimo con el himno “Heya”, ¿Es esto un homenaje a alguna de vuestras favoritas? “Heya” la venís interpretando en vuestros directos desde hace años, ¿Era el momento de homenajearla en un álbum?
APE SKULL: Siempre hemos incluido un «homenaje» en nuestros álbumes, tiene su significado: la referencia a géneros y sonidos que están en nuestro trasfondo pero también para interpretar la canción con nuestra personalidad, obviamente esperando tener éxito con esta.
DenpaFuzz: Al margen de que tras varias escuchas del álbum haya podido percibir alguna vibración que me puede evocar a determinadas bandas de los 70’s, es evidente que especialmente en los dedos de Fulvio se percibe el amor por Jimi Hendrix, ¿Qué tenéis que decir a esto?
APE SKULL: Este es un hecho innegable. En verdad, todos nosotros, tal vez como todos, hemos asimilado y metabolizado lo que más nos llamó la atención y nos formó nosotros a partir de una edad temprana. Jimi es JIMI.
DenpaFuzz: Con estos tiempos convulsos en medio de esta pandemia que nos está asolando, ¿Cómo se presenta el futuro próximo respecto a la posibilidad de subiros a un escenario para presentar vuestro nuevo álbum?
APE SKULL: Es difícil pensar en eso ahora, es una situación que requiere respeto y altruismo. Estaremos felices de volver al escenario pronto porque significa que hemos dejado atrás esta terrible situación. Esperando que algo cambios para mejor.
DenpaFuzz: Muchas gracias por vuestras palabras y espero que pronto podamos vernos de nuevo en un concierto vuestro. ¿Os deseo mucha suerte en esta nueva etapa!
APE SKULL: Muchas gracias por tu trabajo y tus palabras. Si esperamos verte pronto y brindar por algo grandioso. ¡Larga vida al rock.!
INTERVIEW (ENGLISH):
DenpaFuzz: Until this, your third album has been made, how have you spent all these years?
APE SKULL: We kept trying and building new songs, like we always have. In fact, between albums we created a lot of new songs or ideas about what could be a new track, but a lot of them remained incomplete or didn’t make it onto our LPs. In fact we have a lot of recordings, about 30, which are parked on our youtube.
DenpaFuzz: After two albums released on Heavy Psych Sounds, FIELDS OF UNCONSCIOUS will be released by Skronk Records. why this change? And how was that time until you’ve found a stamp to publish it with?.
APE SKULL: This album comes out produced by us and by Skronk records. This is a choice linked above all to a dear friend, we were pleased that way. We owe a lot to Heavy Psych Sounds Records and we will be very happy to collaborate ith again for the next our album .
DenpaFuzz: Let’s talk about content from the new album. If you had to explain to someone who has never listened to APE SKULL, how would you define its contents?
APE SKULL: This is not an easy answer to give. We like to think that if you have to explain accurately and with long descriptions what you create, maybe somewhere there is something wrong. Leaving the freedom to find one’s own way and to receive the message with one’s own state of mind could be an achievement. However, the meaning is unique and absolutely cannot be embraced by those who hate the “different” or «the others».
DenpaFuzz: What is the band’s source of inspiration for composing the tracks? What bands do you look at (if any) to compose your songs?
APE SKULL: Honestly, when in the rehearsal room, we play instinctively, come up with a riff, an idea and move on. We don’t first think about what to do and how to do it, what nuance or band needs to be present. Each of us puts his line, his character into it. All the musical genres you like, the songs you love to listen to, your favorite artists and bands are the raw material that creates, in a musical sense, your personality. There is no need to summon them every time. We think this is the case for almost everyone musicians.
DenpaFuzz: Although in ‘FIELS OF UNCONSCIOUS’ the blues is still present, it seems that this sound is less evident than in your previous albums, is it an ppreciation of me or have you wanted to expand in some way the horizon of your sound taking more care of the compositions of the songs?
APE SKULL: Perhaps this could be subjective. It seems to us that in this album there are more or less the same ingredients than the others our albums, maybe they are just cooked with slightly different spices. But obviously we are very interested in understanding why it can be understood in this way.
DenpaFuzz: I also find more black music vibrations on one of the tracks, such as «All Thats I Want» or ‘Freedom’, a very successful path in my opinion.
APE SKULL: We have never hidden these nuances and our passion for afro american musicians. We can hear them in many songs on previous albums, like in «Make Me Free» but also «So Deep» has a funky base. On youtube you can find our improvised version of «Comin’ Home Baby» by Ben Tucker but also rougher sounds. We like to wander, without barriers.
DenpaFuzz: In «Fly camel fly» were Damnation of Adma Blessin with «Driver», now Jeronimo with the hymn «Heya», Is this a tribute to any of your favorites? «Heya» you’ve been performing it on your live shows for years, was it time to honor her on an album?
APE SKULL: We have always included a «tribute» in our albums, it has its own meaning: the reference to genres and sounds that are in our background but also to interpret the song with our personality, obviously hoping to succeed in this.
DenpaFuzz: Apart from the fact that after several listens of the album he could perceive some vibration that can evoke me to certain bands of the 70’s, it is clear that especially in Fulvio’s fingers there is a love for Jimi Hendrix, what do you think about this?
APE SKULL: This is an undeniable fact. In truth, all of us, perhaps like everyone, have assimilated and metabolized what struck us most and formed us starting from young age. Jimi is JIMI.
DenpaFuzz: With these convulsive times in the midst of this pandemic that is ravaging us, how does the near future present itself regarding the possibility of getting on stage to present your new album?
APE SKULL: It’s hard to think about it now, it’s a situation that requires respect and altruism. We will be happy to be back on stage soon because it will mean hat we have left this terrible situation behind. Hoping that something changes, for the better.
DenpaFuzz: Thank you very much for your words and I hope that soon we can meet again at a concert of yours. Do I wish you much luck in this new stage!
APE SKULL: Thank you very much for your work and your words. Yes, we hope to see you soon and toast for something great. Long live rock!!!
DenpaFuzz 