rock – Página 29

Reseña: ARCADIAN CHILD.- «Protopsycho»

‘PROTOPSYCHO’ es el tercer álbum de los chipriotas ARCADIAN CHILD. Tres años han pasado desde que su psicodelia aromatizada nos sorprendiera con su debut y ahora en 2.020 vuelven a demostrar que aquello no fue obra de la casualidad. La brisa del mediterráneo instalada en su psicodelia algodonada con exóticos aromas de oriente hace que la escucha de ‘PROTOPSYCHO’ resulte de lo más placentera. La afirmación de su cantante y guitarrista Panagiotis Georgiou parece dejarlo claro: ‘Protopsycho’ es un ritual psicodélico pesado que viene de lo profundo. Hicimos una inmersión profunda en nuestras almas, rompimos los platillos y doblamos las guitarras azotando‘

Las embriagadoras fragancias de los chipriotas nos embarcan en un viaje a las mil y unas noches entre las olas mediterráneas y su cálida brisa en un navío sólido y bien custodiado por pesados riffs stoner que se acoplan con precisión. Con momentos más pesados y seguramente dejando de lado los ecos más pop de su primer trabajo, ARCADIAN CHILD se consolidan como una banda sólida que sigue la estela de All Them Witches, (con los que tiene muchas similitudes en su sonido) pero manteniendo su personalidad. Como representantes de la encrucijada entre oriente y occidente saben conjugar esas delicadas y ancestrales vibraciones con pasajes de gran pesadez. Siempre apacibles pero sólidos, cada tema nos ofrece algún aliciente nuevo con el que deleitarnos. Sin duda, estamos ante una banda que se consolida en la escena gracias a trabajos como este, lo que no supone ya ninguna sorpresa. Su embriagadora psicodelia a buen seguro, hará correr ríos de tinta en los próximos tiempos.

‘PROTOPSYCHO’ está disponible vía Bitter Tea Records, Rebel Waves Records/ Ripple Music y Kozmik Artifactz. Producido por Andreas Trachonitis y ARCADIAN CHILD fue grabado y mezclado por Andreas Trachonitis en el estudio once63 en Nicosia y masterizado por Mickey Allred en Nashville.

Letras: Panayiotis I.G. Música: ARCADIAN CHILD

Desde los primeros acordes de “Snakecharm” podemos intuir a lo que nos enfrentamos. Magnéticos y profundos pasajes de psicodelia mística en una atmósfera reconfortante. El tema se va construyendo sin prisa, adornado con melodías exóticas y cantos folclóricos, los vientos orientales invaden una canción llena de belleza que parece seguir la ruta que al otro lado del océano iniciaron All Them Witches. Seguramente estamos ante una versión oriental de los de Nashville. Un tema catártico en el que no faltan riffs pesados entre sus embriagadoras fragancias.

Los ritmos del folclore tradicional están presentes en “Wave High”. Un tema que conjuga pasajes psicodélicos llenos de fuerza con los ritmos tradicionales procedentes de las antiguas civilizaciones del mediterráneo más oriental. La encrucijada entre oriente y occidente nos ofrece momentos deliciosos en los que la psicodelia más atmosférica y colorista nos invade con dulzura.

En un ambiente más misterioso, “Sour grapes” entre nebulosas lisérgicas parece arrullarnos con toda su magia. La cálida y penetrante voz Panagiotis fluye entre narcóticos pasajes de psicodelia en línea Dead Meadow. Esa pausa en su desarrollo hace que el tema penetre en nuestros sentidos ofreciéndonos melancólicos momentos en los que asoman los pasajes exóticos en un espacio entre sombras que por momentos resulta inquietante, pero a su vez narcótico. Crujientes pasajes de bajo elevan el tema a un escenario más cercano a postulados Stoner, lo que hace que el corte adquiera consistencia. La parte final se deja llevar por lánguidos pasajes más cercanos a All Them Witches.

“The Well” se sumerge en embriagadoras atmósferas llenas de misticismo. Su exotismo nos eleva a una dimensión sensorial en el que la redención del alma parece encontrar su espacio. Delicado, y lleno de belleza el tema se desarrolla en un florido jardín que lentamente se va elevando a una luminosidad cargada de romanticismo. Acariciándonos con cada acorde, el trío no duda en ofrecer su faceta más aterciopelada. Un reconfortante tema que acaba explotando con su pesadez en una conjunción de calma y fuerza como pocas veces habíamos visto a ARCADIAN CHILD. Esos momentos fortalecen un tema que evoluciona con una gran fluidez para mostrar las dos caras de una banda que tiene claro su objetivo.

Los atractivos acordes de “Bitter tea” nos devuelven a los dictados de All Them Witches. Místicos, chamánicos y sobre todo repletos de una tractiva belleza, hacen que el tema se eleve en un génesis hechizante que nos sitúa en un espacio con tonos casi progresivos. El contrapunto de los rugosos riffs del bajo dirige el tema a un espacio más pesado en el que siguen sintiéndose igual de cómodos que cuando sacan a relucir su origen mediterráneo. Aquí los ecos alternativos de los noventa parecen querer unirse a una fiesta en la que lo trascendental está muy presente.

Dejando de lado la parte trascendental “Bodies of men” se inclina hacía un espacio de rock psicodélico heredero de los sesenta en el que el blues asoma con timidez. Un tema de rock ondulante con un estribillo más pegadizo sobre armonías de rock con tonos retro. Firme, variado y sobre todo con un carácter más dinámico que nos sitúa en un mundo terrenal alejado de la mística. Aquí los chipriotas se muestran mucho más directos.

“Raising fire” se construye con cadentes riffs que nos sitúan en el espacio místico en el que la banda mejor parece moverse. Una atractiva melodía llena de fuerza hace subir las revoluciones de una manera contenida. Hipnótico y cálido, el tema crea un estado catártico en el que la psicodelia nos masajea entre efluvios lisérgicos. Los tonos trascendentales nos ofrecen una atmósfera protectora entre la intrínseca pesadez del tema. Sus momentos desgarradores adquieren un gran protagonismo en la parte central del tema para cambiar su carácter en su parte final en la que los psicotrópicos revolotean sobre nosotros crean una particular atmósfera lisérgica.

Para cerrar el álbum, “Protopsycho” el tema que da nombre al trabajo se desarrolla entre cálidos registros vocales. Adquiriendo tintes nostálgicos entre rugosos riffs que aparecen en esos nebulosos pasajes nos devuelven al sonido de los chicos de Nashville. El tema puede reflejar a la perfección el personal sonido de ARCADIAN CHILD.

ARCADIAN CHILD es un cuarteto de rock psicodélico mercurial con sede en Limassol, Chipre. Psicodélicos, potentes y embriagantes, ofrecen su diverso rock fusionado con un ambiente tropezado, patrones alucinógenos y arrebatos catárticos. Con sonidos que rivalizan con las sirenas chillonas del Mediterráneo hasta los oscuros fuelles de Occidente, ARCADIAN CHILD transmite su ritual psicodélico en sus espectáculos en vivo llenos jams donde extienden sus vibraciones hipnóticas. Con un swagger embriagador, riffs sofisticados y letras intencionadas su música resuena a lo largo y ancho. Su álbum debut de 2017 «Afterglow» fue ampliamente aclamado y recibió un apoyo convincente de la creciente escena neo-psicodélica internacional y los rockeros psicodelia de Limassol firmaron con Ripple Music con sede en California en enero de 2018 para reeditarlo en todo el mundo en vinilo. Su esperado estudio de segundo año fue lanzado el 23 de noviembre de 2018 a través de Ripple Music y Rogue Wave Records y recibió múltiples críticas delirantes, llegando a muchas listas de fin de año con los mejores álbumes de 2018. En octubre de 2019, se emparejaron con el sello underground líder «Kozmik Artifactz» para un lanzamiento en vinilo de su tercer álbum que será lanzado el 9 de octubre de 2020

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Reseña: KAVEE.- «Metempsychosis»

Refugiado en el nombre de KAVEE, Valerio Willy Goattin, guitarrista de SLAP GURU y GALAVERNA saca sus demonios en un álbum acústico mediante el que recorre misteriosos paisajes alejados de los ritmos pesados y de esos arrebatos de rabia a los que nos tiene acostumbrados en SLAP GURÚ. Un escape acústico hacia la dimensión onírica de la música en el que saca sus tormentos en temas llenos de sentimiento dando un paso más en su multidisciplinar trabajo como músico Vestido con el traje de loner-folk, combina relajados temas que habitan en grises atmósferas enriqueciéndolos con elementos progresivos y un aura psicodélica. También el blues aparece tímidamente en sus composiciones. Sencillez y pausa para componer un álbum que nació de la pandemia y el aislamiento y en el que se desnuda emocionalmente. Sus cuidadas melodías y el sosiego resultan ser un aliado para la construcción de canciones profundas que se instalan en sonidos más propios de la Europa de los 70’s en contraposición con el sonido más americano de la discografía de SLAP GURÚ. El sólo se basta para desdoblarse tocando guitarras acústicas y eléctricas, banjo, batería, percusiones, bajo, armonio, sitar para crear un marvillos0 álbum de acid-folk bajo su cálida y hechizante voz. Seguramente los más eruditos podrán encontrar dispares y prestigiosas influencias en su sonido, pero en esta ocasión prefiero quedarme únicamente con el resultado, sin buscar más allá. La respuesta está en una atenta escucha del álbum para poder apreciar todo su potencial que es mucho.

¿Con qué nos sorprenderá en la próxima ocasión?

“Metamorphosis”, el tema que da nombre al álbum nos muestra la sutileza acústica con calmados acordes bajo una tenue aura psych. En una atmósfera gris en la que la melancolía se describe entre tonos folk que nos acarician con delicadeza. De aspecto sencillo, su interior contiene suficientes elementos compositivos que delatan su riqueza. Una tierna conjunción de guitarra acústica y eléctrica resulta todo un acierto que aporta más brillo a esas texturas evocadoras de un oscuro y frio día otoñal frente al fuego. Podríamos decir que estamos ante un tema folk, pero en él no faltan elementos progresivos.

Sin abandonar el camino recorrido en el corte anterior, “The lost of the sun” sigue esa ruta folk-prog arropando la cálida y sugerente voz de Willy. Un corte introspectivo con elementos sinfónicos en ese marco de tristeza, algo que es un denominador común en todo el álbum. Con el punto de vista puesto en los 70’s los acordes de guitarra y la voz parecen mirar al pasado, un pasado gris y melancólico.

Con un mayor protagonismo de las melodías “Indian summer” manteniendo el tono folk, nos ofrece un sonido más europeo del que nos tiene acostumbrados con SLAP GURÚ. Un espacio propicio para incorporar instrumentos tradicionales que son coloreados con finos y elegantes solos de guitarra eléctrica. Un susurrante tema con un persistente zumbido en un segundo plano, como si todo estuviera dispuesto en distintos estratos sonoros añadiendo una atmósfera algo psicodélica.

“Like Morphine” es un bello tema construido sobre múltiples arpegios sobre aparecen susurrantes melodías que nos acarician con delicadeza desde su intrínseca sencillez. De corta duración, pero lleno de intensidad.

Como si buscara la luz “Interstellar” parece querer sacarnos de las atormentadas canciones anteriores para buscar espacios más luminosos. Con un pequeño giro en el registro vocal, la rabia se vislumbra en contraposición con las acarameladas melodías vocales de los temas precedentes. Como si hiciera un ejercicio de redención, los demonios salen de las entrañas. Siempre con gran acierto, la guitarra despliega con mesura unos atractivos solos que complementan la base acústica con la que nace.

“An october evening” con el registro vocal más quebrado y una repetición de acordes va construyendo un tema más rugoso y aguardentoso. En una explosión de fuerza todo se acelera con un vertiginoso ritmo en una caída a tumba abierta.

Ecos americanos afloran en “Awakening”, un tema construido sobre una base blues en los que Valerio pone mayor énfasis con un registro vocal desgarrador. La brillantez de la guitarra electrificada sobrevuela los ritmos acústicos.

El álbum cierra con “0101”, un breve epitafio de un minuto con el que pone colofón a un trabajo notable a través del cual nos transmite sentimientos y estados de ánimo desde la sencillez.

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Premiere & reseña: SUCCOPUSS.- «Zuckerguss» (español/english)

(English below)

Os presentamos en exclusiva «ZUCKERGUSS» el nuevo álbum de los austriacos SUCCOPUSS.

SUCCOPUSS es un trío de blues pesado de Viena (Austria) y sus raíces inconfundibles y su trasfondo musical se basan profundamente en el Blues.
Krystof Hümer & Tobias Paul formaron la banda en 2013 a los que se unió Michael Westerkam se unió a la banda con su inconfundible saxofón y coros conviertiendose en un elemento indispensable en el sonido de las banda. El trío toca una interesante mezcla de jazz, blues y hard rock aderezado con voces empapadas de ron con algún tema cantado en español como es el caso de «Comer», en el que los ritmos latinos se fusionan con el blues canalla de garito de luces tenues.

«Swine» nos ofrece fuertes dosis de boogie rock y rockabilly a ritmo frenético en contraste con «No Pain» un corte en el que el blues nuevamente es leit-motiv de la banda arropado por las vibraciones jazz salidas del saxo de Michael, o la elegante «Jean Luc» y húmedo y seductor tema con tonos canallas evocador de algún club nocturno en medio de la madrugada.

La versatilidad del álbum hace que encontremos temas como «Giftler» en el que los pasajes vintage se adornan con una atractiva y sutil psicodelia con el blues presente como en el resto del álbum.

«0110» se desarrolla bajo un sonido sucio en el que el blues y garage-rock se unen en una causa común adornados de efluvios lisérgicos y las habituales dosis jazz.

Entre atmósferas más psicodélicas «Satana» pone la nota ácida a un trabajo crudo pero fresco sin renunciar al blues más pegajoso y seductor. Aquí la banda nos ofrece su corte más experimental.

«Lucky Luke» cierra el álbum con acordes de piano prescindiendo de los registros vocales y mostrando el amor de la banda por el jazz y el blues bajo ritmos de cabaret.
Esta constelación de sonidos ya se podía escuchar en su aclamado EP homónimo lanzado en 2017.

Es el primer álbum de larga duración y marca un hito en la historia de la banda.
Las 10 canciones fueron grabadas por Daniel Schatz en Primitive Studios Vienna en 2019.
Grabado, mezclado y producido por Daniel Schatz
Masterizado por Martin Scheer
Arte y diseño del álbum por Lena Göbel
Diseño y gráficos web por Imaginería Del Mar Muerto

«ZUCKERGUSS» está disponible a partir de hoy a través de StoneFree Records en los siguientes formatos:

Limited Edition Vinyl
Limited to 200 Pieces – 12“ Gatefold 180g Black Vinyl 33rpm
Limited to 100 Pieces – 12“ Gatefold 180g Solid Gold Vinyl 33rpm
Limited to 500 Pieces – Digipak CD
Pressed by Austro Viny

Consíguelo aquí:

http://www.stonefree.co.at/zuckerguss.html?fbclid=IwAR1IqP_EvRgwNuHW_cZuREZ2psdfGo6wf5tr-x6_x2iiqWVl1G-8IAv2w0g

Tracklist:

Alchemist // 02:25
Comer // 03:56
Swine // 01:58
No Pain // 03:27
Giftler // 06:45
Shag Yo Egedre // 03:33
0110 // 03:49
Jean Luc // 06:43
Satana // 06:33
Lucky Luke // 03:38
Total Length: 42:47

English:

We present you exclusively «ZUCKERGUSS» the new album by Austrians SUCCOPUSS.

SUCCOPUSS is a heavy blues trio from Vienna, Austria, and their unmistakable roots and musical background are deeply based on Blues.
Krystof Hümer & Tobias Paul formed the band in 2013 and Michael Westerkam joined the band with his unmistakable saxophone and backing vocals becoming an indispensable element in the sound of the bands. The trio plays an interesting mix of jazz, blues and hard rock seasoned with rum-soaked voices with some song sung in Spanish such as «Comer», in which Latin rhythms merge with the blues rogue disreputable club. «Swine» offers us strong doses of boogie rock and rockabilly to a frenetic rhythm in contrast to «No Pain», a track in which the blues is once again the band’s leitmotif wrapped in jazz vibrations from Michael’s saxophone, or the elegant «Jean Luc» and wet and seductive theme with rogue tones reminiscent of some nightclub in the middle of the morning.

The versatility of the album makes us find songs like «Giftler» in which the vintage passages are adorned with an attractive and subtle psychedelic with the blues present as in the rest of the album.

«0110» takes place under a dirty sound in which blues and garage-rock come together in a common cause adorned with lysergic effluvia and the usual jazzy doses.

Among more psychedelic atmospheres «Satana» puts the acid note to a raw but fresh work without giving up the most catchy and seductive blues. Here the band offers us its most experimental song.

«Lucky Luke» closes the album with piano chords, dispensing with the vocal registers and showing the band’s love for jazz and blues under cabaret rhythms.
This constellation of sounds could already be heard on his acclaimed self-titled EP released in 2017.

It‘s the first full length album and marks a highlight in the bands history.
The 10 songs were recorded by Daniel Schatz at the Primitive Studios Vienna in 2019.
Recorded ,Mixed & Produced by Daniel Schatz
Mastered by Martin Scheer
Album Artwork & Design by Lena Göbel
Layout & Web Graphics by Imaginería Del Mar Muerto.

Get it here:

http://www.stonefree.co.at/zuckerguss.html?fbclid=IwAR1IqP_EvRgwNuHW_cZuREZ2psdfGo6wf5tr-x6_x2iiqWVl1G-8IAv2w0g

Track list:

Alchemist // 02:25
Comer // 03:56
Swine // 01:58
No Pain // 03:27
Giftler // 06:45
Shag Yo Egedre // 03:33
0110 // 03:49
Jean Luc // 06:43
Satana // 06:33
Lucky Luke // 03:38
Total Length: 42:47

https://www.stonefree.co.at/succopuss.html
https://www.succopuss.bandcamp.com
https://www.facebook.com/Succopuss
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Reseña: BLURRED REFLECTIONS.- «Blurred Reflections»

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Los duros tiempos del COVID han conseguido que algunos músicos aprovechen el confinamiento para componer, y en esta ocasión, Maurice Eggenschwiler, guitarra y cantante de BLUES FUNERAL y SANCTUS BELLUM ha aprovechado la cuarentena para desarrollar su proyecto en solitario bajo el nombre de BLURRED REFLECTIONS. Toda una paradoja que nos brinda la oportunidad de deleitarnos con un EP maravilloso en el que el músico de Houston se viste de etiqueta para componer seis bellas canciones que se alejan de las vibraciones pesadas a las que nos tiene acostumbrados con su banda. Toda una elegante exploración de sonidos en los que el jazz y la música progresiva quedan reflejadas con destreza como gran fuente de inspiración para que Maurice cumpla un antiguo deseo al explorar este tipo de terrenos musicales saliendo de su zona de confort. «BLURRED REFLECTIONS» examina nuestra relación con la naturaleza, la mente musical, el fracaso pasado, la introspección y la fortaleza del individuo. Musicalmente, las canciones se inspiran en bandas como: Opeth, Anekdoten, Steven Wilson, Al DiMeola, Camel o King Crimson, que son influencias cruciales para Maurice, incluyendo una instrumentación con elementos como piano, melotrón, órgano, cuerda de acero y guitarra acústica de nylon, así como guitarra eléctrica.

«Fallen sun» , en ese ambiente progresivo que preside todo el trabajo se deja llevar por delicadas melodías desarrolladas en un ambiente sinfónico. Elegantes pasajes de guitarra que toman elementos jazz conforman un aterciopelado corte en una relajada atmósfera en la que la lánguida voz de Maurice nos susurra con mimo.

Sin salir de esa acolchada estancia en la que se desarrolla el tema anterior, «Green hallways» incide más en los elementos jazzísticos, entre cuidados juegos de voces y coros arropados por un sinfonismo lleno de melancolía.

Con las notas del piano clásico «Painted gray» se abre a luz desde la gris atmósfera de la que nace. Un tema sobrio que transita en un espacio soft-rock, progresivo en el que los ecos jazz siguen presentes como en la gran parte de los temas. Bajo ese ambiente melancólico, la belleza de los pasajes de guitarra dotan la canción de una elegancia sublime.

Otra oda a la elegancia encontramos en «Stars in the void». Melancólicos pasajes jazz se adornan con una delicada instrumentación para crear un nuevo espacio de belleza que bebe de las fuentes del sinfonismo de los setenta. Tonos grises en un derroche de sensibilidad compositiva.

«Weightless Darkness» Es un paseo instrumental por pausadas atmósferas en las que la dualidad de guitarra acústica y eléctrica crean un espacio de belleza y relajación. Aquí, sin prisa el músico se deja llevar por momentos en los que la psicodelia aparece con moderación para arrullarnos a través de dulces acordes que denotan la calidad que como músico tiene.

Recuperando las voces y saliendo de la melancolía presente en prácticamente todos sus temas, los ritmos más pesados crea «Gripped By Something More», el tema más luminoso de todo el trabajo. Diseñando las melodías para masajearnos, los elementos progresivos toman un gran peso en una de las canciones más elaborada de un trabajo sencillo pero maravilloso.

Reseña: MOUTH.- «Out of the vortex»

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«OUT OF THE VORTEX» es una recopilación de versiones perdidas y mezclas alternativas procedentes de las sesiones de grabación de los álbumes «VORTEX«, publicado en 2.017 y «FLOATING» DE 2.018. La banda de Colonia ha querido celebrar así el tercer aniversario de la publicación del citado «VORTEX«, el álbum que les puso en boca de todos, para ofrecernos estos temas, únicamente disponibles en su página de bandcamp. Teniendo como objeto cerrar una brecha hasta el próximo álbum que casi tienen ya terminado. El contenido es bastante evidente, tal y como nos recuerda su portada, un híbrido entre los dos álbumes que al fin y al cabo, son la materia prima para este curios trabajo. Aquí podemos encontrar un cara nueva de MOUTH, una faceta probablemente más psicodélica y ácida de la que ofrecen los temas en sus álbumes originales. Temas como «Vortex», manteniendo sus dieciséis minutos de duración, pero sonando más lisergico que el original, y que tal y como me comentaba la propia banda, les parece incluso mejor. Eso sucede también con la breve mezcla alternativa de «Mars of Cyclopes» reducida do exiguos minutos, o «Mountain», que se muestra menos pulida y posiblemente con mayor frescura. Como aliciente, encontramos dos temas inéditos como «Ready», construido bajo una susurrante atmósfera progresiva en tonos sinfónicos que rozan lo pastoral, dejando claro que el terreno hard-progresivo es un territorio en el que se manejan a la perfección con ese aire retro que les caracteriza.«Homagotago’s peddle boat trip» el otro tema inédito, ve al trío transitar por ese apacible bosque psico-progresivo en una equilibrada combinación de teclados y guitarra repartiéndose el protagonismo entre coloridos ritmos de percusión de vocación kraut. MOUTH es una de las bandas que mejor saber reflejar en sus temas ese espíritu vintage evocador del mejor hard-progresivo de los 70’s, y aquí, una vez mas queda fielmente reflejado. Ya solo nos queda esperar ese nuevo álbum en ciernes, para comprobar si el camino de los alemanes sigue siendo el mismo o si por el contrario, nos sorprenden con nuevas rutas.

MOUTH son Christian Koller (voces, guitarras y teclados) Thomas Johnen (bajo) y Nick Mavridis (batería y teclados).

El álbum abre con una versión alternativa de «Vortex», uno de los temas más emblemáticos de MOUTH, y en el que tras una introducción con efectos espaciales que se disipan en el infinito, llega la explosión de su característico órgano pastoral bajo unos tambores ceremoniales y buenas dosis de wah-wah. Cociendo a fuego lento, van ligando el tema mientras la guitarra va adquiriendo el protagonismo. Los bellos momentos progresivos descienden a místicos pasajes antes de emprender una senda psico-progresiva con destino a los 70’s. Creando atmósferas borrosas entre vibrantes ritmos y una particular voz. Casi en forma de jam, la guitarra revolotea sobre la compleja estructura compositiva creando un denso sonido. Con momentos hipnóticos el corte se deja llevar por efluvios psicotrópicos que cambian su carácter. Con pausados y susurrantes acordes el tema se vuelve oscuro y misterioso. En ese enigmático entorno los vestigios de jazz se unen a la fiesta de los sentidos. Como si hubieran atravesado una nueva dimensión, las complejas estructuras progresivas su tornan más narcóticas. Aquí la guitarra soma brillantemente con el órgano más apagado, pero siempre bajo una batería ardiente. El resultado es una bella suite con distintos actos en dieciséis minutos algo más ácidos que el original.

«March of the cyclopes» es un exiguo extracto del original de «VORTEX» mutilada a escaso dos minutos pero manteniendo los solos psicodélicos sobre esas voces y ambientación progresiva con un tono algo menos kraut.

Manteniendo la esencia setentera que les caracteriza, «Mountain» tema incluido también en «VORTEX«, el rock clásico aparece más brillante y luminoso de rock clásico arropado por un manto envolvente del que afloran las guitarras con cierto aroma exótico. Aquí la mezcla es muy similar al original, aunque con algo más de acidez.

«Parade» es un tema bastante más hipnótico que transita por calmados senderos progresivos entre voces y coros. En esta ocasión dejan de lado la rabia de la versión orignal, para ofrecer un aspecto más calmado que el que aparecía en «VORTEX».

El primer tema inédito, «Ready» se desarrolla bajo una cálida y aterciopelada voz entre el cálido sonido del órgano protector. Adentrándose en territorio sinfónico, crea una oscura atmósfera sobre tonos pastorales que no se alejan de la vocación vintage de la banda. Un buen aliciente conocer este lado más desconocido de MOUTH.

El clásico «Macbeth» aparece en una versión más contenida como si realmente fuera la primera pincelada antes de pulir sus aristas. Un tema más crudo y primitivo pero que conserva toda su frescura.

Cerrando el álbum «Homagotago’s peddle boat trip» el segundo corte inédito, nos muestra un groovy pegadizo y contagioso sobre una base psico-progresiva con algún momento inquietante. Un lento y parsimonioso paseo por un nuevo bosque lleno de magnetismo y con una neblina psicotrópica que emana de esa mágica guitarra. Utilizando perfectamente el espacio para que la dualidad órgano-guitarra mantenga un gran equilibrio. Misterio, su carácter repetitivo no supone un obstáculo para su escucha, sino que finalmente acaba atrapándonos entre esos efluvios narcóticos. De igual manera me da la sensación de que al tema le faltan aspectos por pulir, retoques que a la postre solo pueden enriquecerlo.

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