rock – Página 16

Reseña: STEW.- ‘Taste’

Definitivamente, tocando un género como el rock-retro, es muy difícil mostrarse originales, pero STEW son capaces de componer canciones de rock de los 70’s llenas de autenticidad, aun haciendo uso de sus influencias. Si con su álbum debut STEW dejaron boquiabiertos a una parte importante de los amantes del rock de siempre. Ahora, con su nuevo LP ‘TASTE’, dejan claro que han encontrado su propio sonido. Evidentemente las referencias de bandas como WHITESNAKE o FREE, son obvias en muchas de sus canciones. Unas vibraciones de hard-rock o de blues desgarrador, que se soportan en un groovy pegadizo, que rápidamente consigue engancharte. Estos restauradores de los sonidos vintage, cuentan con la voz de Markus para transmitir emociones como pocos. Si bien no es un cantante virtuoso, consigue imprimir a cada canción todo el sentimiento con su registro desgarrador, pero también en los momentos en los que se pone mas tierno. Una voz que transmita es algo fundamental en una banda, pero si a eso unes tres jóvenes, pero talentosos músicos, se produce la cuadratura del círculo. Solventes, tanto en momentos más salvajes, como en esas pausas en las que una atmósfera placentera lo inunda todo, STEW sigue con paso firme afianzándose como una banda a tener muy en cuenta. Porque el trío de Orebro tiene algo, tiene magia, y su amor por el hard y el blues rock, es el motor que les mueve. Una banda que en sus directos conquista al publico con su rock directo y desgarrado, como puede comprobar por segunda vez el pasado verano en tierras alemanas, donde dejaron un fantástico sabor de boca a los asistentes al festival Hoflärm Bakyard Session tocando alguna de las canciones contenidas en este álbum.

Por la senda del blues pesado, «Keep On Praying» suena poderoso con sus riffs stonerizado de puro heavy-blues desgarrador. Su turbio sonido nos lleva a una espiral ácida entre buenos estribillos y coros. EL lado negroide de STEW aflora entre vibraciones plomizas consiguiendo un corte sólido e impactante para ir abriendo boca a lo que nos espera.

‘Still got the time’ gravita entre el blues y el heavy-rock.Los ecos de los comienzos de bandas como WHITESNAKE y y un groovy más propio de FREE van moldeando un corte que suena primitivo y auténtico. Sin salirse de su habitual atmosfera 70’s, el tema camina con paso firme sorteando los meandros con buenos solos afilados. El resultado es un corte evocador y lleno de sentimiento.

Vistiéndose de tonos sureños, ‘You don’t need me’ cambia el registro para presentarnos al trio aparentemente más calmado y con cierto carácter bucólico. Guitarras que emulan por momentos a Duane Allman, y un registro vocal completamente penetrante nos ponen en situación. Haciendo balancearse la melodía desde pasajes suaves hasta momentos de una intensidad desgarradora.Sin duda un corte lleno de luz.

‘Earthless woman’ nos trae pegadizos estribillos y una inclinación por los sonidos heavy-rock con algunas incrustaciones sureñas y pasajes en los que se toman una relativa pausa antes de retomar sus embestidas de hard rock desgarrado y potente. A pesar de la fuerza, el tema mantiene un esmerado trato a la melodía para que el resultado sea completamente apetecible para el oyente. En su versatilidad, podemos encontrar alguna reminiscencia de bandas como CREAM.

En una atmósfera descaradamente retro, ‘All that i need’ juega con el ritmo entre riffs heavy-rock. Un tema divertido y pegadizo que insufla vitalidad. Rabia y tonos de blues decoran en envoltorio de rock clásico con mucha fuerza. La dualidad de voces en esta ocasión consigue dar brillo a los pasajes mas intensos. Mientras, el corte desciende a impostados momentos de pausa, ya que el corte está rebosante de energía. Como viene siendo habitual, el trio juega con los tiempos logrando que el resultado sea atractivo por la versatilidad que ofrecen al oyente. EL tema contiene buenos solos de guitarra asesina en línea a lo que nos tienen acostumbrados

‘Heavy wings’ es puro hard rock setentero de altos vuelos. Siempre con esa carencia más propia de Whitesnake, el tema toma elementos blues que le dotan de una cierta acidez a su vez. Las melodías y sus embestidas de rabia complementan una base rítmica que por momentos coquetea con el Stoner sin perder su esencia de puro rock 70’s. Rock rudo, pero con cuidadas voces y coros para que el resultado sea satisfactorio.

En un tono más festivo, los sonidos retro de ‘Stranger in the city’ beben del blues y del hard rock, pero no reniegan de la psicodelia para colorear sus momentos de pausa. Con un fantástico groovy el tema rezuma buenas vibraciones. Un olor a rock vintage de calidad cubre un tema dinámico y con un ritmo contagioso. Una pausa de tambores deja paso a el virtuosismo de unos solos de guitarra que coquetean con el heavy-rock sin perder su esencia. Dejando también espacio a pasajes de calma en los que crean una cálida atmósfera, para reemprender la subida de intensidad final.

Volviendo a su verdadero ser, el blues regresa en ‘New moon’. Otro corte marca de la casa, que se sumerge en el legado de FREE manteniendo ese groovy imperecedero. Que duda cabe que los giros y cambios que imprimen a sus temas hacen que estos, rompan las cadenas del rock retro al uso. Esto nos lleva a canciones en las que los giros y cambalaches son su argumento principal. De esta manera STEW mantiene la creatividad y se gana su propia reputación

Demostrando que son buenos tanto en los momentos de intensidad como en los más intimistas, ‘When lights go out’ refleja el lado más sentimental de la banda. Con una base de blues y soul, las estrofas vocales se cargan de sentimientos, que van aflorando con fuerza según avanza la canción. Elevando la intensidad en los momentos mas desgarradores, el tema se adorna con una neblina psicodélica, con una guitarra que, en esta ocasión, decide seducirnos con bellos pasajes. Una fascinante canción que pone el broche de oro a un álbum que confirma que STEW tienen un sonido personal a pesar de una banda retro-rock, algo que muchos agradecerán.

STEW

Uprising Records

Reseña: PIEDRA ROJA.-‘Mar en el desierto’

Una banda novel, que se nota que está dando los primeros pasos de su carrera, pero que tiene unos argumentos sólidos para que esos pasos sean firmes. Con su debut, los sevillanos PIEDRA ROJA nos ofrecen un álbum prometedor nacido de una banda con ganas de mostrar al mundo sus emotivas creaciones sonoras, algo que comprobamos en la presentación en vivo que la banda hizo semanas atrás, en Madrid, donde hicieron la puesta de largo de este prometedor álbum. Una banda arriesgada que parece no querer renunciar a la música que han mamado, pero que pretende ampliar su espectro sonoro hacia otras vibraciones. ¿Arriesgado? Sin duda, pero el resultado ofrecido en este debut me hace augurar un futuro prometedor una vez que consigan centrarse en su sonido propio y donde realmente puedan hacer brillar sus mejores cualidades. Estamos ante un álbum conceptual con un sonido envolvente a la vez que pesado, en el que las raíces del rock andaluz y los ritmos tribales nos invitan a un ritual chamánico. Irreverentes y cuidando plenamente su imagen ( en sus actuaciones en directo aparecen con sus cuerpos pintados con colores rituales) no tienen problema en mostrarse descarados y atrevidos en su sonido, algo que les aporta originalidad en su ecléctica propuesta. Todo un estimulante para los sentidos que nos golpea con pasajes progresivos con letras cargadas de mística y misterio. Hard-rock y mucha esencia de su Andalucía natal, unido a pesados riffs Stoner y altas dosis de psicodelia trascendental, hacen de `MAR EN EL DESIERTO’, un álbum peculiar, sorprendente y fascinante a su vez. La vida, la muerte, el tiempo, la memoria o las gestas románticas arropadas por la Madre Tierra, son el argumento de un álbum que no te dejará indiferente.

Los componentes de la banda se presentan al mundo como Cazador a la guitarra rítmica, Explorador en la guitarra solista, Guerrero a la batería, Gran Jefe al bajo y Chamán a las voces, teclados y programaciones. crean la atmósfera perfecta para atraer la atención del espectador e hipnotizarle con su impecable puesta en escena. Las atmósferas son más envolventes y las partes contundentes suenan compactas y directas, creando una comunión perfecta entre la banda y el público.

El disco ha sido coeditado entre la banda y los sellos Ruidoteka Records y Nooirax Producciones. La edición limitada del LP en vinilo rojo puede reservarse desde el bandcamp de la banda.

‘Ritual’ nos introduce en el mágico mundo de los sevillanos PIEDRA ROJA. Una banda ecléctica que no reniega de incorporar a sus canciones tanto elementos progresivos como psicodélicos. Aquí los chamánicos cantos se complementan con una inquietante instrumentación a modo de preludio para lo que nos espera con los siguientes temas.

Desatando las hostilidades con un paisaje heavy-psych impregnado de psicotrópicos. ‘Si algún día’ con un tono trascendental en unas voces que recitan casi más que cantar, la banda crea un tema lleno de magia y misterio. Buenos acordes de guitarra y un relato oscuro van construyendo el tema desde la calma. Con reminiscencias de los pioneros andaluces de los 70’s y con pinceladas progresivas, conjugan las vibraciones más pausadas con golpes de riffs stonerizados con un resultado realmente fascinante.

Inmersos en ese insondable entorno trascendental, ‘Que me lleve la locura’ recupera las vibraciones de su Andalucía natal en otro relato dual en el que la suavidad de sus melodías se enriquece con una fuerte y pesada instrumentación. Susurrante por momentos, el tema gravita en un espacio nebuloso bajo sus místicos y trascendentales pasajes vocales. Cualquier amante del rock andaluz, percibirá las raíces de una banda que no reniega de la tradición con exóticos pasajes de guitarra acoplados a una tupida base rítmica. La conjunción de lo liviano con lo pesado alcanza aquí cotas de alto nivel. El tema nos proporciona un gratificante estado sensorial con sus múltiples efectos y ornamentos heavy-psych y sus tonos andaluces.

La colorista y rítmica ‘El tiempo dirá’ con sus ecos 70’s nos saca del trance para ofrecernos una pieza de rock sólido y pesado en la que la psicodelia se inserta con esmero. Con esa cadencia andaluza, el tema, construido sobre un riff que se repite, ondula por una senda de rock clásico entre elementos progresivos y psicodélicos, toda una constante de este atractivo álbum debut. Los sevillanos dejan patente su buen hacer en los entornos Stoner, sin renegar a su esencia psicodélica y de puro hard & heavy rock.

Ahora en tonos más atmosféricos y progresivos, ‘Mar en el desierto’ cambia el registro para ofrecernos intrincados pasajes envolventes y penetrantes. Los teclados toman las riendas del tema para ir moldeándolo sin prisa y sin salir del entorno oscuro y trascendental. Todo un entorno experimental que sirve como pausa a su relato.

‘Bailaré’ índice en una fórmula que a PIEDRA ROJA le funciona. Oscuras melodías vocales se custodian con riffs ásperos en contraste con el verdadero espíritu psico progresivo de la canción. Sin renunciar a sus gens andaluces, construyen un tema psico-progresivo con fuertes dosis de pesadez. Algo que queda patente en la descomunal estampida de pesadez que el corte nos ofrece en su parte central. Como en cada canción, nada es lineal en este debut, el tema serpentea en distintos entornos sonoros rozando las fronteras de la psicodelia pesada y el hard-progresivo, en esta ocasión con unas entrañas más plomizas.

Cuando una banda compone un tema de larga duración, siempre se prepara un espacio para desarrollar todo su potencial. Ese es el caso de ‘Suplicándole a la muerte’. Oscura poesía y una mirada al pasado se palpan en una canción que mantiene la dualidad entre lo pesado y lo ensoñador. El carácter trascendental del relato flota entre acordes más propios de los post-rock estratificados en un nivel inferior a sus solos ácidos y pesados. Todo un espacio para el lucimiento de una banda novel, pero con muy buenos argumentos. Contundentes, pero con el suficiente arte como para ofrecer salidas diferentes a cada canción manteniéndose fieles a su esencia.

Con otro tema largo de ocho minutos, ponen el cierre a un trabajo prometedor. Los cantos ancestrales de ‘Respira’, son sumergen en un entorno chamánico. Pinceladas post-rock y un manto de psicodelia oscura y humeante van tejiendo el verdadero sonido de la canción. Profundos pasajes trascendentales y una delicada e inquietante ambientación instrumental, nos lleva a un espacio redentor. La rudimentaria voz trata de transmitir todo su desasosiego entre una ambientación lisérgica en la que los elementos progresivos no fallan a su cita. El protagonismo del relato vocal en la primera parte del tema da paso a desarrollos psico-progresivos de alto nivel. El tema se dota de épica en su parte final, dejándonos la sensación de que la historia continuará….

Piedra Roja

Nooirax Producciones

Ruidoteka Records

Reseña: GREEN DESERT WATER.- ‘Black harvest’

Los asturianos GREEN DESERT WATER nos presentan un álbum con canciones vestidas con ropajes modernos, pero que esconden unas entrañas de puro hard-rock psicodélico 70’s y unos genes de blues ácido. Desde sus comienzos, la banda ha ido modulando su sonido, y ahora, unos años después, las cabalgatas psicodélicas dejan un mayor espacio a las andanadas de hard-rock crudo, con una innegable alma Stoner. ‘BLACK HARVEST’ contiene melodías que te sonarán familiares, desde guiños a Fleetwood Mac, hasta pleitesías a los legados de Hendrix y Sabbath, como emocionantes momentos de blues lisérgico. Con estos ingredientes, te será difícil escapar a su poder de seducción, ya que tras unos minutos, te encontrar atrapado en un mundo seno de sensaciones. Todo un crisol de referencias a las que los de Oviedo no quieren renunciar, para transformarlas en un relato personal lleno de autenticidad. Porque GREEN DESERT WATER es una banda que suena a honestidad, y que pone todo su amor en cada nueva canción. Canciones con un aspecto duro y contundente, pero que están empapadas de bourbon y humo cannabico. Con el encanto de que cada canción te sonará familiar, probablemente dirás…. ¿Qué es esto? ¿A qué me suena? y rápidamente te contestaras, ¡¡¡es igual!! ¡¡Me gusta!,¡¡es cojonudo!! Esa es la magia que tiene este poderoso álbum de rock sin aditivos, a la vieja usanza, pero sin desdeñar las nueva vibraciones pesadas.

‘BLACK HARVEST’ está disponible vía SmallStone Records.

GREEN DESERT WATER son: Juan Arias García (bajo fuzz) , Dani Barcena (batería, percusión), Kike Sanchís (guitarras y voces)

Invitados: Kent Stump (WO-FAT) (guitarra adicional) y Álvaro Barcena (coros).

‘Sacred tree’ oscila entre rabiosos golpes de Stoner, blues y hard rock desgarrado y humeante. Midiendo los tiempos y la fuerza de cada pasaje, el tema serpentea entre coros y vibrantes estribillos que galopan a lomos de una montura de rock salvaje y ácido hasta las trancas. Solos asesinos, oscuros momentos pesados, y un ritmo trepidante, conforman una canción notable y fascinante con sabor a 70’s.

Empezando donde lo dejó el tema anterior, ‘Dead sacred tree’ nos golpea con pesados y lentos riffs de tono Sabbath y una ahogada voz cazallera, de puro blues humeante. Solos salvajes se mezclan con golpes de Stoner-doom plomizo y parsimonioso.El tema ofrece una atractiva melodía para completar su seductora imagen.

Con una apertura que me recuerda el clásico ‘Oh well’ de Peter Green, ‘Two many wizards’ nos devuelve el blues stonerizado entre nebulosas heavy-psych. Midiendo los tiempos para que el tema no pierda su tempo, consiguen un corte rabioso en el que el ritmo variante se encaja con total esmero. Un tema directo y potente que te dejará noqueado una vez más.

‘Black Harvest’ nace de una gruesa y cadente línea de bajo que nos indica el camino hacia un bosque lisérgico.Turbio y envuelto en nebulosas cannábicas, el tema nos narcotiza con hipnóticos riffs. Aquí los asturianos se lo toman con calma antes de central el verdadero espíritu del corte y no es otro que un compendio de rock ácido y pesado con salpicaduras de blues. Unas bases que se repiten en la mayoría de las canciones, pero que, en cada ocasión, nos ofrecen un resultado diferente.

Una galopada inicial nos empuja hacia una ladera Stoner-doom en ‘The whale’ . Despeñados por esa pendiente el tema prosigue por entornos más tupidos y chispeantes a golpes de heavy-blues .

El hard rock pegadizo ‘Shelter of gurú’ nos recuerda que estos chicos se manejas bien en aguas retro. Cuidando las melodías vocales el corte suena a puro rock 70’s. Con un ritmo completamente contagiosos, el tema se muestra lascivo, seduciéndonos con descaro hasta sumergirnos en un escenario de blues chamánico. Con humeantes nebulosas pantanosas, el tema desprende intoxicantes brebajes que acaban por aturdirnos. La canción se despierta del letargo par, como una estampida de búfalos, arrollarnos con hordas de heavy-rock rugoso y trepidante.

‘Soul blind’ a modo de epilogo, se desarrolla sobre una estructura de blues ácido pero cálido y reconfortante. Con bellos acordes de guitarra, GREEN DESERT WATER parece regresar a sus origines mas primitivos para calmar nuestros sentidos con un gratificante bálsamo sonoro. En la segunda mitad, el corte despierta con una espiral de riffs que elevan la temperatura y nos devuelven a ese ambiente vintage llegado de lo mas profundo de los 70’s. Cortando súbitamente la hemorragia rítmica, el corte frena por sorpresa y nos deposita en una cálida y psicotrópica atmósfera mas propia de los mismísimos FREE.

Green Desert Water

Small Stone Records

Reseña: MARAGDA.- ‘Maragda’

Sin saber claro ni ellos mismos como definir realmente su sonido, el trío barcelonés MARAGDA grababa su álbum debut, ahora ese bebé llega al mundo para fascinarnos con su versatilidad y creatividad. Todo un arco iris sonoro que abarca momento verdaderos momentos psicotrópicos envueltos en boscosas neblinas progresivas. Son muchas las vibraciones que contienen unas canciones en las que las algodonadas melodías contrastan con embestidas de riffs que nacen de la cantera del stoner- metal. No tenemos muchas bandas en España que experimenten con sonidos más propios de Motorpsycho y a su vez nos ofrezcan espirales lisérgicas en línea Earthless o Slift. Su eclecticismo llega a retomar momentos más propios del rock de los 70’s para mestizarlo con vibraciones neo-psicodélicas. El trio sin duda, se maneja bien en estas lides, ya que, desde el magnetismo de su bajista, los poderosos e infatigables ritmos de su batería, hasta las bacanales psicotrópicas de su guitarrista, consiguen que el oyente disfrute de un fascinante viaje. Si a esto unimos, las cuidadas melodías de sus canciones, podemos decir, sin temor a equivocarnos, que estamos ante uno de los trabajos españoles más fascinantes de los últimos tiempos. Teniendo en cuenta que MARAGDA son una banda novel, su irrupción en la escena no podía hacerse de mejor manera. En este álbum no encontrar canciones lineales, por el contrario, los giros en la trama de cada una de ellas, es precisamente su mayor aval. Si quieres salir de los convencionalismos y explorar nuevas rutas sonoras, no deberías perderte este magnífico álbum.

El álbum debut del trío cuenta la historia de Maragda, una antigua civilización que tras el Gran Desastre se vio forzada a buscar refugio en el subsuelo… Con el transcurrir de los años, los recuerdos de la vida en superficie eran eso, solo vagos recuerdos. El pueblo finalmente se acostumbró a vivir bajo la opresión de un gobierno totalitario conocido como The Core. Sin embargo, todo cambió el día en que la gente comenzó a escuchar la llamada de sus voces interiores… Un grupo de rebeldes armados de valor comenzaron una expedición por La Oscuridad, dispuestos a descubrir todos los secretos que escondía Maragda.»
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Para este debut han contado con Edgard Beltri (La Atlántida Estudio) en la producción, grabación y mezcla; y Peter Deimel (Black Box Studio) en la masterización; además de Error! Design en el apartado gráfico. ‘MARAGDA’, estará disponible el 15 de octubre en formatos digital, streaming y compact disc, además de una edición en vinilo ultra-limitada a 300 copias exclusivamente gracias a una co-edición hispano-americana entre Spinda Records, Nafra Records y Necio Records.

MARAGDA son:
Marçal Itarte: bajo y voces
Guilem Tora: guitarra
Xavi Pasqual: bateria

‘The core as the whole’ abre golpeando directo a la yugular con poderoso riffs para ir moldeándose para ofrecernos un sonido colorista. Esta impactante apertura deja paso a desarrollos progresivos con melódicos pasajes y un aroma psicodélico más propio de los 70’s. Describiendo un entorno mágico sus acordes nos susurran proporcionándonos un estado balsámico. Hipnótico y repetitivo en su armonía, pero con el suficiente gancho para atraparnos en su narrativa. El tema cuenta con un magnífico trabajo de guitarra y una composición ciertamente creativa. Todo un viaje de ida y vuelta con un trayecto fascinante que acaba apagándose lentamente.

Sumidos en ese espacio de experimentación, ‘The calling’ se muestra plácido en sus melodías desarrollándose en una atmósfera psico-progresiva con atractivos ornamentos sonoros. Ritmos acelerados y voces melódicas cohabitan con solos asesinos junto a una cadente y magnética línea de bajo. Si bien su base rítmica es implacable, el corte serpentea en un apacible escenario sonoro sin perder por un momento su dinamismo. La riqueza compositiva y un sonido cristalino hacen el resto en otro tema con unas entrañas robustas.

La pulsante línea de bajo de ‘Orb of delusion’ da paso a lánguidas voces que nos sumergen en un caleidoscopio lisérgico con un sonido estratificado pero que logran entrelazar en una narrativa única. Nuevamente encontramos esos solos de guitarra que se estiran hasta el infinito custodiados por el poderoso y cadente bajo. Siempre retorciendo sus temas, MARAGDA se aleja de los convencionalismos para ofrecer alicientes al oyente con su sonido.

Oscuro y lento, ‘Crystal pasage’ toma prestados elementos místicos para seducirnos a un meditativo entorno lleno de magia. Relajante y magnético, el corte prescinde de las voces para invitarnos a expandir nuestros sentidos con su cálido y reconfortante sonido.

En la apertura de ‘Beyond the ruins,’ MARAGDA nos enseña su lado más pesado. Frenéticos riffs pesados nos sitúan en un nuevo escenario sonoro. Custodiados por ese monolítico y penetrante bajo la banda juega con distintos elementos creando un espiral diabólica de sonidos que nunca sabes a donde te van a llevar, ahí, precisamente reside su encanto. El lado más Stoner de la banda hace acto de presencia en contraposición con atmosféricos pasajes psico-progresivos. Una frenética escapada hacia adelante en una exploración de insondables y versátiles escenarios sonoros que por momentos miran al pasado.

Sin darnos cuenta, llegamos al último corte del álbum. ‘The blue ceiling’ retoma la narrativa psico-progresiva con ecos de los 70’s en otro tema con multitud de matices sonoros. Dinámico y siempre con la vista puesta al frente, la canción no reniega de distintas influencias sonoras, a pesar de su espíritu progresivo. Incorporando sintetizadores consiguen crear una atmósfera ensoñadora a modo de pentagrama sobre el que van insertando sus notas en un impostado caos que finalmente resulta con sentido. Ecos sureños incluso afloran entre sus armonías, lo que nos da muestra de que estos chicos tiene un amplio abanico de influencias. Nuevamente la guitarra se extenúa en solos infinitos hasta desaparecer en la lejanía en lo que parece más una jam, o un tema cuyo final no está aún escrito.

Reseña: OUR MAN IN THE BRONZE AGE.- ‘Hexed endeavours’

OUR MAN IN THE BRONZE AGE nos vierte una docena de aventuras cinematográficas en un vacío de bronce en su nuevo álbum ‘HEXED ENDEAVOUS’ editado por el sello Fr33zehead Records. Su sonido devastadoramente efectivo, cuenta con múltiples tentáculos para atrapar al oyente. Sobre una base armónica inminentemente progresiva, los ecos post-rock, Stoner, post-metal y arropan dulces voces melodías. Desde un piano nostálgico hasta olas apocalípticas de riff-rock sin complejos, el quinteto británico nos ofrece una experiencia enormemente inmersiva con más de una hora de canciones monumentales. Teniendo en cuenta que cuatro de sus miembros aportan sus voces, podemos intuir los tintes monumentales que pueden adquirir sus melodías. Si a eso, unimos a sus dos baterías, haciendo que los ritmos se eleven y desciendan a su antojo, puedes imaginar el resultado. Cinco músicos brillando con un ‘todo’ conjuntado y eficaz que no reniega de fusionar sin fisuras elementos pesados de metal con pasajes sinfónicos y seductoras pasajes melódicos. Sus megalíticos y monumentales temas atrapan al oyente a una narrativa que canaliza riffs crepitantes, huesos marchitos y un ingenio seco en una nave cósmica que se pavonea de una forma devastadora, pero a su vez majestuosa. Un regreso triunfal tras cinco años de silencio.

‘Intro (The Rise Of Bronze)‘ abre el álbum a modo presentación en un génesis en el que a lo largo de minuto y medio las voces se elevan entre una cortina de difusos sonidos.

Una vez presentados ‘The Fall Of Athens’ eclosiona con rugosos riffs Stoner y unos poderoso tambores que retumban entre una cortina de vibraciones borrosas. Tras esta eclosión inicia , bellas melodías post-rock nos acarician con dulzura. Una vibra progresiva en sus melodías vocales el tema nos narcotiza con un hipnótico sonido de bajo.

Con un sonido más metálico y cadente, ‘Midnight lovers’ golpea entre melodías atractivas de rock potente. Su contagiosos groovy nos ofrece un contraste entre las voces y el hipnótico ritmo de las dos baterías. En un escenario de metal progresivo, el tema se recubre de elementos que amortiguan su sonido con contagiosos estribillos. Sin duda un tema que nos engancha y nos deja con ganas de mas de esa fantástica pócima.

Cambiando el registro, los ritmos que coquetean con el boogie-rock ‘Cramphands’ se unen a una bacanal de poderoso sonidos progresivos. Jugando con la intensidad y con distintos estilos, los británicos construyen un corte ecléctico y de atmósfera cambiante. Torbellinos sonoros en contraste con pasajes más sosegados en los que muestran su cara más alternativa, sin renunciar a los elementos progresivos.

Con ‘Black widow’ los británicos retoman la senda progresiva con voces empapadas y acordes que se inclinan a una ladera post-rock. Una bella canción que profundiza en la melodía frenando su ímpetu instrumental. Toda una dualidad con acolchados pasajes y un trasfondo que se va tornando más borroso y por momentos psicodélico. El tema muere entre esos ecos alternativos que siempre se vislumbran en las canciones de la banda.

‘Ramblings’, con sus ocho minutos, y siendo el corte de mayor duración del álbum, se toma su tiempo para encontrar el camino a seguir. Piano y un ritmo inquebrantable, van creando una canción progresiva. Con la belleza de sus suaves melodías, el tema flota en un algodonado entorno progresivo. Acolchadas guitarras y una tenue instrumentación van construyendo un agradable relato sonoro con pinceladas clásica. Con las guitarras revoloteando, el tema se eleva entre ecos post-rock, dulces melodías y una exuberante instrumentación. Una balsámica canción diseñada para alborotarse en momentos puntuales. El resultado es una notable composición que acaba por seducir al oyente en su melancólica ambientación.

Cambiando completamente de escenario, ‘Brutus’ es el espacio para reflejar las veleidades de metal progresivo intrínsecas en los británicos. Un sonido potente, pero melódico va creando un espacio en el que los turbios riffs dan el relevo a suaves desarrollos cuasi sinfónicos, que equilibran la balanza de la pesadez. Serpenteando entre los dictados del post-rock, y las reverberaciones progresivas más plomizas, el corte muestra su fiereza.

‘Bill odyssey’ retoma el piano clásico para poner vida a una melancólica atmósfera gris en los hermosos pasajes nos sumergen en un reconfortante mundo de tonos grises. Una vez allí el sonido se expande grandilocuente con pesados riffs y tabores casi rituales.

Uniendo el legado del rock progresivo de los 70’s y las vibraciones pesadas contemporáneas ‘Hexed Endeavour’ coquetea con elementos Stoner entre melodiosas voces superpuestas con un resultado emocionante y resultón. Un corte con un crisol de vibraciones que se asoman a precipicios rocosos y plomizos pero asentado en armonías melódicas.

Un corte de inminente carácter alternativo como ‘Coma haircut’ hace que el quinteto de otra nueva vuelta de tuerca a su sonido. Ecos de los ochenta afloran en unas voces que flotan entre ritmos oscilantes y que miran de reojo un pasado más psicodélico e hipnótico. Sin duda un sonido moderno y creativo que parece no renunciar a nada.

‘Out the begining’ juega con los ritmos y con melodiosos pasajes que auguran una eclosión. Poco a poco el tema va tomando tintes más monumentales. Cambiando su fisonomía, el metal progresivo aparece entre melódicos estribillos, haciendo que la canción se vuelva más rugosa y punzante por momentos. Todo un espejismo que deja paso a momentos monumentales que acbaan en un final más propio de una banda post-metal.

OUR MAN IN THE BRONZE AGE son una banda capaz de cambiar el registro en cada canción sin renunciar a su esencia. ‘Two squares meala’ lo deja patente con su conjunción post-rock, alternativa progresiva. Una suave pero punzante instrumentación sirve de base a bellos y aterciopelados juegos vocales.

Este excelso trabajo pone su cierre con ‘She’, una canción en la que el piano clásico vuelve a retomar atmósferas progresivas en forma casi de balada. Suave, susurrante y reconfortante, el tema sirve de precioso epílogo a un trabajo monumental y lleno elementos sonoros.

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