hard-rock – Página 33

Reseña: CLOUDS TASTE SATANIC.- ‘Cloud Covered’

Como nos venían anunciando en las últimas semanas, el cuarteto instrumental post-doom CLOUDS TASTE SATANIC regresa con su séptimo álbum de larga duración, ‘CLOUD COVERED‘ vía Kinda Like Music . El nuevo disco presenta versiones de canciones que han tenido una profunda influencia en la banda pero que no son necesariamente del género Metal/Doom al que nos tienen acostumbrados, pero lo cierto, es que en este álbum adquieren una nueva dimensión. Puede parecer atrevido incluir en un mismo álbum versiones de músicos y bandas tan dispares como Elton John, Nirvana, Pink Floyd, Cheap Trick, Flaming Lips, Black Sabbath, Bachman Turner Overdrive o The Pixies, pero CLOUDS TASTE SATANIC, lo hacen sin ningún pudor y el resultado es sencillamente sobresaliente. Sabemos ya como se las gastan los neoyorquinos, una banda que en sus comienzos exploraban los sonidos doom dándoles un toque especial y que en cada trabajo se nota su evolución y madurez, elaborando más cada canción. A veces no es fácil llegar al público con álbumes instrumentales, pero estos chicos saben perfectamente como hacerlo, y ‘CLOUD COVERED‘ es una prueba irrefutable de ello.

Algunas partes del álbum se vieron en ‘The Satanic Singles Series’, que lanzó su primera de cuatro partes el 6 de noviembre de 2020, con ‘Funeral For A Friend’ ‘Also Sprach Zarathustra‘. Se lanzaron tres sencillos más en diciembre, enero y febrero, lo que condujo al álbum de larga duración ‘CLOUD COVERED’, que tiene dos canciones adicionales que no se publicaron en la serie.

CLOUD TASTE SATANIC nació en Brooklyn, Nueva York en 2013. Estos instrumentistas de Post-Doom se han ganado una reputación constante como una de las pocas bandas underground realmente geniales con riffs DIY que tocan en la actualidad. Desarrollando paciente y deliberadamente un sonido único que fusiona Stoner Rock dominado por riffs con Heavy Doom, su show en vivo es una exhibición atmosférica multisensorial, que ofrece una verdadera experiencia y un compañero para sus álbumes.

En 2014, la banda lanzó su álbum debut, ‘To Sleep Beyond the Earth‘. El debut, junto con el segundo álbum ‘Your Doom Has Come‘ (2015), el tercer álbum ‘Dawn of the Satanic Age (2016), el cuarto álbum The Glitter of Infinite Hell (2017) y sus lanzamientos más recientes ‘Evil Eye‘ y ‘Second Sight‘ (ambos en 2019) cosechando grandes elogios en los medios especializados. La banda celebró su quinto aniversario en 2018 con el lanzamiento de ‘In Search of Heavy‘ , una caja de cuatro CD de su discografía completa de 2014-2018.

El álbum abre con ‘Funeral for a friend’ canción original de Elton John que en su formato original transitaba por una senda sinfónica con melodías pegadizas, pero también con una cierta inclinación rock. Los neoyorkinos la remozan hasta hacer que la épica se adueñe de un tema en el que las guitarras se incrustan en sus pasajes progresivos. Aportando pinceladas de metal consiguen crear un tema poderoso pero lleno de magia que no pierde su esencia original.

Tras ese primer impacto, el legado Sabbath aparece con su particular versión de ‘Behind The Wall Of Sleep.’ Todo un clásico del proto-metal en el que prescinden de las voces (como en todos sus temas) y con una densa instrumentación reactualizan su sonido con un magnífico trabajo de bajo y de guitarras asesinas. Sin duda un magnífico homenaje a una banda referente para la mayoría de las bandas de la escena pesada.

Pero si hay temas realmente impactantes en este álbum, ‘If you leave me now’ el clásico de CHICAGO, es uno de ellos. Un sonido pesado y un trabajo de guitarra sobresaliente da cuerpo a un tema que en su versión original es una bella balada y que a quí cobra una dimensión superlativa. Posiblemente la mejor forma de hacer llegar una canción clásica a una horda de fans que jamás su hubieran atrevido a explorar la versión original. Excelsa, gruesa pero sencillamente maravillosa. Los desarrollos de guitarra mantienen la esencia entre una atmósfera ciertamente inconmensurable.

Otra banda referente para las nuevas generaciones es Nirvana, y aquí también tienen su particular recuerdo con ‘Blew’, seguramente uno de los buques insignia de su álbum ‘Bleach’. Multiplicando la pesadez de su sonido con crujientes riffs y convirtiéndola en una canción doom con un resultado fascinante.

Otra balada, en esta ocasión de The Flaming Lips, se trasviste de pasajes post-doom creando una atmósfera mágica con momentos más propios de los dictados post-rock. Así ‘Sleeping ob the roof’ cambia su aspecto para desarrollarse en un espacio catártico con incrustaciones psicodélicas.

Con una narrativa de oscura ciencia ficción ‘Also Sprach Zarathustra’ se convierte en un tema apocalíptico.

Otro clásico del hard-rock de los 70’s son los canadienses Bachman Turner Overdrive. En esta ocasión unen sus temas ‘Not Fragile/Free Wheelin‘. Absolutamente contundente y con un sonido contemporáneo las vibraciones doom se conjugan con el espíritu hard rock. Sin duda un gran homenaje a una banda que debió de tener un mayor reconocimiento del que realmente la historia del rock le ha dado. La conjunción del poderoso sonido del bajo con las guitarras asesinas hace que el resultado sea brillante.

‘Cecilia Ann’ es un tema del que personalmente guardo un grato recuerdo de juventud. The Pixies, sin ser una de mis bandas favoritas, con su álbum ‘Bossanova’ me cautivaron en su momento. La curiosa combinación de un tema instrumental con otro lleno de garra y fuerza como es ‘Rock music’ hace que el resultado sea notable. Adaptándolo a su particular sonido oscuro, consiguen que el tema sea reconocible en esta particular versión. Una primera parte doomy y atmosférica que refleja la esencia de CTS, y una segunda parte explosiva, pesada, pero a su vez, delicada.

Resulta curioso que sea ‘Auf Wiedersehen’ el tema elegido para versionar a una banda como Cheap Trick, otros que parecen olvidados para las nuevas generaciones pero que en sus tiempos construyeron muchas canciones-himnos. Ésta puede que no sea su canción más representativa, pero, ¿Por qué no?. Sin duda aquí cualquier parecido con la original parece no estar demasiado cercano. Travestida de potentes y crujientes riffs, el tema parte con una apertura pesada para ir adaptándose a los riff pegadizos de la original en una versión cruda y muy plomiza que posiblemente adolece de esos estribillos pegadizos, pero que aun así, mantiene la esencia de sus armonías contagiosas.

Este repaso a las influencias de CLOUDS TASTE SATANIC, cierra por todo lo alto con dos clásicos de Pink Floyd unidos en solo tema. ‘In The Flesh?‘/‘One Of These Days’. Dos canciones distintas de dos álbumes completamente diferentes como son ‘Meddle’ y ‘The Wall’. Esta versión es bastante fiel al original en su primera parte, es posible que riffs tan reconocibles como los que contiene ‘In The Flesh’ hagan que sea difícil separarse del original. Dos minutos de apoteósica introducción para sumergirse en un espacio psico-espacial como el que nos propone ‘One of this days’. Aquí la bacanal de guitarras explota a lo ancho del cosmos para ofrecer al oyente un auténtico big-bang sonoro de dimensiones cósmicas. El resultado es apoteósico.

CLOUDS TASTE SATANIC son:
Steve Scavuzzo – Guitarra
Rob Halstead – Bajo
Greg Acampora – Batería
Brian Bauhs – Guitarra

https: // cloudstastesatanic. bandcamp.com/
https://www.facebook.com/ CloudsTasteSatanic /
https://www.instagram.com/ cloudstastesatanic /
https://twitter.com/ SatanicClouds
https://open.spotify.com/ artista / 5QidF8yXlvTyGkDy24JImY
https://www.youtube.com/ channel / UCvVu8mcXrE2eVjq_ ApcGBmw

Reseña: POLYFRENETICS.- ‘Polyfrenetics’

Los noruegos POLYFRENETICS liberan su EP debut. Un trabajo con cuatro sólidos temas que conjugan distintas influencias sonoras que van desde el hard-rock, la psicodelia, proto-metal, rock progresivo y la música punk con cierto espíritu stoner-doom. El cóctel sonoro resulta de lo más versátil y apetecible. Sin decantarse definitivamente por ningún estilo no renuncian a golpearnos con riffs envolventes entre una tormenta de fuzz, en contraposición con pasajes en los que el metal progresivo parece apoderare de su sonido. Con una energía punk, sus tambores golpean con fuerza para activar nuestras articulaciones en una particular apuesta sonora.

La banda se formó en Oslo en el 2008 por Are Linnerud (guitarra) y Per Erik Saeter (bajo y voz) (alias: Toxic Twins), que habían estado juntos en varias bandas diferentes de forma intermitente desde mediados de los 90, pero nunca encontraron su espacio, lugar o compañeros en otras bandas. Esto se debió principalmente al daño infligido por tocar en bandas de rock progresivo a mediados y finales de los 90, su hostilidad general hacia la sociedad y sus habitantes, el abuso de sustancias y el trauma infantil. No fue hasta que empezaron a hacer su propia bebida psicodélica de brutal rock progresivo con sus corazones infestados de punk, las cosas empezaron a suceder. Poco después de esto, reclutaron al baterista Sven Martin Jørgensen (Dr. Jorgensen), y algún tiempo después a otro amigo y libertino, Nicholas Chung (Mr. Chung). La banda hizo algunos conciertos y grabaciones, pero todo se detuvo repentinamente en 2015 cuando el Dr. Jorgensen decidió dejar la banda y seguir su sueño de perseguir salmones en la Patagonia. Afortunadamente para la banda, muchos de sus «supuestos amigos» eran solistas y aspirantes a cantantes/compositores que necesitaban desesperadamente un ingreso estable para soportar las consecuencias de sus enormes habilidades de reproducción, por lo que la banda persuadió a su amigo y guitarrista Anders. Nannestad (AN) para completar la batería, mientras que la banda finalizaba la primera etapa de su gira «High Gain, Low Expectations Tour». Aunque esto fue en 2016, AN todavía está en la banda, lo que demuestra el hecho de que los mejores guitarristas mediocres son realmente los mejores bateristas. Avance rápido hasta aprox. 2019 y la banda está en racha escribiendo canciones, tocando y yendo con frecuencia al estudio para grabar pistas, cuando el Sr. Chung decide dejarlo. Lo ha tenido con las travesuras de la banda, y ahora está decidido a dedicar el resto de su vida adulta a restaurar video juegos de los 80 a su estado original de su época dorada. Con horas de grabaciones de estudio y un montón de canciones sin terminar, la banda se reagrupa para averiguar qué hacer a continuación. Mientras eliminaba las pistas que podían y no podían terminarse en un tiempo razonable, rastreaban las partes sin terminar en el estudio, etc., se hizo obvio que la banda necesitaba otro guitarrista. A mediados / finales de los 90, mientras intentaban tocar rock progresivo de la época comprendida entre 1967 y 1974, en un mundo que carecía de rock por cualquier medio, los «Toxic Twins» tocaban con otro brillante swinger llamado Simen Bing Stafseng (Bingo). Para cuando la banda progresiva, en la que todos tocaban, implosionó en su propio esmegma de bateristas cantantes, micrófonos de diadema, violines, flautas, saxofón, violonchelo y todo eso, Bingo había perdido interés en el glamour y el brillo del negocio de la música. Después de una gira por Alemania, con otra banda, Bingo buscaba en cambio una carrera más lucrativa en la filmación de películas, comerciales y otras películas de carácter dudoso. Por supuesto, esto fue en un intento fallido de llenar el vacío que solo los viejos amplificadores Marshall, los pedales fuzz vintage y las guitarras japonesas de los 70 pueden llenar. Así sucedió que Bingo terminó jugando con los dos mismos boneheads con los que jugó unos veinte y tantos años antes y un tercer guitarrista que tiene que tocar la batería para poder alimentar a todos sus hijos. La vida es realmente extraña, pero no divertida. Debido a un total de diez niños, crisis de la mediana edad, cambios de formación, estragos personales, guerra psíquica interna y «la vida como no queremos saberla», el EP debut de POLYFRENETICS no ha estado disponible para el público en general hasta ahora . La banda finalmente se puso de acuerdo y decidió lanzar algunas de las grabaciones que hicieron en breves intervalos entre el verano de 2019 y la primavera de202. Este monstruo del punk progresivo psicodélico pesado brutal que es POLYFRENETICS, ya está disponible.

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Reseña: CURLY MANE.- ‘I need rock and roll’

‘I NEED ROCK AND ROLL’ es el debut de los madrileños CURLY MANE. Alto y claro, el título del álbum no necesita explicación siendo toda una declaración de intenciones de una banda que pisa fuerte. Con 16 años Elena comienza su andadura por los escenarios con la banda LIZZIES para ahora crear, junto con Willy de la banda GRIM COMET, este nuevo proyecto. Con una actitud desbordante y con identidad clara, CURLY MANE nace de la pasión por el Rock and Roll en todas sus dimensiones. Con seis temas directos de pura energía rockera, el trio no te dejará indiferente. En un tiempo en el que a veces la autenticidad brilla por su ausencia, la banda no juega con artificios, para ofrecer toda su pasión por el rock de siempre, ese rock rebelde que no reniega de tomar elementos blues para enriquecerse. Rock sencillo y sin aditivos con unos temas llenos de fuerza en los que destaca la portentosa voz de su cantante Elena. ‘I NEED ROCK AND ROLL’ ha sido grabado por Fran de Rivera en los Idemm Estudios de Madrid y masterizado por Marcos Liviano en MKL Music.

‘It´s a shame’ abre el EP como una expresión de liberación de empoderamiento. Riffs hard-rock clásicos nos invitan a la particular fiesta del rock and roll de los madrileños. La voz de Elena copa un gran protagonismo con ese registro que se inclina hacia el blues más rabioso. Jugando con las melodías entre su espesa y dinámica instrumentación el tema no nos da ni un solo respiro. Si estamos ante un tema de frenético rock and roll, bien podemos encontrar algún elemento más propio del Stoner rock con la variedad de difusos riffs. Asimismo, un cierto aroma al Seattle de los 90’s aparece de soslayo en alguno de sus acordes.

A continuación, ‘I Need Rock and Roll’, el tema que da nombre al trabajo y cuyo título lo dice todo incide en la fórmula del corte anterior. Un sonido más propio de los años 70’s nos arrolla con toda su fuerza. Voces llenas de rabia bien ensambladas y acompañadas por coros de lo más efectivos completan otro corte lleno de crudeza en el que el espíritu rebelde del rock and roll, es su leit-motiv. Un nuevo derroche de energía desbordante

‘Ego’ se inclina a un escenario más propio del heavy-rock. Todo un grito de libertad por y para los derechos humanos en el que el heavy-metal y la psicodelia se encuentran. Con un derroche vocal en desgarrados tonos blues el tema transita sobre un cadente ritmo con difusos riffs. Amortiguando su potencia en un sonido difuso que contrasta con los cristalinos registros vocales. Otro ejemplo de que a estos chicos les gustan los sonidos crudos, pero también las sutilezas más propias del sonido West-Coast, como refleja la parte final del tema en la que dulces melodías floridas aparecen para dotar el tema de una gran frescura y luminosidad. Un contraste que el tema parezca uno en su primera parte y otro completamente diferente en la segunda. Un tema que trata de materializar los estados psicológicos derivados de ciertas voces que todas las personas escuchamos alguna vez y que suelen empujarnos a tomar malas decisiones o a obrar de forma injusta con uno mismo o con los demás. Una vez logramos silenciar estas voces, la claridad de pensamiento regresa para percibir nuestro alrededor de forma consciente. Así han querido plasmar el proceso por el que pasa una persona desde el desconcierto creado por nuestro propio ego, hasta su superación y la consecuente libertad que ello supone.

El blues rock, el rock and roll y los sonidos alternativos se fusionan en ‘2020’, un tema que juega nuevamente con voces y coros por el blues más rabioso. Su pegadizo ritmo y esos guitarras chirriantes completan otra buena canción en la que las voces y coros copan un gran protagonismo.

Embutidos en un escenario de melancolía el trío se atreve con una balada como ‘Young Old Woman’. Pausados acordes van elevándose entre delicadas melodías vocales que se suceden en un tema de rock clásico en el que la dulzura aparta la fuerza mostrada en los cortes anteriores. Descubriendo una nueva faceta de los madrileños, el tema refleja que estos chicos pueden manejarse a la perfección en distintos registros, sin perder un ápice de calidad por ello.

Con un guiño al boxeo como metáfora de la lucha diaria por la subsistencia en el mundo que vivimos, ‘Tough ain´t enough’ cierra el EP con un sonido crudo y denso. Una poderosa línea de bajo construye un corte que juega tanto con el blues como con el rock más crudo y enérgico. Siempre cuidando mucho las melodías, el tema suena robusto, pero a la vez ácido, gracias a unos afilados solos que aparecen con mesura entre su densa instrumentación. Un espacio para el virtuosismo que pone el broche a un prometedor trabajo.

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DEWOLFF.- Presentación en vivo de su nuevo álbum ‘Wolffpack’ .

El pasado sábado los holandeses DEWOLFF realizaban un show en streaming presentando su nuevo álbum ‘WOLFFPACK’. La situación a la que nos está llevando la pandemia hace que las bandas estén en continuo proceso de buscar alternativas para sobrevivir haciendo su música. En esta ocasión el trio de Utrech, presentaba por todo lo alto su nuevo álbum con una puesta en escena de época y unos invitados de excepción. Ofreciendo un show espectacular en el que nos trasladaban al corazón de los años 70’s a lo largo de casi dos horas intensas y mágicas.

Un álbum que muestra al trío ejecutando temas puramente 70’s con mucho soul, blues, funk y su clásico sonido vintage. Camisas de lentejuelas y bolas de espejos trasladándonos a un escenario retro en el que hasta la mejor música disco tiene su protagonismo en una puesta en escena por todo lo alto. Ejecutado con la habitual maestría de un trio que sigue ganándose nuestros corazones. Todo un viaje al corazón de la época dorada del rock con una magnífica puesta en escena y acompañados de unos magníficos coros e invitados de excepción. ‘WOLFFPACK’ está disponible vía Mascot Records .

¡¡¡¡¡Estos chicos no paran de crecer!!!!

Are you ready for rock and roll?

¡¡¡Sube el volumen y disfruta de la fiesta!!!!

DEWOLFF son: Pablo van de Poel (Guitarra y voces) Luka van de Poel (batería y voces) Robin Piso (órgano hammond y voces), y estuvieron acompañados por: Levi Fish ( bajo), Stefan Wolfs (guitarra) Bas Van Holt (guitarra y coros) Diwa Meijman (coros) Kim Schulte (coros) Arthur Akkermans (voz y armónica) Isaac McCluskey (trombón) Nick Feenstra (saxofón) Joël Botma (trompeta) Marty Zwart ( triángulo) Ernst Jan Hölscher (piano).

Set list:

‘Yes You Do’, ‘Treasure City Moon Child’, ‘Lady J Sweet Loretta’, ‘Do Me’, ‘Half Of Your Love’, ‘It Ain’t Easy’, ‘Bona Fide’, ‘Roll Up The Rise’, ‘Buckshot Baby’, ‘R U My Savior?’, ‘Outta Step & Ill At Ease’, ‘Made It To 27’, ‘Hope Train’, ‘Live Like You’, ‘Nothing’s Changing’.

Aquí el álbum completo:

https://www.facebook.com/dewolfficial

Reseña: PARALYZED.- ‘Paralyzed’

Todo un cañonazo de heavy-blues y hard-rock primitivo y salvaje. PARALYZED en su Lp debut, nos presentan un coctel en el que caben Steppenwolf, The Doors, Leafhound, Deep Purple, Danzing o Sabbath, por citar solo algunos de los ingredientes que usan para construir este magnífico brebaje sonoro. Temas rugosos comandados por una quebradiza voz que acaba por engancharnos sin remisión. Como tantas veces hemos visto, no estamos ante un gran cantante, pero sin duda, Michael Binder tiene duende, y eso se percibe en cada canción. Su registro roto y aguardentoso conjuga el legado de Glenn Danzing, Jim Morrison y sobre todo de John Kay en modo etílico. Los alemanes tienen el blues en sus genes, algo que no debería sorprendernos, ya que continúa siendo un referente primordial en el que muchas bandas se siguen mirando. Tras su fantástico EP del otoño de 2019, PARALYZED irrumpen como un elefante en una cristalería en la escena pesada con su perfecta conjunción de heavy blues, Stoner y buenas dosis de psicodelia ácida. Un atrayente trabajo, sin resquicios, en el que cada tema nos ofrece un aliciente para desear escuchar el siguiente con ilusión. Transitando por ese puente imaginario que nos traslada al comienzo de los años 70’s, sus temas huelen a gasolina y bourbon, pero también a marihuana. Tonos vacilones con una notable influencia del sonido que Steppenwolf nos brindaban al final de los años 60’s, para erigirse como referente de los moteros de la época. Ahora PARALYZED bien podrían ocupar ese espacio con un sonido que cruje, que golpea y que nos deja K.O. Rock directo que transmite un espíritu optimista y en el que no faltan momentos de melancolía para recuperar el espíritu del rock and roll. Sin duda ‘PARALYZED’ es uno de esos álbumes que hace volar tu cabeza.

PARALYZED son: Michael Binder (guitarra y voz), Caterina Böhner (guitarra), Philipp Engelbrecht (bajo) y Florian Thiele (batería), contando con la colaboración de Daniel con su órgano Hammond en ´Golden Days´. El álbum fue grabado, mezclado y masterizado en Turtle Records Studio.

‘Paralyzed’ sirve de introducción a un soberbio álbum. Conjugando elementos doom, con un sonido crudo en el que los ecos heavy-blues aparecen intoxicantes entre riffs Stoner y solos extasiantes. Un espacio psicotrópico en el que la banda deja patente toda su pesadez.

Tras la entrada anterior los momentos hard-rock vintage entran en escena en ‘Lucifer’s Road (My Baby And Me)’. Un tema que conjuga el legado Sabbath con una voz al mas puro estilo John Kay. Con esa cadencia melódica Steppenwolf, el tema ofrece riffs contagiosos con un carácter retro entre momentos heavy-blues impregnados en papel secante. Rock macarra y vigoroso que golpea con fuerza cuidando las melodías. Crudo y directo el tema se deja seducir por hirientes y penetrantes creando una espiral que nos envuelve.

Tras la Tempestad llega la calma, y ‘Prophets’ parte del sosiego para elevarse y convertirse en un tema desgarrador. La influencia del registro quebrado de su vocalista tiene una gran trascendencia en el sonido de los alemanes. Riffs, sencillo, pero familiares acompañan la comitiva heavy-blues hacia un espacio de psicodelia pesada y ritmos Stoner sin perder su carácter vintage. Tras tres minutos las hostilidades se desatan con crudos momentos hard-psych herederos de los 70’s más salvajes. Sus casi ocho minutos hacen que podamos disfrutar de distintas etapas en el caminar de un corte que reposa su epílogo entre paisajes de psicodelia chamánica.

Derrochando fuzz, ‘Noise on the river’ se debate entre el heavy-blues y los rudos ecos Stoner. Con esos tonos macarras, el tema se desata en solos ácidos entre ondulantes ritmos reflejando el espíritu del medio oeste. Un sonido primitivo, pero bien ensamblado con distintos momentos estilísticos que acaban despeñándose sin control por un torrente pesado y lisérgico. Un corte denso y pegajoso en el que la fuerza de la banda queda patente entre solos endiablados.

Con la cadencia de los primeros acordes del clásico de Deep Purple ‘Child on time’, ‘Golden days’ parece beber de esa fuente. Si ya Deep Purple en su día se inspiraron en el tema de It’s a beautiful day ‘Bombay Calling’, de nuevo esos ecos son retomados aquí. Con un órgano retro envolviéndolo todo con su sonido vintage, el difuso sonido de los riffs en segundo plano custodia desgarrados pasajes en los que el humo cannabico está presente. Si bien la voz de Michael Binder parece quebrarse en cada verso, eso supone un aliciente y una auténtica seña de identidad de la banda.

‘Lowlands’ cruje poderoso antes de tornarse a un escenario bluesero sin perder su groovy. Cocinando a la perfección los riffs Stoner con la esencia del blues de los 70’s el tema tiene arrancada y paradas constantes para acabar siendo seducido por la acidez sin perder su espíritu turbio.

Emulando al Rey Lagarto en su introducción, ‘Green eyes’ se precipita impulsado por el fuzz en un torrente de rock salvaje y crudo. El calor del desierto reflejado en otro tema con un groovy impactante que nos invita al desenfreno entre armonías que rápidamente nos enganchan. No puedo evitar la comparación con STEPPENWOLF nuevamente en una versión Stoner que tiende el puente entre el siglo XX y los curdos sonidos de los 70’s. Guitarras rabiosas y ritmos poderosos acompañan esta huida.

‘This woman’ nos lleva a las largas rectas Californianas en una nueva revisión stonerizada de la banda de John Kay mostrado su lado más salvaje. Rudo y desbocado, el tema contiene momentos más melódicos sin perder un ápice su rugosidad. Un tema crudo en el que también aparecen ecos blues, entre su contundentes y rugosos riffs.

Sutiles acordes llenos de mística misteriosa abren ‘Mother’s only son’. Un tema que se eleva poderoso entre zarpazos de psicodelia salida de la guitarra. Crujientes y cadenciosos riffs con pasajes recitados al más puro estilo Morrison van creando un tema chamánico. Desgarradores pasajes que se clavan en nuestros sentidos mostrando una faceta oscura pero hechizante de la banda. Lleno de efluvio psicotrópicos el tema se contonea suave pero poderoso. Su ambiente pantanoso se conjuga con atormentados pasajes vocales para inclinarse por un espacio heavy-psych que se asoma a precipicios doom.

‘Parallel’ pone el cierre en una atmósfera psicodélica en la que la quebrada voz derrocha sentimiento. Entre el dark folk y ese escenario lisérgico lleno de magia. El tema parece divide en dos partes, con un segundo acto en el que momentos Danzing se fusionan con ácidas atmósferas que se elevan hacia un espacio Stoner con un nítido matiz añejo.

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