doom – Página 10

Reseña: DAXMA.- ‘Unmarked boxes’

Canciones que se muestran inquietantes, deprimentes por momentos, y que ponen al oyente con el alma en un puño, pero a la vez, contienen momentos liberadores, llenos de emotividad. Sofisticados pero contundentes, DAXMA crean un álbum fascinante con bellas canciones que siempre se inclinan a lo grandilocuente, con una orquestación inquietante fusionando violín y piano y unas voces etéreas. ‘UNMARKED BOXES’ es la perfecta banda sonora para esas tardes otoñales de melancolía y cielo gris; un álbum triste, atmosférico, y que irradia una sensación de nostalgia, que DAXMA consigue con acierto transmitir esa sensación al oyente. La tensión de sus canciones produce una catarsis inmersiva en el oyente. Si te vas a ir de fiesta o quieres subirte el ánimo, no escojas ‘UNMARKED BOXES’ porque su sonido puede llegar a ser algo luctuoso por momentos, pero los californianos consiguen contrarrestar esta sensación con bellas melodías y cautivadoras voces, entre sus monolíticos riffs de puro post-metal. Melancolía, nostalgia, tristeza, son sentimientos que DAXMA maneja a la perfección en sus temas. A veces atormentadas, pero siempre ofreciendo bellas armonías que contrarrestan esa sensación de abatimiento. Con canciones imponentes, consiguen crear una atmósfera que refleja la exploración de unos temas que relatan el dolor y la esperanza. Una vez se ha conseguido el aislarse de esa sensación de desconsuelo que transmite al álbum, puedes disfrutar de bellísimas canciones creadas con gran pericia y en las que los detalles son mimados con esmero. El resultado es un álbum exuberante, sombrío, con canciones adornadas con bellos ornamentos que lo hacen completamente cautivador y rebosante de espiritualidad.

Mientras navegaban por el paisaje generalmente infernal de California en 2020, DAXMA entraron al estudio para grabar su segundo álbum de larga duración ‘UNMARKED BOXES’ con Ben Hirschfield en Nu-Tone Recording en San Francisco. Inspirado en un poema persa del siglo XIII, este nuevo álbum marcará la culminación de su crecimiento colectivo a lo largo de cinco años como banda, estando disponible vía Blues Funeral Recordings y Majestic Mountain Records.

La banda nos comenta sobre el álbum: » ‘UNMARKED BOXES’ lleva el nombre y está directamente inspirado en el poema del poeta persa del siglo XIII Rumi, cuyas primeras líneas, «No te aflijas, todo lo que pierdas vuelve en otra forma» comprenden los títulos de las canciones. de la segunda mitad del álbum. Si bien nuestros lanzamientos anteriores estaban conectados temáticamente a varias tradiciones políticas filosóficas y anticapitalistas ‘UNMARKED BOXES’ explora temas personales difíciles como el dolor, la depresión, el anhelo y el proceso de superación. Como banda, hemos estado trabajando en este material durante algún tiempo, solo recientemente sentimos que hemos experimentado el crecimiento musical y espiritual necesario para lograr nuestra visión y lanzar este álbum al mundo. »

DAXMA son: Isaac R. – Guitarras, Voz, Bajo, Jessica T. – Violín, Voz, Guitarra, Piano Forrest H. – Guitarra, Bajo Thomas I. – Batería.

Abriendo el álbum desde la oscuridad, ‘The clouds parted’ crea una misteriosa atmósfera con sus acordes de piano. Unos acordes pausados que contrasta con la monumentalidad de sus lentos riffs. Como si describieran la tragedia bellos pero inquietantes pasajes de post-metal nos envuelven en un manto poderoso pero gratificante. Cautivadoras voces asoman entre sus nebulosas proporcionando una sensación placentera con sus tonos celestiales. Música contundente, música pesada, pero contiene pasajes de suma belleza. En esos prados más propios del post-rock, la música nos susurra con dulzura. El tema mantiene su estética oscura e inquietante en todo momento.

‘And the earth swallowed our shadow’ nos ofrece una dualidad entre una cortina de turbios sonidos y los cristalinos y acordes románticos. Envueltos en un manto de melancolía, DAXMA construyen un tema envolvente sumido en esa obscuridad casi cósmica. Aclarando su sonido y prescindiendo de esa turbia neblina, los pasajes de piano y la sutileza de la guitarra hacen de narcótico para el oyente con sus cadentes acordes.

Sin salir de esos lúgubres espacios, ‘Hiraeth’ mantiene esa estética a caballo entre el dark-folk, el post-rock. Con una gruesa base rítmica que avanza lentamente, van cocinando el tema hasta su ebullición. Aquí la banda despliega todo su potencial de riffs plomizos. Con esas sensuales melodías, crean un nuevo corte faraónico, tanto en su pesadez, como en la delicadeza de su armonía. Con una tendencia progresiva, hacen girar el tema para explorar sosegados espacios sonoros. DAXMA se muestran sólidos, con unos tambores poderosos y un grueso sonido hacen levitar bellos pasajes que parecen flotar entre la densidad de su sonido. Trece minutos intensos, versátiles y bastante complejidad compositiva. Un relato fluido y cambiante que ofrece momentos fascinantes, tanto por sus emotivas voces etéreas como por la solidez y elegancia de sus bellos pasajes. Posiblemente el tema más sobresaliente de todo el álbum.

Tras el torbellino de emociones del tema anterior, ‘Saudade’ pone la calma en su apertura con suaves arpegios de guitarra acústica. El manto de melancolía envuelve a un tema que no deja aflorar la luz y que mantiene ese tono oscuro presente en todo el álbum. Melancolía, nostalgia, tristeza, son sentimientos que DAXMA maneja a la perfección en sus canciones, y esta canción es otro ejemplo más.

‘Anything you lose’ es otra pieza larga que recoge elementos sinfónicos en esa atmósfera deprimente y melancólica que con tanto acierto consiguen crear. En esta ocasión usando un tono casi litúrgico, los tambores y el crujiente bajo arropan los lánguidos desarrollos. El tempo del tema se recrea en la lentitud, sin prisas para evolucionar, alargando el relato para darle un aire más profundo y trascendental. El tema se eleva majestuoso desplegando todo su arsenal de riff monumentales para caer sumido en un profundo sueño con susurrante y balsámico pasajes que con los que consiguen transmitir sosiego.

Un zumbido persistente el tema anterior nos enlaza con ‘Comes back in another form’ . Aquí lo lentos y profundos acordes asoman en una densa neblina con deprimentes acordes que vuelven a reflejar ese estado de melancolía que abandera este fascinante álbum. Desplegando toda su fuerza DAXMA elevan la intensidad por senda del post-metal más ortodoxo creando una atmósfera litúrgica de grandes proporciones.

DAXMA:
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BLUES FUNERAL RECORDINGS:
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MAJESTIC MOUNTAIN RECORDS:
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Reseña: MONOLORD.- ‘Your time to shine’

Un álbum para dejar los complejos de lado y entender que las bandas pueden evolucionar en su sonido sin necesidad de renunciar a su esencia. Durante un tiempo MONOLORD me pareció una banda demasiado repetitiva en sus canciones, pero cada día que pasa me demuestran que su capacidad compositiva va mas allá. A pesar de ser una de las bandas estandartes del doom contemporáneo, MONOLORD lleva tiempo sabiendo evolucionar, pero siguen siendo reconocibles. Con la mente abierta a explorar nuevas rutas sonoros, el trio de Goteborg, aporta mucha mas melodía a sus canciones, algo, que queda patente con el registro de la voz de Thomas en muchas de ellas. A su vez, las embestidas de riffs con los que han creado la ‘escuela MONOLORD‘, siguen apareciendo, incluso con una mayor virulencia. Ese sonido característico sigue presente en unas canciones que se abren a un universo más oscuro, más progresivo e incluso más psicodélico. ¿Pérdida de fuerza? ¿Renegar de la pesadez? Cualquiera que escuche ‘YOUR TIME TO SHINE’ con atención, se dará cuenta de que no es así, sino que la banda amplía su espectro sonoro para componer canciones mucho más ricas en texturas y matices. Si aquí encontramos a la banda en su faceta más atmosférica, también encontramos al trío más agresivo, con guiños al death metal de la vieja escuela incluso. Aunque la mayoría de las canciones se dejan llevar por suaves y envolventes desarrollos, en ellas siempre hay una grieta por la que sacar esos crujidos que te golpean el cerebro y que te recuerdan que los suecos son una banda de doom. ‘YOUR TIME TO SHINE’ es uno de esos álbumes que hay que escuchar con la mente abierta (como la mayoría de los álbumes, por otro lado) para poder disfrutar de todos sus matices y nuevos alicientes, si lo haces así, te parecerá un álbum maravilloso, pero si solo buscas pesadez, podrá decepcionarte. Lo cierto es que es un álbum completo y notable que hace que un género como el doom, demasiadas veces anquilosado, amplíe su territorio sonoro. MONOLORD lo hacen, como antes lo han hecho bandas como ELDER o los mismísimos KADAVAR, y esto es una muestra palpable de la madurez que tienen como banda.

MONOLORD son: Thomas V. Jagger (guitarra y voz), Mika Häkki (bajo) y Esben Willians (batería). ‘YOUR TIME TO SHINE’ está disponible vía Relapse Records.

El álbum abre con un sonido tan crujiente que pareciera que los altavoces fueran a reventar, doom en estado puro para noquear al oyente durante casi un minuto, pero ‘The weary’ no tarda en tomar un camino diferente en su sonido. Con unas delicadas melodías vocales y una instrumentación que se inclina a territorios progresivos, la guitarra construye una bella melodía entre los rasgueos del inquebrantable bajo de Mika. Con un subyacente espíritu a 70’s, el tema se dispone en dos niveles en los que las melodías coexisten sobre los pesados y plomizos riffs.

‘The each their own’’ es un tema que abre con un sonido difuso y pesado en el que los pasajes psico-progresivos afloran para cambiar radicalmente su fisonomía. Con reminiscencias del sonido hard-progresivo de los 70’s el corte ondula entre embestidas de riffs monolíticos y una armonía calmada y suave. Un claro ejemplo de la nueva ruta que sigue el sonido de los suecos en este nuevo álbum. Acolchadas voces y guitarra como protagonistas de los momentos más sosegados. Lento en su desarrollo, mantiene la esencia de la banda en este peregrinar por nuevos espacios sonoros. Doomy y atmosférico el corte logra conjugar las distintas referencias estilísticas con las que nace.

‘I’ll be damned’ el segundo sencillo que el trio sueco presentó como adelanto de este nuevo álbum. Fieles a la pesadez que les caracteriza, el tema parte de plomizos riffs que van remitiendo en su intensidad hasta generar una atmósfera densa y psicotrópica. Con unas voces casi en tonos rituales, el corte avanza firmemente dejando un rastro de desolación a su paso. Sumergiéndonos en un oscuro bosque psicodélico, sus misteriosos pasajes toman tintes casi ocultistas custodiados por hordas de riffs que protegen los devaneos de una guitarra que explora entornos heavy-psych. El corte, vuelve a la casilla de salida para morir a monos de monolíticos riffs Stoner-doom a los que nos tienen acostumbrados.

Naciendo de una atmósfera inquietante, ‘Your time to shine’ se desarrolla a paso lento en una ambientación en la que MONOLORD vuelve a explorar espacios psico-progresivos. Con una atractiva melodía el tema sigue el camino que bandas como ELDER o los mismísimos KADAVAR exploran en sus últimos álbumes. Las etéreas voces flotan entre los habituales riffs monolíticos a los que la banda nos tiene acostumbrados. Dando un matiz diferente, la melodía ocupa un espacio de mayor protagonismo sobre su habitual apuesta doom. Pareciera que estemos ante una banda diferente, pero sin duda, este paso adelante solo refuerza su potencial. La belleza de las melodías de guitarra y el matiz de las voces, hace que el tema adquiera tintes monumentales.

En la apertura de ‘’The siren of Yersin’ encontramos a los MONOLORD más reconocibles. Sus poderosos riffs golpean con fuerza antes de abrir una puerta a un mundo mágico en el que todo se muestra liviano y sutil. Nuevamente explorando atmósferas psico-progresivas la banda pone pausa a un tema bien construido con momentos de gran belleza sonora. Con reminiscencias de algunos de los dinosaurios de los 70’s, el trio pone la pausa con delicadas melodías que son asediadas con embestidas de pesadez. Esa conjunción entre lo inquietante y lo ensoñador, entre la pesadez y la calma, resulta lo suficientemente atrayente para caer rendido a esta nueva propuesta. El resultado es un relato lleno de épica con dulces voces riffs gruesos y desarrollos progresivos de alto nivel. El tema consigue aturdirnos y narcotizarnos a partes iguales, un equilibrio fruto de un gran trabajo compositivo.

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Reseña: GREEN LUNG.- ‘Black Harvest’

Dos años después de su alabado Lp debut, los británicos obsesionados con el horror folclórico han resurgido de sus catacumbas abigarradas armados con docenas de riffs recién tallados. ‘BLACK HARVEST’, la secuela de ‘WOODLAND RITES’, es una reinvención más colorida del sonido de la banda.‘Este nuevo álbum de GREEN LUNG viene cargado de ganchos que seducen al oyente con un arco iris de sonidos vintage. Temas enérgicos con aroma retro sobre una base hard-progresivo, heavy-rock y acertadas melodías vocales. ‘BLACK HARVEST’ es un álbum dinámico, retro y lleno de alicientes que rápidamente te atrapan en un viaje al final de los 70’s y a la época dorada del heavy-rock. En cuatro cortos años de existencia, GREEN LUNG ha surgido de la oscuridad del heavy underground del Reino Unido para convertirse en una verdadera banda de culto con seguidores devotos. El éxito y los elogios que recibió su álbum debut ‘WOODLAND RITES’, tienen ahora la confirmación de que no estábamos ante la ’flor de un día’, sino que nos encontramos ante una banda solvente y creativa, que no solo se queda en el binomio Sabbath-Purple, sino que explora los vestigios del hard-progresivo de los 70’s para enriquecer su sonido de puro heavy-rock. El gran trabajo melódico, la capacidad para arreglar las canciones, y la impactante producción, junto a la fuerza de sus impactantes riffs, hacen de ‘BLACK HARVEST’, un serio candidato a colmar las listas de mejores álbumes del año. Hartos de apuestas repetitivas y de álbumes que suenan igual, los británicos no dudan en incorporar pasajes de órgano más propios de Atomic Rooster, para envolvernos en una atmósfera que no tiene reparos en coquetear con momentos folk. GREEN LUNG son pura energía, pero también son una banda fresca y auténtica, una banda que sabe componer canciones, y sabe presentárselas al oyente, para que este, caiga rendido a sus pies.

Grabado en Giant Wafer Studios en la zona rural de Gales central en el transcurso de dos semanas con el productor Wayne Adams, es un disco más expansivo y texturizado que cualquier cosa que la banda haya hecho antes, con una calidad cinematográfica y más atención. Todas las muestras se obtuvieron del campo local y de instrumentos encontrados en el estudio, incluida la inquietante voz de apertura de ‘The Harrowing’, que se grabó por capricho después de que la banda irrumpiera en la iglesia local (se puede escuchar el órgano crujiendo de fondo). El álbum fue grabado a finales de otoño, y la atmósfera estacional se filtró en una música, que huele a brumas, hojas caídas y la gloria derrumbada de los cementerios Magnificent Seven de Londres, la ciudad a la que la banda llama hogar.

Masterizado por John Davis en Metropolis (Led Zeppelin, Royal Blood), ‘BLACK HARVEST’ viene empaquetado en vidrieras del renombrado artista Richard Wells (, y está disponible en formatos de CD y vinilo plegable.

Ferozmente independiente, la banda rechazó un contrato con un sello importante y, en su lugar, optó por lanzar ‘BLACK HARVEST’ con el sello finlandés de culto Svart Records. Recientemente, encabezó la lista de álbumes de pedidos anticipados de Bandcamp. «Es el último bastión de la industria de la música», dice Templar sobre el servicio ético de transmisión y venta de música, que ha sido un salvavidas para los artistas más pequeños durante el año pasado. “Hemos ganado más dinero con eso que con el anticipo que nos ofreció un sello importante”, agrega. “No estamos tratando de ser una gran banda de rock convencional; solo estamos tratando de hacer nuestras pequeñas cosas. Pero esa cosita se siente como si estuviera creciendo todo el tiempo «.

GREEN LUNG son:

Tom Templar (voz)
Scott Black (guitarra)
Joseph Ghast (bajo)
Matt Wiseman (batería)
John Wright (órgano)

Los británicos nos introducen a su nuevo trabajo con los cantos rituales de ‘The harrowing’ . con la voz, algunos efectos y el profundo sonido del órgano crean un breve corte de hard-rock vintage. Una pequeña locura a modo de apertura que inmediatamente nos enlaza con el siguiente tema.

Instalados en los ecos retro, ‘Old Godfs’ se muestra esplendoroso por una senda hard-progresiva. Rifss potentes y unas voces y coros completan un tema impactante y versátil en el que los británicos dan el do de pecho. Sus espirales diabólicas y las melodías vocales nos llevan a un escenario más propio de cuentos y leyendas del pasado en el que el heavy-rock más impactante se enriquece con bellos desarrollos prog.

Balanceándose en una dualidad en la que el heavy-rock se fusiona con riffs stoner, ‘’Black harvest’ mantiene el sabor añejo entre densos y pesados riffs. Poniendo la nota de color con el sonido vintage de esos maravillosos teclados el tema avanza con fuerza. El sonido de la canción, sin duda puede grosso modo resultar familiar, pero GREEN LUNG dejan patente su clase para hacerlo atractivo y personal. Voces, cambios de ritmos, teclados pastorales y riffs pesados conforman un denso tapiz sonoro con olor a 70’s con el que rápidamente conectan con el oyente. Solos virtuosos de puro heavy-rock clásico, buenas melodías, tambores explosivos y un bajo que cruje en cada nota crean una canción llena de gancho.

En una impostada bajada de revoluciones, ‘Reapers’ parte desde la calma, para despeñarse por un precipicio de riffs hard-prog. Rock de alto octanaje con cuidados pasajes en un frenesí sonoro que mira al pasado. Aquí el legado de Sabbath aparece entre coros con falsetes y un ritmo trepidante.

En un álbum de estas características, no podían faltar pasajes acústicos que miran al folk. Así ‘Graveyard sun’, es una especie de balada pesada que combina esos elementos folk con oleadas de riffs pesados. Sus atmósferas ensoñadoras están impregnadas de una épica oscura y atrayente.

En un oscuro e inquietante entorno nebuloso, ‘Black Harvest’ se despeña entre riffs de puro heavy-rock por una senda contenida pero pesada en la que los elementos doom y progresivos afloran con natural.

‘Upon the altar’ vuelve a ofrecernos esos tonos de vocación proto-metal aderezados con la atmósfera vintage que preside el álbum. Conjugando elementos Sabbath, con tonos más propios de bandas como Kadavar, el corte ondula entre teclados y afiladas guitarras al ritmo de unos tambores poderosos. GREEN LUNG tienen devoción por el heavy-rock de los 80’s, y aquí lo dejan patente una vez más.

Los rugosos y difusos riffs de ‘You bear the mask’ nos embarcan en un vertiginoso tema en el que los elementos Stoner aparecen entre pasajes de hard-progresivo. Amortiguando su fuerza con buenas melodías vocales, los británicos saben bien donde está su objetivo. Golpear al oyente con un sonido poderoso y pesado, pero amortiguándolo con cuidadas melodías vocales, algo, que consiguen con acierto. Eso sí, los riffs de puro heavy-metal aparecen vigorosos como en cada una de sus canciones.

‘Doomsayer’ muestra la potencia de una banda que sabe muy bien a lo que juega. Hard & heavy rock a la vieja usanza. Potentes tambores, estribillos contagiosos y un espíritu vintage conforman un corte pesado con ganchos suficientes para caer rendido a sus pies. Con una poderosa base rítmica, las hordas de riffs empapados de fuzz nos impregnan de virutas stoner en otro potente e impactante tema, en el que la parte más pesada de la banda aflora sin complejos.

Cerrando el álbum nos sorprenden con un tema diferente a cualquiera que hayan compuesto antes. ‘Born To A Dying World’ nos acaricia con bellas melodías en una atmósfera vintage. Aquí la suave psicodelia se complementa con embestidas de riffs y épicos pasajes que por momentos la convierten en una balada himno. Una canción monumental solo al alcance de una banda que sabe como componer canciones impactantes. Una neblina cubre los devaneos de los solos de guitarra virtuosos en los momentos álgidos del tema. Porque, aunque en su conjunto estamos ante una especie de balada, la canción tiene embestidas de furia que la hace sencillamente sublime.

GREEN LUNG

Svart Records

Reseña: CAVERN DEEP.-‘Cavern deep’

Desde Suecia, CAVERN DEEP publican su álbum debut. Un álbum conceptual en el que ponen banda sonora la epopeya de 50 aventureros que encuentran la entrada a una civilización subterránea perdida a la que entran con la esperanza de un tesoro. Solo necesitas ver la portada y el nombre de la banda y el álbum para intuir que sus surcos contienen temas oscuros, narcóticos, pesados y lúgubres. Unas canciones, que son tratadas con gran destreza, logrando transmitir al oyente el relato con todo lujo de detalles. Con la capacidad suficiente para transmitir los angustiosos episodios de la travesía, la banda sueca juega sus cartas con gran solvencia, ofreciéndonos un álbum épico en el que el doom, lento e inquietante, nos hace partícipes de desgarradores episodios. No, no es un álbum para irte de fiesta, CAVERN DEEP es para degustar desde la calma, preferiblemente en soledad, y dejar que las sensaciones activen tus neuronas produciéndote escalofríos. Con una primera parte más psicodélica, el álbum va evolucionando a atmósferas más tenebrosas en las que el doom es el verdadero protagonista. Con unas voces cristalinas que van mutando su registro para transmitir el relato de la odisea, mientras las guitarras aportan elementos más luminosos a unas canciones que viven en la penumbra de grutas siniestras y misteriosas. Tétricos y desgarradores pasajes que nos sitúan justo en el centro de la trama, haciéndonos partícipes de una narración trágica. En este emocionante debut, CAVERN DEEP consiguen construir sus canciones con un dominio del tempo impresionante, sabiendo siempre como llamar la atención del oyente a pesar de la lentitud con la que todo sucede. Posiblemente, si no consigues entrar en el cuento, no podrás disfrutar de todos los matices que este prometedor debut contiene, pero si lo logras, el viaje habrá merecido la pena. Un magnífico comienzo para una banda que lleva en activo desde 2.019 y que cuenta con miembros de Zonaria y los riffers retro suecos Gudars Skymning.

‘CAVERN DEEP’ está disponible vía Interstellar Smoke Records.

CAVERN DEEP son:

Kenny-Oswald Duvfenberg – Guitarras y voces
Max Malmer – bajo y voces
Dennis Sjödin – batería, coros y teclados

‘Staring down’ abre el álbum con una inquietante atmósfera oscura y tonos psicodélicos. Lento, cadente y lisérgico, el tema nos va introduciendo en la historia que nos cuentan los suecos. Voces lánguidas van narrando el sentimiento ominoso mientras miras hacia las escaleras. El comienzo de la expedición ya nos muestra que la tragedia está ahí. Mas psicodélico que doom, el tema camina parsimonioso en su misterioso peregrinar por un escenario tétrico e inquietante. Con algunos elementos del psycho-doom clásico, el tema crea la atmosfera perfecta para lo que nos vamos a encontrar en las siguientes canciones. Algunas melodías vocales más propias de los 70’s ponen el tono trágico a una historia espeluznante, mientras las guitarras se recrean en solos penetrantes tonos ácidos. Símbolos desconocidos de un pasado de inteligencia llenan las paredes de la escalera que nunca parece terminar

Con hechizantes pasajes atmosféricos ‘Abandoned quarters’ se desarrolla en la oscura persistente en todo el álbum. Símbolos desconocidos de un pasado de inteligencia llenan las paredes de la escalera que nunca parece terminar, algo que se refleja en inquietantes y misteriosos pasajes que parecen poner sonido al silencio sepulcral. El desasosiego se refleja en una voz ahogada que parece susurrar mas que cantar, mostrando toda su ansiedad. El trio dota al corte de un tono épico muy acorde con su narrativa. En esta canción, el grupo encuentra los restos de una ciudad perdida con torres y pasillos abandonados. Las ruinas están llenas de huevos eclosionados y signos de lucha. Pero no hay cadáveres … Al otro lado de la ciudad, las escaleras continúan hacia las profundidades.

Después de salir de la ciudad, el grupo se topa con un enorme jardín abandonado. Abandonado por el alcaide, este jardín subterráneo está lleno de una fauna mortal. Muchos de los miembros del grupo mueren cuando la jungla pasa factura. ‘Omninous gardens’ refleja estos momentos con un sonido silencioso que solo se ve alterado por algunos riffs pesados que violentan el inquietante mutismo.

Con una voz que parece salida de las cavernas más tenebrosas, ‘Waterways’ mantiene la tensión con su lento desarrollo. Envueltos en efluvios psicodélicos, el tema refleja la tensión del avance de la expedición al interior de los abismos. Debajo de la jungla se encuentran los acueductos que proporcionaron toda el agua necesaria para la una vez próspera civilización. Pronto se hace evidente que ya no están solos. La fiesta pronto se pierde en este laberinto, la esperanza parece perdida. Inquietante, el tema toma prestados algunos elementos progresivos entre sus riffs de vocación heavy metal. El tema es un punto de inflexión en un álbum que parte de la psicodelia para volverse cada vez más inquietante y doom.

‘Lead of fatih’ se muestra mas pesado sin perder su atmósfera psicodélica y su oscuridad. Atormentado y turbador, la canción muestra a la banda en un paisaje psycho-doom de manual. Después de que muchos hombres murieron en los cursos de agua, finalmente encuentran la puerta que conduce a una cornisa. Ante ellos hay una enorme brecha, el abismo es tan profundo que lo único que ven es una oscuridad sin fin en las profundidades. La oscuridad parece tener vida propia …

La odisea hacia los abismos continúa con ‘Deeper Grounds’. En el tema los suecos prosiguen con los lentos y atmosféricos riffs doom embutidos en un ambiente desgarrador. Lamentos vocales afloran entre los fuertes golpes que golpean una y otra vez en un tema de transición.

El escenario Stoner-doom más ortodoxo regresa en ‘The Fungal Realm’. Con tintes apocalípticos, se produce la metamorfosis entre hongos que aniquilan la razón con inquietantes registros vocales y una ambientación completamente tétrica. En este lugar las melodías y las guitarras aparecen para dar brillo a un corte impactante en el que los elementos progresivos aparecen. Finalmente, el grupo llega a una gran caverna oscura y húmeda. Está lleno de un hongo que tiene una mente colmena que intenta consumir las mentes de los aventureros. Lentamente, todos menos el líder de la expedición se convierte en parte del hongo, algo que se refleja en un sonido etéreo e inquietante.

‘The dark place’ cierra este álbum conceptual mostrando un sonido apocalíptico y ceremonial. Este viejo dios de un tiempo olvidado ha esperado a que alguien ocupe su lugar. Mientras el aventurero perdido intenta gritar, el dios lo consume para ocupar su lugar, finalmente liberado. La oscura lírica adorna otro tema lúgubre y tenebroso entre solos de guitarra bien construidos poniendo color a otro tema triste y abominable en el que se refleja el tormento.

caverndeep

Interstellar Smoke Records

Reseña: LUNAR SWAMP.-‘ Moonshine blues’

¡¡Los italianos LUNAR SWAMP lo han vuelto a hacer!!. Si hace un año y medio nos sorprendían con su magnífico álbum debut ‘UnderMudBlues’, ahora nos impregnan con los efluvios de su blues-doom pantanoso nuevamente. Con seis canciones empapadas en thc, sus densos y chamánicos blues nos narcotizan y golpean por igual. Poderosos riffs, ecos 70’s y psicodelia pesada logran magnetizar al oyente con un tempo lento pero plomizo gracias a sus ecos stoner-doom. Bajo las neblinas intoxicantes que emerguen de los pantanos más misteriosos, LUNAR SWAMP saben moverse a la perfección en esas atmósferas psicotrópicas. Con el sigilo de un caimán en su habitad natural, el trio de Catanzaro se sumerge en el legado del Rey Lagarto, apoderándose de su facultad chamánica para elevarnos a un trance lisérgico en el que el proto-doom y los turbios sonidos Stoner se apoderan de nuestros sentidos a ritmo de blues. Sintiendo cómodos en territorios ocultistas, sus fangosas canciones bien podrían ser la sintonía de un ritual tenebroso y mágico en las profundidades del bosque. La perfecta combinación de la voz, con su particular estilo entre Morrison y Glenn Danzig, y el trabajo de las guitarras (con la ausencia de bajo) en esos blues cocidos a fuego lento con leña de la mejor calidad, resulta fascinante. Sus cegadores pasajes, nos nublan como el humo de la hoguera en medio del boscaje junto a la neblina de los manglares. Ese entorno espiritual es el espacio ideal para tocar sus canciones. Unos temas densos y húmedos, en los que el fuzz aparece siempre en el momento justo, balanceándose entre guitarras asesinas. Precisamente otro de los puntos a destacar de este trabajo, la versatilidad para crear sonidos graves y espesos en contraposición con solos más afilados. Cualquier amante de los sonidos viscosos, bluseros y psicodélicos, sin duda se sentirá atraído por ‘MOONSHINE BLUES’, un álbum ideal para las noches de luna llena junto al fuego y en el que los ecos de proto-doom y el blues pantanoso de los 70’s, tienen su particular homenaje.

‘MOONSHINE BLUES’ fue grabado, y mezclado en Country House en Catanzaro Stone Mountain y cuenta con un arte de portada obra de Steven Yoyada, estando disponible vía The Swamp Records (EE.UU.), Vinilo vía Clostridium Records (Alemania) y cassette vía Burning Coffin Recs (Chile)

LUNAR SWAMP son:

Mark Wolf: voces y armónica

Machen: guitarras y Cigar Box

S.M. Ghoul: batería

‘Muddy Waters’ abre el álbum por la senda del blues. Con un nombre así no podía de ser de otra manera. Una breve introducción por la senda del blues clásico nos introduce en los fornidos riffs difusos que conjugan tanto elementos blues como momentos doom en los que la psicodelia aparece para mostrar una atmósfera borrosa. Con cadentes ritmos y una ambientación tenebrosa, el tema avanza con una parsimoniosa cadencia entre ecos 70’s. Con leves ecos doorsianos el tema se desarrolla en un entorno nebuloso con chamánicos pasajes.

Siguiendo una línea similar al tema anterior ‘Moonburt smoke’ nos intoxica con sus riffs blues-doom. Espeso y viscoso, el corte nos impregna de thc entre sus gruesos riffs y sus solos intoxicantes. Pesado, lento y completamente narcótico, el tema nos sumerge en un entorno oscuro y tenebroso en el que los ecos del pasado quedan reflejados.

Con una apertura misteriosa y psicodélica, ‘Redneck squatch’, índice en la fórmula del blues. Los parsimoniosos riffs stoner de vocación doom se entrelazan con las melodías de blues chamánico. Una constante que se repite en gran parte de los temas contenidos en el álbum. Sin perder de vista los entornos pantanosos, los efluvios lisérgicos se elevan entre sus cadenciosos y parsimoniosos riffs. La neblina narcótica envuelve el tema entre sus emanaciones psicotrópicas ampliando el espectro del doom y del blues.

Sin salirse de la línea presente en todo el álbum ‘Old ben the gator’ conjuga el legado del Rey Lagarto en una versión psycho-doom completamente psicodélica. Solos ácidos, voces crudas, pero de gran magnetismo y una armonía que se repite una y otra vez van construyendo otro corte denso y pesado en el que el blues es el punto de partida. Coloreando con el sonido de la armónica la propuesta se vuelve más ortodoxo por momentos sin perder su vocación pesada. Cambiando el aspecto, el tema se deja llevar por momentos mucho más psicodélico que se elevan majestuosos entre sus crujientes e impactantes riffs.

‘Cross swamp blues’ nace entre las emanaciones lisérgicas de su pantanosa atmósfera para impregnarnos de thc nuevamente. Una constante de un álbum que tiene claro su objetivo. Un corte desgarrador lleno de fuerza que gravita en humeantes atmósferas para narcotizar al oyente con su oscuro y denso sonido. Sin perder el carácter doorsiano en la voz, el tema trata de emergen de entre la niebla para golpear con toda su fuerza,

Con un tono más ceremonial ‘Sweet sue’, el tema original de WITCH, presta un mayor protagonismo a las melodías vocales sin salirse del guión. Viscoso y oscuro, el corte muestra a la banda en un estado de melancolía en el que se toman alguna licencia estilística. El resultado es un versión densa y narcótica en el que la psicodelia toma un mayor protagonismo en detrimento de la pesadez de los cortes precedentes. Teniendo en cuenta que estamos ante la canción más larga del álbum, la oportunidad para desarrollar su sonido se presenta evidente, logrado una particular versión incluso más impactante que el tema original. Con un parón en su parte central la banda hace un hiato para resurgir como Ave Fenix por la senda del blues del delta. Sin complejos, la armónica sirve para ofrecernos momentos de blues clásico prescindiendo de la pesadez stoner-doom a modo de guiño a los pioneros.

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