Reseña: FLEETING ARMS».- «Fleeting Arms»

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Ásperos riffs y una voz que se balancea entre el grunge y el heavy rock y que parece tomar prestados algunos registros del mismísimo Laine Staley. Una banda con doce años de vida y que tras este largo periodo de eleboración nos presenta su primer álbum. Una pirámide con tres vértices claramente definidos; la cúspide comandada por la suciedad de los ecos noventeros de Seattle, especialmente en la voz  de Coal Riepma, otro ápice por la psicodelia más ácida salida de la guitarra de Gerald Kisoun como fiel discípulo de Hendrix en algunos pasajes, y un sentimiento común por el blues que hace de sustento de todo. ¿Una apuesta arriesgada?. Seguro que no, ya que la combinación de estos tres pilares hace que su edificio sonoro no se resienta ofreciéndonos un álbum de alto nivel. Sin contener grieta alguna, y con el gran aliciente, de que los amantes de los tres estilos pueden encontrar aquí «su momento». Arreglos de guitarra acústica que dan a alguno de los temas un aire de sosiego, en contraposición con otros momentos en los que los ecos stoner aparecen para modular su propósito.  Temas de blues chamánico e intoxicante que nos envuelven en un envoltorio lleno de psicotrópicos arropando mágicas melodías.

FLEETING ARMS lo componen Gerald Kisoun (guitarra, guitarra acústica, voces) CJ King (bajo y coros) T-triangle (batería) Coal Riepma (voz), habiendo realizado la mezcla y masterización del disco  Voodoo Architect-grabación.

“Day trippin” con una introducción entre el regaee  y el blues rezuma sentimiento por los cuatro costados. Ese espíritu blues que se pavonea entre el cadente y bluessy sonido del bajo. Con solos ácidos acaba desembocando en un precipicio mas propio de Sabbath con voces que se desangran en lamentos entre ásperos riffs con vocación de metal. Unos rasgueos que nos lastiman y que solo nos recontaba el ungüento de una voz narcótica y cannábica.

En reconfortantes atmósferas lisérgicas, “Rust” con susurrantes acordes y una voz aterciopelada que nos lanza un hechizo en el interior de un bosque acústico en el que cad anota nos hipnotiza atrapándonos en sus fauces para zarandearnos con fuerza. Con una oculta vocación morrisiana el tema toma un giro hacia momentos en los que la psicodelia y el grunge se funden en un sensual baile ritual. Cubriendo con efectos y distorsionase nos sacan de la catarsis, en un tema que nos coge en sus brazos sin que podamos huir.

Con una estructura similar, “Bridges burning”, con sus casi siete minutos nos invita a otro paseo por escenarios en los que el blues más chamánico es el amo y señor. Enriqueciendo el brebaje con hierbas procedente del Seattle de los noventa un colorido y vivaz ritmo de batería sirve de luz entre la umbría de las hojas que nos impiden ver el cielo. Oscuros parajes con olor a intoxicante bruma de pantano que culmina en un desgarrador final.

El tema mas fornido del álbum, “Dig my grave” se construye a través de riffs heavy-rock que van sucumbiendo a los dictados del heavy-blues. Esa combinación imposible entre tres estilos  que acoge praderas psicodélicas y pesados y escarpados ritmos stoner en una sucesión de subidas y bajadas de intensidad. Una efectiva fórmula que a los canadienses les sale bien ya que consiguen que temas con la misma estructura acaben teniendo su propia personalidad a pesar que tener  el mismo árbol genealógico.

“Into the sun” es otro capítulo en el que la psicodelia nos abruma narcotizándonos con sus suaves acordes y un ritmo ciertamente hipnótico. EL magnetismo de esa voz seductora y desgarrada, solo se eleva por los ásperos y pesados riffs, que en una mutación se transforman en crujidos stoner con un tono casi punk que se funde con el registro grunge. En esta ocasión prima la rabia y fuerza sobre las hechizantes melodías. Con una nueva espiral de guitarras psicotrócias todo se vuelve borroso y difuso. Incluso descendiendo el volumen si es necesario, tratan de crear el clima óptimo para sorprendernos con una nueva embestida de poderosos momentos de heavy-rock.  

El blues rural se fusiona con el grunge de los noventa en una versión psicodélica llena de sentimiento en “Demon whitin”. Ese camino tantas veces transitado entre los noventa y los setenta que aquí se acompaña de riffs metálicos y atmósferas de psicodelia pesada. Crudo e indomable el tema nos golpea sin remisión en cada riff.

https://www.facebook.com/Fleeting-Arms-117020311720146/

RECOMENDACIONES DE LA SEMANA (WEEKLY RECOMENDATIONS)

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Álbum de la semana:

WONDER EN IS GHEEN WONDER.- «WONDER EN IS GHEEN WONDER» (Italia)

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BAILJACK.- «SPRING» (US) psychedelic-rock, rock, hard,rock, stoner, 70’s, 

FLEETING ARMS.- «FLEETING ARMS» (Canada)

COOGAN BLUFF.- «METRONOPOLIS» (Alemania) hard-rock, psychedelic, progressive, jazz, blues, stoner

GRANDPA JACK.- «TRASH CAN BOOGIE» (US) heavy-blues, hard-rock, stoner, psychedelic-rock

THE SWELL FELLAS.- «THE BIG GRAND ENTRANCE» (US) progressive-rock, psychedelic,rock, space, stoner

THE CHIEF MOUNTAINS «PHANTOM GATE» (Canada) fuzz, psychedelic-rock, instrumental, heavy-psych, stoner

ACID MAMMOTH.- «UNDER ACID HOOF» (Grecia) doom, metal, fuzz

IRONSWORD.- «SERVANTS OF STEEL» (Portugal) metal, heavy-metal

MAJOR KONG.– «OFF THE SCALE» (Polonia) instrumental, doom, stoner, heavy-rock, fuzz

SHE LOVES PABLO.- «DEATH THREATS FROM FUTURE SELF» (Croacia)

ELDEN.- «NOSTROMO» (Suecia) heavy-rock, stoner, metal, hard-rock

BEASTMAKER.- «BODY AND SOUL» (US) heavy-rock, stoner, 

CHAINS.- «SONIC SABBATH» (Eslovenia) doom, ocult-rock, post-metal

RODEO.- «EZHERRIAN» (España) stoner

DEAD LUCID.- «DESOLATION» (US) psychedelic-rock, post-punk, 

NOMAD.- «SAND» (US) doom, oclult-rock, psychedelic-rock

AUTOPISTA 40.- «EL TRIUNFO DEL ESPÍRITU» (Colombia) hard-rock, stoner, proto-metal, heavy-blues

ORANGE VIPER.- «DUST» (España) metal, stoner-metal

SECOND-HAND APES.- «SECOND-HAND APES» (Finlandia) doom, fuzz, heavy-psych, stoner

MAGPIE TOES.- «YOU TOLD ME BEYOND THE SKY» (Finlandia) psychedelic-rock, alternative,

GRIN.- «TRANSLUCEENT BLADES» (Alemania) sludge, metal, stoner, heavy-psych, doom

KONVENT.- «PURITAN MASOCHIN» (Dinamarca) sludge, metal, death-metal, doom

 

 

 

 

 

Reseña: WONDER EN IS GHEEN WONDER.- «Wonder En Is Gheen Wonder»

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Cuando una banda es capaz de apostar por vibraciones retro rock stonerizadas sobre estructuras de hard-progresivo y son capaces de incorporar ácidos elementos psicodélicos, blues e incluso algún retazo jazz, es que algo va bien. Si encima añades el penetrante sonido de un órgano asesino y unas brillantes guitarras, la tormenta perfecta está servida. Existiendo en escenarios vintage los largos temas grabados en directo se moldean, retorciendo su figura bajo vestimentas teñidas con los ecos más progresivos de Ten Years After o con la garra vocal de Eric Burdon en modo ahogado. Verdaderos desgarros revestido de pegadizos riffs que por momentos se desangran. Arropados por un órgano heredero de John Lord, los italianos se zambullen en temas de blues ácido y psicotrópico para reposar el viaje en cómodos sofás progresivos. Una fusión que resulta de lo más atrayente para los amantes del rock de antaño. Si bien, como en tantas otras bandas hemos visto, son capaces de dotar a su sonido de una frescura y pesadez contemporánea. Siempre bajo una idea de que los temas suban y bajen laderas en las que su intensidad va variando. Solventes en los momentos más contundentes y sutiles y experimentales en los soplos más psicotrópicos. Tras ese extraño nombre en holandés cuya traducción es “Maravilla y más allá de la maravilla” (o algo así), como si de un acertijo se tratara, lo cierto es que consiguen componer temas maravillosos, que van más allá de los que antepasados del rock de los setenta  nos ofrecieron, con una visión mas acorde al siglo XXI.

“Indolence” abre con la fuerza de un huracán con poderosos riffs retro, una ahogada voz con vocación heavy-rock sobre pegadizos ritmos que se moldean. Una apuesta de particular hard-rock que pasa por distintos estados de ánimo incrustando desgarradores y oscuros momentos blues. Un tema que se moldea para pasar por distintos estados de ánimo. Tras la tempestad y distintos solos diabólicos, el bajo nos golpea en ese segundo plano antes de incorporar un penetrante órgano retro que colorea con tonos vintage la esencia blues en las que los sumen los italianos. La Banda da lugar a una exploración psico-progresiva dominada por las cuatro cuerdas que se moldea y retuerce hasta retomar la senda inicial por caminos retro- Stoner.

Rumoroso y narrando el misterio una breve introducción en “Reachin the being” desata las hostilidades retro-rock. El serpenteante órgano nos atasca en una melodía repetitiva que arrastra a la guitarra.  Contoneándose y seductor, a la vez que ácido, los ecos de los setenta sirven de escaparate para el lucimiento de la guitarra. Espacios psico-progresivos. Llenos de fuerza, todo parece estar estudiado con esmero. El virtuosismo surge con elegancia en un cálido y reconfortante entorno de hard-progresivo.

Sin salirse de los entornos hard-progresivos, “Magic clover” se desenvuelve en acolchados acordes con voces susurrantes en una experimentación lisérgica que se perfila sensualmente hasta explotar en festivos ritmos hard-rock. Las reminiscencias de mediados de los setenta de bandas como Ten Years After quedan patentes. Pura mierda setenta que nos invita a la acaba invitándonos a toda una del rock and roll en su parte final, en la que la banda se encabrita. Uno de los mejores temas de todo el álbum.

El blues rock tiene su espacio en “Jane”. Otro tema con aroma a setentas en el que el órgano tiene su peso entre la frondosidad de las guitarras y una voz ácida pero cálida a su vez. Aquí percibo alguna reminiscencia del Eric Burdon más salvaje en su sonido.

“Rakshabandhan dope” sigue oliendo a blues y hard rock. Su frescura inicial da paso a espacios heavy progresivos en los que todo se vuelve más turbio. En esta ocasión casi prescindiendo del órgano en la mayor parte del tema, sus últimos minutos recuperan ese sonido en momentos más experimentales.

Mas de ocho minutos sirve de alfombra a un tema de blues ácido en pura vena Ten Years After en “Unni”. Acolchado y sin estridencias, el tapiz sonoro se llena de diferentes tonos. Monumental y ostentoso, los espacios psico-progresivos se atacan con una contundencia inicial que da paso a insondables atmósferas en las que los psicotrópicos nos envuelven con narcóticos pasajes que se van oscureciendo según avanza el tema. Una cueva hard-progresiva en la que los efluvios ácidos nos invaden en una evolución similar a la de los temas anteriores.

Impactante, el órgano se conjura con la guitarra para ofrecernos a base de trallazos y parones en punto de partida a otro tema de clara vocación retro. “Dance on the firefly”, con mil requiebros acaba encontrando el camino a base de riffs repetitivos con ciertos aires exóticos. Es difícil encontrar sonidos así en bandas contemporáneas, por lo que el atrevimiento de los italianos es digno de admiración. Si algo tiene esta banda es la facilidad para moldear los temas y llevarlos a distintos estados de ánimo. Aquí claramente acaban sumergiéndose en un blues ácido de muchos kilates en el que las hirientes guitarras se retuercen hasta el infinito bajo la atenta mirada de bajo y un órgano más templado en esta ocasión.

Cerrando el álbum nos topamos con otro tema que se presta a la experimentación. “Scylla and charybdis” toma el blues como referente para dejarse llevar por sus instintos psicodélicos en una tortuosa travesía.  Pesado, ácido, progresivo, hard; todo es bueno para construir un tema monumental y exuberante. Aquí los efectos nos aturden en eses entornos de experimentación hard-progresiva en los que los psicotrópicos están muy presenta. Posiblemente el tema más denso del álbum que acaba en una bacanal de sonidos aturdidores que se soportan en una compleja estructura.

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Reseña: ACID MAMMOTH.- «Under acid hoof»

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Nacidos en la prolífica escena underground griega, el cuarteto ACID MAMMOTH presentan su segundo álbum «UNDER ACID HOOF» bajo el auspicio del pujante sello italiano Heavy Psych Sounds. Siguiendo la estela de bandas como Electric Wizard, Sleep o Monolord, y con el punto de mira siempre puesto en BLack Sabbath nos ofrecen cinco temas con voces afinadas a la manera de Uncle Acid, que solo pueden tener una definición, «doom». Plomizos, parsimoniosos, densos y borrosos,  Chris Babalis y su hijo Chris Babalis Jr. nos aturden con sus guitarras para solo dejarse asediar por la voz de éste último en los rituales satánicos que ejecutan.  Sembrando el terror en cada riff, todo aparece tenebroso. Caminando parsimoniosos por tétricas cavernas en las que la diabólica linea del bajo custodia la ceremonia pagana. Una liturgia que nos nubla hechizándonos con todo su poder terrorífico.  Un Mamut que nos aplasta amenazante y valeroso. Las voces solemnes esparcen su magia negra sin perturbarse. Con una cadencia que recuerda a melodías Sabbath, que aparecen como espectros imperturbables. Saliendo solo de las cavernas para caminar sobre perturbadores bosques psych en los que el fuzz nos aturde con un viento intoxicante y asfixiante. Densos pero lisérgicos momentos que se acompañan con los coros del fausto de la perdición. Pocos matices a lo largo de cinco temas que no se separan de su biblia satánica. Sirviendo pleitesía a belcebú en unos temas lineales y con una estructura sencilla. Si bien en la primera escucha no percibí ninguna diferencia entre ellos, en posteriores audiciones, los matices iban fluyendo como la savia que de desangra del tronco herido. Viscosos, y con escaso margen de sorpresa, los griegos tienen claro lo que quieren hacer,  y lo llevan a rajatabla. Sin salirse del guión su mirada siempre se pierde al frente, sin dar ni solo paso para atrás.  Superando la pesadez, y mostrándose mucho mas turbios que en su anterior álbum tratan de hacerse un hueco en las tinieblas.    

Abriendo con «Them!» un camino que no abandonaran en todo el álbum, y sorprendiéndonos con esas voces que de ahogan en sus lamentos hechizantes ACID MAMMOUTH crean el escenario donde van a desarrollar su función.  Tenebrosos y con algún momento stoner los riffs crujen y la batería chilla mientras el poderoso bajo toma las riendas del ritual.  Solo es necesario escuchar un tema para conocer el argumento de «UNDER ACID HOOF» .  Un guión preparado por diabólicos adoradores  del maligno. Densos y llenos de épica extienden la neblina creando un halo espectral. 

A cámara lenta «Tree of woe» avanza como ese mamut que tomaron por nombre. misteriosos, la calígine rezuma de las guitarras de los Babalis. Constante y parsimonioso en su avance introduce altas dosis de una lisergia espectral y aturdidora. Una composición más elaborada y en la que aparecen algunos matices que nos sacan de la monotonía en las que nos trata de envolver constantemente ese bajo ceremonioso.

Sus adictivos ritmos se regodean en «Tusk of doom». tomándose la suficiente calma como no terminar de arrancar a base de doom tradicional. Brumosos bosques con ese imperturbable halo de misterio en los que la tensión se palpa en cada nota. Con una voz que todavía se inclina mas hacia lúgubres escenarios ya visitados antes por los citados Uncle Acid, o incluso el propio Lupus en su último álbum, la maquinaria griega avanza impertérrita. 

«Jack the riffer» mantiene la estela con un aturdidor bajo difuso y los riffs a cámara lenta, repitiéndose una y otra vez. Marcando el camino a los fieles adoradores de las tinieblas crean un monótono sonido aturdidor del que es imposible salir. Retumbando cada nota y rescatando el espíritu Sabbath en un segundo estrato,  la reverberación resulta turbadora. Parecía que no se podía ser más doom tras haber escuchado los cortes anteriores, pero en cada nuevo tema, se superan en pesadez. 

«Under acid hoof» cierra la ceremonia con momentos más psicodélicos sin renunciar a toda la carga doom. Las acólitas voces tratan de rebrotar entre la espesa niebla generada por los gruesos riffs. Todo aquí es XXL, y el paquidermo de grandes cuernos siguen embriagado en una acidez que nubla todos los sentidos sin que podamos resistirnos a su poder. Exuberantes pero equilibrados en su propuesta los amantes de las tinieblas están de enhorabuena. 

El álbum fue grabado en 2019, mezclado y masterizado por Dionysis Dimitrakos de Descent Studios, quien también trabajó con la banda para su álbum debut en 2017. La batería se grabó en Dope of Sound Studios en Atenas; y ACID MAMMOTH son Chris Babalis Jr. (voz y guitarras) Chris Babalis Sr. (guitarras), Dimosthenis Varikos (bajo) y Marios Louvaris (batería).

Entrevista: KAMILLE SHARAPODINOV (The Legendary Flower Punk, Grand Astoria, Slovo Mira….)

Charlamos con KAMILLE SHARAPODINOV, una de las figuras mas activas de la escena underground rusa, y líder de THE LEGENDARY FLOWER PUNK, THE GRAND ASTORIA, ORGANIC IS ORGANIC y SLOVO MIRA. Un tipo activo e inquieto que nos cuenta detalles sobre coo fueron sus comienzos en la música en su San Petesburgo natal, sobre el estado de la escena underground rusa y nos da detalles sobre su último álbum con THE LEGENDARY FLOWER PUNK, «WABI WU»  que vió la luz vía Tonzonen Records.

«Cuando me metí en la música, básicamente entré en una tienda, elegí todos los discos de cada grupo que tenía calaveras, cruces y huesos en la portada».

Denpafuz: Hola Kamille. Han pasado más de 10 años desde que publicaste tu primer álbum con The Grand Astoria, y desde 2.003 con THE LEGENDARY FLOWER PUNK, además de Organic Is Orgasmic, Slovo Mira… ¿Cómo fueron esos comienzos de un joven en San Pettesburgo que decide dedicarse a la música?
Kamille: ¡Hola mi amigo! ¡Muchas gracias por tú interés en mis proyectos! Comencé a escuchar la música muy tarde, durante el último año de la escuela, compré mi primer CD (AC / DC «Dirty Deeds Done Dirt Cheap») y así fue como comenzó todo. Cuando conseguí mi primera guitarra (tenía alrededor de 17 años) inmediatamente comencé a componer las canciones en lugar de practicar escalas. Tal vez fue una error, pero estaba obsesionada con dejar salir a mis demonios inspiradores, así que me concentré en eso.

Denpafuz: ¿Tenías algún referente local en el que inspirarte o por el contrario eran bandas europeas o americanas las que hicieron que tu pasión se desarrollara? ¿Cuáles son tus referentes? Me consta que te gustan las jam band… hehe.
Kamille: Teníamos y aún tenemos muchas bandas y músicos interesantes aquí en Rusia, pero cuando me metí en la música, básicamente entré en una tienda, elegí todos los discos de cada grupo que tenía calaveras, cruces y huesos en la portada. Así es como descubrí todo, desde Grateful Dead hasta King Diamond. Así que estaba escuchando cualquier cosa que pudiera obtener, sin importar de qué país del que venía.

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Denpafuz: Para alguien como yo, y supongo que, para el resto de los europeos, la escena rusa es algo desconocida. Cada día descubro más bandas interesantes de allí, y tengo la sensación de que hay muchas buenas bandas, pero ¿Como es la escena de la música undergorund en Rusia?, ¿Hay facilidades para tocar?, ¿Clubs que programen conciertos?,¿locales para poder ensayar
Kamille: Sí, ya no estamos en la Edad Media, tenemos estudios excelentes y lugares para tocar en todo el país. ¡Y muchas bandas interesantes en cualquier género que imagines! Créeme.

«En Rusia, ya no estamos en la Edad Media, tenemos estudios excelentes y lugares para tocar en todo el país.

Denpafuz: ¿Existen festivales en Rusia en los que puedas tocar?, o ¿para poder subirte a un escenario lo tienes que hacer en el resto de Europa?
Kamille: Con The Grand Astoria ni siquiera lo intentamos porque estamos cantando en inglés y hoy en día el ruso es algo obligatorio aquí si quieres algún tipo de éxito. Así que estamos principalmente en Europa. Pero con otras bandas es más fácil porque The Legendary Flower Punk es música instrumental y las letras de Slovo Mira están en ruso. Así que también estamos tratando de ingresar al mercado ruso.

Denpafuz: ¿Con que estilo te identificas más? ¿En cuál te sientes más cómodo para componer?

Kamille: Realmente no importa porque mis gustos son muy diversos! The Grand Astoria es una banda de art-metal más difusa con mucho concepto detrás de cada disco, The Legendary Flower Punk está claramente influenciada por la escena de jam de EE. UU., Slovo Mira es una unidad de improvisación totalmente loca.

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Denpafuz: En los últimos tiempos pareces más centrado en Legendary Flower Punk. ¿Siguen vivos ambos proyectos? ¿Como decides cual de tus canciones son para una banda o para otra?

Kamille: Sí, sí, todas las bandas están activas, es difícil manejar muchas cosas al mismo tiempo. Estilísticamente, como mencioné anteriormente, mis proyectos son muy diferentes, por lo que es fácil decidir a qué composición pertenece cada tema.
Denpafuz: ¿Cuál es tu fuente de inspiración a la hora de componer un tema? ¿Todos los temas de Wabi wu” son composiciones tuyas?
Kamille: En Flower Punk compusimos todo juntos como un grupo, las ideas generalmente comienzan de mí o de nuestro bajista Mike y luego las desarrollamos todas juntas. En The Grand Astoria, soy el único que compone todo menos los arreglos que también hacemos junto con la gente involucrada. TGA está más orientado a la canción, así que sé desde el principio a dónde quiero ir con cada pista.

Denpafuz: En esta ocasión no has editado tú mismo el álbum , sino que ha sido publicado por el sello de Dirk , Tonzonen. Un sello que se caracteriza por apuestas fuera de lo convencional pero siempre primando la calidad musical ¿Cuál ha sido el motivo? ¿Cómo ha sido todo el proceso creativo del álbum?
Kamille: ¡Tonzonen ya publicó dos álbumes de Slovo Mira e hizo un trabajo fantástico! ¡Dirk es un tipo muy amable, así que le ofrecí este álbum y le encantó! Fácil. En cuanto al proceso creativo, todo comienza en nuestra sala de ensayo, luego al estudio, luego decide sobre la obra de arte con nuestra querida ilustradora Sophia Miroedova, enviando todo a la fábrica de impresión, y aquí lo tienes

Denpafuz: ¿Por qué el nombre de “Wabi vu“? ¿Qué significa realmente?
Kamille: Tanto «Wabi» como «Wu» son una especie de términos artísticos y zen japoneses. Puedes encontrar una mejor descripción de esto en la novela de Philip K. Dick «The Man in the High Castle», por ejemplo.

Denpafuz: Centrándonos en el álbum, noto mucha más fusión y uso de la electrónica que otros de tus trabajos en detrimento de la psicodelia. ¿Es una sensación mía, o es realmente así? Y ¿Porqué?
Kamille:  No puedo decir por qué en realidad. Todos en Flower Punk realmente amamos la música electrónica, desde Shpongle y Eat Static hasta Chemical Brothers y Prodigy. Incluso comenzamos a tocar más sets en vivo electrónicos ahora en San Petersburgo y lo haremos así durante la próxima gira también de vez en cuando.

«En cada grupo que toco no quiero tocar algo claramente etiquetado, así que estoy tratando de mezclar los estilos en todas partes para inventar algo especial y no sonar aburrido».

Denpafuz: En el álbum encontramos muchos temas en los que prima la fusión con el jazz y el funk en el horizonte como el propio “Wabi Bu”, “Azulejo” o el elegante “Aki kaurismäki”…
Kamille: Totalmente cierto, así es. 

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Denpafuz: Los temas, ¿están interconectados unos con otros o todos tienen su propia historia independiente? Da la sensación de que no quieres renunciar a ningún estilo, y en cada tema hay un poquito de cada.
Kamille: En cada grupo que toco no quiero tocar algo claramente etiquetado, así que estoy tratando de mezclar los estilos en todas partes para inventar algo especial y no sonar aburrido.

Denpafuz: “Trance fusion pä ryska”, es el tema más largo del álbum y me da la sensación de que es una jam en la os habéis dejado llevar por la improvisación libre. ¿Es así o está todo perfectamente planeado?
Kamille: La última parte fue improvisada de cos. Pero la primera  y partede la pista tiene la estructura  y la tocamos así en vivo y luego la interferencia nos lleva a donde estamos de humor para ir.

Denpafuz: En “Aki kaurismáki” todo se vuelve más sosegado respecto de los vivaces ritmos de la mayoría de los temas. Me suena algo más progresivo y la electrónica sigue presente. Momentos acústicos con todos latinos en la guitarra. ¿Es de alguna manera algo diferente, no?
Kamille: Tu me cuentas jeje. Nuestro bajista vino con sus partes y yo solo agregue esta tranquila melodía de guitarra acústica y luego Danila (nuestro tipo de sonido en este álbum y también el cantante de The Grand Astoria) grabó algunos fragmentos de sintetizador adicionales.

Denpafuz: ¿Qué le dirías a alguien que no conoce The Legendary Flower Punk para que escuchara tu álbum’? ¿Cómo definirías su propio contenido?
Kamille: Es bailable y pegadizo por un lado y proggy y muy variado por el otro. Es fácil de escuchar, pero aún merece una buena atención por los detalles.

«Echo de menos tocar en España y Portugal, así que volveremos al 100%»

Denpafuz: ¿Hay algún tema especial para ti? Uno de esos al que le tienes más cariño que otro o que te sientes más orgulloso de él.
Kamille: Todos ellos en realidad. Estoy pensando más en imágenes más grandes, ¡así que todo resultó genial para mí!

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Denpafuz: ¿Tenéis alguna gira prevista este año para presentar el nuevo álbum?
Kamille: Oh si! En abril de 2020 estaremos en la carretera: Lituania, Polonia, República Checa y Alemania, esta vez son nuestros destinos.

Denpafuz: ¿Te veré de nuevo por España próximamente? ¿O me tocará ir a Europa a comprobar cómo suena el álbum en directo?
Kamille: Lamentablemente, este año no, ¡pero en 2021 seguro! Echo de menos tocar en España y Portugal, así que volveremos al 100%

Denpafuz: Muchas gracias por tus palabras y mucha suerte tanto con el álbum como con los próximos conciertos que realicéis. Si quieres añadir algo, es tu momento, jajaja.
Kamille: ¡¡¡Ha sido un placer!!! ¡¡¡Saludos a todos desde Rusia!!!

Traducción: Abigail Simpson

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