Cuarta entrega de la banda de Timisoara (Rumania) METHADONE SKIES. Un álbum de una banda que nade de las vibraciones stoner y que se ha ido adaptando a postulados más nitidamente post-metal , post,rock o incluso con incursiones progresivas. Gruesos sonidos que sirven para construcciones monumentales con un denominador común, siempre bajo un manto de tinieblas. Los tonos grises predominan entre las estructuras lisérgicas que adquieren por momentos tonos espaciales. otro dato peculiar, es que estamos ante un trabajo de setenta minutos en solo siete temas. Pudiera parecer que cuanto mas largos los temas pueden disiparse en su calidad, pero con los rumanos sucede a la inmensa. Cuanta mayor duración, consiguen mayor espacio para su creatividad. A veces rugosos y ásperos, otras suaves y psicodélicos. Ornamentando con florituras post-rock y progresivas determinados momentos. hipnóticos y alucinantes logran incorporar la suficiente dosis sinfónica unos temas que parte de resonancias pesadas.
«Where Were You When We Were Into the Void?» nos invade con atmósferas post-rock sobre entornos de atmósferas lis´sergicas. Un espacio para la exploración en la que las guitarras suenan esplendorosas a pesar de su borroso sonido.
Sobre riffs más rugosos, «Golp help us all», con sus doce minutos la banda los aprovecha para desarrollar todo su potencial amplificando su sonido desde el post-rock al doom, siempre bajo un humeante ambiente. Mas psicodélico, no pierda la monumentalidad de sus farónicos pasajes para pasar de la esquizofrenia a ambientes más progresivos.
Mucho más frescos en «Focus», la pesadez deja espacio a magnéticos momentos en linea kraut. Bellos pasajes de guitarra le devuelven la vocación post-rock, incrustando gemas psicodélicas en la estructura. Elevándose en su desarrollo hacia esas estructuras monumentales a las que nos tienen acostumbrados.
Los momentos mas pesados los encontramos en «Contra». El doom se apodera de los rumanos para ofrecernos un corte con riffs stoner de un grosor superlativo. Lento, espesos, densos, nos guían por abruptos desfiladeros en los que los espacios tenebrosos nos amenazan. un inquietante tema que desvela su lado más pesado sin perder sus genes psych.
«Off paintless» transcurre por el lado más sinfónico. Un sinfonismo que acaba desembocando en momentos post-rock de gran belleza. Un tema en el que el trabajo del bajo se deja notar como guía.
METHADONE SKIES, no es una banda más en la escena post-metal y post-rock. Usa elementos comunes a otras muchas formaciones, pero consigue manifestarse con un propuesta original.
«A glitch in the sun»le incorporar un elemento más que hasta ahora no habían usado. Otro monumental tema, por espacios psico-progresivos en el que encontramos unas voces más propias del metal-melódico. Cálidos pasajes en los que las melodías conviven con gruesos ritmos que dotan de cuerpo para descender en la intensidad seducido por bellos pasajes muy ornamentados. Un magnetismo que se intensifica con pasajes recitados con una calidad vocal muy reconfortante. Por la senda del metal progresivo en línea Haken ondulan desde la calma a la intensidad con momentos post-metal en el que las voces se elevan a altas cotas.
Evidentemente, la versatilidad de sus temas y la capacidad para moverse en distintos escenarios, hace de «DIFFERENT LAYERS OF FEAR» el mejor trabajo hasta la fecha de METHADONE SKIES, y uno de los destacados del género en lo que llevamos de año.
Si ya es arriesgado construir un álbum de esta duración, con el tema que lo cierra «Manos», y sus dieciséis minutos alcanzan sus momentos más álgidos. Stoner-metal que da paso a momentos psych-doom, para directamente sumergirse en psicotrópicas agua heavy-psych. siempre dentro de esa penumbra que preside todos sus temas. Un tema en el que la banda usa todos los elementos y estilos que nos habían mostrado en los temas anteriores, pero ahora utilizándolos todos juntos en un objetivo común. Lo pesado y lo liviano conviniendo en la misma estancia. La rudeza y lo refinado sentado en la misma mesa. La belleza y lo deforme sin complejos. todo un acierto que resume cual es su propuesta musical. Todo un universo sin fronteras.
Los británicos PSYCHIC LEMON publican su tercer álbum en con un registro en directo vía Tonzonen Records.
Un trabajo que recoge alguno de los temas que ya habían publicado en su anterior Lp «FREQUENCY DISTORTION DELAY» en la primera parte, incorporando dos temas inéditos como «Jonny Marvel at the Milky Way» y «White Light». algo menos de un hora en la que las atmósferas drone se llenan de psicotrópicos bajo hipnóticos ritmos kraut en cinco largos cortes. Con claras influencias HAWKWIND, nos introducen en un agujero negro de distorsiones y efectos de corte espacial que golpean con los que golpean nuestras neuronas de una manera compulsiva. Intensidad que capta en vivo lo que ya habíamos intuido en sus anteriores trabajos. Psicodelia salvaje no apta para todos los oidos, pero que si te dejanh atrapar, te proporcionará un intenso viaje. Ecos de ACID MOTHER TEMPLE se intuyen entre unos surcos impregnados en dietilamida de alta calidad. toda una espiral infernal en un registro del 10 de agosto del pasado año en The Smokehouse, Ipswich.
«Interstellar fuzz star» ¿Que te puedes esperar de un tema con ese nombre? Una auténtica locura de ritmos kraut sobre distorsiones en vena HAWKWIND. Solos y solos de guitarras ácidas que se entrelazan como si de un nido de serpientes se tratara. Custodiados por unos infernales tambores los efectos nos aturden como si de una estampida de un panal de abejas se produjera.
Enlazado del tema anterior y sin darnos tiempo al respiro, «Satori Disko»baja la intensidad apaciguando unos efectos y distorsiones que no terminan de desaparecer. Acordes que se repiten mientras poco a poco se va elevando hasta llegar a toda una esquizofrenia que puntual se sosiega con ritmos mas cadentes hasta descender a espacios heavy-psych sin terminar de perder su vocación kosmiche.
Sobre ritmos mas gruesos «Hey droog!», PSYCHIC LEMON nos envuelve con una tupido manto de efectos bajo hirientes solos en los que los pedales echan humo. Bajo un aura espacil, la odisea transita entre tormentas de meteoritos que nos acechan por todos los flancos. Insistentes ritmos hipnóticos y mecánicos nos devuelven a postulados KAWKWIND.
En » «Jonny Marvel at the Milky Way» son los sintetizadores los barbituricos empleados para calmar la intesidad precedente. Construyendo pausadamente atmósferas drone, los ritmos se minimizan en un segundo plano mientras los efectos siguen revoloteando a nuestro alrededor. Con pasajes lisérgicos en los que las calma nos masajea mediante un susurrante bajo y la persistencia de los sintetizadores. Por espacios más cercanos a Pink Floyd las tormentas interestelares desaparecen pero la banda se encarga de construir un auténtico campo magnético a nuestro alrededor. Un espacio en el que nos sentimos seguros, y que se abandonamos nos encontraremos con el tormento. El viento galaláctico resultante de la tormenta se va aplacando.
El álbum se cierra con «White light», siete minutos y medio que parte de la calma de su introducción para iniciar con pausa una nueva y tortuosa odisea espacial. Sin perder nunca esa vocación de los sonidos alternativos de la kosmiche musike, las distorsiones se apoderan del entorno sin darnos un solo respiro.
La exuberancia del álbum puede no ser del agrado de los oídos no habituados, pero si quieres experimental sensaciones intensas deberías escuchar «LIVE AT THE SMOKEHOUSE». Eso si, una vez que entres, no querrás salir.
En su octava edición y tras el cambio de ubicación desde el año pasado, la organización es esforzó en hacer en inmenso recinto en algo más acogedor. La promotora SOUND OF LIBERATION, organizadora del evento, optó por la instalación de una especie de cubo que reducía la amplitud del espacio para dar una mayor calidad al sonido. Esto, sin duda fue todo un acierto ya que las dimensiones del espacio eran descomunales y esto no impedía que la comodidad en su interior se viera afectada.
Por otro lado las instalaciones aledañas contribuían con sus comodidades y prestaciones a que todo fuera mucho más fácil y cómodo para los asistentes. Con el escenario principal en esa gran nave protegida por las paredes de ese cubo instalado permitía que toda la infraestructura de bares y puestos de comida, así como los puestos de «merchan» fueran fáciles de visitar. Por otro lado, su ubicación junto al río permitió que un segundo escenario se encontrará en la cubierta superior de un barco usado habitualmente como discoteca, y que para la ocasión se convertía en el lugar idóneo para las after-parties de después de los conciertos. Durante la tarde, se podía disfrutar de las actuaciones del barco desde la explanada situada entre el mismo y la entrada del recinto con numerosos bares y mesas, así como zona chill-out con hamacas en la parte superior y diversas actividades más. Esto siempre facilitaba la camaradería entre un personal que rápidamente interactuaba como si de una familia se tratara. Muchos re-encuentros con conocidos de la escena así como de alguna de las bandas con las que ya había coincidido en anteriores ocasiones.
Nunca suele ser tarea fácil abrir un festival, pero los noruegos THE DEVIL AND THE ALMIGHTY BLUESsalieron al escenario sin ningún tipo de complejos, enganchándonos desde sus primeros riffs.
La banda ofreció un show sobresaliente a base de su blues psicodelico dejando el listón muy alto para la avalancha de buenas bandas que nos esperaban.
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A continuación, uno de los fiascos del festival. Siempre desde mi particular punto vista, aunque también por los comentarios que recibía del personal, MONDO GENERATOR, con mil problemas de sonido y un NICK OLIVERI con pocas ganas de hacernos disfrutar, hizo que muchos nos trasladáramos al show acústico que WINO ofrecía en la cubierta del barco unos minutos antes de la finalización de MONDO. Indudablemente fue una mejor opción.
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WINO, acompañado únicamente por una guitarraa acústica y su voz hacía las delicias el numeroso personal que estaba en la explanada situada entre el barco y el recinto principal. Los múltiples bancos y mesas situadas en ese espacio eran ocupadas por gentes que disfrutaban de una buena cerveza, reponían fuerzas y contempladas desde la calma su actuación.
De vuelta al escenario principal, nos esperaban los suizos MONKEY3, a la postre unos de los triunfadores de la jornada del viernes. Ofreciendo un show en el que sus viajes lisérgicos se convertían en autenticas embestidas de sonidos pesados ante sorpresa de la concurrencia. Sin ningún genero de dudas fue el mejor show que les he visto nunca. Absolutamente increíbles. Sin perder su esencia psicodelica y espacial, sus riffs nos golpeaban con dureza. Muchas bandas pesada quisieran tener esa fuerza.
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Copando un puesto de honor en la primera jornada, teníamos todavía muchos platos fuertes por delante y los siguientes eran los californianos EARTHLESS.
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Previamente había tenido la ocasión de charlar con Isaiah Mitchell en el backstage, y como siempre afrontaba su actuación con una sonrisa y su guitarra en ristre afinandola para que todo saliera perfecto. EARTHLESSes una banda que nunca defrauda y en Berlín no iba a cambiar eso. Ofrecieron una actuación en la que los interminables solos de Isaiah se alargaban y alargaban, para gozo de los presentes. Poco antes de las nueve de la noche, recibíamos con expectación a WITCH, una de las bandas esperadas y que realizó un show fornido, pero sin grandes alardes, correctos.
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Sin ser una de mis banda favoritas, tenía curiosidad por verles en directo, pero no conseguí enganchar con ellos a pesar de efectuar un show correcto. Ya entrada la noche era el momento de ALL THEM WITCHES. A pesar de no venir con su teclista, consiguieron enganchar a un auditorio que llenaba el Berlín Arena convirtiéndose en otros de los triunfadores de la noche. Estos chicos tienen magia, y sus show son todo un aliciente para los sentidos.
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Para cerrar la jornada, otro del destacados nos esperaban, COLOUR HAZE. Poco que decir queda ya de una banda que ha sido y sigue siendo referente para muchas bandas dentro de la psicodelia pesada contemporánea. siempre llevándonos al éxtasis y haciendo flotar al personal. Las caras de la gente lo decían todo. Si bien no fue la mejor actuación de su historia, (personalmente es la que menos buena de las veces que les he visto) los alemanes brillaron a un altísimo nivel durante hora y media.
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Una nota común durante la jornada había sido el despliegue de luminotecnia y proyecciones tras el escenario, lo que añadió un plus a un gran día, con unos show difíciles de ver en un mismos día y que continuaría hasta altas horas en el after-party del barco. ¡Ese diabólico sitio!!!! Ya con la luz del nuevo día nos acostábamos para descansar de la maratoniana y sensacional jornada que habíamos tenido. había que reponer fuerzas para lo que nos esperaba el sábado.
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La jornada del sábado nos reservaba emociones fuertes y alguna sorpresa. MIRROR QUEEN abrían la tarde con un concierto vigoroso, pero sin grandes alardes ante una escasa concurrencia. el personal todavía seguía reponiéndose de lo vivido en la tarde-noche del viernes. antes de finalizar su show, pasé a ver como se las gastaban R.I.P. en el escenario exterior. Lo me encontré era a su cantante con la cabeza cubierta y una especie de guadaña como micro. Otro show con altas dosis de energía en una audaz puesta en escena.
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Si de algo sirven los grandes festivales, aparte de ver a tus bandas favoritas, es de encontrarte con sorpresas. La primera gran sorpresa me la dieron LUCIDVOX, Cuatro jóvenes rusas con una performance sobre el escenario en la que árboles con luces de colores y telas sobre sus instrumentos, ponían la nota de color a sus temas kraut psicodelico con tonos folk, en una de las ofertas más atrayentes. Originales y con gran gusto y saber hacer a pesar de su juventud Las proyecciones en el escenario completaban una brillante puesta en escena.
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HÄLLAS, seguían dando pábulo a la puesta en escena colorista. Ataviados con ropajes medievales y rostros pintados tras el castillo que presidía una actuación que recordaba a los mejores YES, pero stonerizados. Una de las bandas que más me apetecía ver en directo y que no me defraudó.
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El aroma de las bandas progresivas de los setenta se unía a resonancias más contemporáneas. tras ese viaje en el tiempo al hogar de las princesas y las hadas llegaban THE SHRINE. Esto era algo totalmente distinto. Energía y sudor a raudales. Llegaban nuevos viajes y los momentos atmosféricos regresaban al escenario con unos sobrios NAXATRAS.
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Uno de los mejores juegos de luces que pudimos contemplar fue el ofrecido por los griegos. Unas luces que realzaban su elegante psicodelia. Ejecutando milimétricamente cada nota la banda se metió en el bolsillo a la audiencia. Sólo hacía unas semanas que había pasado por Madrid dejándonos, como siempre grandes sensaciones, pero verles en un marco así, sin duda multiplicó su potencial brillando como su música merece. alguna cerveza para que la jornada fuera más llevadera, y unos minutos después recibíamos otra embestida de rock a la vieja usanza.
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Sin artificios, unos sublimes GREENLEAF, una vez superados los problemas previos para ajustar su sonido hasta que Arvid ajustaba el tono que precisaba, para que su voz sonara a su gusto, y con un Tomi, que daba por perdida la batalla con el técnico de sonido, comenzaban a hacer lo que mejor saben. Rock por las bravas. Arvid, recorriendo constantemente de lado a lado el escenario mientras cantaba, o durante los salvajes riffs y solos de Tomi, y dirigiéndose al público desafiante y pidiendo colaboración. Pura energía que era contagiada a un personal que estaba en todo lo alto con los suecos. ¡Enormes!
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La tarde se había desarrollando de una forma impecable, pero con la llegada de los japoneses KIKAGAKU MOYO la cosa no podía sino mejorar. estos tipos son geniales, dentro y fuera del escenario. durante la tarde estuve con ellos disfrutando del karaoke metalero que se estaba desarrollando en la parte exterior. donde cualquier espontaneo podía subir a una pequeño escenario a emular a sus ídolos. Destacable un momento que compartimos juntos, cuando seis o siete tipos interpretaban el clásico de MOTORHEAD «The ace of spades«. aclamados por todos los presentes aquello se convirtió en una locura. Volviendo al hacer de KIKAGAKU MOYO, estamos ante una banda que parece no tener techo. Siempre que les he visto, me ha sucedido lo mismo. Mucha gente los veía por primera vez, yo les avisaba de que se iban a sorprender, y en Berlín me ocurrió de nuevo con varias personas. Al finalizar su show venían a decirme aquello de…»Tenías razón, son la hostia!!. Y sí, lo son. Nos llevaron a un viaje lleno de bbelazas orientales en el que el kraut rock parece cada día estar más presente. El sitar de Ryu sonaba a gloria bendita entre las guitarras y la milimétrica batería de un Go, que como siempre parece poder hacer dos cosas a la vez. Golpear su batería y estar atento de todo lo que sucede a su alrededor, tanto en el escenario como fuera de él. Posiblemente el mejor show de todo el fin de semana y los grandes triunfadores de esta edición del Desertfest Berlin.
Un publico postrado a sus pies y varios minutos de aplausos y ovaciones tras su show era la evidencia de lo que acababan de ofrecer. Pero a pesar de todo, el cierre correspondía a una de las bandas más esperadas, FU MANCHU, de la que se esperaban emociones fuertes, y era una de las favoritas de muchos de los allí presentes. Si con los japoneses todos habían flotado, ahora llegaba el turno de los pogos y los episodios de crowdsurfing. Los Californianos arrasaron con todo y con todos. Enérgicos, potentes pusieron el calor y el sudor a una noche que nuevamente nos había deparado grandes emociones. Como broche, tras retirarse, volvieron a salir para interpretar su clásico “Godzilla”, ante el delirio de los presentes.
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Después de dos días intensos y agotadores, hubiera sido normal el desalojo del recinto tras ese final tan apoteósico, pero, la fiesta seguía, y numeroso personal volvía a concentrarse en ese diabólico barco, que fue la perdición de muchos con su caliente post-party.
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El domingo, el cansancio hacía mella y los primeros show no contaban con el aforo al completo. El día se presentaba movido, ya que el cartel estaba lleno de músculo, heavy-rock, Stoner y metal. Poco a poco el Berlin Arena iba recibiendo al personal, mientras SWEDISH DEATH CANDY abrían la jornada. era una banda que ya había visto con anterioridad, pero que ésta vez la ví en mejor forma, ofreciendo un grandísimo show. Trás ellos las australianas STONEFIELD, alternando la psicodelia y el hard rock. De apariencia frágil, pero llenas de energía era otra de las bandas con la que me llevé una grata sorpresa por su gran espectáculo.
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BLACK TUSKdescargaban toneladas de riffs heavy-metal en una actuación llena de energía en la que cumplieron con el papel que se esperaba de ellos. No fueron de los que mas me emocionaron, pero lo que hicieron, lo hicieron bien.
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ELECTRIC CITIZEN, con su heavy-rock acupaban el escenario con su cantante dejándose el alma en cada tema. Era la primera veza que los veía y tenía cierta curiosidad. Sin llegar a sorprenderme, no me defraudaron, ofreciendo un solvente show lleno de energía.
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Era el turno de THE SKULL. Los de Chicago subían la temperatura a base de riffs trogloditas. El heavy-rock y el doom metal se apoderaban de la noche berlinesa. Subiendo los decibelios y con una puesta en escena en la que las poses agresivas y los poderosos riffs inundaban el recinto. Con estética sureña, su guitarrista, ataviado con un sombrero vaquero y la larga y rizada cabellera platino de su vocalista Eric Wagner ofrecían la mayor descarga de metal de todo el festival. Antes de comenzar show, vi a un tipo que desde el público me señalaba con una sonrisa. No era otro que Scott Reagers, el cantante de Saint Vitus, con el que había estado dos semanas antes en Madrid. Al preguntarle ¿que haces aquí? (Saint Vitus no formaba parte del cartel) su respuesta con una carcajada fue: «Hemos venido a ver a The Skull». Yo alucinaba con aquel momento, cuando el resto de miembros se unían a nosotros en la charla. Antes del plazo fuerte de la noche, llegaba el momento de otra banda de las que sorpende a la gente en los festivales. Una banda que algunos habíamos tenido ocasión de ver con anterioridad y que es todo un cañonazo.
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LONG DISTANCE CALLING navegaban con sus atmosféricos sonidos entre Pink Floyd y el post-metal más faraónico, en otra actuación de muchos kilates. Rostros de incredulidad se percibían en las caras de un personal, que en su mayoría no conocía a la banda alemana, y que se estaban viendo sorprendido por todo el derroche y la majestuosidad del directo que ejecutan. Rock instrumental, pero arrasando.
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El festival llegaba a su fin, y el cierre correspondía a otra banda esperada por muchos, OM. Tenía mucha curiosidad por ver a la banda de Al Cisneros, al que nunca había visto antes. SLEEP no son de mis favoritos, y me sentía más atraído por OM, sin saber muy bien a que me podía enfrentar. En la penumbra de un intenso escenario teñido de azul en el que difícilmente se podía ver a la banda los primeros riffs del bajo de Alretumbaban en el auditorio. Tras varios minutos, aquello no parecía arrancar…. Todo el show desarrollando a cámara lenta, Cada nota con pausa y atronadora, como el caminar de un perezoso, los minutos pasaban y todos los acordes seguían la misma línea, lento muyyyyyy lento.
Solo unos cuantos fanáticos disfrutaron de su liturgia, mientras el resto iban abandonado el recinto ante una apuesta plana y sin gancho. Teniendo en cuenta que eran unos de los cabezas de cartel del festival, su show no estuvo a la altura esperada. Unos pocos maravillados (muy pocos), y el resto, aburridos. Lo cierto es que siempre es un placer acudir a festival así, con una organización perfecta y en el que todos nos podíamos sentir cómodos en un entorno en el que siempre había alguna actividad paralela que realizar. Una magnífica organización, un sonido impecable y una luminotecnia a la la altura del evento completaban un festival de altísimo nivel. El trabajo realizado por SOUND OF LIBERATION ha sido inmenso. Solo falló el retraso en la llegada de su material propio, camisetas sudaderas, etc, que no llegaron a tiempo para el evento, y ahora se encuentran disponible en la página del festival.
Sin duda DESERTFEST BERLÍN, es un festival para repetir y recomendar a todo el mundo. No soy de poner nota, pero si lo tuviera que hacer, aquí sería un SOBRESALIENTE. Lo mejorcito de la escena stoner, psicodélica, doom, heavy-rock… y un público encantador en el que la armonía y la camaradería reinaban allá donde fueras. No tuve noticia de ningún incidente en todo el fin de semana, algo que por otro lado es habitual, pero allí, en ese aspecto fue impoluto. Gente amable y con que era fácil conectar.
Nacidos en Barcelona de la mano de su vocalista Karen Asensio,THE MOTHERCROWhacen su puesta de largo con«MAGARA», tras incorporar a su formación al bateríaPep Carabantey al guitarrista sueco Max Erikssonque se unen a su bajista Claudia González y a la propia Karenpara darle un impulso a su sonido respecto de sus dos primeros EP’s. Un esperado trabajo realizado con el esfuerzo de una campaña de crowdfunding que recupera los sonidos mas viscerales de los años setenta sin perder la esencia blues-rock con la que nació la banda. Acercándose a vibraciones más pesadas que por momentos coquetean con el heavy rock y los contemporáneos sonidos stoner, los barceloneses no pierden su esencia en unos temas fuertemente influenciados por las portentosas cuerdas vocales de Karen. Seduciendonos o amedrentandonos, sus melodías confluyen siempre en temas coloreados por ritmos de tintes vintage. Definir su sonido como retro-rock, sería demasiado simple. En el álbum podemos encontrar seductores momentos de flirteo con el jazz, rudos espacios en los que el boogie-rock más frenético se apodera de alguno de sus temas, así como espacios en los que la psicodelia se entromene entre sus riffs. Una conjunción entre los ecos del hard-rock y el blues-rock mas clásico con un envoltorio más acorde con el siglo XXI. Un álbum en el que los sentimientos salen a flor de piel para transmitirnos toda su energía o cautivarnos con sus melodías. En todos los temas destaca poderosamente la incesante y fornida batería, que es perfectamente complementada con robustas lineas de bajo. Como contrapunto a esa virulencia las voces recorren un amplio espectro de registros. Desgarradores momentos que arrastran a la banda a ejecutar poderos riffs, en pura vena hard & heavy, con momentos boogie-rock o acaramelados pasajes en los que acarician susurrantes al oyente por terrenos que transitan en algún espacio entre el soul, el blues o incluso el jazz de cabaret….
El título del álbum alude una filosofía del animismo en la que se aúnan todos los seres, el entorno natural y sus fenómenos, hasta objetos cotidianos pueden ser dotados de esa Fuerza Vital Universal que nos conecta a todos. Respaldando incluso la creencia de una estrecha relación entre los vivos y los muertos. ¡¡¡Toda una declaración de intenciones!!.
En palabras de la propia banda, «MAGARA» es un álbum que enfrenta sentimientos y sonidos añejos, mezclados con nuevas vivencias y emociones, dando más libertad a las sombras, pero sin olvidarse de la luz, una definición que suscribo.
«Revolution»fue el primer adelanto que nos ofreció la banda. Conteniendo en sus interior vibrantes riffs stonerizados con ropajes retro, en los que el bajo nos golpea con contundencia mientras Karennos ofrece un repertorio de registro soul-rock y blues. Pegadizos, vibrantes y pesados, tratan de transmitir toda su destreza en el directo para transmitirla al interior de su surcos. Un canto a la lucha, defendiendo derechos coartados en nuestro país recientemente como la libertad de expresión o el derecho a voto. En rebelión contra los políticos corruptos que nos gobiernan.
Con una introducción en la que la linea de bajo se muestra poderosa, «Mantis» ofrece a la Karen más sensual y seductora. Blues-rock sobre una estructura rítmica que se repite. Leves momentos funky servidos por el wah-wah. Esa amante depredadora que primero te conquista y una vez que has caído en sus encantos de golpea con fuertes riffs. Una femme fatale capaz de enamorar y acabar con un hombre en una misma noche siguiendo los pasos de una moderna Judith, hija de Merari. Destruyendo mitos de sumisión y dependencia, empoderando la feminidad.
Siguiendo la estela blues más ortodoxa, desde el susurro, con una cansina cadencia, «Stone»se muestra fornido a pesar de su frágil apariencia melódica. riffs retro van elevando el tono que acaban por arrastrar la voz. Una voz que ya hemos escuchado en algunas bandas en las que la vocalista sigue los caminos que hace décadas señaló Janis u otras muchas vocalistas de los primeros setenta. que convivían entre potentes sonidos hard. Aquí se sigue esa estela y también los momentos en los que la guitarra aulla cual lobo en la noche. Oda a el Basajaun, numen perteneciente a la mitología vasca que habita en lomás profundo de los bosques o cavernas en lo más alto de las montañas, al cuidado de lanaturaleza.
A caballo de ritmos boogie-rock, «Swat it!«, por momentos me recuerda a ZZ TOP en sus primeros riffs. Bajo los mandos de una frenética batería y coros efectivos y replicantes, encontramos una novedad respecto a los temas precedentes. Para darle todavía más color vintage, se incorporan pasajes de órgano en un contoneo constante a través de distintos ritmos. el tema sirve de escaparate para que cada músico ejecute solos con sus instrumento tomando el protagonismo. la versatilidad hecha canción surgiendo inspirada por el sentimiento de contradicción de vivir un momento «in situ» grabándolo con un dispositivo para una posteridad caduca como la que nos proporcionan las redes sociales.
En tonos mucho más grises, y con aires de desamor, «Forevermore» camina por la senda de la calma y el dolor. Los momentos más suaves y oscuros de «MAGARA» aparecen coloreados por brillantes solos de guitarra que se recuentan en laderas psicodélicas. La sensualidad en contraste con el dolor. Un sentimiento de duelo, saber que el amor generado entre dos personas puede ser tan fuerte que aunque alcance a girar en una espiral de dolor, no se quiere o puede parar de alimentarlo.
«Guan (lo kanta)»nos ofrece a THE MOTHERCROW con un nuevo registro en tonos acústicos, queriendo acercarse al jazz y al folclore, suavemente nos susurra. Un canto reconfortante que hace que nos sintamos protegidos y aliviados a la vez. No existen los temores entre sus bellas melodías. Describiendo la nostalgia, aparece un nuevo actor en escena. El sonido de la flauta en tonos folclóricos nos hace retornar al pasado. Estamos ante una canción de cuna en euskera, instigando al miedo para inculcar noción cómo habitúan las nanas, con Lamias y seres de la noche, pero alentando con que a pesar de todo siempre estará La Madre Cuervo cuidando de todos nosotros.
Tras el sosiego y la calma, «Lizard queeen»rompe las cadenas en pura vena hard & heavy. Los riffs más cañeros van recorriendo espacios de distintas décadas. Desde el stoner contemporáneo al heavy de los ochenta y el hard rock de comienzos de los setenta. iaje inspirado en los sentimientos de miedo y angustia bajo los que habitamos, una personificación de la ansiedad que toma nuestro control.
«Magara», el corte que da nombre al álbum, ofrece una nueva visión. ritmos arenosos contenidos poco a poco van elevándose con tonos americanos. Un choque de sentimientos que se enfrentan con el soul y blues aparecen sutilmente entre un corte hard-rock que apaba apagandose como una llama con leves acordes de sitar. Nacido a ritmo de desierto, el caminar del dromedario. Un sentimiento Tuareg de viajar, vagar, pertenecer y perecer para prevalecer siempre en la tierra de la que se ha nacido. La Fuerza Vital Universal.
El trabajo se cierra con «Ashes», un calmado corte lleno de sentimiento en el que el protagonismo de la guitarra alimenta los suaves pasajes vocales y rítmicos. Otra vez por acolchadas praderas en las que la oscuridad cubre desgarrados sentimientos por el camino del blues. Un tema lleno de belleza y tristeza con momentos oscuros momentos lisérgicos. Almas y corazones encontrados en el camino eterno. Sentimientos puros en una fusión de lírica. Una reafirmación de la indudable necesidad de alcanzar el extraordinario amor verdadero por encima de todo.
La banda entró a grabar su primer álbum el pasado diciembre de 2018 en Sol de Sants Studios (Barcelona) con el ingeniero/productor Alberto Pérez a los mandos de su mítica mesa analógica NEVE rescatada de los años 70, y una grabadora Tascam añadiendo la calidez y carácter de cinta de 2 pulgadas.
Durante siete días muy intensos, la banda plasmó las nueve canciones con las bases en
conjunto para capturar la energía y el feeling del directo, sumando texturas y otros
instrumentos para enriquecer el sonido.
En los meses siguientes fue mezclado por el mismo Alberto y masterizado por Marco Rostagno de Hitmakers Studio.
«MAGARA» ve la luz bajo el sello Nasoni Records para la edición en vinilo y por Nooirax Producciones y La Rubia Producciones para la difusión del formato en CD.
Karen Asensio (voces y percusión), Claudia González (bajo, coros, flauta, sitar, y percusiones), Max Eriksson(guitarras y coros) y Pep Carabante (batería).
DenpaFuzz 