post-rock – Página 6

Reseña: SPACESLUG.- ‘Memorial’

Los polacos SPACESLUG no dejan de sorprendernos. Si hace un año nos ofrecían un álbum acústico, ahora regresan con el que posiblemente sea su trabajo más pesado y atmosférico. ‘MEMORIAL’ contiene ocho canciones oscuras, en las que agradables pasajes de doom melódico se conjugan en un escenario desolador, con golpes de metal, pasajes post-rock y una sensación de tristeza omnipresente. El frio desolador preside este enfoque diferente de una banda que no pierde su aura cósmica, pero que profundiza en composiciones más experimentales, etéreas e inquietantes. Un álbum emocional que nos invita a un viaje a lejanos y desolados espacios con cálidas melodías vocales y un equilibrio entre la pesadez y los suaves y oscuros pasajes atmosféricos. Mas cercanos a bandas como Amenra, nos sumen en un estado de melancolía con algún bajada a infiernos tenebrosos en los que voces guturales y unos riffs más plomizos, crean un escenario sonoro casi depresivo. Una prueba más de la evolución de las bandas pesadas hacia territorios más experimentales y que hacen que un género como el stoner-doom, se vea enriquecido con propuestas como ésta.

SPACESLUG son: Bartosz Janik (guitarras, sintetizadores, voces), Jan Rutka (bajo, voces) y Kamil Ziółkowski (batería, voces). ‘MEMORIAL’ fue grabado y mezclado por Przemysław Wejmann en Perlazza Studio, durante los meses de mayo y junio de 2021 y cuenta con un arte de portada obra de Maciej Kamuda.

El álbum abre con ‘Into the soil’, una introducción atmosférica de apenas un minuto.

Inmediatamente ‘Follow the land’ golpea con sus pesados riffs entre una estela cósmica y voces etéreas. La canción se construye en dos planos diferentes, uno en el que la banda usa su fuerza y otro en el que las melodías flotan livianas con cierto carácter progresivo. Oscuro y lánguido el corte conjuga los elementos con los que SPACESLUG ha conquistado a sus fans. La hipnótica y gruesa línea de bajo, contrasta con los afilados solos impregnados de fuzz sideral.

Con mas de nueve minutos ‘Spring of the Abyss’ se muestra más suave en su apertura. Con acordes más propios del post-rock, el tema despega lentamente. Con los elementos perfectamente cuidados y diseñados, la canción ofrece diferentes líneas. Gran trabajo de bajo comandando la nave desde un segundo plano, un cadente ritmo y una cautivadora voz, nos sumergen en un espacio en el que el vacío y la oscuridad cósmica se presentan ante nosotros. Envueltos en un manto de melancolía, SPACESLUG inserta alguna voz gutural en sus atmosféricos pasajes, para golpear con sus riffs Stoner-doom y hacer que el tema pierda momentáneamente su suavidad para mostrarse mas inquietante. Las embestidas de pesadez no consiguen desviar la intención de componer una canción suave y atmosférica en la que la belleza se envuelve en un manto de melancolía. Una canción que refleja el estado actual en el que se encuentran los polacos. Un tema brillante y con mucho gancho, a pesar de su oscuridad.

Cambiando el espíritu de sus composiciones, ‘In the hiatus fail’ hace regresar las voces guturales entre un torrente de riffs pesados. La banda mantiene las melodías etéreas, pero estas ahora habitan en tenebrosas cavernas en las que el doom atmosférico alcanza cotas elevadas. Un tema inquietante y pesado en el que el metal aparece para mostrar el lado más oscuro de SPACESLUG. Como si hubieran atravesado el lado más difícil del camino, la travesía continua sobre suaves pasajes que de nuevo se acercan a la frontera del post-rock. La verdad es que esta combinación de elementos, así como las oscilaciones de intensidad resultan de lo mas fascinante. Aquí queda reflejado que estos chicos se toman las cosas en serio a la hora de componer, creando una canción en la que, a pesar de las oscilaciones estilísticas, todo parece premeditado.

‘Memorial’, nos devuelve a ese escenario de vacío en el que también se manejan los polacos. Sonidos atmosféricos con cálidas y susurrantes voces que nos arropan produciendo un estado de tristeza sobre la frontera de la música pesada y el post-rock. Con una armonía que se repite, van poco a poco incorporando elementos que crean un estado de oscura relajación. Su tono casi postapocalíptico se nutre de un sonido agradable a la vez que mustio.

Con un sonido que se inclina hacia lo grandilocuente, ‘Lost undone’ mantiene la línea con un sonido, que esta vez se vuelve más dinámico. La guitarra se erige en protagonista de un nuevo corte atmosférico en el que las pinceladas psicodélicas se conjugan con una base rítmica firme, y poderosa a la vez. Está claro que el álbum se centra en construir canciones tristes, y ésta, es una prueba palpable de que el Stoner-doom puede expandir sus fronteras con composiciones más ricas en matices. Hipnótico y melancólico, el tema contiene momentos relajados en los que un vasto vacío se muestra ante el oyente creando un espacio carente de luz, pero con momentos de gran belleza.

‘Of Trees And Fire’ refleja a la banda en su faceta más tenebrosa. Voces gritonas que se inclinan a cavernas sludge son acopladas sobre una suave pero pesada instrumentación. Nuevamente la conjunción de elementos nos lleva a un entorno pseudo espacial en el que los suaves acordes coquetean con el sonido de bandas como Amenra. Suave, pero faraónico, el tema se desarrolla con un manto de efectos envolventes sobre los que ocasionalmente imprimen más intensidad con riffs pesados sin perder su carácter hipnótico y narcótico. Para cerrar el círculo, la parte final retoma los momentos más rugosos y subterráneos de la banda con desgarradores pasajes vocales y riffs con aristas más afiladas.

Para cerrar, ‘At The Edge Of Melting Point’ incide nuevamente en esos paisajes sonoros en los que la vocación cósmica de SPACESLUG aparece entre efectos y voces etéreas que transmiten esa tristeza intrínseca en todo el álbum. Un tema corto respecto al resto de canciones del álbum y algo menos trascendente.

Spaceslug

Reseña: DAXMA.- ‘Unmarked boxes’

Canciones que se muestran inquietantes, deprimentes por momentos, y que ponen al oyente con el alma en un puño, pero a la vez, contienen momentos liberadores, llenos de emotividad. Sofisticados pero contundentes, DAXMA crean un álbum fascinante con bellas canciones que siempre se inclinan a lo grandilocuente, con una orquestación inquietante fusionando violín y piano y unas voces etéreas. ‘UNMARKED BOXES’ es la perfecta banda sonora para esas tardes otoñales de melancolía y cielo gris; un álbum triste, atmosférico, y que irradia una sensación de nostalgia, que DAXMA consigue con acierto transmitir esa sensación al oyente. La tensión de sus canciones produce una catarsis inmersiva en el oyente. Si te vas a ir de fiesta o quieres subirte el ánimo, no escojas ‘UNMARKED BOXES’ porque su sonido puede llegar a ser algo luctuoso por momentos, pero los californianos consiguen contrarrestar esta sensación con bellas melodías y cautivadoras voces, entre sus monolíticos riffs de puro post-metal. Melancolía, nostalgia, tristeza, son sentimientos que DAXMA maneja a la perfección en sus temas. A veces atormentadas, pero siempre ofreciendo bellas armonías que contrarrestan esa sensación de abatimiento. Con canciones imponentes, consiguen crear una atmósfera que refleja la exploración de unos temas que relatan el dolor y la esperanza. Una vez se ha conseguido el aislarse de esa sensación de desconsuelo que transmite al álbum, puedes disfrutar de bellísimas canciones creadas con gran pericia y en las que los detalles son mimados con esmero. El resultado es un álbum exuberante, sombrío, con canciones adornadas con bellos ornamentos que lo hacen completamente cautivador y rebosante de espiritualidad.

Mientras navegaban por el paisaje generalmente infernal de California en 2020, DAXMA entraron al estudio para grabar su segundo álbum de larga duración ‘UNMARKED BOXES’ con Ben Hirschfield en Nu-Tone Recording en San Francisco. Inspirado en un poema persa del siglo XIII, este nuevo álbum marcará la culminación de su crecimiento colectivo a lo largo de cinco años como banda, estando disponible vía Blues Funeral Recordings y Majestic Mountain Records.

La banda nos comenta sobre el álbum: » ‘UNMARKED BOXES’ lleva el nombre y está directamente inspirado en el poema del poeta persa del siglo XIII Rumi, cuyas primeras líneas, «No te aflijas, todo lo que pierdas vuelve en otra forma» comprenden los títulos de las canciones. de la segunda mitad del álbum. Si bien nuestros lanzamientos anteriores estaban conectados temáticamente a varias tradiciones políticas filosóficas y anticapitalistas ‘UNMARKED BOXES’ explora temas personales difíciles como el dolor, la depresión, el anhelo y el proceso de superación. Como banda, hemos estado trabajando en este material durante algún tiempo, solo recientemente sentimos que hemos experimentado el crecimiento musical y espiritual necesario para lograr nuestra visión y lanzar este álbum al mundo. »

DAXMA son: Isaac R. – Guitarras, Voz, Bajo, Jessica T. – Violín, Voz, Guitarra, Piano Forrest H. – Guitarra, Bajo Thomas I. – Batería.

Abriendo el álbum desde la oscuridad, ‘The clouds parted’ crea una misteriosa atmósfera con sus acordes de piano. Unos acordes pausados que contrasta con la monumentalidad de sus lentos riffs. Como si describieran la tragedia bellos pero inquietantes pasajes de post-metal nos envuelven en un manto poderoso pero gratificante. Cautivadoras voces asoman entre sus nebulosas proporcionando una sensación placentera con sus tonos celestiales. Música contundente, música pesada, pero contiene pasajes de suma belleza. En esos prados más propios del post-rock, la música nos susurra con dulzura. El tema mantiene su estética oscura e inquietante en todo momento.

‘And the earth swallowed our shadow’ nos ofrece una dualidad entre una cortina de turbios sonidos y los cristalinos y acordes románticos. Envueltos en un manto de melancolía, DAXMA construyen un tema envolvente sumido en esa obscuridad casi cósmica. Aclarando su sonido y prescindiendo de esa turbia neblina, los pasajes de piano y la sutileza de la guitarra hacen de narcótico para el oyente con sus cadentes acordes.

Sin salir de esos lúgubres espacios, ‘Hiraeth’ mantiene esa estética a caballo entre el dark-folk, el post-rock. Con una gruesa base rítmica que avanza lentamente, van cocinando el tema hasta su ebullición. Aquí la banda despliega todo su potencial de riffs plomizos. Con esas sensuales melodías, crean un nuevo corte faraónico, tanto en su pesadez, como en la delicadeza de su armonía. Con una tendencia progresiva, hacen girar el tema para explorar sosegados espacios sonoros. DAXMA se muestran sólidos, con unos tambores poderosos y un grueso sonido hacen levitar bellos pasajes que parecen flotar entre la densidad de su sonido. Trece minutos intensos, versátiles y bastante complejidad compositiva. Un relato fluido y cambiante que ofrece momentos fascinantes, tanto por sus emotivas voces etéreas como por la solidez y elegancia de sus bellos pasajes. Posiblemente el tema más sobresaliente de todo el álbum.

Tras el torbellino de emociones del tema anterior, ‘Saudade’ pone la calma en su apertura con suaves arpegios de guitarra acústica. El manto de melancolía envuelve a un tema que no deja aflorar la luz y que mantiene ese tono oscuro presente en todo el álbum. Melancolía, nostalgia, tristeza, son sentimientos que DAXMA maneja a la perfección en sus canciones, y esta canción es otro ejemplo más.

‘Anything you lose’ es otra pieza larga que recoge elementos sinfónicos en esa atmósfera deprimente y melancólica que con tanto acierto consiguen crear. En esta ocasión usando un tono casi litúrgico, los tambores y el crujiente bajo arropan los lánguidos desarrollos. El tempo del tema se recrea en la lentitud, sin prisas para evolucionar, alargando el relato para darle un aire más profundo y trascendental. El tema se eleva majestuoso desplegando todo su arsenal de riff monumentales para caer sumido en un profundo sueño con susurrante y balsámico pasajes que con los que consiguen transmitir sosiego.

Un zumbido persistente el tema anterior nos enlaza con ‘Comes back in another form’ . Aquí lo lentos y profundos acordes asoman en una densa neblina con deprimentes acordes que vuelven a reflejar ese estado de melancolía que abandera este fascinante álbum. Desplegando toda su fuerza DAXMA elevan la intensidad por senda del post-metal más ortodoxo creando una atmósfera litúrgica de grandes proporciones.

DAXMA:
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BLUES FUNERAL RECORDINGS:
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MAJESTIC MOUNTAIN RECORDS:
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Reseña: STONE FROM THE SKY.- ‘Songs From The Deepwater’

Los franceses STONE FROM THE SKY demuestran con su nuevo álbum ‘SONGS FROM THE DEEPWATER’ (disponible vía More Fuzz Records), que son una banda madura y equilibrada. Sin perder la frescura que sus inicios, en éste, su tercer álbum, siguen transformándose y reinventándose no renunciando su identidad. Música ensoñadora, sí, pero más pesadez y oscuridad de la que nos tienen acostumbrados. Coqueteando más con un entorno post-metal, incluso post-hardcore, sus canciones instrumentales mantienen las dosis de psicodelia habituales. Sus devaneos post-rock, siempre hacen acto de presencia en cada canción aportando el tono elegante a las mismas, mientras el trabajo de la guitarra brilla con luz propia. Mostrándose solventes, maduros, y derrochando creatividad, STONE FROM THE SKY, optan por imprimir más pesadez a determinados pasajes de sus canciones. Decir que sus temas son más pesados en esta nueva entrega, no quiere decir de los franceses hayan renunciado a la psicodelia, ni a su innato espíritu post-rock. Sencillamente lo que hacen es salirse de la monotonía de algunos estándares, para ofrecernos canciones más cambiantes. Este es uno de los alicientes de trabajo que te va a sorprender y en el que vas a encontrar a unos músicos solventes, tanto en la faceta creativa, como en la interpretativa. Como su propio nombre indica que simultáneamente evoca claramente una de las mayores mareas negras de la historia (que representan intervenciones humanas suficientemente bien), y la expresión inglesa » estar en aguas profundas «. …). Algo que refleja el hartazgo de sus músicos. Sin embargo, la banda no reniega de su base lisérgica y ofrece una serie de coherentes y poderosas canciones, hechas para dejar que el nuestro espíritu emprenda un viaje. Y no lo dudes, el viaje es verdaderamente gratificante.

Este nuevo álbum suena a revolución para STONE FROM THE SKY, en muchos niveles. Alineación modificada, más moderna, un sonido más oscuro y agresivo, es resultado de muchos cambios durante esos tiempos inciertos. La llegada de Simon (también miembro de la banda Beastly de Angers (Francia) detrás de la batería fue una oportunidad para repensar muchos hábitos y permitir que todos asuman plenamente sus influencias personales y digerir las de los demás.

También hubo un cambio de personal técnico: el álbum fue grabado y mezclado en el estudio «La Grange» por Jordan Jupin, y masterizado por el hombre detrás del sonido de ALL THEM WITCHES, Mickey Allred. La portada es obra de Michaël Rahmani.

Atmosféricos y con tintes cósmico, Godspeed nace como un lento génesis creando una ensoñadora atmósfera psicodélica. Cadentes tambores y pincelas de bellos acordes de guitarra van construyendo un tema en el que la belleza está presente en sus delicadas melodías. Sin darnos cuenta, nos vemos inmersos en monumentales desarrollos instrumentales. Grandilocuente, elegante y pesado, ‘Godspeed’ es de esas canciones que te deja impactado, una gran forma de abrir un álbum. La hermosa de sus livianos acordes de guitarra en contraste con la opulencia de sus momentos más intensos, refleja, que STONE FROM THE SKY ha encontrado el equilibrio perfecto.

‘Le Squinfus’ emerge cadenciosa y misteriosa creando una atmósfera nebulosa adornada con elementos exóticos y un sonido que explota en una deflagración de golpes plomizos. Abducidos por el metal, los franceses generan un tsunami de riffs pesados como moles de cemento. Con remanso de calma, STONE FROM THE SKY acopla ecos orientales a un tema que flirtea con el post-rock para rearmarse en sus entrañas y golpear con grandilocuentes pasajes rebosantes de fuerza. El tema concluye súbitamente dejándonos descolocados.

Ritmos vibrantes y una instrumentación sofisticada entre atmósferas de psicodelia cósmica, ‘Karoshi’ nos recuerda de dónde vienen los franceses. Si el tema anterior era una mole, aquí la banda opta por la sutileza y el sosiego para desarrollar la canción. Obviamente las embestidas de riffs crujientes y esos momentos monumentales se mantienen como seña de identidad de la banda. Si bien en esta ocasión, esas embestidas se tornan más metálicas de lo habitual, los constantes cambios de registro hacen que el tema su muestra versátil y atractivo. Nuevamente han conseguido crear un tema pesado y delicado a la vez. ¡Bravo!

Con un nítido espíritu post-rock, ‘The Annapurna Healer’ susurra entre zumbidos que distorsionan los cristalinos acordes. Un espacio psicodélico que sirve para desarrollar y ensanchar los flancos de un género que conviven bien con las vibraciones post-rock. Psicodelia pesada de alto octanaje, oscilante, rugiente por momentos, pero con una piel delicada y sedosa. Esta bajada de intensidad hace que el tema nos acaricia con delicadeza y nos muestre un mundo de color en el que la guitarra brilla con luz propia hasta cegarnos con su luz infinita. Serpenteante en su desarrollo la canción eleva su intensidad y pesadez de forma virulenta en los momentos finales. Toda una huida hacia adelante en la que la banda se despeña sin control.

Tras habernos dejados exhaustos con el tema anterior, los hipnóticos y lentos acordes de ‘City | Angst’ nos sirven de bálsamo reconfortante. Placenteros y bellos acordes nos seducen, haciendo que nuestra mente se libere con sus redentoras de sus melodías. En una triada en la que el post-rock se transforma en psicodelia pesada, y ésta, en torrentes post-metal, STONE FROM THE SKY consigue crear otro corte fascinante que pasa por distintos estados de ánimo. Coqueteando incluso con el jazz, la guitarra se muestra esplendorosa y elegante en su armonía. Cristalina y profunda, cada nota busca nuestros centros neuronales, ofreciéndonos gratificantes momentos.

Antes de poner el cierre, la psicotrópica atmósfera de ‘Nuances De Fuzz’ nos deposita en un mundo sensorial lleno de gratificantes sensaciones. Una especie de trance narcótico nos relaja con su magnetismo y belleza. Otro tema grandilocuente, exótico y pesado, que nos crean un campo magnético que nos impide escapar a su pomposo sonido. Susurrante y misterioso por momentos, los tambores y el bajo crean momentos de tensa calma, de los que salen con aromáticas melodías. Creando ese entorno hipnótico, el tema se llena de color a pesar de su tenue aspecto.

Incorporando voces etéreas, ‘Talweg’ gravita en un escenario cósmico. Ritmos que flirtean con elementos kraut, psicodelia aromatizada y una ambientación espacial van tejiendo las entrañas del tema. Suave y con un buen groovy rítmico, el tema aporta misticismo. Todo un acierto el hacer aflorar esas voces entre su suave armonía para poner el epilogo a un álbum sobresaliente.

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stonefromthesky.fr

More Fuzz Records

Reseña: IAH.- ‘Omines’

El cuarto trabajo del trio argentino refleja la evolución de una banda que con cada nuevo trabajo se muestra más madura y certera en sus composiciones. Con un estilo definido, IAH nos invita a recorrer entornos instrumentales en los que la psicodelia, el post.rock, el stoner y el post-metal conviven en perfecta armonía. Sin estridencias, y sabiendo cuándo poner la intensidad, consiguen crear canciones llenas de belleza con las que lograr transmitir diferentes estados de ánimo al oyente. Largos temas en los que plasman su buen hacer y que se construyen desde la calma, pero que contienen distintas oscilaciones que los hacen cualquier cosa, menos monótonos. Con guiños al sonido ambiental característico de bandas como Yawning Man, logran conjugar elementos progresivos con los ecos más sosegados del rock del desierto. Una dimensión sensorial en la que sus atmósferas atrapan al oyente, proporcionándole un entorno reflexivo de gran belleza. Este no es un álbum para ir de fiesta, pero, por el contrario, es la banda sonora ideal para encontrarse con uno mismo, en un ambiente cálido, y muy introspectivo. Un álbum que puede parecer en una primera impresión algo lineal, pero que, por el contrario, tiene muchos matices incrustados en cada una de sus canciones, algo que IAH hace con la sutileza de una banda veterana.
IAH son: Juan Pablo Lucco Borlera (bajo), Mauricio Condon (guitarra) y José Landíon (batería).

’OMINES’ fue grabado en vivo en 440 Estudio, masterizado por Magnus Lindberg y cuenta con un arte de portada obra de Ignacio Valicenti. La producción corrió a cargo de Mario Carnerero e IAH.

‘Cernunnos’ abre el álbum proporcionándonos una inquietante atmósfera en la que el trio desarrolla su propuesta instrumental entre elementos psicodélicos y post-.rock. oscuro y con bellas melodías, el tema se muestra como una especie de introducción a una narrativa más profunda. La canción se desarrolla en distintas partes, una primera con suaves vibraciones., una parte central en la que los riffs pesados de vocación post-metal golpean con contundencia, y una parte final en la que retoman los suaves pasajes de psicodelia pesada para introducir al oyente en su narrativa. Un lento génesis que nos lleva a descubrir la parte más experimental y stoner de los argentinos; un espacio, en el que se manejan con solvencia ofreciendo oscilaciones de intensidad en un relato gris y con ciertos tonos de nostalgia, proporcionando una sensación de inquietud y tristeza al oyente.

En una atmósfera más apacible, ‘L’esprit de l’escalier’ nos invita a pasear por bellos entornos sonoros en esa frontera entre el post-rock y la psicodelia pesada en la que tan bien se mueve el trio. Poniendo la intensidad en el momento justo, crean un corte balsámico y susurrante en el que la belleza habita en solitarios espacios instrumentales. Repitiendo su melodía IAH, incorporan elementos que enriquecen una canción suave y balsámica. La contenida base rítmica sirve de perfecto soporte para los devaneos de una guitarra que brilla con luz propia.

Instalados en los temas sosegados, ‘Sunon’ se desarrolla entre suaves melodías de inclinación post-rock. Lento en su desarrollo, los acordes se repiten creando un entorno mágico de relajación y paz interior. A diferencia de otras de las canciones incluidas en el álbum, aquí no hay explosiones de fuerza, manteniendo siempre el dulce susurro de esas apacibles y reconfortantes melodías que parecen sucumbir a una propuesta progresiva.

Con sus cuatro minutos en contraste con los largos temas, ‘Brilo’ crea una nueva atmósfera gratificante para el oyente. Silencioso y con bellos pasajes, aquí se vislumbran algunos ecos desérticos que me evocan a alguna de las canciones de Yawning Man. Esa conjunción entre lo arenoso y el post-rock, consigue crean un espacio para la reflexión con la puesta de sol en el horizonte.

‘Luno’ desata las hostilidades stoner con su conjunción de riffs rugosos y melodías atmosféricas.Un sonido grueso que deja al descubierto la vocación pesada del trio. Puro stoner instrumental de manual, ejecutado con maestría. Con esos elementos, IAH no duda en ofrecernos pasajes heavy-psych en los que la guitarra exhuma psicotrópicos antes de bajar la intensidad y recostarse en un acolchado prado de vibraciones psicodélicas. Posiblemente uno de los temas más versátiles del álbum que parece tener vida propia.

Con solo tres minutos y convirtiéndose en el corte más breve de un álbum que ofrece canciones largas, ‘Arce’ consigue aunar la belleza en un espacio más breve del habitual. Creando un gratificante espacio sonoro, la canción nos acaricia con bellos acordes casi a modo de interludio. De nuevo la guitarra nos proporciona aromáticas fragancias sonoras.

‘Naga’ retoma la larga duración con sus casi 10 minutos de atmosféricos pasajes instrumentales.Los ecos del desierto hacen acto de presencia nuevamente entre hermosas armonías con la guitarra como auténtica protagonista en su parte inicial. Tras esa introducción de poco más de un minuto, los riffs se vuelven más ásperos elevando la intensidad y pesadez del corte. Aquí los elementos heavy-psych co-habitan con brillantes momentos de stoner instrumental de manual. Oscilando en su sonido, el tema desciende insondables entornos para la reflexión. Con sutiles elementos pesados entre su armonía, consiguen dotar de fuerza a otro corte plácido con entrañas robustas. Un cuidado trabajo compositivo en el que nada parece dejado al azar.

Cerrando el álbum nos encontramos el corte más largo, ‘Omines’ con la colaboración de. Spacelug, se desarrolla entre susurrantes pasajes que en esta ocasión se enriquecen con la cálida y reconfortante voz. En una atmósfera de luz tenue, como el resto de las canciones del álbum, aquí vuelven a poner sintonía a la tristeza y la melancolía. Lento y cadente, el tema se toma su tiempo para desarrollarse y llegar a su culmen. Nuevamente, el post-rock, la psicodelia, y los elementos progresivos van construyendo un tema en el que los ecos del desert-rock más atmosférico están presentes.

IAH

Reseña: NEON BURTON.- ‘Mighty mondeo’

Es una lástima que la horrorosa portada sea la carta de presentación de un álbum sobresaliente de psicodelia pesada. Dicho esto, ‘MIGHTY MONDEO’ es una grata sorpresa de una banda desconocida para mí, y que de inmediato me ha cautivado con sus mágicos temas. Seis canciones llenas de magnetismo que rápidamente te atrapan entre sus narcóticas atmósferas proporcionando al oyente un asombroso mundo sensorial. Delicados y sin prisa para hacer eclosionar las canciones, los alemanes dotas a sus canciones de bellas y seductoras melodías entre notas de blues y riffs pesados. Destacando dentro del conjunto el magnífico trabajo de la guitarra, NEON BURTON sigue la estela de bandas como Colour Haze o My Sleeping Karma, ofreciendo al oyente un éxtasis sonoro con el que dejarse llevar. Un álbum chamánico que utiliza algunos estándares de la psicodelia pesada, pero que no reniega del legado de los sonidos vintage de los 70’s con un resultado cautivador. El álbum contiene momentos hipnóticos, pero sobre todo tiene canciones bien construidas, que nos susurran haciendo que atravesemos esa dimensión sensorial que hace que nuestra mente reciba gratificantes sensaciones. Finas texturas que no dudan en explorar territorios cercanos a la frontera del post-rock, pero que a su vez vez de la inagotable fuente del hard-rock de los 70’s en su vertiente más lisérgica. NEON BURTON crea un álbum conceptual que explora los límites de la naturaleza en el Mighty Mondeo, su ángel de la guarda en aguamarina. A través de la tundra intacta, pasan la noche eterna con lobos aulladores en Siberia y dejan que las montañas y los mares les muestren cómo ser. Además, se sumergen profundamente en lo desconocido en una batisfera y dan forma al sonido de una naturaleza hostil al borde del ahogamiento. Después de un viaje a través de la conciencia humana donde uno prueba la luna, nada a través de la aurora boreal y es arrastrado por la gravedad cero, regresan a los acantilados de Grecia y finalmente se recuestan al sol, contando las nubes.

El álbum fue grabado NEON BURTON and Chris Brenk en Sofa Records Studios, Mezclado por NEON BURTON. Masterizado por Fabian Plaetlin. El arte de portada es obra de Canvas painting y Thumpah Lee

NEON BURTON son: Henning (voz/ guitarra), Simon (bajo) y Emil (batería)

Dew Drops’ directamente nos sumerge en un bosque plagado de hongos mágicos que con sutileza van llenando la atmósfera de sustancias psicotrópicas. Pausado y marcando sin prisa cada acorde, consiguen mostrarnos un asombroso mundo sensorial que nos acaricia proporcionándonos un estado de relax. En un lento génesis el tema parece transitar por un plácido Jardín del Eden que nos proporciona gratificantes sensaciones. Una evolución lenta que va engrosando su sonido sin perder sus bellas melodías. Sin duda, una canción repleta de balsámicas sensaciones para el oyente.

En ese escenario psicotrópico, ‘Sundazed’ se adorna con ritmos de vocación kraut sin perder su espíritu psicodélico. Gratificantes pasajes de guitarra se superponen junto a una pulsante línea de bajo. Mas dinámico que el corte anterior, pero con una intensidad contenida, los alemanes a persisten en la exploración de atmósferas heavy-psych con gran destreza. La lenta mutación del sonido a un escenario más pesado se realiza con una transición acertada para llevar al oyente en volandas al sitio que NEON BURTON quieren. Susurrante y chamánicas voces afloran a lo largo de ocho minutos sumamente gratificantes. Sus cuidadas melodías de carácter 70’s encajan a la perfección en la trama argumental de un corte que modulándose con suma destreza ofreciendo fascinantes ritmos. Sin duda, un tema que muestra toda calidad de los alemanes en esto de los sonidos heavy-psych.

‘Neon Sleep’ con la participación de Thumpah Lee nos devuelve a esos insondables entornos psicodélicos. Ensoñadores pasajes de sumo magnetismo nos proporcionan un estado de bienestar ejerciendo de bálsamo para el oyente. Dejando patente de nuevo la calidad de la base rítmica, el tema nos acaricia protegiéndonos con el grueso, pero profundo sonido del bajo y voces aterciopeladas. Casi en un entorno que coquetea con el post-rock NEON BURTON siguen la estela de bandas como MY SLEEPING KARMA para llevarnos a un mundo mágico rebosante de belleza. Un cierto misticismo entre sus surcos hace que caigamos rendidos a su propuesta sonora. Chamánico pero monumental en sus riffs en tema fluye entre pedales y efectos impregnándonos de sustancia narcóticas que proporcionan un placentero estado de relajación. Aromático y colorista, el tema funciona con soltura como si de un mantra se tratara. De nuevo, la calidad de su guitarrista queda patente.

Un crujiente bajo abre ‘Trans Siberian Express’. Un tema que nos golpea con un sonido difuso y pesado que contrasta con los cortes anteriores. Siguiendo los dictados del Stoner instrumental, las voces melodiosas amortiguan la fuerza de sus sólidas entrañas. Manejándose a la perfección en las aguas de la psicodelia pesada, NEON BURTON ofrecen su lado más turbio y plomizo en contraste con sus melodías sosegadas. En una bajada de intensidad, el tema explora ensoñadores entornos sonoros con calmados desarrollos heavy-psych que traspasan esa dimensión sensorial que hace que nuestra consciencia viaje a mundo paralelo en el que todo fluye plácidamente. Tras momentos instrumentales, las voces parecen desatar la furia con la llegada de difusos y pesados riffs en una atractiva combinación instrumental-vocal.

Un ritmo casi Funky sirve para introducirnos en ‘Mighty Mondeo’, otra nueva etapa en esta exploración de vibraciones psicodélicas. Aquí las guitarras se desdoblan con magnéticos pasajes que sirven de gancho para sumergirnos en un nuevo estado narcótico. Viajando a los 70’s la cadencia rítmica llena de color un tema con cierto aroma vintage. Colorista y con contagiosos ritmos, el wah wah nos seduce antes de embadurnarnos con ácidos solos de guitarra para activarnos en esos ritmos retro llenos de gancho. La voz más desgarrada oscila entre la calma y la rabia por momentos. De nuevo el descenso a los abismos lisérgicos con pasajes chamánicos con tonos de blues pantanoso.

‘Bathysphere’ cierra el álbum con un torrente de riffs pesados que van mutando a un escenario más ensoñador. Potentes ritmos dejan paso a ensoñadores pasajes en los que la psicodelia nos envuelve con tonos chamánicos en una especie de jam. Ondulante y rítmico su guitarra rezuma sustancias ácidas entre una base rítmica sólida que sustenta el tema. Tras una parte central en la que la psicodelia se adueña del tema, éste, retoma la rugosidad de sus riffs, ofreciendo un aspecto más rudo sin perder su vocación psicotrópica.

Neon Burton