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Reseña: GOAT.- ‘Goat

AVISO: ¡Álbum adictivo!

El misterio colectivo sueco GOAT abre de par en par las puertas de su colorista y lisérgica pista de baile para ofrecer a sus fans uno de los mejores álbumes de su carrera. , Impactante, caótico por momentos, pero siempre sorprendente su sexto álbum ‘GOAT’, enciende la bola de espejos de discoteca llenando de color sus psicotrópicas canciones y nos muestra la mejor versión posible de este versátil y creativo grupo enmascarado. El álbum ve a esta impredecible banda invocando rituales impulsados rítmicamente en un estilo inconfundible, estimulante y brillante, igualmente apto para encender pistas de baile y expandir mentes. Sus psicodélicas canciones beben de la fuente del afro-beat, del funk, de la world music, del hard-rock de los 70’s para convertirlas en auténticos rituales de vudú. Piensa en bandas como FUNKADELIC, OSIBISA, o hasta en FRANK ZAPPA como anfitriones de una fiesta salvaje en la que el hip-hop es un invitado de postín. Cada pista consigue cautivar al oyente con esos ritmos diabólicos en los que lo lisérgico se convierte en un elemento fundamental. Pero la capacidad de este creativo colectivo hace que cada pista contenga grandes sorpresas para el oyente. Una sesión de electro-shock musical que siempre consigue su objetivo, llevar al oyente al lugar preciso que desean. Con unos surcos lleno de ganchos, y desarrollando sus canciones en un amplio espectro musical, los géneros no tiene secretos para estos chicos. Pero lo más sorprendente y admirable de este salvaje y monumental álbum, es que cada giro inesperado, se convierte en una gran oportunidad para descubrir los mas valiosos tesoros compositivos de GOAT. Impresionante, enmarañado por momentos, pero siempre excitante, esta nueva entrega del misterioso colectivo sueco se convierte en experiencia catártica, ritualista y trascendental para el oyente. Un auténtico soplo de aire fresco para un género sonoro que no parece tener límites, en el que cautivadoras voces, ritmos diabólicos, líneas de bajo excelsas, guitarras ácidas, te crearán la necesidad de volverlo a escuchar una y otra vez. Teniendo en cuenta el poder adictivo de sus canciones, Denpafuzz no se hace responsable de los efectos que una escucha prolongada puede afectar a tus neuronas, pero también desde aquí, te invito a caer en la tentación.

¡¡Dale al play, no te arrepentirás!!

‘GOAT’ está disponible vía Rocket Recordings

La canción de apertura del álbum nos sirve de termómetro del contenido del álbum. ‘One More Death’ palpita entre coloristas ritmos tribuales y voces llenas de gancho sobre un denso tapiz psicodélico. La contundencia de la línea del bajo y los sonidos cambiantes nos llevan a atravesar humeantes bosques lisérgicos. Una parada en la intensidad de una pista que no baja en ningún momento el listo de calidad de la banda sueca. Un torbellino musical de vibraciones ácidas a la altura de sus mejores canciones.

En álbum serpenteante y lleno de sorpresas, ‘Goatbrain’ nos anima con sus ritmos afro-beat. Construyendo la canción desde una estructura sencilla, las voces se compenetran con los tambores para crear una pista llena de vida en la que los instrumentos de viento se unen a esta colorista fiesta ritual. Pero no, los suecos no se olvidan de regalarnos algún solo de guitarra ácida en esta particular bacanal sonora.

Como si estuviéramos en un jardín de la tierra del sol naciente ‘Fool s Journey’ es un canto a la luz a través de pasajes instrumentales guiados por el sonido de una mágica flauta. Un toque de exotismo a semejanza de lo que nos tienen acostumbrados.

Entre efectos de wah-wah ‘Dollar Bill’ se viste de FUNKADELIC en otro espectáculo de vibraciones ácidas de aroma vintage. La canción contiene una gruesa base rítmica con la que amortigua las embestidas de sus corrosivos pasajes de guitarra. Pero estamos ante GOAT, una banda capaz de sorprenderte en cada esquina y aquí su orgía lisérgica se expande hasta convertirse en una jam alocada y ácida.

Nuevamente creando una atmósfera vintage, los elementos de fusión afloran en ‘Zombie’ con forma de ecos Funky y un tono mas propio de los 70’s mirando de reojo a los ganchos hip-hop. Un corte hipnótico que te atrapa entre sus ritmos vibrantes y te invita a entras en la pista. Una canción para disfrutar con las luces de una bola de espejo de discoteca. ¿Bailas?

Manteniendo ese sonido ‘disco’ ‘Frisco Beaver’ eclosiona entre ritmos abro-beat en un nuev estallido de color y ritmos que te atrapan. Los tambores y una guitarra casi surfera acompañan las melodías vocales. Pero siempre hay algún elemento innovador, y aquí los teclados compiten por el protagonismo en una divertida lucha en el que nadie resulta perdedor. Sonidos de los 70’s de alto nivel.

Los sonidos de un luminoso jardín del Edén revolotean en ‘The All Is One’. Una bucólica canción acústica llena de belleza.

Con la pista de baile abriendo sus puertas, ‘Ouroboros’ nos acosa con sus ritmos hip-hop y sus voces abro-beat. Oscilante por momentos y con un sonido dual, aquí nada pes lo que parece. Siempre sorprendente, la canción oscila y serpentea con un groovy imposible de rechazar. Golpes Funky, un bajo poderoso e hipnótico nos llevan a sucumbir a los encantos de esta endiablada canción. Como si estuviéramos en los 70’s GOAT se deja llevar por sus instintos psicodélicos y experimentales durante siete minutos en esta versión extendida, pero para cerrar el álbum nos ofrecen su versión (Radio edit). Aquí van directamente al grano, sin hacer prisioneros.

Goat

Rocket Recordings

Reseña: KANT.- ‘Paranoia Pilgrimage’

El segundo álbum de la banda alemana se construye con un enfoque narrativo de las canciones en un espacio en el que el proto-metal, el hard & heavy rock de los 70’s se fusionan con acierto entre densos y oscuros pasajes psico-progresivos en los que el espíritu doorsiano está muy presente. Contundente por momentos, sus melancólicas canciones llevan al oyente mas allá. A diferencia de su primer álbum, aquí el cuarteto se decanta por un tono más oscuro y pesado, haciendo que sus canciones graviten en un espacio más propio del proto-metal de los 70’s. Eso no significa que la psicodelia no esté presente en cada una de las canciones, ya que los efluvios psicotrópicos siguen creando el espacio preciso para desarrollar sus trances chamánicos. ‘PARANOIA PILGRIMAGE’ es el álbum que pondrá en órbita a esta joven y brillante banda. El pasado verano tuve la oportunidad de ver su directo en el festival Hoflarm y me encontré con con cuatro jovenzuelos irreverentes que tiene claro como jugar sus cartas. Grabado en vivo en un pequeño estudio en los bosques de la Selva Negra de Alemania, KANT se mantiene fiel a su enfoque de la creación musical iluminado por los sonidos mas crudos y ácidos de los 70’s. Inspirándose en bandas como Black Sabbath, Witchcraft y Horisont, el álbum transporta al oyente a un reino místico repleto de ocultismo, profecía y seres místicos. En ese espacio es donde afloran las reminiscencias doorsianas para brindar al oyente seductores pasajes lisérgicos. Sustentados en una diabólica dupla de guitarras una fascinante y cautivadora voz y una sólida base rítmica, KANT se postula como una banda emergente con un futuro esperanzador. Prueba de ello es la madurez y solidez de este, su segundo álbum. Un trabajo que venera gloria el pasado desde una mirada melancólica para componer canciones frescas y con muchos atractivos. Cierra los ojos y déjate llevar por ‘PARANOIA PILGRIMAGE’, un fantástico álbum, disponible vía Sound Of Liberation Records.

KANT son: Elena Strähle (bajo), Brain Göbel (batería), Marius Seidel (guitarra y voz) y Nicolas Jordan (guitarra y voces).

Lentamente ‘The Great Serpent’ nos sitúa en un espacio invadido por la melancolía. Sin renunciar a poderoso riffs difusos KANT crea una pista de auténtico proto-metal setentero. Todo un catálogo de sonidos de los 70’s con mediadas dosis de psicodelia e incluso de elementos progresivos que acaban por sumirnos en un trance chamánico en el que la oscuridad se adueña de la atmósfera. Del comienzo vibrante y pesado el corte desciende a un inquietante entorno en el que la penumbra toma un mayor protagonismo. No faltan solos diabólicos para poner la guinda a un magnífico corte.

Con una apertura que me recuerda a la canción de It’s a Beautiful Day ‘Bombay calling’, (una armonía mas tarde copiada por Deep Purple) ‘Baba Yaga’ resume el espíritu de la joven banda alemana. Chamánicos pasajes con un cierto aroma morrisiano van oscilando en un serpenteante deambular por el legado de los sonidos más crudos y lisérgicos del siglo pasado. En este versátil corte encontramos pasajes de hard progresivo que acabarán por sorprendente. Aquí el bajo golpea con contundencia llevando al oyente al centro del vórtice de esta épica canción. Su cantante y guitarra Marius Seidel nos da las pistas: «Baba Yaga es la segunda canción del álbum y single, inspirada en el cuento de hadas eslavo. Una vez me topé con esta historia al escuchar la interpretación de «Pictures Of An Exhibition» de Emerson, Lake & Palmer. Después de escuchar las dos canciones «The Hut» y «The Curse Of Baba Yaga», me sumergí en la tradición de este cuento de hadas bastante aterrador. Después de todo, el resultado musical es una canción, donde la construcción general es más un enfoque narrativo, que una estructura lineal de verso-estribillo»

‘Book Of Creation’ es una pista de puro hard-rock sin artificios. Una armonía pegadiza y una cálida voz cabalgan a lomos de unos riffs potentes que no llegan a traspasar el umbral de la estridencia. El proto-metal de antaño interpretado con elementos contemporáneos con un resultado brillante. Nuevamente la pista nos ofrece pausados pasajes en los que lo pastoral aflora entre efluvios psicodélicos nacidos de la penumbra.

Cambiando el registro, los elegantes pasajes de vocación jazz enriquecen ‘Traitors Lair’. Una canción con reminiscencias doorsianas que gravita en una órbita pausada en la que se da una mayor importancia a la melodía. Sus magníficos pasajes de guitarra crean un efecto balsámico sobre el oyente sumiéndolo en gratificantes pasajes psicodélicos de gran hermosura. Una pista sencilla, pero con muchos y atractivos elementos en su interior. El ejemplo de la versatilidad de la banda y el ejemplo de que se pueden componer bellas canciones sin necesidad de pesados riffs. Hermosa.

Las hostilidades se desatan con ‘Occult Worship’. Hard y heavy rock de siempre envueltos en un aura mesiánica. Sus adornos progresivos inciden en ese sonido vintage que tanto gusta a estos chicos. Sin margen para el aburrimiento la canción sube y baja su intensidad sin renunciar a su vibrante ritmo. Voces y guitarras borrosas se complementan a la perfección entre sus constantes cambios de registro. Una pista con aroma a los sonidos del siglo XX en una revisión plenamente lograda.

Decantándose por su lado más pesado y oscuro ‘Paranoia Pilgrimage’ nace de gruesos riffs de vocación casi doom para cruzar el espejo y descubrirnos un muevo mundo sonoro. Un espacio invadido por efluvios psicodélicos entre devastadores riffs de vocación Sabbath. No faltan voces que nos recuerdan la veneración por el sonido doorsiano en una mezcla atractiva que acaba por funcionar y con la que logran otro corte de tintes épicos.

‘Dark Procession’ puede que sea un nombre lo suficientemente evidente como para intuir el contenido de sus surcos. Heavy-rock con elementos psico-progresivos y pasajes ensoñadores. La sencilla armonía y sus poderoso riffs son usados con la maestría de unos veteranos en otra impactante canción que se decanta por la monumentalidad de sus riffs para soportar todo su relato.

Sin salirse del guion los ecos de los 70’s retumban con fuerza en ‘Lord Of The Flies’. La canción vuelve a conjugar la rugosidad de sus potentes riffs con ritmos diabólicos que siempre empujan hacia adelante. Con la guitarra impulsando la pista y usando melodías llenas de gancho, la canción golpea con fuerza reflejando la vertiente mas pesada de Kant.

Cerrando el álbum con la pista más larga, KANT se recrean con la psicodélica ‘Rainbird’. Una canción mas cercana al sonido que nos ofrecieron en su álbum debut y en la que los fornidos pasajes psicotrópicos van construyendo un relato meditativo. Balsámica y hermosa, la pista fluye lentamente esquivando las adversidades del camino mostrando un carácter delicado y cálido que se traduce en unos pasajes vocales cautivadores. Pero que esto no te lleve a engaño, ya que su serpenteante deambular por esos espacios expansivos es enriquecido con unos arreglos bien construidos haciendo que el corte se muestre esplendoroso. Otra desgarradora canción en la que no faltan solos asesinos, bajadas de intensidad y un emocionante caminar por la psicodelia envolvente que tanto nos gusta a algunos entre los que me incluyo. No se si es la mejor canción del álbum, pero es una de esas canciones que acaba por capturarte en su chamánico relato. Un cuento mágico lleno de gratificantes momentos y giros inesperados perfectamente diseñados para conquistar al oyente entre sus relajados e impactantes momentos doorsianos. Magia pura.

Kant

Sound of Liberation Records

Reseña: THE MOTHERCROW.- ‘Foráneo’

La cosmopolita banda afincada en Barcelona nos presentará sus nuevas inquietudes en forma de nuevos temas. Evocando la época dorada del rock, ‘FORÁNEO’ se postula como un reto para aquellos que afirman que ya no se hace rock como el de antes. Han pasado cinco años desde la publicación de su álbum debut ‘MAGARA’ (reseña aquí) y diferentes salidas y entradas de músicos en la banda, pero su esencia se mantiene intacta. Marcado por la fuerza y carisma de la voz de su cantante Karen Asensio, sus ocho canciones rezuman rock a la vieja usanza, sin aditivos y artificios. Si bien el tono general del álbum es más contenido que su álbum debut, seguimos encontrando guitarras asesinas, ritmos trepidantes y un groovy que te atrapa sin remisión. Caminando en lado más blusero del rock de los 70’s la psicodelia, y el hard rock más crudo y contundente, no faltan a su cita en ‘FORÁNEO’. Piensa en cantantes del siglo pasado como Janis Joplin o Maggie Bell, en bandas como Grand Funk, Babe Ruth, Free y fusiónalas con formaciones contemporáneas como Blues Pills, Rival Sons o Graveyard y encontraras el punto exacto en el que se desarrolla el álbum. Desde los ecos de la West-Coast hasta la psicodelia más chamánica y envolvente, el impactante sonido de la banda logra calar hondo en la sensibilidad del oyente con un artefacto sonoro que parece salido de la época más gloriosa del rock del siglo XX. ¿Estas preparado para un torrente de rock clásico? Si la respuesta es si, ‘FORÁNEO’ te dará lo que mas deseas. Sus seductores momentos impregnados de blues y los desarrollos psicodélicos ponen la guinda en un trabajo en el que el hard-rock vintage alcanza altas cotas de calidad. Transmitiendo sentimientos en cada estrofa, THE MOTHERCROW logran que sus canciones fluyan con naturalidad visitando diferentes escenarios sonoros con un nexo común, el rock más auténtico de los 70’s. Porque ‘FORÁNEO’ es uno de esos álbumes que consigue cautivar al oyente desde la primera escucha.

La banda ha contado con la experiencia de Robert Pehrsson (Tribulation, Black Paisley, Hazemaze, Märvel) para mezclar en Humbucker Studios en Suecia. El toque final viene con la masterización de Magnus Lindberg (Hellacopters, Refused, Russian Circles, Lucifer) en Redmount Studios. ‘FORÁNEO’ está disponible vía Discos Macarras y La Rubia Producciones, dos sellos que siguen apostando por lo mejor de la escena nacional.

THE MOTHERCROW son: Karen Asensio: Voces, Max Eriksson: Guitarras, Daniel Ribeiro: Bajo y Jaume Darder: Batería

‘Standing my Ground’ la canción que abre el álbum es una pista que bien refleja en contenido del álbum. Atmosféricos pasajes psicodélicos empapados de blues y hard rock salvaje al mas puro estilo 70’s. Marcado por la voz de Karen, el corte evoca momentos mas propios de cantantes como Janis Joplin, Inga Rumpf o Maggie Bell. Ondulando entre esos elementos clásicos la pista sube y baja su intensidad entre riffs pegadizos y un humeante aroma vintage.

Incidiendo en esa fórmula mágica que tan bien les funciona a los barceloneses, ‘Howling’ con un sonido mas crudo y rugoso mantiene el tipo. Fantásticas melodías vocales y golpes de auténtico retro-rock en un nuevo viaje al corazón de los 70’s. Una pista construida sobre una estructura sencilla en la que la acidez de la guitarra y una atmósfera nebulosa son sumen en un trance lisérgico impregnado de hard-rock a la vieja usanza.

‘Danger rules’ es otra pista de rock clásico construida sin estridencias. La desgarradora voz de Karen, en esta ocasión acercándose al sonido de Blues Pills. Con la máxima de menos es más, la composición cuenta con acertados arreglos que hacen que la canción se muestre mas accesible a cualquier público sin que eso implique una renuncia a la fuerza intrínseca de THE MOTHERCROW. Con ligeros pasajes de órgano la banda aporta elementos 70’s mucho mas característicos si cabe.

Poniendo la pausa ‘Tumbling down’, revela el lado más suave y sensual del cuarteto. Una pista con un tono bucólico en la que el aroma de las flores nos llega al corazón de América con sus luminosos y frescos pasajes. Un ejemplo evidente de que estos chicos no solo se sienten bien en los momentos mas ruidosos sino que también saben como bajar la intensidad para llevar al oyente a un sueño mágico mas propios del Verano de Amor.

‘Foráneo’ la canción que da nombre al álbum deja un mayor espacio para la instrumentación. Creando una atmósfera envolvente y plácida, la voz de Karen se eleva majestuosa entre susurros cautivadores. EL blues, el soul y la psicodelia son los principales ingredientes de este nuevo coctel sonoro. Una pista de fácil digestión que haría palidecer a los amantes del rock de siempre en su versión mas pausada y sensual.

Despertándonos del sueño el riff de apertura de ‘(Doin’ It) For the Thrill’ nos evoca nuevamente esas vibraciones setenteras más auténticas. Blues ácido y rock de siempre unidos en busca de una causa común. Una canción que cualquiera ubicaría en el corazón de los 70’s. La incorporación de coros sugerentes hace que la pista llegue con facilidad al oyente proporcionando una placentera escucha de rock clásico. Imagina una fusión de Janis Joplin y los mismísimos Grand Funk y encontrarás el espacio perfecto para el goce.

La vibrante ‘Gonna burn’ es una inyección de vida a través de un groovy contagioso y ritmos coloristas que se inclinan a un lado más Funky. Otra vez THE MOTHERCROW consiguen un corte refrescante sin perder un ápice de fuerza. Ondulando con soltura entre esos elementos diferenciadores, ‘Gonna burn’ se convierte en otra canción ganadora.

El epílogo llega de la mano de la canción más larga del álbum, ‘Northern lights’. Inclinándose por pasajes acústicos y la suavidad vocal, la canción nos susurra con dulzura mostrando la capacidad para aunar elementos de puro rock clásico. Siempre copando el protagonismo, la voz de Karen va marcando la intensidad de cada pasaje de la pista. Usando con sutileza el sonido del órgano consiguen crear un apacible y equilibrado espacio sonoro adornado con elementos progresivos. Seguramente es la canción más elaborada de un álbum que no baja el listo de calidad en ningún momento.

The Mothercrow

LaRubiaProducciones

Discos Macarras Records

Reseña: SACRI MONTI.- ‘Retrieval’

SACRI MONTI regresan con un nuevo álbum en el que muestran su faceta más pesada y progresiva. Evolucionado en su sonido hacia espacios mas propios de los dinosaurios del hard-progresivo de los 70’s, el quinteto de San Diego presenta un álbum con la seña de identidad de la banda. A veces solo necesitas escuchar unos segundos de una canción para identificar a la banda que la toca. Esto sucede con SACRI MONTI, una banda que continúa creciendo musicalmente y que conserva intacta su esencia y autenticidad. Elegantes, embriagadores, melódicos, épicos a la vez que ácidos, estos chicos escarban en el pasado con herramientas sonoras del presente, y lo hacen con solvencia y maestría. Así consiguen que sus canciones se nutran de los genes de bandas como Deep Purple, sin perder su esencia lisérgica. Si algo ha caracterizado a SACRI MONTI desde sus inicios ha sido la facilidad que tiene para componer canciones melódicas rebosantes de fuerza. Ese punto fuerte de la banda se amplifica en esta ocasión con un sonido contundente y pesado que contrarresta sus pasajes más balsámicos, proporcionando una cautivadora escucha. Si a esto unes la facilidad con la que se dejar llevar por los efluvios lisérgicos, obtienes un álbum monumental como ‘RETRIEVAL’. Poco más de media hora que nos deja con ganas de más, porque las atmósferas setenteras en las que hacen gravitar sus canciones son sencillamente grandiosas. Seguramente percibirás vibraciones que resulten familiares en cada una de las pistas, pero también serás sorprendido por un sinfín de gratificantes sensaciones que te sacarán de tu sueño, para transportarte a un mundo mágico lleno de belleza. SACRI MONTI lo ha vuelto a hacer, algo que ya de no debe sorprender a nadie, porque su sonido es único y personal, una ‘marca propia’ que nos vuelve a deslumbrar con un álbum sobervio.

SACRI MONTI son:Brenden Dellar (Guitarra y voz), Dylan Donovan (Guitarra), Anthony Meier (Bajo),Evan Wenskay (órgano y sintetizadores) y Thomas Dibenedetto (batería).

RETRIEVAL‘ está disponible vía Tee Pee Records.

Mirando con descaro al hard-progresivo de los 70’s, ‘Maelstrom’ la primera canción que la banda nos desveló de su nuevo álbum. Una pista con un tupido sonido vintage que evoca tiempos pasados a través de una conjunción de elementos psico-progresivos sustentados por el hard rock más auténtico. Arrolladora por momentos, la canción palpita en sus poco mas de tres minutos con melodías que se balancean una y otra vez. Su tono melancólico es contrarrestado por una fuerza descomunal, lo que la hace una pista excelsa y llena de argumentos para conquistarte.

Los de San Diego ya nos han mostrado anteriormente que son una banda con sensibilidad, y que las ‘baladas’ son uno de sus puntos fuertes. Así la belleza brota de cada nota de ‘Desirable Sequel’. Hermosa, y comedida, la canción mantiene el tono vintage entre bellos pasajes instrumentales que se complementan con una voz cautivadora. Siempre dando en clavo, SACRI MONTI, nos demuestran una vez mas que saben componer bellas canciones que te llegan al alma. Órgano, guitarras ácidas, voces acolchadas y un ritmo trepidante son suficientes argumentos como para no resistirse a una propuesta sonora que sabe como llevarnos a territorios progresivos sin perder su esencia a lo largo de siete minutos intensos y rebosantes de belleza.

Con un sonido aparentemente más pesado, la épica de ‘Intermediate Death’ nos sitúa en un espacio hard-progresivo de manual. Una apertura grandilocuente deja paso a un entorno apacible en el que el sonido del órgano en línea Purple va señalando el camino. Una atmósfera retro, y un sonido analógico nos envuelven entre fascinantes melodías. Con un ritmo que va y viene en su intensidad, la banda no abandona su propósito creando otra maravillosa canción.

Los ocho minutos de ‘Brackish/Honeycomb’ suponen una gratificante excursión a territorios hard-prog de los 70’s. Jugando con los teclados y guitarras la pista se adorna con aterciopeladas voces y un aura psicodélica que inunda de color su melancólica melodía. Oscilante y con una amplia gama de matices la pista ondula en su deambular por ese mundo fantástico que nos proponen los californianos. Una de las canciones mas complejas del álbum, lo que no impide que la pista conecte con el oyente llevando a un gratificante y majestuoso viaje sonoro. En su parte final la pista se vuelve mas loca y experimental con impactantes momentos de rock ácido en una auténtica locura sonora.

Por la vía rápida, las revoluciones se bajan con ‘Moon Canyon’. Una bucólica pieza acústica de dos minutos y medio que sirve de bálsamo al frenesí de la canción anterior.

Manteniendo el tono acústico, ‘More Than I’, parte de una apacible introducción para eclosionar en un torrente de vibraciones vintage. Hard-progresivo de manual asediado por guitarras ácidas y un tono épico. Todo un mundo fantástico se abre ante nosotros entre palpitantes pasajes meditativos en los que la psicodelia custodia el ambiente. Un giro argumental en una canción que todavía tiene mucho por ofrecer. Su sinfonismo contrasta con la potencia de una melodía llena de fuerza. De nuevo las guitarras brillan a un altísimo nivel mientras la pista nos sume en inquietantes bosques cubiertos de una densa neblina psicodélica. Otra maravilla sonora con una apariencia monumental que siempre sabe como traspasar el umbral bajo un ambiente nítidamente vintage.

SACRI MONTI

Tee Pee Records

Reseña: UNCLE ACID & THE DEADBEATS ‘Nell’ Ora Blu’

Cuando los británicos anunciaron el lanzamiento de su sexto álbum y dieron los primeros detalles de este, mi curiosidad se despertó enormemente. ¿Una banda sonora para una película imaginaria que rinde tributo al cine italiano de Serie B de los 70’s? Sin duda esta afirmación parecía interesante y arriesgada a partes iguales. Tras varias audiciones de ‘NELL’ ORA BLU’ me queda una gran duda, ¿Estamos ante una obra maestra o ante una ocurrencia? Estoy seguro de que muchos de sus mas fieles seguidores quedarán en shock cuando escuchen las 19 oscuras canciones contenidas en este extraño trabajo. ‘NELL’ ORA BLU’ es una experiencia de audio cinematográfica de proporciones épicas, que presenta apariciones exclusivas de un elenco de leyendas del cine italiano de la fenomenal era Giallo/Poliziotteschi de finales de los 60 y mediados de los 70. Sus actores principales; Edwige Fenech y Franco Nero finalmente están juntos en su primera colaboración. Musicalmente, el álbum va más allá de todo lo que UNCLE ACID & THE DEADBEATS podría haber predicho y es un viaje alucinante de proporciones épicas. Un relato oscuro y sosegado en el que la psicodelia aflora en los pasajes musicales con un tono melancólico y vintage. Lo cierto es que la banda da un salto vacío y lo hace sin red protectora, lo que puede resultar sumamente arriesgado. La gran pregunta es… ¿Cómo recibirán sus fans este arriesgado giro? Estoy seguro de que la controversia está servida entre aquellos que lo verán como algo único y magistral, en contraste con los que se sentirán sumamente defraudados. No es fácil apostar por tu creatividad y tus inquietudes sin pensar en el público, y eso parece ser lo que han hecho aquí. Las numerosas locuciones y diálogos cinematográficos pueden resultar desconcertantes, pero escarbando entre ellas podemos encontrar magistrales canciones que se esconden en estos inusuales surcos. Esta banda sonora mas propia de los entornos del festival de San Remo, son un reto para salir de la zona de confort de los rockeros más pesados, esos que llegan al éxtasis con las canciones de la banda, pero también una gran oportunidad para adentrarse en mundos desconocidos. Si esperas la contundencia y pesadez de sus álbumes anteriores, deberían buscar en otro lugar, aquí no van a encontrar eso, pero por el contrario, vas a atravesar el espejo para adentrarte en un mundo singular, un mundo gris, relajado, en el que la calidad compositiva continúa estando presente. No resulta fácil escribir sobre un álbum así y conseguir transmitir al lector la esencia de este nuevo trabajo, pero si te tomas tu tiempo, encontraras suficientes elementos para concluir que, a pesar de todos los nuevos ingredientes, el álbum tiene mucha magio en su interior. Una mirada radicalmente diferente (o en el fondo, no tanto) del sonido que la banda viene gestando desde hace años, pero una contemplación serena e intimista que te lleva a un tiempo casi olvidado. He de recocer que en las dos primeras escuchas del álbum me quedé algo aturdido y confuso, pero también es cierto que había detalles muy interesantes, y éstos, me llevaron a tomármelo mucho más en serio y disfrutar plenamente, sin distracciones de sus canciones. Así conseguí finalmente sentirme cautivado por este arriesgado, pero magistral álbum. Sin usar ganchos publicitarios, el relato comienza con canciones oscuras e inquietantes, pero según va avanzando el álbum van aflorando las esencias de sus surcos. Esas canciones hermosas y llenas de sentimiento con las que consiguen calar en los corazones del oyente. ‘NELL’ ORA BLU’ es como ese puesto de mercadillo callejero en el que buscar y rebuscar hasta encontrar ese tesoro escondido, ya que, entre extraños pasajes difíciles de asimilar se encuentra mágicas canciones que no olvidarás.

Canciones como la melancólica, triste y hermosa ‘Nell’ Ora Blu’ consiguen ponerte los pelos de punta con su delicada instrumentación.

La psico-progresiva ‘Solo la Morte to Ammanetta’ rescata la esencia de estos chicos con un sonido psicodélico rebosante de épica y esas voces etéreas que han forjado su leyenda.

‘Il gato morto’ con su fuerza y garra se va construyendo con una melodía cautivadora y una guitarra sobresaliente que por sí misma hace que la pista merezca la pena.

En una atmósfera vintage marcada por el órgano las celestiales voces de ‘Giustizia Di Strada – Lavora Fino Alla Morte’ aportan la dulzura a otra canción relajada pero interesante.

Mas atmosférica y pesada, ‘Il Sole Sorge Sempre’ es otro ejercicio de psicodelia experimental.

En una álbum tan ecléctico el sinfonismo teñido de jazz vintage hace acto de presencia en ‘Pomeriggio di Novembre Nel Parco – Occhi che Osservano’ una triste canción que no levanta el nivel y nos susurra con suaves pasajes instrumentales.

Hasta ‘Tortura al Telefono’ contiene pinceladas que nos hacen identificar que estamos ante UNCLE ACID .

Uncle Acid and the deadbeats

Rise Above Records