stoner – Página 75

Reseña: FAMILIARS.- «All In Good Time»

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He de reconocer, que a pesar de haber ido editando varios singles desde 2.014, el trío canadiense FAMILIARS era una banda desconocida para mí hasta el descubrimiento de este álbum debut. «ALL IN A GOOD TIME» exprime una fórmula atractiva en cada uno de sus temas. Los densos y turbios sonidos del desierto con cálidas y susurrantes voces shoegaze en temas que habitan en oscuras atmósferas psicodélicas. Con dos características fundamentales, el sonido grave, pesado y perturbador, y unas voces completamente hechizantes y susurrantes. Una combinación de la que la banda obtiene un resultando sobresaliente. Bajo unos registros densos, espesos y sobre todo atmosféricos, sus ritmos golpean con fuerza en un equilibrio que se conjuga con esa voz más propia de la bandas shoegaze y que genera un nuevo estilo definido por la propia banda como: «stonergaze». Seguramente ya son demasiadas las etiquetas, pero ciertamente es un término que define a la perfección su apuesta sonora. Con mucha influencia de All them Witches, el trío explota los arenosos vientos del desierto, para golpear con contundentes riffs pesados. Un bajo que cruje y que rezuma fuzz en cada nota, crea un clima denso, espeso y narcótizo. Toda una tormenta creada por sonidos graves y pesados en la que fuertes tambores giran y se desvanecen con bellas melodías en espacios psicodélicos.

Jared MacIntyre (bajo y voz), Kevin Vansteenkiste (guitarra, banjo, teclado wurlitzer y voz) y Anton Babych (batería) consiguen crear uno de los debuts más asombrosos del año.

“Homestead” aflora con lentos acordes y una ambientación atmosférica. Un génesis que brota lentamente repitiendo sus acordes bajo cadente y sosegados ritmos en la lejanía. Poco a poco el tema se va armando entre riffs que nos golpean. Una susurrante y cálida voz nos arrulla, acariciándonos entre riffs que se tornan mucho mas pesados. Una cruenta y desgarrada voz parece gruñirnos. La banda crea un contraste de fuerza y dulzura con lesa dualidad vocal. Una dualidad que arrastra los pesados riffs entre nebulosas intoxicantes. La psicodelia pesada se combina con rudos momentos Stoner. Los acordes del wurlitzer en un segundo plano mantiene el manto envolvente con firmeza creando un clima turbio y difuso.

Con crujientes y gruesos riffs Stoner, “Rocky roots», nos asalta sin contemplaciones. Chirriantes platillos acompañan un corte que difiera de lo visto en el tema anterior. Todo un espejismo que se resuelve en unos instantes. Con un descenso brutal de la instrumentación la bruma pantanosa envuelve esa chamánica a cálida voz mientras la guitarra se presente en todo su esplendor por escenarios más propios del shoegaze. Las cuidadas melodías se desarrollan entre difusos ritmos, una constante que vamos a encontrar en todos los temas. Ellos se definen como loud rock, y lo cierto es que esa definición se ajusta a su sonido a la perfección.

Entre fuzz turbio, las melodías vocales se intensifican, mientras el tema deambula entre espacios Stoner y psicodelia pesada. Magnético y repetitivo, pasa por distintas fases.

Una apertura impactante nos introduce en “The common loon”. Eso sonido grave y turbio se ilumina gracias a bellos desarrollos de guitarra entre crujientes ritmos. Denso y pesado el corte avanza por una senda casi doom con estribillos apagados en un segundo plano. Riffs golpeándonos con fuerza en tonos más heavy con una combinación de voz de lo más estimulante. Una batalla en la que la cruda voz se enzarzan en una batalla que finalmente se resuelve por la senda heavy-psych con buenos solos sobre esos ritmos más pesados.

Enigmático, brumoso y oscuro, “Barn burning” lentamente intenta salir de su oscura caverna en esa misteriosa atmósfera. EL bajo cruje creando un clima hipnótico que trata de socavar nuestras neuronas. Impactante y espesa, es acompañado de usa chamánica voz que surge de la niebla. En un clima narcótico y adormecedor, los susurros vocales parecen murmurarnos al oído a modo de somnífero. Con sus riffs pegadizos el corte adopta elementos desérticos en una combinación más propia de All Them Witches. Siempre con el fornido bajo acechándonos en contraposición con la cálida y húmeda voz.

En registros más propios del Stoner-doom y el heavy-rock, “The incident” cruje poderoso con sus efectivos y turbios ritmos, oscilando el ecualizador hacia los graves. Voces más propias del shoegaze alternativo y trabajadas melodías moldean el tema dotándolo de bellos y contagiosos estribillos que tratan de aflorar entre la espesura sonoro. Siempre el bajo llevando el timón de un tema que fluye con agilidad y sin renunciar a la pesadez intrínseca de la banda parece susurrarnos con delicadeza.

“Dirty dog salon” entre ecos All them Witches y melodías grunge Avanza como una apisonadora. Poderosos ritmos cegadores y acarameladas melodías se combinan en ondulantes pasajes. La propia definición que la banda hace de su sonido como “Stonergaze” adquiere aquí una nueva dimensión. Una cegadora y espesa bruma de la que surgen cantos de sirena entre andanadas de fuzz humeante.

Con una melódica introducción, “Avro arrow” se desarrolla en acolchados prados con el wurlitzer en segundo plano. Atmósferas lisérgicas de gran belleza que parecen contener la fuerza de la banda. Todo un espejismo que se desvela tras susurrantes y acaramelados pasajes con poderosos e arenosos riffs que crean una tormenta sonora en la que la voz trata de hacerse su hueco. Una atmósfera grave acompañada por el órgano y en la que la guitarra se retuerce a golpe de tambor y bajo. Un tema que va claramente de menos a mas intensidad.

Con acordes acústicos con aroma a medio oeste nace “Bonanza” Fuzz aturdidor y ritmos graves a caballo entre The Black Angels y cualquier banda desert-rock. Oscuros y atmosféricos se contonean con suavidad, susurrante, cálidos y lisérgicos. Una lograda combinación de elementos de psicodelia y de pesados sonidos desérticos. -siempre bajo un espeso sonido crean una cortina de la que las dulces melodías vocales acaban surgiendo. Aquí radica el éxito de los canadienses.

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Reseña: HIGH PRIESTESS.- «Casting The Circle «

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Tras la buena impresión que me causó su álbum debut, muchas eran mis ganas por degustar esta nueva entrega, y lo cierto es que “CASTING THE CIRCLE” no me ha defraudado en absoluto. Todo un ritual ocultista de psycho-doom en el que canalizan la energía a través de oscuros temas pesados en los que la tensión, el misterio y la oscuridad habitan entre fabulosas las armonías vocales de sus dos principales sacerdotisas. Temas que avanzan lentamente, con una cadencia que no reniega de la pesadez pero que no parece tener prisa, y en los que los aromas orientales están presentes a través de fantásticos desarrollos de guitarra aderezados con atmosféricos pasajes. Incorporando teclados a la liturgia, crean el clímax perfecto para hechizarnos en una ceremonia en la que los tambores tribales nos marcan el camino a lo desconocido. Son muchas las bandas psycho-doom con una vocalista al frente que están surgiendo en la escena pesada en los últimos tiempos, pero pocas son capaces de derrochar la sensualidad y buen hacer de este trío californiano. Sin muchos momentos de rabia, los temas van fluyendo en una pausa catártica en ese sacrificio a las deidades del averno que nos proponen. Si, esto es rock ocultista, pero con una magia angelical en las que las plegarias consiguen atraernos como lo hacían las sirenas a los marineros para atraer sus barcos hacia los acantilados, con dulzura, mucha dulzura. Los temas se desarrollan en una niebla narcotizante que evangeliza nuestra alma en ese ritual pagano que es «CASTING THE CIRCLE”. El álbum está construido con una metódica composición unas maravillosas melodías que adoptan elementos progresivos e incluso orientales para reforzar su riqueza. Las prodigiosas cuerdas vocales de Katie Gilchrest son perfectamente secundadas por Mariana Fiel con sus coros celestiales, lo que todavía da un mayor plus de calidad a esa parte fundamental del trabajo: Pocas armonías vocales tan atrayentes podemos encontrar como éstas en la escena pesada. Me postro ante su altar para recibir sus bendiciones de rock ocultista, HIGH PRIESTESS.!!

HIGH PRIESTESS son: Katie Gilchrest (guitarras, voces, organo), Mariana Fiel (bajo y voces) y Megan Mullins (batería y percusión).

La portada del álbum fue diseñada por Jill Colbert en Manfish Inc. y está disponible vía Ripple Music.

“Casting the circle” abre bajo cadentes tonos ceremonias con sus tambores rituales. Tonos exóticos custodian el canto de la suma sacerdotisa en el inicio de la liturgia. Una envolvente y sosegada instrumentación con los acordes medidos camina lentamente con sus todos solemnes. La voz siempre sugerente se ve asaltada por poderosos riffs mientras el canto a esa oscura deidad surge de entre las tinieblas en esa atmósfera psyco-doom que tan bien saben construir estas chicas. Con sutileza, salpican con exóticos pasajes de guitarra aportando ese olor a incienso que arropa el ritual. Separando los tambores de la turbulenta y densa instrumentación en un segundo plano, el tema posee unos fuertes y poderosos momentos que contrastan con la aparente fragilidad que la voz de aporta. Susurrantes melodías en un derroche vocal lleno de belleza.

Con efectos atmosféricos y ahora inmersas profundamente en tonos ocultistas, “Erebus” evoluciona sigilosamente entre las tinieblas. La sugerente y frágil voz aflora celestial entre los tonos Sabbath. El tema nos golpea con difusos y pesados riffs psych-doom. Un contraste de lo mas efectivo el combinar esos terroríficos pasajes con la angelical voz. Es una de las señas de identidad de HIGH PRIESTESS, y aquí lo llevan al extremo. Guitarras ensoñadoras entre coros celestiales bajo tonos de terror. La voz se alarga en cada verso, ondulando en esas embesstidas de fuerza para seducirnos cual sirena en los acantilados. Atrayéndonos con su hechizo, la banda nos introduce en su espacio tenebroso con la delicadeza de una ninfa. De nuevo la guitarra llena de tonos psicodélicos nos envuelve con sus intoxicantes brebajes. Desdoblándose una y otra vez, se estira con mesura en cada riff para llevarnos a un espacio en el que la psicodelia nos atrapa aturdiéndonos con los golpes de los tambores y el pesado bajo. Ocult-rock de libro entre las inquietantes plegarias de su suma sacerdotisa.

“The hourglass”, sin perder ese halo de misterio parece abrirse algo más a la luz. Los registros vocales adquieren una mayor intensidad. El tema deja un mayor protagonismo a la ácida guitarra entre registro vocales que se inclinan mas hacia el hard-rock. Esto no quiere decir que los magníficos coros no cumplan con su cita. El tema menos ocultista del álbum deja espacio a una brillante y cuidad combinación de voces y coros sobre las mágicas melodías. Un espacio que recorre el espectro desde el hard rock hacia atmósferas más nítidamente heavy-psych. Un arrullo constante en el que un hipnótico bajo custodia los virtuosos solos de unas guitarras que se desdoblan entre el sonido de los firmes tambores.

Los temas de larga duración son siempre un lugar para calibrar la calidad de una banda, y “Invocation” con sus diecisiete minutos nos da muestra de todo el potencial que tienen estas tres chicas. Ya no solo estamos ante el estándar psycho.doom de riffs gordos y lentos y la voz de la sacerdotisa como maestra de ceremonias. El corte es todo un ritual heavy-psych con muchos aromas pseudo-orientales, tambores vibrantes y voces celestiales. Mas efectos y pedales una guitarra que hace mutar sus sonidos logrando distintos registros entre las nebulosas con olor a incienso. Toda un aquelarre heavy-psych que quita protagonismo a la voz durante largos pasajes. Así mismo los tambores no cesan en su particular ritual. La larga duración del corte deja espacio para retomar los tonos ocultistas por la senda del doom. Un transito en el que la voz aflora entre tenebrosas armonías. A la mitad del corte, la potencia y pesadez de su riff anuncia una explosión. La tragedia se masca entre los cantos líricos para dar un giro entre tambores ceremoniales y una extraña locuciones salidas del averno. Un despliegue monumental que devuelve a la banda a su vocación litúrgica con susurrantes pasajes eclesiásticos en los que percibo un sonido de órgano. Describiendo las tinieblas, los coros surgen de los bellos pasajes de guitarra en una alegoría épica.

Tras la monumentalidad del corte anterior, “Ave Satanas”, parece desarrollarse en un espacio celestial. Como si hubiéramos pasado un umbral, los cantos celestiales entre una evolutiva instrumentación atmosférica que prescinde de la batería, los coros líricos consiguen crear un espacio perturbador y celestial a su vez. Una oda al más allá.

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Reseña: GAUPA.- «Feberdröm»

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GAUPA continúa abriendo nuevos caminos con su mezcla única de doom, psicodelia, folk y metal. Tras su reverenciado debut homónimo, su nuevo álbum «FEBERDRÖM» mantiene la fórmula usada. Ocho sólidas canciones que se desarrollan en oscuras atmósferas y que nos ofrecen épicos paisajes sonoros. Con su cantante Emma Näslund llevando el protagonismo con su maravillosa voz, sobre unos temas que toman elementos de metal progresivo y vientos folk en sus acordes. En algún lugar leí una definición que suscribo completamente: «Es como si Björk hubiera sucumbido a los sonidos de metal» (o algo así). Esta frase podría definir a la perfección el contenido de unos temas en los que la lírica y sensual voz de Emma, se conjuga con un bajo crudo y crujiente (¡¡que bajo!!) sobre complejas estructuras más propias del post-metal en una mirada hacia el pasado a través de los ecos progresivos. Esos ecos de la escena sueca que se reflejan en esa vocación progg innata en la banda en este relato de cuentos de hadas y de las tinieblas más profundas. Una penumbra de la que sale ese rayo de esperanza a través de las sugerentes y delicadas melodías vocales para que el resultado sea completamente brillante y apetecible. La melancolía como inspiración para desarrollar oscuros temas en sus atmósferas psico-progresivas que ya vimos en su debut. Los fans de bandas como Hällas tiene aquí un lugar en el que experimentar.

‘FEBERDRÖM» está disponible vía Kozmik Artifatz, y GAUPA está formado por Emma Näslund (Voz), David Rosberg (Guitarras), Daniel Nygren (Guitarras), Erik Jerka Sävström (bajo) y Jimmy Hurtig (Batería).

«Vakuum» se muestra áspero y difuso en comienzo para pasar a un estado en el que psicodelia envolvente y las mágicas guitarras nos seducen entre coros y nebulosas de las que sale la majestuosa voz de Emma Näslund, todo un prodigo que va a marcar el devenir de todo el álbum. Registro entre el heavy-rock y el blues con altas dosis líricas se ejecutan con mesura en los imponentes y narcóticos ritmos. Haciéndose dueña del tema la banda hace un buen ejercicio compositivo al incorporar sutiles y y angelicales coros. Siempre en el momento oportuno. Un parón nos marca un descenso a pasajes de psicodelia atractiva antes de concluir con pasajes stoner de gran fuerza y épica.

Entre riffs stoner y tonalidades retro progresivas, «Where Emperors Grow» se adereza con exóticos aromas orientales entre otro derroche vocal. El poderos bajo y su dinámico e hipnótico ritmo contrasta con la fuerzas de las melodías en esos tonos pseudo-orientales. Con tambores que retumban y la densa instrumentación los pasajes vocales se llenas de épica en un ejercicio lírico que relata mágicos cuentos del pasado, para mostrarse esplendoroso.

Dulces y delicados acordes abren «Hjulet». entre efectos una explosión de luz emerge de las tinieblas. El magnético bajo de Erik Jerka Sävström acompaña la sensual voz bajo leves acordes de guitarra. La dulzura roba protagonismo a la pesadez en esas atmósferas psico-progresivas que se construyen bajo una gran producción. EL corte parece contenerse constantemente, como si quisiera explotar, pero sin llegar a hacerlo nunca (o casi nunca). Esta es una de las características que se repite en algunos de los temas, una estructura que apunta hacia arriba pero que no termina de eclosionar como apunta. El corte es una perfecto escenario para el lucimiento de las habilidades de su bajista y de esa voz llena de lírica que constantemente nos seduce con su hechizante registro. La sucesión de pasajes de metal melódico se van intercalando con algún tonos folk en un tema mágico y misterio.

En tonos narrativos, el cuarteto sueco, con una atmosférica introducción, nos abren las puertas de «Grycksbo Gånglåt». Un tema hard-progresivo que deja espacios para la calma. Allí la acaramelada y seductora voz encuentra el espacio para su lucimiento. Ondulando en esas tenues atmósferas con reminiscencias folk y mucho progg, las armonías ondulan entre sostenidos nítidamente folkies. Desde la lírica el tema emerge evolucionando a majestuosos post-metal en los que las virtuosas guitarra afloran adornando la fornida y monolítica base rítmica.

Esa narrativa de cuentos y leyendas para ser la llama que prende los temas de GAUPA.

Debatiéndose entre la lúgubre psicodelia y los desarrollos progresivos «Mjölksyra» eclosiona en espesos riffs pseudo-doom antes de retomar la lírica con sus delicadas melodías. Aunando diferentes estilos, el tema nos ofrece delicados paisajes llenos de belleza y poesía cercanos a postulados post-rock, para eclosionar con la contundencia doom y post-metal. Una atractiva combinación de belleza y fuerza hace que sus textura cambien de sedosas o rugosas con gran habilidad.

Perturbador y dulce a su vez, «Alfahonan (Shooting Blanks)», se desgarra entre plomizos riffs y la, en esta ocasión, atormentada voz de Emma. Crudo, crujiente y seductor a su vez el tema se desarrolla en oscuras atmósferas llenas de épica. Fornido y poderoso, sigue conjugan la contundencia con la pausa. Una narrativa de relato de misterio sirve de argumento a corte de metal, menos melódico en el que el bajo vuelve a golpearnos con toda su fuerza en momentos en los que las vibraciones metálicas se adueñan del tema. Si no estuvieran bastante, los tambores de Jimmy Hurtig son aporreados con virulencia logrando que tema adquiera un aspecto musculoso.

«Totemdjur» saca a relucir el lado más pesado y metálico de los suecos. Dinamismo y fuerza por la senda heavy-rock con pegadizos riffs y un frenesí de ritmos que hacen encajar el arriesgado contraste entre el stoner y la lírica de su vocalista. Vertiginoso y perturbador la tormenta se cierne sobre nosotros con voces y coros que adquieren tonos ocultistas. El corte habita entre tinieblas perfectamente construidas.

El tema mas largo de todo el álbum, «Klarvaken» abre con susurrantes acordes psicodélicos de la que aflora esa mágica y cálida voz. Un espacio de completa calma que se eleva cadenciosamente. Sus coros nos hechizan entre bellos acordes en desarrollos con un aura progresiva que arropa y protege los coros celestiales. Coqueteos post-rock marcan el regreso del poderoso y crujiente bajo que va marcando el camino por el que se va a desarrollar el corte. EL tema posee una gran riqueza compositiva que se refleja en pasajes sinfónicos en ese espacio de oscuridad en el que «FEBERDRÖM» se desarrolla. Con dos niveles distintos, las guitarras y efectos y la atormentada voz crean un ambiente de tensión de grandes proporciones.

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Reseña: HEAVY TRIP.- «Heavy trip»

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Si Obelix adquirió su fuerza al caer en la marmita de poción mágica de pequeño, el trío canadiense originario de Vancouver, HEAVY-TRIP debieron de tomar L.S.D. en sus biberones de la infancia. Estamos acostumbrados a encontrarnos endiablados álbumes de psicodelia pesada, pero la acidez y el aroma a psicotrópicos que contienen estos surcos, están al alcance de pocos. Si a ello unimos su amor por el blues y por los oscuros sonidos Sabbath, el cóctel perfecto está servido. Muchos son los que tratan de experimentar con drogas alucinógenas, pero aquí se pueden ahorrar la visita al camello de turno para tener un buen «viaje». Cuatro temas que se desarrollan en oscuros y nebulosos bosques en los que las setas mágicas impregnan la atmósfera de psilocibina a través de ácidos solos que se incrustan entre la poderosa base rítmica de unos tambores que retumban y de un bajo impactante e hipnótico. Sus frenéticos desarrollos y solos en forma de jam, golpean con fuerza a nuestras neuronas hasta dejarnos exhaustos. Una bacanal ácida y psicotrópica soportada en el blues y en plomizos ritmos doom que habitan entres narcóticos vapores pantanosos. Su majestuosidad y exuberancia, son toda una invitación a un viaje sensorial del que no podrás salir con facilidad. Este debut solo hace incrementar mi ansia por una segunda entrega, que espero sea pronta, porque sino, mi síndrome de abstinencia será duro.

ADVERTENCIA: Una escucha prolongada puede causar daños sensoriales.

«Hand of shroom» abre el trabajo fluyendo lentamente en una génesis entre efectos y una guitarra que nos hace intuir que estamos ante algo grande. Creando pausadamente una atmósfera mántrica con cadentes ritmos blues-doom herederos del legado de Sabbath. Tras la introducción y una vez que el tema ha alcanza la suficiente intensidad, los canadienses nos introducen en un bosque psicotrópico rodeados de hongos mágicos que rezuman psibicilina toda una espiral en la una poderosa sección rítmica nos lleva en volandas entre los desvarios y giros de esa guitarra que se retuerce en mil cabriolas. Solos infinitos, hirientes, se suceden antes de una huida hacia adelante con frenéticos ritmos. Tomándose un respiro, el tema cede en su ímpetu, antes de retamar la bacanal ácida. Solos psicotrópicos que se moldean a gran velocidad. La destreza de su guitarrista Cole Jandrisch, queda patente. Impactantes y pesados a su vez, sus sonidos se amortiguan en ese salto al vacío, mientras hipnóticas líneas de bajo, tambores irreductibles y recorridos por los trastes de la guitarra se suceden hasta dejarnos exhaustos.

Tras la locura anterior, «Lunar Throne», se sumerge en un blues narcótico. los ecos de los pantanos y su densa bruma se reflejan en un tempo cadente y pausado. El humo cannabico nos va narcotizando con los desarrollos de guitarra mientras el imponente bajo de Cole Vibert nos golpea casi con la misma fuerza de la batería de Ben Frith. Sin darnos cuanta estamos sumidos en oscuros espacios blues-doom. De nuevo la guitarra no podía faltar a su cita con los solos chirriantes. Una hábil combinación de instrumentos en los que cada uno aporta su clase a este somnífero y embriagador tema en el que los vestigios sabbathicos siguen presentes. Una buena dosis de ácido nos lleva a un mundo de color en que todo oscila modulando sus formas.

Blues y psicodelia se unen en una causa común en «Mind leaf». Transitando por una apacible vereda en la que los hechizos psicotrópicos nos acechan en forma de solos hirientes llenos de acidez. Sobre esa base rítmica basada en el blues el trío desarrolla una jam impactante. Un chute de sustancias alucinógenas enturbian nuestros sentidos en estos surcos llenos acidez. el tema nos traslada a estado sensorial alejado de la razón en el que los diabólicos desarrollos consiguen anular la misma.

Retomando de alguna manera el oscuro legado Sabbath, «Treespinner» recorre esos ecos entre las sombras para desarrollar, en sus catorce minutos un autentico ritual heavy-psych. Contoneándose entre plomizos riffs guiados por esa implacable línea de bajo, el corte avanza ondulando hasta entrar en nuevo bucle de pegadizos ritmos, para dejarse llevar por las afiladas garras de esa estruendosa guitarra. Mil giros inesperados en una misma trama que pasa por distintos actos. Amenazadores pasajes casi doom invocan a las tinieblas en un ritual tenebroso hasta que los ritmos pesados se evaporan liberando extenuantes pasajes de lisergia envolvente con narcóticos momentos stoner-doom entre efectos envolventes. Incluso encontramos pegadizos y vertiginosos riffs más propios del hard-rock setentero en este exaltado corte.

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Reseña. MOURA.- «Moura»

Los gallegos MOURA, con su debut, nos invitan a sentarnos junto a la hoguera en la que los druidas invocan a los ancestros en un auténtico aquelarre sonoro en el que la música tradicional de origen celta es recuperada en cuatro largos temas psico-progresivos de una evidente pesadez y complejidad compositiva. Mil texturas y formas conforman unos surcos que son un auténtico diamante en bruto para estos orfebres galaicos. Tallando cada tema con ornamentos tradicionales llenos de historia, magia y misterio, para recubrirlos con un sonido contemporáneo lleno de fuerza y complejidad. Estamos posiblemente ante el mejor disco español del año, un trabajo que si bien puede que a los no acostumbrados a estos laberintos pueda invocar un cierto recelo, una vez que pruebes el brebaje, quedarás embrujado y nunca querrás salir del hechizo. La evocadora portada con los monolitos pre-romanos y las runas sobre el tambor, nos invita a un caleidoscopico viaje en el que los místicos cantos espirituales llevan como compañeros de travesía fornidos ritmos que soportan complejas estructuras compositivas. Nunca sabes a ciencia cierta por donde va virar el camino, pero precisamente ahí, radica todo su encanto. Una experiencia única que fluye de las fuentes de la tierra inmortal de sus ancestros, de las alas de los mouchos y las almas de los muertos que vagan en los montes de esa tierra verde en los confines de Europa, donde el mapa termina y comienza el mar tras el último acantilado del continente. Espacios en los que la niebla nos envuelve entre efectos llenos de magia y encanto en un auténtico trance. Aquí encontrarás muchos sonidos que te recordarán a los grandes del heavy-progresivo de los setenta, muchos ecos folk, pero sobre todo un gran tesoro en el que regocijarte.

Pocas bandas son capaces de experimentar de esta forma y obtener un resultado tan impactante. Sin saber muy bien de donde sale cada acorde, MOURA nos lleva en volandas a su espacio de confort. Allí donde ellos se sienten cómodos creando mil sonidos y texturas en un ejercicio compositivo de belleza sin igual.

La banda está compuesta por veteranos de la escena gallega integrantes de bandas como Lüger, Jet Lag, Ictus, Guerrera, Saharah, Elephant Band, Fogbound o Holywater. Diego Veiga (voces, guitarra), Hugo Santeiro (guitarra), Pedro Alberte (bajo), Fernando Vilaboy (hammond) y Luis Casanova (batería).

El álbum está disponible a partir del 1 de abril vía Spinda Records, un sello que continúa implacable, a pesar de las adversidades, en su apuesta por el rock patrio de calidad.

Tambores y coros rituales abren el álbum con el tema «Eira». Por la senda espiritual nos trasladan al mundo de los druidas. una ceremonia llena de misticismo que se rompe con una explosión de pesados riffs y unos teclados llenos de fuerza. Cantos celtas llenos de magnetismo custodiados por un ondulante bajo mientras los acordes de guitarra brotan en ese entorno mágico que tan bien saben construir los gallegos. Una perfecta combinación entre lo tradicional y lo contemporáneo sobre tonos progresivos con una instrumentación llena de fuerza. La banda demuestra toda su calidad con ese atrayente contraste en el que cada instrumento aporta su hombro para la construcción de un corte superlativo. Con una riqueza compositiva excelente el tema nos envuelve en una bruma hechizante y misterios. Un fiel reflejo de su tierra permitiendo que los efectos revoloteen como espíritus libres. El corte concluye en una especie de free-jazz entre su vocación psico-progresiva sustentado en parámetros folk y una gran pesadez. ¡¡Todo un trance místico!!.

Con una apertura contundente, «Da interzoua a annexia», con sus casi nueve minutos nos golpea entre efluvios psych y tonos heavy-progresivos de una indudable vocación tradicional. Los poderosos teclados, la guitarra contoneándose y un pulsante bajo se complementan con una impactante base rítmica. Adornado con exóticas voces tradicionales el tema se presenta denso y pesado, pero deja el espacio para que el colorista canto. Con singulares aromas que me recuerdan a los clásicos nacionales del progresivo de los setenta, el tema se contonea constantemente entre sus ondulantes ritmos. Aportando multitud de efectos el fornido corte se aromatiza con bellos pasajes de guitarra. Por la senda progresiva el corte nos envuelve en intoxicantes fragancias y tonos pseudo-arábigos que conjugan la tradición entre oriente y occidente. Sin renunciar al folclore tradicional las bellas melodías adornan este nuevo aquelarre.

Mucho más calmado y con acordes acústicos, «O curioso caso de mademoiselle X» utiliza instrumentos tradicionales para cimentar desde el sosiego y a través de bellas melodías un tema que paulatinamente se intensifica para dirigirse a espacios psico-progresivos. Teclados vintage y guitarras hirientes embutidas en psicotrópicos nos desvelan el lado más ácido de MOURA. Ésto no es una renuncia a sus genes celtas, para nada, pero la capacidad de estos chicos para mimetizarse en distintos estilos para ser infinita. Con la incertidumbre de a donde nos llevará este viaje, tras pasajes completamente psicodélicos, nos encontramos agrestes espacios heavy-progresivos que tras aturdirnos con una exuberante instrumentación regresan a la mística galaica con seductoras melodías y la magnética voz que asoma entre coros celestiales. Narcóticos pasajes que nublan los sentidos para transportarnos a insondables espacios llenos de espiritualidad en un ir y venir. La guitarra retorciéndose entre ritmos llenos de fuerza en ese espacio psico-progresivo tan monumental, majestuoso e imponente. El hechizo sonor nos introduce en inquietantes y misteriosos espacios con el bajo generando toda la tensión. Aquí la banda ensaya con teclados y vientos mientras los efectos siguen revoloteando ante nosotros. Pocas bandas son capaces de experimentar de esta forma y obtener un resultado tan impactante. Sin saber muy bien de donde sale cada acorde, MOURA nos lleva en volandas a su espacio de confort. Allí donde ellos se sienten cómodos creando mil sonidos y texturas en un ejercicio compositivo de belleza sin igual.

«Ronda das mafarricas» nos devuelve a la tradición celta. Cantos rituales que evocan hogueras en la noche. Una explosión por la senda del rock progresivo con raíces. Guitarras sangrantes entre un ritmo poderoso que avanza con decisión a momentos más lisérgicos sin perder su tono tradicional. De nuevo las estructuras psico-progresivas son el espacio perfecto para que la banda nos deslumbre entre ritmos ancestrales. Un ritual pagano que redime las almas elevándose en complejos pasajes heavy-progresivos.

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