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THE EXPLODING EYES ORCHESTRA.- «II»

svart157_exploding_eyes_ii_coverEl proyecto que comenzó como una diversión y una terapia alternativa a JESS AND THE ANCIENT ONES, cierra su etapa con esta segunda entrega. Con cinco miembros en sus filas, THE EXPLODING EYES ORCHESTRA supuso la evasión del guitarrista Thomas Corpse para sus plasmar sus esfuerzos creativos mientras que la banda principal quedó inactiva, transformándose en una nave nodriza de ésta.. Grabaron en 2015 su primer trabajo, y este «II», se grabó también en aquellas mismas sesiones, viendo la luz el próximo 5 de octubre vía Svart Records.  Con el resurgimiento de JESS…, la banda anuncia a su vez el fin del proyecto, enterrandolo con este disco como epitafio. 

THE EXPLODING EYES ORCHESTRA representó un acercamiento más terrenal a la sonido del rock psicodélico, hacia la cual JESS AND THE ANCIENT ONES también se dirigió, y finalmente se encontraron con la misma alineación exacta.

Tratando de hacer música para mantener la fresca, sin complicaciones, los finlandeses se internan en una atmósfera psicodélica de baja intensidad, en la que los ritmos hipnóticos  acompañan bucólicas voces que sobrevuelan un jardín del edén en el que las ninfas se asoman a placenteros pasajes sonoros. Así «Those of us left» abre el disco rayando territorios post-rock.

Con momentos de teclados floridos, esas voces femeninas tratan de seducirnos con coros e instrumentación que pisa los terrenos progresivos en composiciones complejas salpicadas de solos de guitarra entre la espesura de los teclados. La aparente fragilidad de «Belladona» en realidad esconde una compleja creación.

Si hay una nota común en la mayoría de los temas es el romanticismo y la melancolía que se transmite de sus acordes. En ocasiones derrochando tristeza, con melodías que flotan en el ambiente de tiempos pasados, creando enigmáticos espacios en los que los sonidos de mandolina o flauta describen momentos que bien podrían ubicarse a comienzos del siglo pasado. («Harmain»).

Describiendo la depresión y el aislamiento de los nuevos tiempos, la muerte de occidente y todas las mierdas que nos escupe la televisión diariamente, en espera que alguien cambie la dinámica.

Tonos de cabaret mezclados con elementos progresivos en una huida hacia adelante. «The thing you do», contiene un hipnótico piano que crea una auténtica maraña sonora pisando terrenos propios de la avant-garde, el corte describe una enajenación psíquica.

Un eclecticismo en blanco y negro con temática progresiva encontramos en «The birch and The Sparrow».

Destacan  «Go go Johnny do», y «Love eternal». Dos cortes que sobre una base de rock clásico, aparecen como más conexos, derrochando melancolía y romanticismo. El primero con un mayor predominio de unas guitarras que poner el nervio, y el segundo, bajo el prisma de un clasicismo romántico. Un sinfonismo suave y dulce en el que las voces brillan con luz propia en forma de coros de ninfas,  sobre una atmósfera envolvente y relajada con la mirada puesta en la música alternativa que se aleja del ocultismo y la pesadez de su banda principal.

 

 

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KIKAGAKU MOYO.- «Masana temples»

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En MASANA TEMPLES, la banda quería desafiar sus propios conceptos sobre la música psicodélica. Su potencia se mantiene intacta en este disco, pero definen más sus composiciones haciéndolas más nítidas. Un trabajo que va mutando en constantes metamorfosis para obtener un resultado atractivo, bello e intenso.

Siempre dando rienda suelta a su creatividad y reflejándola con una ejecución magistral que denota el gran dominio que tienen de sus instrumentos. Constantemente en busca de la libertad mental en ese transito entre lo espiritual y lo material. Una espiritualidad a la que nunca renuncian, y lo hacen dándose libertad en la ejecución, como la han hecho desde sus inicios. La libre creación de una música que acaba acoplándose con la complicidad que los miembros de KIKAGAKU MOYO tienen entre si. Todos tienen su protagonismo, parece que estemos ante una banda, que aparentemente no tiene lideres, y cada uno es su propio jefe, sin perder el respeto oriental a los momentos de gloria de los demás. 

El sitar como protagonista en el primer tema del álbum, aportando ese toque oriental tan característico de los japoneses y que les hace una banda única en la escena. Belleza y espiritualidad unidos con la psicodelia nos inician en este viaje desde «Entrance»

Sonidos vintage de los sesenta aparecen desde la guitarra fuzz, con calma. A continuación la susurrante voz de Tomo Katsurada    se mezcla con tonos que coquetean con el jazz y la psicodelia apacible, así como con sonidos de la galería italiana setentera, con teclados y guitarra como protagonistas en «Dripping sun». Un re-confortable paseo  por floridos jardines del edén. Flores de loto y nenúfares despiden fragancias cautivadoras. a continuación la banda sale de ese estado de meditación para iniciar una travesía mucho más tormentosa intensificando su sonido con una sucesión de riffs de guitarra, que confirman ante quienes estamos. Una banda sutil pero sólida  en la que la fragilidad es solo aparente.

Los temas van mutando de la calma al ritmo, y del ritmo al sosiego. «Nazo nazo» refleja entornos de templos japoneses rodeados de flores de loto. El acento oriental lleva en forma de suave brisa reconfortante.

Si algo tienen KIKAGAKU MOYO es la facilidad para combinar y fusionar tonalidades distintas. Psicodelia, kraut-rock, jazz, folk,  todo entra en esas jams que libre y espontáneamente (o no tanto) se convierten en temas oscilantes. lo cierto es que el resultado parece sencillo dentro de la complejidad de algunas estructuras. 

El hipnotismo kraut que vemos en «Fluffy Kosmisch» gracias a la batería y a unos teclados repetitivos, es suavizada sin estridencias por la sutileza de los acordes del sitar para poco a poco ir introduciéndose en una espiral de sonido.

Siguiendo esa linea kraut, «Majupose» se construye sobre una línea de bajo que marca la melodía para ir incorporando elementos e instrumentos sobre la misma.

El smooth-jazz aparece en «Orange peel» sobre repetida estructura hipnótica y repetitiva. En una dinámico avance, estamos ante un corte evolutivo que incluye desde extrañas coros a voces cercanas a registros de bossa. el sitar y la guitarra más densa aparecen para arropar la composición.

En MASSANA TEMPLES encontramos más elementos jazzisticos que en sus anteriores trabajos. El hecho de haber grabado el disco en Lisboa junto al músico de jazz , Bruno pernadas supongo que tiene una gran influencia en ésto.  

A pesar de ser un disco algo más intimista que sus predecesores, los riffs potentes no desaparecen de la creación de la banda. Clara muestra de ello es «Gatherings», seguramente el tema más potente del trabajo, a pesar de que nos volvemos a encontrar elementos folk, una hechizante batería y tonos kraut-rock lisérgicos, la guitarra y el órgano de vocación retro le diferencia de alguna manera del resto de las pistas. 

Para cualquiera que escuche a KIKAGAKU MOYO por primera vez, puede sorprenderle la aparente fragilidad de una banda que logra transmitir toda la sensualidad de sus discos en su directos, pero con una fuerza y potencia que posiblemente no llegue a percibirse en sus surcos.

El disco cierra con una composición acústica en la que los arpegios de guitarra recrean un oasis de paz y relax sensorial ayudados por las aterciopeladas voces. «Blanket song» pone punto final a otro gran disco de KIKAGAKU MOYO

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SHERPA.- «Tigris & Euphrates»

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Por todos es conocido el espectro sonoro en el que se suele mover el sello Sulatron Records, así que no nos extraña que una banda como SHERPA se haya incorporado a trabajar con ellos para la publicación de esta joya llamada «TIGRIS & EUPHRATES«.

La formación italiana nos presenta un maravilloso álbum en el que ejecutan heavy-psych de muchos kilates. Si por algo destacan SHERPA, es por su gran capacidad para generar y describir ensoñadoras atmósferas que reconfortan el alma. Si lo que deseas es que tu cuerpo sea zarandeado por la música, este no es tu disco. Sin embargo la expansión de la mente  será intensa si te adentras en sus surcos. 

Con reconfortantes pasajes de tintes atmosféricos, y bellas melodías, la banda va desgranando sus meditativos temas.  Algunas estructuras repetitivas con uso de drones, nos arrullan y acunan en un morfínico y placentero sueño. El sosiego, bajo refinados acordes que derrochan dulzura es su principal arma. Unas susurrantes y placenteras narraciones en las que la calma más narcotizarte que puedas encontrar,  nos describen susurrantes estados de bienestar mental y anímico. Cortes como «Kim (((o)))»  van adquiriendo intensidad gracias a unas guitarras que me recuerdan a los desarrollos a los que nos tienen acostumbrados Causa Sui.

TIGRIS & EUPHRATES es un disco para degustar desde el sosiego y la calma de un espacio tranquilo. Acomódate en tu sofá y disfruta, permitiendo que tu alma traspase la barrera tántrica que parece protegernos. Como si nos arroparan y mecieran a la vez, las pausadas notas rezuman ternura.

Existen momentos de oscuridad, como no podía ser de otra forma, pero se trata de una neblina que es resuelta a cargo de dulces melodías y arpegios que brotan de su guitarra.

Sería difícil destacar alguno de sus temas, ya que todos siguen una línea en común, en la que incorporar puntualmente violines, sitar, sintetizadores…. Pero desde luego, las cálidas voces que salen en «Abscent to the mother languaje», hace que nos recostemos aún más sobre nuestro lecho para un mayor deleite de su música. Con tonos nostálgicos, una lenta línea de bajo, crea la atmósfera apropiada para que la sutileza de los acordes de la guitarra vayan guiándonos a misteriosos e intrigantes espacios. Con ecos de Pink Floyd en alguno de sus pasajes la banda logra un auténtico vacío mental que facilita la percepción de todo su sonido.

Siempre susurrantes y mántricos, sus temas sirven de bálsamo en un mundo donde el estrés está siempre presente. Todo un antídoto muy de agradecer para esa búsqueda interior que todos necesitamos en algún momento. Una joya de disco para poner banda sonora a un paseo por cualquier jardín del edén. Un sosiego y quietud muy, pero que muy apetecibles.

«TIGRIS & EUPHRATES» supone un suave fragancia en la que no faltan los momentos espaciales, con una esencia aromatizada por una lenta y liviana instrumentación de guitarra levitando suavemente sobre los sentidos. Todo bajo una excelente producción que hace que el resultado final sea completamente brillante.

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Mythic Sunship.- “Another Shape of Psychedelic Music”

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Segundo álbum que publican los prolíficos daneses MYTHIC SUNSHIP en lo que va de año, tras haber lanzado en enero UPHEAVAL. En su tercera entrega para El Paraiso Records. que verá la luz el próximo 5 de octubre.

Toda una locura creativa que les lleva a la publicación de cuatro discos en un periodo de dos años, en esta ocasión en formado de doble LP con “ANOTHER SHAPE OF PSYCHEDELIC MUSIC», en un mesiánico viaje a la enajenación psico-sónica.

Habiendo partido en anteriores trabajos de poderosos riffs inspirados por momentos en sonidos sabbathicos, en esta ocasión dan una vuelta de tuerca más a su experimentación introduciéndose en sonidos de jazz. Cocinando una mezcla con la psicodelia que habían producido desde sus inicios, pero inspirada en momentos de free-jazz venidos de los sesenta. Coltrane, Coleman y Andrew Hill, están en el origen de sus influencias en su nuevo trabajo. 

Un brebaje sonoro de difícil digestión en la primera cata, pero que resulta placentero según se va degustando. Unas composiciones llegadas desde el otro lado del espejo, para expandir las conciencias y los sentidos de los gustos más exquisitos. Estamos ante un plato gourmet, que probablemente no todos sepan apreciar. 

Evidentemente no todos los oídos están preparados para tanta experimentación, pero desde aquí os invito a abrir la mente, dejarse atrapar. La locura creativa nos invita a caminar por un viaje expansivo, donde los sonidos de saxo se incrustan en nuestros sentidos bajo calmadas atmósferas en las que el relax y el recogimiento domina la estancia.   

Seis largos temas que van evolucionan en si mismos, transformandose sin perder su esencia. Llegando a difíciles momentos de vanguardia experimental, para elevarse a una psicodelia espacial en la que drones y una evolutiva guitarra nos cautiva con su intensidad. la batería juega un gran papel. Brillando con luz propia al unísono con los acordes de saxo, o bien en ausencia de él. 

No faltan los sonidos kraut. La robótica batería hace estragos en cortes como «Backyard ritual». Trás la maquinaria de las baquetas se produce una auténtica batalla entre el saxo y las guitarras bajo un clima de psicodelia espacial. por supuesto la base creativa de MYTHIC SUNSHIP parte de los territorios psicodélicos a los que nos tienen acostumbrados en sus trabajos, pero aquí van más allá, conjungandola con la experimentación con el jazz. De hecho en cortes como «Last exit» el free-jazz infernal  campa a sus anchas en esa exploración de nuevos sonidos que se unen al heavy-psych más ortodoxo.

Lo cierto es que durante muchos pasajes se crea un mantra sonoro en el que los efectos fuzz se vuelven diabólicos generando esa espesa y envolvente bruma psicotrópica en la que las tonalidades oscuras son las dominantes. Una penumbra espacial que gravita lentamente susurrando al oyente con su propuesta.

El álbum fue grabado con Jonas Munk en su estudio casero, donde Munk acompañó a la banda en la guitarra en algunas de las pistas circunstancia que eleva aún más la calidad de las composiciones. El responsable del saxo que tanto puede llamarnos la atención es Søren Skov. 

En definitiva estamos ante toda una locura de disco, que como los buenos vinos, ha de ser degustado con calma, sin prisas, para apreciar bien todos sus matices, que son muchos. Un tejido interespacial en una cacofonía sonora que muta sus formas intensidades y tamaños según en que momentos de los temas nos encontremos. Composiciones que se muestran faraónicas, enajenadas, precisa y preciosas, pero como por un efecto mágico, que se disipan sin que nos demos cuenta de esa huida, ni descubramos el truco. Dinamita y nárcóticos anestesiantes en una mezcla imposible, pero…. que resulta!!!! El sonido de MYTHIC SUNSHIP ha sido descrito como «el ethos del free jazz en un escenario doom». Decide tú tras una profunda escucha.

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THALIA ZEDEK BAND.- «Fighting season»

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La veterana THALIA ZEDEK es una voz sin igual en la música rock. Desde mi punto de vista, y salvando las distancias, con una carrera similiar a la de PATTI SMITH. Con mucha más energía en sus anteriores bandas (LIVE SKULL o COME), pasándose a terrenos más relajados, en los que muestra toda su fragilidad y a la vez, todo su torrente vocal.

En esa fusión entre lo íntimo y lo visceral, su nuevo trabajo es toda un baúl de sentimientos que salen a flor de piel. Desnudándose de sus miserias, y levantando su voz ante la actual situación política en el mundo. Un tránsito desde la inmediatez y la urgencia alabada en tiempos pasados, a formas más agudas, ofreciendo canciones potentes pero crudas que inspiran esperanza en un momento forjado por el miedo.

Así, el título del álbum, «FIGHTING SEASON», fue un término acuñado originalmente para el período de tiempo en Afganistán cuando el invierno llegaba a su fin y los enfrentamientos en la región se reanudaban. La reinterpretación de la frase, en cambio, vuelve el foco en la resistencia, en un momento para luchar por uno mismo o para protestar por el deterioro del panorama político.

Contando historias de individuos o las suyas propias, «Ben Again», el tema que abre el disco, en un tono bucólico, explora las batallas contra sus propios demonios interiores. Adicciones que afloran de forma lastimosamente bella. Apoyada en una instrumentación que se acerca a ciertos cánones post-rock, la sutileza y belleza de su voz se ve engrandecida por el manto instrumental consiguiendo. El recuerdo de los momentos más desgarradores e íntimos de Patti Smith, me vienen a la cabeza al escuchar sus lindas melodías. Combinando la arenosidad del pasado con un tono de fragilidad, posiblemente el corte más impresionante del disco. 

Un canto a la melancolía a través de armonías de música americana. Historias de fracasos, llenos de introspección. 

La mayor parte del álbum se desarrolla bajo una cuidada instrumentación que realza las magníficas composiciones de THALIA. «Fighting season» describe la lucha contra las injusticias, desde la calma, pero también desde la indignación. Vibrantes y atmosféricos momentos post-rock custodian unas letras reivindicativas. ese espíritu rebelde está presente en todo el disco.

Una calma dolorosa que se transmite a través de su bella voz. (…Y sigue viniéndome a la cabeza Patti Smith sin que lo pueda evitar. ……) coloreada con tonos ocres en un mar de armonías acústicas en las que no falta el carácter arenoso de tiempos pasados.

El lirismo captura a lo largo de una bella dualidad de luchas individuales y colectivas, extraídas de experiencias personales, así como aquellas ampliamente discutidas en los medios tales como la agitación en Siria y la difícil situación de los refugiados. Como defensora desde hace mucho tiempo de los que se ven como «extraños», la voz de THALIA sobre estos temas tiene un raro sentido de agudeza que pocos poseen. 

Momentos en los que la voz, no nos canta, sino que nos recita y nos susurra, elevando y ampliando un mensaje desgarrador. Vestida de cantautor y alejándose de tiempos de excesos sonoros y personales la sensibilidad de «FIGHTING SEASON» está fuera de toda duda.

Un bello mar que se agita con olas gigantescas, o con remansos de aguas tranquilas. 

Para la ocasión está acompañada de viejos amigos como Chris Brokaw (COME) y J. Mascis (DINOSAUR JR.) A través de sus excepcionales composiciones y actuaciones, la ferviente pasión de THALIA ZEDEK se puede sentir más que nunca en «FIGHTING SEASON».

Para este álbum, también está acompañada de amigos que colaboraron en su disco de 2015 que regresan, incluyendo al veterano colaborador y violista Dave Curry, además del pianista Mel Lederman, el bajista Winston Braman y el baterista Jonathan Ulman. Los arreglos magistrales se desarrollan en todo el registro que THALIA diseñó como reflejos de cada historia. La búsqueda de viola y las líneas de violonchelo de invitado de Jonah Sacks respaldan la melancolía de «We Will Roll». Estos invitados hacen que, a través de sutiles melodías o de dramáticos solos eleven la fuerza de este gran trabajo.

«FIGHTING SEASON» se grabó a finales de 2017 y principios de 2018 en Kimchee Records Studio por Andy Hong, otro de sus frecuentes colaboradores. El álbum fue escrito antes y después de las elecciones de 2016 en EE. UU. Tanto para la grabación como para la escritura, adoptando un enfoque más aislado que los álbumes anteriores, escribiendo el material por su cuenta y solo presentó las canciones al resto de músicos poco antes de la grabación. Este aislamiento se inclinó hacia la elaboración de algunas de las canciones más directas y emotivas de ZEDEK hasta la fecha. 

«FIGHTING SEASON» verá la luz el próximo 21 de septiembre via Thrill Jockey Records.

https://www.facebook.com/ThaliaZedekBand/

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