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Reseña: THE MOTHERCROW.- ‘Foráneo’



La cosmopolita banda afincada en Barcelona nos presentará sus nuevas inquietudes en forma de nuevos temas. Evocando la época dorada del rock, ‘FORÁNEO’ se postula como un reto para aquellos que afirman que ya no se hace rock como el de antes. Han pasado cinco años desde la publicación de su álbum debut ‘MAGARA’ (reseña aquí) y diferentes salidas y entradas de músicos en la banda, pero su esencia se mantiene intacta. Marcado por la fuerza y carisma de la voz de su cantante Karen Asensio, sus ocho canciones rezuman rock a la vieja usanza, sin aditivos y artificios. Si bien el tono general del álbum es más contenido que su álbum debut, seguimos encontrando guitarras asesinas, ritmos trepidantes y un groovy que te atrapa sin remisión. Caminando en lado más blusero del rock de los 70’s la psicodelia, y el hard rock más crudo y contundente, no faltan a su cita en ‘FORÁNEO’. Piensa en cantantes del siglo pasado como Janis Joplin o Maggie Bell, en bandas como Grand Funk, Babe Ruth, Free y fusiónalas con formaciones contemporáneas como Blues Pills, Rival Sons o Graveyard y encontraras el punto exacto en el que se desarrolla el álbum. Desde los ecos de la West-Coast hasta la psicodelia más chamánica y envolvente, el impactante sonido de la banda logra calar hondo en la sensibilidad del oyente con un artefacto sonoro que parece salido de la época más gloriosa del rock del siglo XX.  ¿Estas preparado para un torrente de rock clásico? Si la respuesta es si, ‘FORÁNEO’ te dará lo que mas deseas. Sus seductores momentos impregnados de blues y los desarrollos psicodélicos ponen la guinda en un trabajo en el que el hard-rock vintage alcanza altas cotas de calidad. Transmitiendo sentimientos en cada estrofa, THE MOTHERCROW logran que sus canciones fluyan con naturalidad visitando diferentes escenarios sonoros con un nexo común, el rock más auténtico de los 70’s. Porque ‘FORÁNEO’ es uno de esos álbumes que consigue cautivar al oyente desde la primera escucha.

La banda ha contado con la experiencia de Robert Pehrsson (Tribulation, Black Paisley, Hazemaze, Märvel) para mezclar en Humbucker Studios en Suecia. El toque final viene con la masterización de Magnus Lindberg (Hellacopters, Refused, Russian Circles, Lucifer) en Redmount Studios. ‘FORÁNEO’ está disponible vía Discos Macarras y La Rubia Producciones, dos sellos que siguen apostando por lo mejor de la escena nacional.

THE MOTHERCROW son: Karen Asensio: Voces, Max Eriksson: Guitarras, Daniel Ribeiro: Bajo y Jaume Darder: Batería

‘Standing my Ground’ la canción que abre el álbum es una pista que bien refleja en contenido del álbum. Atmosféricos pasajes psicodélicos empapados de blues y hard rock salvaje al mas puro estilo 70’s. Marcado por la voz de Karen, el corte evoca momentos mas propios de cantantes como Janis Joplin, Inga Rumpf o Maggie Bell. Ondulando entre esos elementos clásicos la pista sube y baja su intensidad entre riffs pegadizos y un humeante aroma vintage.

Incidiendo en esa fórmula mágica que tan bien les funciona a los barceloneses, ‘Howling’ con un sonido mas crudo y rugoso mantiene el tipo. Fantásticas melodías vocales y golpes de auténtico retro-rock en un nuevo viaje al corazón de los 70’s. Una pista construida sobre una estructura sencilla en la que la acidez de la guitarra y una atmósfera nebulosa son sumen en un trance lisérgico impregnado de hard-rock a la vieja usanza.

‘Danger rules’ es otra pista de rock clásico construida sin estridencias. La desgarradora voz de Karen, en esta ocasión acercándose al sonido de Blues Pills. Con la máxima de menos es más, la composición cuenta con acertados arreglos que hacen que la canción se muestre mas accesible a cualquier público sin que eso implique una renuncia a la fuerza intrínseca de THE MOTHERCROW. Con ligeros pasajes de órgano la banda aporta elementos 70’s mucho mas característicos si cabe.

Poniendo la pausa ‘Tumbling down’, revela el lado más suave y sensual del cuarteto. Una pista con un tono bucólico en la que el aroma de las flores nos llega al corazón de América con sus luminosos y frescos pasajes. Un ejemplo evidente de que  estos chicos no solo se sienten bien en los momentos mas ruidosos sino que también saben como bajar la intensidad para llevar al oyente a un sueño mágico mas propios del Verano de Amor.

‘Foráneo’ la canción que da nombre al álbum deja un mayor espacio para la instrumentación. Creando una atmósfera envolvente y plácida, la voz de Karen se eleva majestuosa entre susurros cautivadores. EL blues, el soul y la psicodelia son los principales ingredientes de este nuevo coctel sonoro. Una pista de fácil digestión que haría palidecer a los amantes del rock de siempre en su versión mas pausada y sensual.

Despertándonos del sueño el riff de apertura de ‘(Doin’ It) For the Thrill’ nos evoca nuevamente esas vibraciones setenteras más auténticas. Blues ácido y rock de siempre unidos en busca de una causa común. Una canción que cualquiera ubicaría en el corazón de los 70’s. La incorporación de coros sugerentes hace que la pista llegue con facilidad al oyente proporcionando una placentera escucha de rock clásico. Imagina una fusión de Janis Joplin y los mismísimos Grand Funk y encontrarás el espacio perfecto para el goce.

La vibrante ‘Gonna burn’ es una inyección de vida a través de un groovy contagioso y ritmos coloristas que se inclinan a un lado más Funky. Otra vez THE MOTHERCROW consiguen un corte refrescante sin perder un ápice de fuerza. Ondulando con soltura entre esos elementos diferenciadores, ‘Gonna burn’ se convierte en otra canción ganadora.

El epílogo llega de la mano de la canción más larga del álbum, ‘Northern lights’. Inclinándose por pasajes acústicos y la suavidad vocal, la canción nos susurra con dulzura mostrando la capacidad para aunar elementos de puro rock clásico. Siempre copando el protagonismo, la voz de Karen va marcando la intensidad de cada pasaje de la pista.  Usando con sutileza el sonido del órgano consiguen crear un apacible y equilibrado espacio sonoro adornado con elementos progresivos. Seguramente es la canción más elaborada de un álbum que no baja el listo de calidad en ningún momento.

The Mothercrow

LaRubiaProducciones

Discos Macarras Records



 



 



 



 



 



 



 



Reseña: FREE RIDE.- ‘Ácido y puto’

‘ACIDO Y PUTO’ el nuevo álbum del trio madrileño FREE RIDE es una exploración sonora de la psique humana y las profundidades de lo desconocido. Este álbum se adentra en los aspectos misteriosos y a menudo inquietantes de la existencia, invitando a los oyentes a enfrentar sus miedos y abrazar la oscuridad interior. En este segundo trabajo esto hijos bastados de las generator-party de los desiertos californianos presentan nueve canciones que no te dejarán indiferente.  He visto a estos chicos crecer musicalmente desde sus inicios, he visto como han ido evolucionando desde aquellos momentos en los que nos íbamos al campo con los generadores y las jams invadían el silencio de la Alcarria con sus ácidos y difusos riffs. Con el fuzz como principal ingrediente, aunque no el único, sus canciones se muestran más sólidas e impactantes cada día que pasa. Una evolución y madurez que queda reflejada en este particular viaje al interior de la mente, o mas bien, en este vehículo sonoro ideal para expandirla.  De aquellas aguas viene estos lodos, y si, la cosecha que llevan cultivando desde sus inicios, lo que llevan trabajando desde hace casi una década, tiene sus frutos ahora en una cosecha excepcional, ‘ÁCIDO y PUTO’, un álbum del que se va a hablar y mucho en los próximos tiempos. ¿Y puede que te preguntes por qué?, pero cuando escuches sus canciones, encontrarás la respuesta. Porque ‘ÁCIDO y PUTO’ conjuga a la perfección el legado de los pioneros del Stoner roc,k con la psicodelia ácida de finales de  los 60’s y primeros 70’s,  en una encrucijada en la que se unen el sonido de EARTHLES, FU MANCHÚ y NEBULA. Sus brumosas canciones, a veces salidas de la psilocibina de los hongos mágicos, y otras de las arenas mas cegadoras del desierto, son todo un regalo tanto para los amantes del Stoner rock más auténtico, como aquellos que prefieren las orgías psicotrópicas en las que expandir la mente. Aquí lo tenemos todo, un brebaje sonoro que aplacará tus sentidos para invitarte a una larga fiesta nocturna en medio del desierto. Atronadoras, melódicas, rítmicas, pesadas, narcóticas, sus canciones conseguirán que sigas creyendo en un género que empieza a estar algo denostado por la monotonía de muchas bandas que repiten una y otra vez la misma fórmula sin mucho que aportar a la misma. En esta ocasión, la frescura, la madurez y sobre todo la autenticidad, quitan la razón a aquellos que afirman que el Stoner o desert-rock actual es aburrido y sin nada que aportar. En este álbum FREE RIDE logran capturar toda esa energía y crudeza que la banda muestra en su local de ensayo y lo hace, teniendo muy presente el legado de los 70’s, el legado de músicos como JIMI HENDRIX en su faceta más ácida y psicodélica, pero también recuperando la crudeza de THE STOOGES y por supuesto todo lo que aportaron bandas como KYUSS, FU MANCHÚ o NEBULA. Armados con nada más que sus instrumentos, algunos micrófonos y un deseo insaciable de crear, se propusieron capturar la esencia de su sonido en su forma más pura. Producido por el propio Borja y mezclado y masterizado por Matt Dougherty en Chicago, el espíritu DIY de la banda impregna cada aspecto del proceso de grabación, desde la ingeniería de sus propias sesiones hasta la experimentación con diferentes ubicaciones de micrófonos y técnicas de grabación. El resultado es un álbum que brilla con una intensidad cruda y energía cósmica, donde cada tema es un testimonio de la inquebrantable dedicación de la banda a su arte en un balanceo controlado que nunca se desmorona.

FREE RIDE son:

Borja Fresno – Guitarras, voces, percusión y sintetizadores
Victor Bedmar – Bajo
Carlos Bedmar – Batería

ÁCIDO Y PUTO’ cuenta con ilustraciones de Borja Fresno Benítez y Carlos Bedmar, y está disponible en CD y formatos digitales a través de Small Stone Recordings y en vinilo azul opaco (limitado a 250) a través de Kozmik Artifactz.

En un álbum que alterna canciones largas con otras mas cortas, su corte de apertura ‘Space Nomad’ con más ocho minutos, transita por espacio invadido por los efluvios de hongos mágicos. Aderezado con un alma de blues la pista me recuerda a los momentos mas psicotrópicos de TEN YEARS AFTER. Su atmósfera vintage empapada de wah-wah y un colorista ritmo Funky va tornando el corte a un espacio más pesado sin terminar de renunciar a la esencia heavy-psych. Lo liviano tornándose plomizo a través de gruesos riffs y una guitarra que en cada acorde irradia psicodelia de alto nivel.  Presidido por la clama, el serpenteante deambular lleva la canción a transitar por otros estilos sin perder su esencia chamánica. Impactante y lisérgica hasta las trancas. Si FREE RIDE combina el legado del desierto con la psicodelia más ácida, es en esta ladera en la que su sonido me resulta más cautivador, como tantas veces les he dicho a ellos. Con temas así podemos entender la primera palabra del título del álbum: ÁCIDO.

Evocando el legado de los pioneros del desierto ‘Outsider’ nos empapa con su groovy desvelando la pasión del trio por el sonido de bandas como NEBULA. Fuzz, y un tono macarra empujan un corte ganador, de esos que rompen cervicales. La fiesta arenosa está aquí mostrando toda la garra de la banda en ese columpio que se eleva desde el rocoso suelo a la psicodelia pesada. La pista viene marcada por la implacable base rítmica y el contundente bajo de Victor, mostrando a Borja en registro diferente en su voz.

Retomamos las canciones de larga duración conlos casi diez minutos de ‘Kosmic Swell’. Otro viaje sensorial impulsado por la psicodelia meditativa prescindiendo de la voz. La pista es una especie de jam en la que las ondas psicotrópicas crean una atmósfera narcótica que sume al oyente en un placentero viaje sensorial. Expande tu mente y déjate llevar por estos mágicos sonidos empapados de la mejor psicodelia pesada que puedes escuchar en el siglo XXI. El ondulante desarrollo del que FREE RIDE dotan a sus canciones queda patente una vez mas en la parte central, en la que todo se vuelve mas turbio y pesado. L parte final combina la fuerza con la acidez en un entorno aturdidor con el que consiguen meter al oyente un auténtico agujero negro de sonidos lisérgicos.

‘Vice’ nos devuelve a la banda a un sonido setentero en el que los efectos cósmicos acompañan los gruesos riffs arenosos. De nuevo el legado de FU MANCHU (uno de los referentes del trio) aflora sin rubor. Con un ritmo dinámico envuelto en una turbia atmósfera, la pista se muestra sólida y contundente sin perder su tono psicodélico.  

La joya de la corona es una canción compuesta en 2020 y que resume otra de las pasiones del trio. ‘Nazaré’ rinde tributo a esas grandes olas que hacen las delicias de los surfistas en la conocida playa portuguesa. Surfeando entre efectos y distorsiones el corte se toma su tiempo para eclosionar en una bacanal de vibraciones más propias de los 70’s. Rítmica pero también narcótica, la pista se erige como el legado más valioso de FREE RIDE hasta el momento.  Impulsada por unos tambores diabólicos la guitarra hace contonearse la armonía en otra orgía sónica de proporciones descomunales. Un pulsante y grueso bajo custodia los devaneos psicotrópicos de una guitarra que se multiplica en su sonido. La encrucijada en la que se encuentran el sonido de EARTHLESS con el de NEBULA y FU MANCHU. Y aunque creas tenerlo controlado, ‘Nazaré’ te llevará por paisajes sonoros que nunca hubieras imaginado en un mismo viaje. Una canción en la que encontraras muchos sonidos que te resultarán familiares pero que a la la vez te hará descubrir nuevos territorios sonoros.

La energía descarada de ‘Steamroller’ llega envuelta en un sonido turbio y difuso sobre el que se ejecutan momentos de Stoner ortodoxo, pero también dejando la huella punk que calzaban aquellos pioneros del desierto.

‘ Joy’ es una canción clásica en los directos de FREE RIDE desde hace un tiempo. Con una composición sencilla y un riff con mucho gancho, solo faltan los pasajes vocales de Borja poniendo la nota indómita a otra canción que se balance entre los 70’s y los 90’s pero que acaba por decantarse por el headbanging. ¿Te puede resistir a su groovy?

Continuando con la exploración Stoner ‘Blackout ‘ golpea con fuerza sirviendo como banda sonora perfecta para conducir por las largas rectas del desierto. Con algunos momentos setenteros y un cierto desorden consiguen que todo se torne más alocado y psicotrópico gracias a una guitarra que se desdoblan en mis sonidos lisérgicos.

Como epílogo ‘Living For Today’ con su colorista apertura acústica nos lleva a evocar nuevamente el legado de los pioneros del desierto. Una pista sencilla en la que el groovy marca su devenir y en la que encontramos giros inesperados con una proyección algo más comercial en sus melodías vocales de inspiración STOOGES. Pero no permitas que los árboles no te dejen ver el bosque, porque FREE RIDE tienen un gran respeto por el legado de las bandas con las que crecieron y otra vez nos brindan una canción que enamorará a los amantes de los sonidos más crudos del desierto.

Free Ride

Small Stone Records

Kozmik Artifactz

Reseña: SACRI MONTI.- ‘Retrieval’

SACRI MONTI regresan con un nuevo álbum en el que muestran su faceta más pesada y progresiva. Evolucionado en su sonido hacia espacios mas propios de los dinosaurios del hard-progresivo de los 70’s, el quinteto de San Diego presenta un álbum con la seña de identidad de la banda. A veces solo necesitas escuchar unos segundos de una canción para identificar a la banda que la toca. Esto sucede con SACRI MONTI, una banda que continúa creciendo musicalmente y que conserva intacta su esencia y autenticidad. Elegantes, embriagadores, melódicos, épicos a la vez que ácidos, estos chicos escarban en el pasado con herramientas sonoras del presente, y lo hacen con solvencia y maestría. Así consiguen que sus canciones se nutran de los genes de bandas como Deep Purple, sin perder su esencia lisérgica. Si algo ha caracterizado a SACRI MONTI desde sus inicios ha sido la facilidad que tiene para componer canciones melódicas rebosantes de fuerza. Ese punto fuerte de la banda se amplifica en esta ocasión con un sonido contundente y pesado que contrarresta sus pasajes más balsámicos, proporcionando una cautivadora escucha. Si a esto unes la facilidad con la que se dejar llevar por los efluvios lisérgicos, obtienes un álbum monumental como ‘RETRIEVAL’.  Poco más de media hora que nos deja con ganas de más, porque las atmósferas setenteras en las que hacen gravitar sus canciones son sencillamente grandiosas. Seguramente percibirás vibraciones que resulten familiares en cada una de las pistas, pero también serás sorprendido por un sinfín de gratificantes sensaciones que te sacarán de tu sueño, para transportarte a un mundo mágico lleno de belleza. SACRI MONTI lo ha vuelto a hacer, algo que ya de no debe sorprender a nadie, porque su sonido es único y personal, una ‘marca propia’ que nos vuelve a deslumbrar con un álbum sobervio.

SACRI MONTI son:Brenden Dellar (Guitarra y voz), Dylan Donovan (Guitarra), Anthony Meier (Bajo),Evan Wenskay (órgano y sintetizadores) y Thomas Dibenedetto (batería).

RETRIEVAL‘ está disponible vía Tee Pee Records.

Mirando con descaro al hard-progresivo de los 70’s, ‘Maelstrom’ la primera canción que la banda nos desveló de su nuevo álbum. Una pista con un tupido sonido vintage que evoca tiempos pasados a través de una conjunción de elementos psico-progresivos sustentados por el hard rock más auténtico. Arrolladora por momentos, la canción palpita en sus poco mas de tres minutos con melodías que se balancean una y otra vez. Su tono melancólico es contrarrestado por una fuerza descomunal, lo que la hace una pista excelsa y llena de argumentos para conquistarte.

Los de San Diego ya nos han mostrado anteriormente que son una banda con sensibilidad, y que las ‘baladas’ son uno de sus puntos fuertes. Así la belleza brota de cada nota de ‘Desirable Sequel’. Hermosa, y comedida, la canción mantiene el tono vintage entre bellos pasajes instrumentales que se complementan con una voz cautivadora. Siempre dando en clavo, SACRI MONTI, nos demuestran una vez mas que saben componer bellas canciones que te llegan al alma. Órgano, guitarras ácidas, voces acolchadas y un ritmo trepidante son suficientes argumentos como para no resistirse a una propuesta sonora que sabe como llevarnos a territorios progresivos sin perder su esencia a lo largo de siete minutos intensos y rebosantes de belleza.

Con un sonido aparentemente más pesado, la épica de ‘Intermediate Death’ nos sitúa en un espacio hard-progresivo de manual. Una apertura grandilocuente deja paso a un entorno apacible en el que el sonido del órgano en línea Purple va señalando el camino. Una atmósfera retro, y un sonido analógico nos envuelven entre fascinantes melodías. Con un ritmo que va y viene en su intensidad, la banda no abandona su propósito creando otra maravillosa canción.

Los ocho minutos de ‘Brackish/Honeycomb’ suponen una gratificante excursión a territorios hard-prog de los 70’s. Jugando con los teclados y guitarras la pista se adorna con aterciopeladas voces y un aura psicodélica que inunda de color su melancólica melodía. Oscilante y con una amplia gama de matices la pista ondula en su deambular por ese mundo fantástico que nos proponen los californianos. Una de las canciones mas complejas del álbum, lo que no impide que la pista conecte con el oyente llevando a un gratificante y majestuoso viaje sonoro. En su parte final la pista se vuelve mas loca y experimental con impactantes momentos de rock ácido en una auténtica locura sonora.

Por la vía rápida, las revoluciones se bajan con ‘Moon Canyon’. Una bucólica pieza acústica de dos minutos y medio que sirve de bálsamo al frenesí de la canción anterior.

Manteniendo el tono acústico, ‘More Than I’, parte de una apacible introducción para eclosionar en un torrente de vibraciones vintage. Hard-progresivo de manual asediado por guitarras ácidas y un tono épico.  Todo un mundo fantástico se abre ante nosotros entre palpitantes pasajes meditativos en los que la psicodelia custodia el ambiente. Un giro argumental en una canción que todavía tiene mucho por ofrecer. Su sinfonismo contrasta con la potencia de una melodía llena de fuerza. De nuevo las guitarras brillan a un altísimo nivel mientras la pista nos sume en inquietantes bosques cubiertos de una densa neblina psicodélica. Otra maravilla sonora con una apariencia monumental que siempre sabe como traspasar el umbral bajo un ambiente nítidamente vintage.

SACRI MONTI

Tee Pee Records

Reseña: VITSKÄR SÜDEN.- ‘Vessel’

Los californianos VITSKÄR SÜDEN son una de las bandas que vengo siguiendo desde que su maravillosa música llegó a mis oídos con su debut en 2020. Si ya con su anterior álbum ‘THE FACELESSS KING’ (reseña aquí) me conquistaron, ahora rompen mi corazón con un álbum majestuoso y evocador en el que contemplan la fragilidad de la vida humana en forma de una ficción extraña… Desde bosques post-apocalípticos empapados de lluvia y ciudades lovecraftianas hundidas hasta mares turbulentos y campos de batalla pantanosos, guían a los oyentes a un mundo sensorial en el que la melancolía domina la atmósfera. Sustentados en unas inigualables melodías vocales, sus canciones exploran más profundamente si cabe, los territorios propios del rock progresivo. Susurrantes, sinfónicos, insinuantes, y con una amplia gama de recursos compositivos, crean canciones hermosas en las que las texturas se multiplican bajo un manto de tristeza y soledad sumiéndonos en un mundo introspectivo. Incorporando sintetizadores, piano y elementos de cuerda, crean un escenario musical en el que el romanticismo más sofisticado, envuelve unas canciones rebosantes de belleza. Si bien el alma de ‘VESSEL’ es progresivo, la banda no tiene ningún reparo en dotar a sus canciones de emocionantes pasajes psicodélicos con alguna pincelada de pesadez, siempre en tono contenido. Porque la verdadera esencia está en esa magistral tendencia a un sinfonismo oscuro, suave, aterciopelado, a la vez que hermoso y singular. Las apariciones especiales del violonchelista Max Mueller, la violinista Emily Moore y el pianista Rich Martin, así como las vocalistas Kristi Merideth e Isabel Beyoso añaden un plus de emotividad a unas pistas, que ya por si mismas resultan majestuosas. En solo cuatro años de carrera musical VITSKÄR SÜDEN se han ganado el derecho a estar el el Olimpo de las bandas del momento con un álbum que es la confirmación del enorme crecimiento y madurez de unos músicos solventes y con una creatividad digna del mayor de los halagos. Recordad este nombre: ‘VESSEL’, un álbum del que escuchareis elogios y alabanzas según la gente vaya descubriendo el tesoro que esconden sus surcos.  

‘VITSKÄR SÜDEN’ son:
 Martin Garner – Bajo/Voz
 Julian Goldberger – Guitarra/Sintetizadores
 Christopher Martín – Batería
 TJ Webber – Guitarra

Con una cálida voz y una melodía que se inclina por el sinfonismo ‘Vengeance speaks’ es un perfecto termómetro de lo que nos puede deparar ‘VESSEL’. Desde su aparente sencillez la pista nos sume en un romántico espacio melancólica adornado por magníficos y serenos arreglos progresivos. Teclados y sintetizadores arropan las hermosas estrofas vocales con una sutileza que no se ve alterada en ningún momento. Ese ambiente sinfónico se complementa con cautivadores coros en una pista que casi parece un boceto de una canción por su extremada sencillez. Ese es su gran aval, transmitir sin necesitad de complejos desarrollos.  

Impulsada por unos tambores y un ritmo que se inclina sutilmente por lo cósmico ‘R´lyeh’ muestra la faceta más experimental y sideral de los californianos. Suave en su melodía vocal la pista incluye capas superpuestas acopladas con destreza para crear un ente cohesionado y futurista en el que los genes progresivos son acompañados de algunos pasajes atmosféricos en los que la psicodelia aflora con sutileza.

‘Through tunnels they move’ borbotea suavemente en un espacio invadido por la melancolía. Allí la banda desplega todo su seductor arsenal melódico. Un entorno en el que la banda se siente cómodo y eso queda reflejado en una canción hermosa, vigorosa y repleta de matices. Este tapiza sonoro con un propósito claro, no se ciñe a convencionalismos ya que la banda siempre sabe cómo hacer que su música brille. Bien sea como en esta ocasión en una atmósfera gris y misteriosa pero sumamente gratificante. La cálida línea de baja, los elegantes pasajes de guitarra y una cautivadora voz son argumentos suficientes como para no resistirse a su belleza sonora.

Si en sus anteriores álbumes encontrábamos pasajes en los que el folk más bucólico asomaba, en ‘Hidden by the day’ retoman esos delicados y bellos acordes más propios del dark folk en una canción llena de sentimiento. Una de esas pistas que reconfortan al oyente transmitiendo un estado de añoranza y sosiego. Un canto de romanticismo en el que la serena elegancia se va plasmando en pasajes ensoñadores que nos hacen encontrarnos con nosotros mismos desde una mirada serena y hermosa. En esta pista hallamos los mejores pasajes de guitarra llenando un espacio en el que lo progresivo adquiere un nivel magistral. Rock sinfónico a la vieja usanza en una pausa necesaria entre tan música pesada.

‘Tattered sails’ es otra canción oscura e intrigante por momentos en la que lo progresivo se nutre de elementos psicodélicos bajo una atmósfera introspectiva y melancólica. De esta forma la banda transmite al oyente un estado anímico triste que es compensado con una magnífica composición que cada vez explora más una sensación de sosiego y añoranza. El inquietante entorno sonoro es ejecutado con la pausa suficiente como para acariciar los sentidos del oyente con cada desgarradora estrofa. El romanticismo sinfónico se traduce en una composición ejecutada con la pausa suficiente para conquistar al oyente haciéndole partícipe de un relato triste y personal. La penumbra como cobijo del alma.

Sin alejarse del ambiente persistente en la mayor parte de las canciones, la pausa reconfortante prosigue con ‘Everyone, all alone’. Otro canto desgarrador que pone los pelos de punta con la fuerza de esa cautivadora y cálida voz ejerciendo de perfecta sonora para momentos de soledad. Una canción con unos sencillos pero hermosos arreglos incidiendo en esa faceta sinfónica y psico-progresiva con la que tan bien se manejan estos chicos. La penumbra y la soledad como elementos para dejar brotar todo el talento y creatividad de una banda especial.

‘Elegy’ es una nueva oda de romanticismo elegante y pausado que nos lleva a un mundo sensorial en el que todo sucede con lánguidos pero reconfortantes pasajes. Con la belleza como bandera, Vitskär Süden vuelven a crear una obra maestra de canción que alentará tus instintos interiores en un canto de añoranza que se convierte en esperanza desde una mirada serena. Musicalmente la combinación de los omnipresentes elementos progresivos es adornada con pinceladas psicodélicas acopladas con la destreza de un orfebre.

Vitskär Süden:
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Reseña: UNCLE ACID & THE DEADBEATS ‘Nell’ Ora Blu’

Cuando los británicos anunciaron el lanzamiento de su sexto álbum y dieron los primeros detalles de este, mi curiosidad se despertó enormemente. ¿Una banda sonora para una película imaginaria que rinde tributo al cine italiano de Serie B de los 70’s? Sin duda esta afirmación parecía interesante y arriesgada a partes iguales. Tras varias audiciones de ‘NELL’ ORA BLU’ me queda una gran duda, ¿Estamos ante una obra maestra o ante una ocurrencia? Estoy seguro de que muchos de sus mas fieles seguidores quedarán en shock cuando escuchen las 19 oscuras canciones contenidas en este extraño trabajo. ‘NELL’ ORA BLU’ es una experiencia de audio cinematográfica de proporciones épicas, que presenta apariciones exclusivas de un elenco de leyendas del cine italiano de la fenomenal era Giallo/Poliziotteschi de finales de los 60 y mediados de los 70. Sus actores principales; Edwige Fenech y Franco Nero finalmente están juntos en su primera colaboración. Musicalmente, el álbum va más allá de todo lo que UNCLE ACID & THE DEADBEATS podría haber predicho y es un viaje alucinante de proporciones épicas. Un relato oscuro y sosegado en el que la psicodelia aflora en los pasajes musicales con un tono melancólico y vintage. Lo cierto es que la banda da un salto vacío y lo hace sin red protectora, lo que puede resultar sumamente arriesgado. La gran pregunta es… ¿Cómo recibirán sus fans este arriesgado giro? Estoy seguro de que la controversia está servida entre aquellos que lo verán como algo único y magistral, en contraste con los que se sentirán sumamente defraudados. No es fácil apostar por tu creatividad y tus inquietudes sin pensar en el público, y eso parece ser lo que han hecho aquí. Las numerosas locuciones y diálogos cinematográficos pueden resultar desconcertantes, pero escarbando entre ellas podemos encontrar magistrales canciones que se esconden en estos inusuales surcos.  Esta banda sonora mas propia de los entornos del festival de San Remo, son un reto para salir de la zona de confort de los rockeros más pesados, esos que llegan al éxtasis con las canciones de la banda, pero también una gran oportunidad para adentrarse en mundos desconocidos. Si esperas la contundencia y pesadez de sus álbumes anteriores, deberían buscar en otro lugar, aquí no van a encontrar eso, pero por el contrario, vas a atravesar el espejo para adentrarte en un mundo singular, un mundo gris, relajado, en el que la calidad compositiva continúa estando presente. No resulta fácil escribir sobre un álbum así y conseguir transmitir al lector la esencia de este nuevo trabajo, pero si te tomas tu tiempo, encontraras suficientes elementos para concluir que, a pesar de todos los nuevos ingredientes, el álbum tiene mucha magio en su interior. Una mirada radicalmente diferente (o en el fondo, no tanto) del sonido que la banda viene gestando desde hace años, pero una contemplación serena e intimista que te lleva a un tiempo casi olvidado. He de recocer que en las dos primeras escuchas del álbum me quedé algo aturdido y confuso, pero también es cierto que había detalles muy interesantes, y éstos, me llevaron a tomármelo mucho más en serio y disfrutar plenamente, sin distracciones de sus canciones. Así conseguí finalmente sentirme cautivado por este arriesgado, pero magistral álbum. Sin usar ganchos publicitarios, el relato comienza con canciones oscuras e inquietantes, pero según va avanzando el álbum van aflorando las esencias de sus surcos. Esas canciones hermosas y llenas de sentimiento con las que consiguen calar en los corazones del oyente. ‘NELL’ ORA BLU’ es como ese puesto de mercadillo callejero en el que buscar y rebuscar hasta encontrar ese tesoro escondido, ya que, entre extraños pasajes difíciles de asimilar se encuentra mágicas canciones que no olvidarás.

Canciones como la melancólica, triste y hermosa ‘Nell’ Ora Blu’ consiguen ponerte los pelos de punta con su delicada instrumentación.

La psico-progresiva ‘Solo la Morte to Ammanetta’ rescata la esencia de estos chicos con un sonido psicodélico rebosante de épica y esas voces etéreas que han forjado su leyenda.

‘Il gato morto’ con su fuerza y garra se va construyendo con una melodía cautivadora y una guitarra sobresaliente que por sí misma hace que la pista merezca la pena.

En una atmósfera vintage marcada por el órgano las celestiales voces de ‘Giustizia Di Strada – Lavora Fino Alla Morte’ aportan la dulzura a otra canción relajada pero interesante.

Mas atmosférica y pesada, ‘Il Sole Sorge Sempre’ es otro ejercicio de psicodelia experimental.

En una álbum tan ecléctico el sinfonismo teñido de jazz vintage hace acto de presencia en ‘Pomeriggio di Novembre Nel Parco – Occhi che Osservano’ una triste canción que no levanta el nivel y nos susurra con suaves pasajes instrumentales.

Hasta ‘Tortura al Telefono’ contiene pinceladas que nos hacen identificar que estamos ante UNCLE ACID .

Uncle Acid and the deadbeats

Rise Above Records