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Reseña: DOMO.- ‘Domonautas Vol. 2’

Hace que 11 meses los alicantinos DOMO publicaban ’DOMONAUTAS VOL.1’ tras cuatro años de silencio. Un álbum en el que se mostraban más progresivos y algo menos espaciales, pero sobre todo muy influenciados por los sonidos del Mediterráneo. Aquella entrega solo era la primera parte de un álbum conceptual que ahora se completa con la publicación de ‘DOMONAUTS VOL. 2’. Si en la primera parte coloreaban con la brisa mediterránea unos temas eminentemente heavy-psych, aquí, ese hálito del Mare Nostrum se siente con mayor profundidad. Sobre su poderosa base pesada, el cuarteto aromatiza sus pasajes con fragancias exóticas dándole gran brillo y color a unos temas que habitan en oscuras atmósferas.  Tres largos temas y un breve interludio que continúan el relato de su primera parte y que suponen un atractivo y estimulante viaje a través de la psicodelia. Incluso en los momentos en los que DOMO saca a relucir toda su artillería pesada, lo hace sin caer en tópicos y en sonido ya demasiados trillados. Aportando un soplo de aire fresco a un género que parece no tener límite en sus variantes, a pesar de tantos albúmenes cortados por el mismo patrón stoner. Si te preguntas si no vas a encontrar riffs arenosos repletos de fuzz, la respuesta es SI. A pesar de que estemos ante un álbum psico-progresivo, los momentos cercanos al doom, con sus rugosos riffs, existen entre sus surcos, pero insertados con mesura, lo que hace que la sensación de ‘DOMONAUTAS VOL. 2’ es de un álbum para “el viaje”. Entre los algodonados pasajes de guitarra afloran densos y crujientes riffs que a su vez vienen disfrazados entre bellos ornamentos llegados de oriente. Todo un hechizo seductor que hace que nos rindamos ante el magnetismo de sus temas.  Cualquiera que conozca la escena progresiva andaluza de mediados de los 70’s, encontrará aquí sonidos muy familiares, pero a su vez, los devoradores de la arena del desierto también van a encontrar su secarral. Por otro lado, si tus referentes, son bandas como Colour Haze, también tendrás tu espacio de gozo. Otro de los detalles que ya vimos en la primera entrega de ‘DOMONAUTAS’, era el cuidado trabajo que tenían las voces, algo que queda corroborado en esta segunda entrega. Por todo ello, podríamos decir que es un álbum para todos los públicos, siempre que estés dispuesto a salir de tu zona de confort, la experiencia sin duda merece la pena.

DOMO son: Pablo Criado (guitarras, trompeta, tambur y efectos), Samuel Riviere (guitarra eléctrica, sitar y efectos), Óscar Soler (bajo, guitarra acústica sintetizadores y voces), Paco García (batería y percusión).

El arte de la portada corresponde a Marteen Donders, y ‘DOMONAUTAS VOL. 2’ está disponible vía Clostridium Records.

‘Avaxasa’ abre el álbum con suaves acordes y poderosos tambores para discurrir en una atmósfera heavy-psych. Un cadente bajo y unos tambores gruesos soportan una excursión por exóticos sonidos de vocación mediterránea. El tema transcurre plomizo sin perder su aura psych. En este escenario la guitarra desarrolla pasajes aromatizados repartiendo bellas fragancias entre la densidad de la base rítmica. Tonos orientales se repiten dando brillo a los siete minutos de tema que se pasan sin darte cuenta, lo que refleja el poder seductor que la banda imprime al corte.  
Tras ese colorista paseo por la psicodelia pesada ‘Dolmen’ parte de un entorno ritual lleno de magnetismo. Los tonos exóticos del corte anterior vuelven a aparecer con delicados acordes de guitarra en tonos místicos. Susurrante la hermosura y el sosiego aparece para acariciarnos con delicadeza en un enigmático pero placentero entorno. Alejados de la pesadez en sus primeros tres minutos, el tema explota con difusos riffs intoxicantes para desarrollarse por momentos en esa fina línea en la que la psicodelia pesada coquetea con el doom. Tras ese flirteo, los seductores cantos nos inundan con aromáticas fragancias llegadas de oriente que penetran en el grueso soporte instrumental. Instalados en ese entorno de sonidos mediterráneos, los alicantinos parecen recuperar los ecos progresivos de los setenta en una conjunción con el pesado sonido innato en la banda. Breves pasajes recitados y Quejidos andalusís inundan el tema de sentimiento. La combinación de lo pesado y lo aromático resulta de lo más atrayente en un tema que está lleno de matices y textura que se conjugan con gran acierto. ¿Podría ser este el resultado si Triana se vistiera de doom?
‘El altar’ se muestra como un apacible interludio de dos minutos en el que sus delicados acordes sirven de bálsamo sanador y reconfortante entre tonos de cierta melancolía.
Con un sosiego gratificante, la apertura de ‘Vientohalcón’ nos muestra a la banda construyendo un tema de psicodelia aromática. Sin prisas para evolucionar, el corte nos traslada la pausa gracias al gran trabajo de la guitarra y al magnetismo de la línea de bajo.   Ecos de Colour Haze, en un tema que se eleva majestuoso incrementando el poder de sus riffs, pero siempre aportando el lado mágico y hechizante de una banda que aquí definitivamente se deja seducir por pasajes heavy-psych de mucho calado. A lo largo de sus quince minutos el tema consigue conjugar la dualidad entre la calma y el confort con un interior más pesado y fornido. Los pasajes vocales retoman elementos 70’s sin perder su vocación psych. Tras momentos de elevación de la intensidad, el corte reposa en delicados y susurrantes pasajes que nos acarician suavemente. Aquí la belleza aflora en acordes reconfortantes que aportan bienestar y sosiego. Instalado en esa atmósfera sanadora, En un espacio brumoso el tema se ve adornado por delicados pasajes de saxo custodiados por unos cadentes tambores. Aquí aflora el lado más progresivo de los alicantinos, llegando a flirtear con el jazz bajo una atmósfera psico-progresiva antes de elevarse majestuoso por senderos más tortuosos en los que la fuerza de la banda queda patente. Llenando de épica el corte, los vestigios del pasado aparecen con estrofas llenas de rabia en brillantes momentos de pesadez que no reniegan de su auténtica vocación psicotrópica.   Como si renacieran de las cenizas DOMO se muestran más firmes y sólidos en su sonido ofreciendo unos desarrollos de guitarra de lo más atrayentes.

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Reseña: IAH.- ‘III’

Tras un sorprendente y alabado debut en 2017 inspirado en el sonido de bandas como Russian Circles o Pelican, en 2.018 llegó su confirmación como una banda sólida con la publicación de su segundo álbum ‘II’ , con pasajes más progresivos y guiños al post-metal. Ahora ‘III’ cierra la trilogía ratificando la maduración del sonido de la banda.  Un álbum lleno de matices que transita por la senda instrumental de la psicodelia pesada, el post-rock y en el que los ecos post-metal y stoner están muy presentes. Sus bellas y delicadas melodías consiguen transmitir un estado de bienestar al oyente que le hace sentirse partícipe de la narrativa de los argentinos. Si los elementos espaciales aparecen con mesura, los momentos de metal, algo más presentes, también están perfectamente perfilados. Pero el verdadero aval del trio es saber equilibrar los momentos más sosegados con esos pasajes más pesados y crujientes. Diseñando los temas de esta manera, siempre vamos a encontrarnos en las canciones laderas confortables y acolchadas, con escarpados barrancos en los que todo es rugoso y áspero. Una ondulación que camina por un camino circular para devolvernos al punto de partida por muy tortuosa que sea la travesía. Como abanderados de la escena psicodélica pesada del cono sur, IAH siguen dando pasos adelante en su creatividad. Solo cabe preguntarnos: ¿Por donde caminarán la próxima vez?. Supongo que el tiempo nos dará la respuesta, pero mientras tanto nos disfrutaremos de este notable trabajo. Tras haber tenido que retrasar el lanzamiento del álbum, estos tiempos de pandemia pueden ser un oasis de creatividad para muchas bandas que como IAH, han visto truncadas sus expectativas de emprender una gran gira, como la que los argentinos tenían prevista por Europa. Esperemos que pueda suceder en próximas fechas. Si eso sucede IAH y tocan en tu ciudad, no deberías perdértelos.

‘III’ fue grabado en vivo en 440 Estudio, como técnico de grabación y mezcla estuvo Mario Carnerero, correspondiendo la masterización a Magnus Lindberg, Drum Doctor: Fernando Caballero, asistente de grabación: Tomás Montanaro, Guitar Doctor: Mario Carnerero, asistente: José Bazán, foto de portada: Fernando Scarpa y arte: Guillermo Scarpa.

IAH son:  Juan Pablo Lucco Borlera (Bajo), Mauricio Condón (Guitarra) y José Landín (Batería).

‘Uaset’, con su once minutos, gravita en un insondable espacio sideral en el que los drones nos muestran el camino. enigmáticos espacios narrados con destreza partiendo del space-rock, para sumirnos en un placentero viaje a través de la psicodelia más reconfortante. tomándose las cosas con calma van construyendo un tema que contiene melodías de gran belleza en la frontera de la psicodelia y el post-rock. Relajantes pasajes instrumentales bajo un sonido impecable que refleja un trabajo de producción bien hecho. Bajo una atmósfera de oscuridad y vacío, el tema va gestándose sin prisas, haciendo que cada nota tenga su importancia. Un bajo magnético y sus hipnóticos acordes se elevan majestuosos dejando una estela rugosa y difusa a su paso, pero ofreciendo un ganso lo suficientemente atractivo para dejarnos extasiados con esos dulces pasajes de guitarra que repiten una y otra vez mientras todo se vuelve más majestuosos. Usando los guiños post-metal con mesura consiguen crean un tema que pasa de la sencillez y la delicadeza a la grandilocuencia gracias a sus pesados riffs. Unos riffs crujientes que golpean poderosos asomándose a precipicios doom. En la parte final el tema se deja seducir por un apacible espacio post-rock en el que los relajantes acordes consiguen transmitirnos todo el sosiego con su reconfortante belleza.

Tras el éxtasis del corte anterior, ‘Raju’  se muestra más pesado en su oscilación de intensidad. Con un sonido más cercano al post-metal, la rugosidad encuentra un remanso en el que reposar para tomar fuerzas antes de elevarse nuevamente cerrando el círculo. Predominando la crudeza el trio se deja llevar por la fuerza en detrimento de las melodías. Esto no quiere decir que los momentos exóticos no vuelvan a su cita de un tema más stoner, menos psicodélico, con menos elementos espaciales. Que mantiene esas pinceladas post-rock que tan bien sabe insertar IAH.

‘Cilene’ recupera los pasajes extasiantes con su calmada psicodelia llena de magnetismo. Manteniendo el equilibrio en esa cresta desde la que si miras para un lado oteas la psicodelia y si mirar para el otro las laderas post-rock se muestran ante ti. El trabajo de la guitarra copa el protagonismo de un tema que parece no evolucionar repitiendo su estructura, pero que finalmente se deshace de las cadenas para elevarse con sus ricos desarrollos por un escenario cercano a Colour Haze. Con una excelsa línea de bajo el corte reposa en acolchados prados sin perder su tono de melancolía, algo que es una constante en todo el trabajo.

Manteniendo la temática, ‘Ennui’ flota entre pausadas melodías manteniendo la esencia de los argentinos. Poniendo la calma, es tema flota entre bellos y reconfortantes paisajes psicodélicos. Por momentos pudieran parecer que se atascan en la misma fórmula, pero está claro que a estos chicos les gusta jugar con la combinación de calma y pesadez. Así queda de manifiesto en la parte central del tema, en la que todo se envuelve en riffs más pesados entre los devaneos lisérgicos del sonido de la guitarra. En un espacio ensoñador los acordes fluyen y se modulan en un espacio introspectivo ideal para la relajación.  Un particular mundo de ensueño en el que la banda se muestra en su total plenitud, a caballo entre el sonido de Colour Haze y de bandas como Russian Circles. 

Es evidente que la experimentación requiere un espacio amplio para su desarrollo y los once minutos de  ‘Lo que hoy es evidente’ son prueba de ello. Con un lento génesis el tema no tiene prisa para caminar, recreándose en esos pasajes propios de IAH, el tema fluye con sosiego aportando buenas melodías con un sonido cristalino para embarcarnos en nuevo relato que no se a ciencia cierta a donde nos va a llevar. Uno de sus avales es precisamente eso, la capacidad para no señalar taxativamente el camino que recorrerán sus temas. Si bien la estructura de las canciones guarda unos patrones en los que la intensidad oscila en distintas fases, aquí parece que se deja llevar por la calma. Al menos en su primera mitad ese el argumento, porque toda cambia en su segunda parte. Ahí los sonidos más turbios hacen acto de presencia para crean un entorno aturdidor y pesado en el que los platillos estallan en una deflagración sónica que crea un ambiente inquietante. El tema retoma la calma en su epílogo diluyéndose lentamente en la lejanía.

Para cerrar este excelso álbum, ‘Una vez fue imaginario’ presenta susurrantes pasajes que respetan el silencio. En una atmósfera nebulosa en la que la psicodelia se desarrolla con brillantez. Dotando al tema de esos elementos post-rock con los que tanto les gusta coquetear, el resultado es todo un bálsamo sensorial de gran belleza. Un marco de melancolía que se deja llevar por largos desarrollos que se violentan en su parte final con crudos riffs mas propios del post-metal.

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Reseña: ACID MESS.- ‘Sangre De Otros Mundos’

‘SANGRE DE OTROS MUNDOS’ supone el fin de cinco largos años de espera desde que la banda asturiana publicó su anterior álbum ‘II’ en 2.015. Ahora, bajo los auspicios del sello gaditano Spinda Records, ve la luz el trabajo más experimental, variado, y colorista de ACID MESS. Con la incorporación a los teclados de Juan Villamil de manera permanente a la banda, ACID MESS ha ganado en texturas y en espacio sonoro. Con éste nuevo álbum amplían el horizonte de público al que puede llegar una banda que hasta ahora nos había ofrecido grandes momentos psicodélicos. Pero aquí, sin renunciar a la psicodelia, las atmósferas progresivas herederas del rock español de los 70’s, cobran una nueva dimensión. No en vano las referencias a bandas como Triana están presentes, enriquecidas con las colaboraciones de Sergio Pevida (percusiones y palmas), así como Aurora Salazar y Débora Hernández a las voces y ‘quejios’, lo que le da un aire más flamenco al sonido de alguna de las canciones. También encontramos coqueteos con los ritmos latinos, así como incursiones ea los sonidos del Mediterráneo oriental que aportan un atractivo toque exótico. Pudiera parecer que la banda suaviza su sonido, pero sin duda, vemos aflorar de las profundidades de alguna sucia alcantarilla ese espíritu juvenil y alternativo del rock más underground de los 90’s. Todo un cóctel de sonidos en un álbum que nunca nos señala el camino y que nos sorprende con giros inesperados en cada uno de sus cortes. Temas oscuros que contrastan con otros llenos de color y ritmo que nos aportan fragancias seductoras así como olores agresivos a través de la rabia contenida que muestran algunos de sus temas. Nada parece dejado a la improvisación, pero por el contrario, la banda no pierde un ápice de frescura. Sus elaborados y precisos arreglos hacen que cada tema fluya libremente, sin ataduras ni prejuicios, algo que sin duda merece todos los halagos y reconocimiento por parte de un servidor. Sin renunciar los temas heavy-psych tan habituales a lo largo de su trayectoria como banda, el ahora cuarteto, explora vibraciones de distinta procedencia para ofrecer un trabajo brillante, elegante y lleno de una rabia seductora.  Psicodelia, jazz, rock andaluz, ritmos latinos, aromas de oriente, riffs alternativos más propios de los 90’s, y sobre todo una vocación progresiva, hacen de ‘SANGRE DE OTROS MUNDOS’ un álbum sobresaliente que a buen seguro marcará un antes y un después en la vida de la banda. Sus delicadas melodías se cuidan en cada uno de los detalles en busca de un equilibrio entre lo pesado y lo liviano, algo que consiguen con gran maestría. Desde las texturas más sedosas hasta las telas más rugosas, entrelazan con acierto un cuadro multicolor digno de la mejor pinacoteca. Por muchos cruces de caminos que tengan su ruta, nunca pierden la brújula para llegar al punto exacto que quieren llegar. A pesar de los múltiples y variados senderos que toman, el fin del camino de cada canción lo tienen claro, por lo que el viaje resulta de lo más atractivo y sugerente. Las palabras en esta ocasión sobran, lo verdaderamente importante está en los surcos de ‘SANGRE DE OTROS MUNDOS‘.

El álbum se grabó y mezcló en julio de 2019 en Ovni Estudio por Pablo Martínez, y que contó con la masterización de Quique Sanchís (GREEN DESERT WATER) en Green Desert Mastering. Existía la posibilidad de posponer el lanzamiento hasta que todo se normalizara en relación a la Covid-19, pero la formación asturiana decide rebelarse contra la situación actual y sorprende a todos con este nuevo lanzamiento discográfico que se encuentra disponible vía Spinda Records en descarga Digital, Cassette, Compact Disc (150 copies), Black LP (100 copies, hand-numbered), Clear Blue LP (150 copies, hand-numbered), Ultra Clear LP (250 copies, hand-numbered).

‘El reflejo de su piel’, nace en un espacio gris con olor a melancolía, calmados acordes que se repiten y una voz cálida y susurrante en una atmósfera psicodélica. Intrigante y misterioso mantiene nuestra expectación durante cerca de cuatro minutos. Ahí extraños efectos y los teclados en un segundo plano preceden a una explosión de acordes andaluces en un giro inesperado. Todo se eleva majestuoso por una senda más propia del progresivo andaluz de los setenta. Potente y poderoso los aromas arábigos se acompaña n de palmas entre desgarradoras voces alternativas. Todo un vendaval de furia que conjuga distintos elementos sonoros procedentes de diversos estilos musicales. La pregunta es.. ¿Rock progresivo, psicodelia, rock alternativo, stoner? Tras una pausa, los quejidos de una voz femenina nos sorprenden con coros y palmas. ¿Estamos en tablao flamenco? ¿Estos son ACID MESS? Podríamos preguntarnos…, pero si, lo son, y ofreciendo su versión más versátil e imaginativa. Tras ese momento de sorpresa la pesadez y la garra regresa al tema sin perder esa esencia andaluza nueva nunca vista hasta ahora. ¡Sencillamente sublime!
Tras el frenesí anterior, los asturianos se sumergen en un bosque lisérgico con ‘Fuego al templo’. El tema parte de vivaces ritmos inspirados en el tema de KING CRIMSON  ‘21st Century Schizoid Man‘ para soltar toda su rabia en un tema dedicado a alguien de su pasado. Con voces alternativa entre la espesura psicodélica el tema ondula sobre una base de sintetizadores y agresivos riffs pesados. Entre la rugosidad destacan las cuidadas melodías que hacen de contrapeso a la pesadez y agresividad. En la parte central se dejan llevar por atmósferas psico-progresivas sobre una composición rica en matices que nos aporta un aire de misterio bajo sus nebulosas narcotizantes. Tras esa exploración por oscuros espacios el tema sale de la espesura para proseguir su camino con la misma intensidad con la que nació.
‘Hechicera’ fue el primer tema que nos desvelaron. Un corte que fue compuesto hace tiempo y que la banda venía ofreciendo en sus directos en una versión instrumental que finalmente se convirtió en un tema cantado. Delicadas melodías psico-progresivas con una gran riqueza compositiva gracias a unas ciertas influencias jazz se elevan majestuosas entre guitarras ácidas y una armonía repetitiva. El corte evoca momentos de los 70’s con una voz entre sensual y melancólica. Seguramente esta canción refleja a los ACID MESS que hemos conocido hasta ahora, aquí se muestran plenamente reconocibles. Largos pasajes psicodélicos combinados con esa vocación progresiva que encontramos a lo largo de todo el álbum.  Dulces en lo vocal, sutiles en lo instrumental vuelven a jugar con los elementos para buscar un equilibrio lleno texturas sin renunciar a riffs más poderosos y solos virtuosos. Una atmósfera sombría arropa todo un tema que pese a su sosiego contiene unos ritmos versátiles y atractivos. ´Resulta todo un acierto los pasajes andalucí de su parte final, herederos de los grandes del rock andaluz de los 70’s. magia en estado puro en un sensacional hechizo sonoro. Sus nueve minutos reflejan toda la calidad que estos chicos atesoran. Sencillamente sensacional.
Combinando toda la fuerza con melodías de bossa, ritmos latinos y aromas exóticos, ‘Futuro sin color’ nos seduce en su comienzo con pausados acordes y un magnético bajo para elevarse golpeando con fuerza en un giro inesperado. Bellas armonías que estallan en nuestra cara ofreciendo la faceta más alternativa de los asturianos.  Ahí radica una de las grandezas de este álbum. Siempre nos ofrece alguna sorpresa inesperada, por lo que no debemos dejar nada sentado de antemano. La línea de bajo se ensancha engrosando el sonido de la banda. Con aditamentos psicodélicos, y ritmos contagiosos el corte gira y gira cambiando sus ritmos hasta llevarnos a las orillas del mediterráneo más oriental para ofrecernos pasajes de música turca y voces ensoñadoras en un salto a la psicodelia más exótica. A su vez los tambores toman formas latinas. Pudiera parecer algo inconexo, pero precisamente aquí radica su secreto. Esos cambios estilísticos, que en un principio pudieran parecer imposibles, hacen que el tema y por ende el disco adquieran un brillo especial. Tras los aderezos orientales, los riffs rabiosos regresan entre voces chillonas y reivindicativas en una vuelta al underground de los noventa.
‘Salvaje historia’ ondula contoneándose en un riff que se repite para sumergirse en el rock progresivo andaluz de los setenta. Inspirado en TRIANA y su tema ‘Luminosa mañana’ en un tono más bajo.  Una atractiva fusión de jazz que recuerda a los trabajos de bandas como Atavismo y el carácter alternativo de Viaje a 800, el tema cuenta con el aliciente de las voces de Aurora Salazar y Débora Hernández en una vena flamenca de lo más seductora. Un hechizo sonoro que nos penetra en lo más profundo de nuestros sentidos con toda la carga de sensualidad. Escuchando esta parte, no podríamos imaginarnos que estamos escuchando a ACID MESS. El tema te engancha sin remisión.
Entre una espiral de sintetizadores que nos hipnotizan ‘Hijos del gran sol’ toma la ruta más alternativa. Toda una bofetada en la cara con un trabajo grandioso de Borja al bajo   y unas voces con actitud punk de lo más underground. Inspirados en la película ‘Miedo y asco en las Vegas’ el cuarteto escupe rabia enfrentándose al mundo. Un sonido más propio de los 90’s que va adquiriendo pesadez entre los sintetizadores y efectos de Juan así como los ritmos robóticos de tintes kraut de Antonio. Adornado el tema con coros empalagosos, el espíritu marginal se reivindica en todo su esplendor dejando a la luz su lado más provocativo. A pesar de estos moldes, el tema es construido con una rugosa instrumentación que adquiere tintes pseudo-espaciales gracias a esos sintetizadores futuristas que aportan tonos pseudo-electrónicos. Todo un cóctel anfetamínico para danzar sin control en una rave.
La sosegada atmósfera de la apertura de ‘Infierno gris’ en tonos latinos, nos lleva a un espacio progresivo que conjuga momentos de hechizante psicodelia. Magnéticas estrofas vocales con ‘falsetes’ nos susurra con un carácter psico-prog en el que la riqueza compositiva queda de manifiesto. Efluvios lisérgicos y la magnética base rítmica, nos va envolviendo en una nube caleidoscópica que nos proporciona agradables sensaciones. Los ritmos latinos se apoderan del tema arrastrando a la voz y coros arropados por un manto aterciopelado del que afloran riffs más gruesos. Un masaje que pasa por varias fase y que concluye con una explosión final sin perder su mestizaje de sonidos y estilos. El resultado es conmovedor una vez más poniendo el colofón perfecto a un álbum versátil, variado y lleno de texturas sonoras que hacen que estemos ante uno de los trabajados más destacados de 2.020.

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Reseña: RING VAN MÖBIUS .- ‘The 3rd Majesty’

El trío noruego RING VAN MÖBIUS lo ha vuelto a hacer. Si con su álbum debut ya nos sorprendieron con su sonido hard-progresivo mas propio de primeros de los 70’s, con éste, su segundo álbum ‘THE 3RD MAJESTY’ nos dejan claro que se han quedado allí. Estamos ante un gratificante viaje en el tiempo para los amantes del rock progresivo más auténtico, sin matices. Si bien muchas bandas tomas elementos del pasado para construir su música con elementos del siglo XXI, los noruegos suenan completamente vintage, como si el tiempo no hubiera pasado. El sonido de bandas como VAN DER GRAAF GENERATOR, EMERSON LAKE & PALMER, ATOMIC ROOSTER o cualquiera de la prolífica escena progresiva italiana de los 70’s se ve claramente reflejada en su nuevo álbum. Bajo ese ambiente retro que crea su teclista entre hammond, fender Rhodes y moog, los temas juegan con mil meandros pasando por espacios de furia y locura instrumental y reposando a la vez en prados sinfónicos. Siempre bajo una fuerte instrumentación las voces y coros aparecen con mesura, pero siempre aportando a cada tema, bien sea en los momentos más intensos o arrullándonos en los pasajes más acolchados. Sin duda, estos chicos saben hacer bien su trabajo y tiene las ideas claras de lo que quieren. Cualquier auténtico fan del rock progresivo puede sentirse de enhorabuena con este nuevo álbum de una banda que sigue prescindiendo de la guitarra, y lo cierto que con la habilidad y maestría que tiene para crean sus composiciones, nadie la va a echar en falta. Estamos ante un álbum tortuoso, complicado incluso en su instrumentación en algún momento, pero RING VAN MÖEBIUS son tres músicos lo suficientemente hábiles como para darnos una de cal y otra de arena, zarandeándonos con sus canciones y llevándonos a los instantes más gloriosos de hard-progresivo. Confiemos en que la energía les dure mucho tiempo y sigan ofreciéndonos maravillas como ‘THE 3RD MAJESTY’, un álbum que en cada nueva escucha te va a aportar un aliciente nuevo, lo que da muestra de toda su grandeza.

El álbum está disponible vía Apollon Records, y RING VAN MÖBIUS son: Thor Erik Helgesen (Voces, Hammond Organ L100, Fender Rhodes, Clavinet D6, Moog Satellite y Korg MS20),  Håvard Rasmussen (Fender Bass VI y efectos) y Dag Olav Husås; (batería, timbales, percusión y efectos).

El álbum abre con una suite con siete movimientos como su propio nombre indica. ‘The Seven Movements Of The Third Majesty’. Veintidós minutos llenos de épica en los que el órgano comanda los desvaríos vocales y las melodías. Oscilante, cambiante y siempre ofreciendo giros dentro su ecléctica apuesta. El tema camina por una senda pastoral en la que la experimentación encuentra el escenario perfecto. Los elementos del hard-progresivo rezuman de cada pasaje entre briosos tambores y un bajo algo más comedido. Del ímpetu inicial, la segunda parte reposa en suaves atmósferas melódicas en las que la banda se muestra más accesible en su sonido. Incorporando envolventes efectos el tema coquetea con espacios más psicodélicos si salirse de los cánones progresivos.  Primando lo melódico sobre lo dinámico en la parte central el tema retoma la fuerza entre los vibrantes tambores y un sonido que se engrandece majestuosos. Oscuro e inquietante por momentos, los pasajes me recuerdan por momento de John Lord. Aquí los histriónicos pasajes se vuelven más turbios y desesperados con las voces atormentadas creando esa atmósfera inquietante. Con momentos más teatrales el tema avanza con frenesí hasta sucumbir a espacios EL&P envuelto en oscuras’ nebulosas.

‘Illuminati’ un tema en general más sosegado se deja llevar por un sonido mas propio de Gentle Giant. Voces susurrantes y el penetrante órgano surgiendo del silencio mantiene el espíritu pastoral. Aquí encontramos un mayor protagonismo del sonido del bajo, eclipsado en la suite anterior.

Desde el sinfonismo clásico ‘Distant sphere’ mantiene el espíritu litúrgico, con un sonido más propio de una catedral gótica. Tras unos momentos en los que nuevamente el bajo toma el protagonismo sobre el silencio, las hostilidades de desatan. Pesados e incisivos los noruegos golpean con fuerza creando una gruesa e inquietante atmósfera. Rasgueos de teclas crean el caos amenazante alejándose de lo pastoral para dejarse llevar por las tinieblas en un vendaval esquizofrénico. Momentos de intensidad que dejan espacio a un sonido más clásico sobre una estructura oscilante que coquetea con el silencio y los efectos de los sintetizadores. Aquí son constantes los arrebatos de furia. Es como si el tema se atascara elevándose y descendiendo a los susurros con ausencia de voces.

Cerrando el álbum ‘The Möbius ring’ parte de una poderosa línea de bajo, para envolvernos en un espacio hard-progresivo de libro. Siguiendo el manual, la banda incorpora profundas voces que acompañan a los intrincados desarrollos instrumentales. Un sonido mas ortodoxo y majestuoso que hace honor al nombre del álbum y a la propia banda. Sus nueve minutos son un espacio para el deleite de los mas puristas del género.

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Reseña: KADAVAR.- ‘The Isolation tapes’

Con diez años de intachable carrera y una legión de fieles seguidores a sus espaldas, el trio berlinés no tiene que rendir cuentas a nadie, y su nuevo álbum ‘ISOLATION TAPES’ es el claro ejemplo de ello. Concebido en los tiempos de pandemia y sin la posibilidad de actuar en directo, algo llevan haciendo incansablemente durante mucho tiempo casi sin descanso, la banda crea un álbum introspectivo lleno de melancolía que sorprenderá a más de uno. Los adelantos previos y sobre todo la lista de reproducción que la banda publicó hace semanas como fuente de inspiración del nuevo álbum nos hacían presagiar un resultado así. En ‘ISOLATION TAPES’ no esperes encontrar los riffs explosivos que les han caracterizado durante todo este tiempo, aquí la banda se deja llevar por el bucolismo y por su estado anímico en un trabajo íntimo y reflexivo que juega con elementos floydianos y la psicodelia pop de los 60’s. Dejando de lado los sonidos hard-retro Stoner habituales en sus álbumes anteriores la psicodelia y los bucólicos momentos progresivos de inspiración 60’s toman el protagonismo de un álbum suave y algodonado. El ‘lobo’ el ‘tigre’ y el ‘dragon’ pierden toda su fiereza para ofrecernos su lado más apacible. Muchas bandas a lo largo de la historia han dado un giro a su propuesta sonora y no siempre ésta ha sido bien acogida por sus fans, ¿Sucederá ahora los mismo con los alemanes? En este caso no estamos en un cambio ante exigencias comerciales de una discográfica, sino que la decisión es propia, sin presiones externas, no en vano su nuevo álbum está editado por el propio sello de KADAVAR, Robotor Records. ‘ISOLATION TAPES’ refleja ese estado de ánimo que a todos nos causa la pandemia, irradiando ese estado de tristeza y melancolía por los extraños tiempos que estamos viviendo. Ahora los temas no rugen, sino que nos arrullan en melancólicos cantos en los que las melodías juegan un papel fundamental. Los pasajes sinfónicos sustituyen a los ardientes momentos en los que sus riffs nos golpeaban activando nuestro sistema nervioso. Sus temas, nacidos de la espontaneidad reflejan ese estado de ánimo. Con momentos en los que Pink Floyd parece apoderarse de la banda las dulces armonías se llenan de un sinfonismo y una dulzura más propia de una banda pop de los sesenta cono The Beatles. Coloridos ecos que se tornan más grises y oscuros en manos de KADAVAR. Si, porque si el bucolismo está presente, los colores de las flores del hipismo de finales de los sesenta adquieren aquí una dimensión más oscura y melancólica. Una sensación de tristeza invade sus canciones desde el sosiego. No es la oscuridad de inspiración Sabbath de anteriores registros, no, estamos ante la penumbra de la tristeza, que queda reflejada en unos temas que sustituyen en muchas ocasiones las crudas guitarras por los sintetizadores ofreciéndonos otra cara de la banda.

Sin duda, ‘ISOLATION TAPES’ nos es álbum que podrías esperar de una banda como KADAVAR, pero si eres capaz de salir de la zona de confort, dejar al lado los complejos, puedes disfrutar de su sosegado paseo en la intimidad con su escucha.

Llegados aquí, cabría preguntarse si esto es un nuevo camino en el deambular de la banda, o solo es un paréntesis.  También me surge la duda de como pueden encajar estos temas en sus actuaciones en vivo, pero como dijo Bob Dylan, la respuesta está en el viento…. Y los vientos venideros nos lo confirmarán cuando la banda vuelva de gira.

Sin duda, KADAVAR no han pensado en las críticas y han sido honestos consigo mismos y con su creatividad, algo que merece todos mis respetos y admiración (desgraciadamente no siempre las bandas funcionan así y se dejan llevar por elementos externos)

‘ISOLATION TAPES’ está disponible vía Robotor Records.

El álbum abre con ‘The lonely child’ bajo una instrumentación psico-progresiva que va construyendo un tema atmosférico y misteriosos en el que encontramos algunos momentos floydianos. Tras varios minutos de introducción el tema hace presagiar un estallido que finalmente no se produce. Aquí los sintetizadores evocan momentos espaciales más propios de Tangerine Dream entre esa vocación Pink Floyd que encontraremos en varios de los temas del álbum.  

‘I fly among the stars’ parte con los sonidos de los sintetizadores y pausados acordes de guitarra que crean ese espacio psicodélico antes de la irrupción de la lánguida voz de Lupus en otro registro que se adorna con ornamentos floydianos sobre cuidadas y apacibles melodías. El resultado es uno de los temas más bellos y hechizantes de todo el álbum. Su carácter espacial contrasta con cualquier registro habitual de los berlineses en un giro inesperado pero muy apetecible si sabes dejarte llevar.

Otro tema sorprendente es ‘Unnaturaly strange ( )’ Claramente influenciado por los californianos Love el tema utiliza sencillas armonías adornadas con un colorista ritmo de tambores entre sintetizadores y guitarras sutiles. Plácido y ‘blandito’ estamos ante otro tema de psicodelia de confitería.

‘(I Won’t Leave You) Rosi’ adquiere un tono modernista bajo un dinamismo pseudo-espacial más propio de Hawkwind en un híbrido entre el sonido 60’s de Moody Blues y los pioneros espaciales. Un buen contraste entre los balanceos vocales y sintetizadores en un corte que parte casi a cámara lenta pero que se llena de un extraño dinamismo hasta deflagrar en su parte final

En tonos sci-ffi.y bajo un sinfonismo casi clasicista, ‘The world is standing still’ juegacon melodías vocales casi Beatles entre guitarras flotantes que retoman el legado Pink Floyd creando una atmósfera de relax mostrando un registro armónico que difiere del habitual en la guitarra de Lupus. Su introducción contrasta con la forma en la que acaba desarrollándose una canción con bellos y relajantes momentos.

En un nuevo espacio bucólico, “Eternal Light (We Will Be Ok)”entre voces lejanas, sintetizadores y niños jugando palpita en un lento génesis escondiendo una composición más rica que se soporta en tambores y un ambiente psico-progresivo.

‘Peculiareality’ es un interludio oscuro con lánguidas voces que sirve de introducción a ‘Everything is changing’, tema que fue escogido como single previo. Sobre un espacio de psicodelia pop más propia de los 60’s crean un tema empalagoso. Uno de esos temas con sabor a miel, heredero de la psicodelia barroco que se cubre de una instrumentación sinfónica en un segundo plano. Su sencillez vuelve a contrastar con el sonido habitual del rudo trio. Algodonados pasajes llenos de calma en una explosión de color lleno de dulzura. Adornado con bellos pasajes de guitarra el tema adquiere un brillo y un carácter espacial que escapa de alguna manera de la tristeza que siente en la mayor parte del álbum.

‘The flat earth theory’ es otro interludio con voces pop y ambientación sinfónica que nos lleva hasta el tema que cierra el álbum, ‘Black spring rising’. Aquí, en una vena de calmada psicodelia espacial volvemos a encontrar vestigios Pink Floyd. Sosiego y paz en otro plácido tema que prescinde de batería y se soporta en los teclados y sintetizadores hasta difuminarse.

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