progressive-rock – Página 13

Reseña: ALEPH א.- ‘Kairos’

Después del reconocimiento obtenido con sus dos primeros EP y numerosos conciertos en tiempos anteriores a COVID, los polacos ALEPH א publican su primer álbum de larga duración. ‘KAIROS’ es un viaje increíble a través de diferentes sonidos, capas de existencia y estados de ánimo. Riffs repugnantes, composiciones progresivas, todo envuelto con un agradable toque de una amplia gama de voces grungy. Con sus momentos ásperos, especialmente en esas voces mutantes, que llegan a tornarse incluso guturales, así como sus constantes cambios en el tempo y el estado de ánimo, el álbum nos deja perdidos entre headbanging y contemplativo relato de la naturaleza de humanidad. El tema del álbum es un antiguo motivo del viaje de un protagonista a través de distintas etapas de la vida: desde la iniciación que emerge en la confusión; a través de la muerte, dejando la piel vieja y opresiva y enfrentando la propia sombra; renacimiento, un soplar concienzudamente ,un estrecho caparazón espiritual, hacia otra aventura, que termina la historia y nos deja abiertos a otra iniciación. El título es griego palabra que significa una oportunidad, un momento crucial cuando una acción debe ser tomada. ‘KAIROS’ es pozo en el que van a para aguas post-metal, riffs ásperos, pero sobre es un punto de exploraciones psico-progresivas. Partiendo de la pesadez, el álbum va evolucionando en sus temas hasta guiarnos a bosque experimental de vibraciones progresivas. Una línea entre la reconfortante y lo inquietante que se atraviesa múltiples veces en cada canción, haciendo su escucha bastante reconfortante y amena. Un nuevo ejemplo de la versatilidad de la escena pesada polaca, que cada día continúa ofreciéndonos interesantes propuestas.

ALEPH א son: Jakób Ciszyn (voces y guitarras) Art Salsa (guitarras, samplers y voces) Maciej Janus (bajo y voces) Kuba Grzywacz (batería, percusión y voces)contando con la colaboración de Tomasz Rafalski (teclados y sintetizadores).

‘KAIROS’, está disponible vía Galactic SmokeHouse.

Aunque ALEPH א se formó en 2014, la historia de la banda comenzó a principios de la década de 2000 como una amistad entre pequeños de 10-12 años. Por esa época Artur, Jakób, Kuba y Maciek se cruzaron y empezaron a intercambiar música, experiencias y teorías de la conspiración. Cuando se dieron cuenta de que podían formar una banda en esa alineación, no esperaron demasiado. A lo largo de los años, la banda se convirtió en el tema de interés en el underground debido a su estilo fuertemente distintivo.

“Siempre disfrutamos creando conceptos y mundos imaginarios juntos. Incluso hasta convertirse en parte de nuestro pensamiento hasta tal punto que lo hacemos todo el tiempo , durante actividades simples. Entonces, mientras preparábamos el material del álbum, decidimos que debía tener su tema principal o leitmotiv «, comenta la banda.

La principal sesión de grabación del álbum se llevó a cabo durante una semana en una antigua granja prusiana en medio de un diciembre frío y lleno de niebla. Rafał Serwatka (Ramtamtam Studio) moderó y apoyó a la banda en todo el proceso. A continuación, el material se envió a Michał Chełminacki, quien desató su enfoque cinematográfico, proporcionando capas sónicas adicionales en la forma de misteriosas reverberaciones y muestras de animales.

Una breve intro nos lleva hasta ‘Invert’, un tema de ritmo vibrante que se desarrolla entre potentes ritmos y un aura progresiva. En un escenario más propio del post-metal el tema conjuga melancólicas voces heavy-rock entre constantes ondulaciones. Dos minutos intensos que nos depositan en una atmosfera psico-progresiva llena de un misterio reconfortante. Sin dejar de borbotear la canción.

Mas calmados y progresivos, los polacos repiten acordes en ‘Doubt’ con extrañas voces mientras la instrumentación se sumerge en un escenario netamente progresivo. Pausa y calma soportan un tema que parece ser una especie de interludio en su relato.

‘A Swarm of Dead Insects’ supone una experimentación por un amplio espectro de vibraciones. Voces guturales contrastan con suaves melodías mientras la instrumentación coquetea con ecos del metal. Evolucionando lentamente a un espacio más pesado e inquietante el corte mantiene su aura misteriosa. Los constantes giros en su relato hacen que su escucha resulte muy fluida. Agresivas voces y riffs amortiguan su fuerza con pasajes más melodiosos en los que la banda deja patente su espíritu progresivo. Un escenario inquietante que recibe distintas influencias estilísticas. Sus voces guturales arrastran a la instrumentación a desarrollarse en un entorno de mayor pesadez.

Los polacos cambian el paso en ‘Erode’. Tras los rugosos riffs y las estresantes voces del tema anterior aquí se recuestan en pasajes más melódicos ofreciendo su lado más progresivo. Sosegados acordes y una ambientación más sinfónica construyen un tema melancólico con atractivos ornamentos.

‘Resistance’ nos devuelve a la banda embutida en un traje mucho más psicodélico y experimental. Aquí sacan a relucir la faceta más grunge de la voz entre una cadente atmósfera psico-prog. Un corte oscuro que susurra con variados acordes manteniendo un espíritu. Evolucionando a un marco más vibrante el tema eleva su intensidad dejando patente que los polacos no renuncian a ninguna influencia estilística. La parte final de la canción nos ofrece momentos más ardientes.

El álbum cierra con los 10 minutos de ‘Whale part- II’. Enigmáticos acordes de bajo se entremezclan con bellos pasajes de guitarra entre un manto de efectos envolventes. Calmado y psicodélico a la vez, su inicio parece presagiar algo potente que está por llegar. Con esa premisa el tema se torna hipnótico antes de explorar oscuras atmósferas psico-progresivas. Una calma tensa invade los susurrantes acordes en un auténtico relato de misterio. La larga duración del tema permite que la banda experimente con distintos ritmos y vibraciones. Sin mostrar la pesadez de los primeros temas del álbum y dejándose llevar por una apuesta instrumental, el tema reside en una estancia mucho más progresiva.

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Reseña: PLANKTON WAT.- ‘Future times’

La canciones del músico de Portland Dewey Mahood habitan en constante comunión con la naturaleza. Desde álbumes aclamados con una de las bandas pilares de la psicodelia pesada como son ETERNAL TAPESTRY, hasta sus prolíficas excursiones en solitario, el trabajo de Mahood siempre se ha definido por su espíritu explorador inquieto y reverencia por el medio ambiente. Como PLANKTON WAT, sus composiciones expresionistas exudan una gracia y una paciencia sobrenaturales, reflejando la belleza resplandeciente y la energía mítica de los lugares salvajes de la Costa Oeste. La pieza florece desde un ambiente poco iluminado junto al porche hacia poderosos viajes de cabeza, conduciendo al oyente a través de barrancos de retroalimentación y a lo largo de cálidas corrientes de sintetizador que se desplazan hacia picos de felicidad lisérgica. El magistral y distintivo trabajo de guitarra de Mahood difumina consistentemente los confines del instrumento, a la vez que es rico en texturas y melódicas. Combinando pasajes de psicodelia ensoñadora y a la vez desagarrada y melancólica, con una vocación progresiva, ‘FUTURE TIMES’ eleva los instrumentos lisérgicos de Mahood a nuevos planos. Escrito con el telón de fondo de los disturbios sociales y los incendios provocados por el cambio climático, Mahood presenta un extenso estudio cinematográfico y psicodélico de un planeta en crisis que teje un camino de esperanza a través de la oscuridad.

Grabado en la primavera de 2020, con la mayor parte de los Estados Unidos refugiándose en su lugar, ‘FUTURE TIMES’ comenzó como una meditación sobre los tiempos. Con el optimismo de la primavera y la promesa del verano reemplazada por la ansiedad por el futuro, la música se convirtió en un medio importante para procesar emociones difíciles y conectarse con el mundo exterior. Mahood desarrolló piezas creadas con su socio musical Dustin Dybvig y el ingeniero/productor Victor Nash, transmutando la energía expansiva de las improvisaciones en vivo en composiciones esbeltas para guitarra, bajo y teclados. Luego, las piezas pasaron a Dybvig y Nash, quienes desarrollaron las composiciones iniciales de Mahood con capas brillantes de sintetizador y sutiles efectos de estudio. ‘FUTURE TIMES’ transforma PLANKTON WAT de un proyecto puramente en solitario en un conjunto virtual, en sí mismo un testimonio del poder del arte para trascender las fronteras físicas y sociales.

Los dos lados elípticos del álbum trazan el viaje interior de Mahood desde la ansiedad al optimismo. El lado A emerge de las brasas aún encendidas de los incendios forestales de la costa oeste en «The Burning World». Zumbidos de sintetizador humeantes cargados con el aroma de pino quemado, un vivo retrato de la experiencia del artista de los incendios forestales generalizados, solo para luego usar el fuego como símbolo de renacimiento espiritual. Con un sonido envolvente los acordes psicodélicos nos envuelven en un escenario desolador que refleja la calma del paisaje. Efectos constantes y guitarras crean una oscura atmósfera psicotrópica a modo de introducción.

«Nightfall», parece recoger las cenizas mostrándonos un horizonte nuevo. Calmados pasajes entre persistentes zumbidos van construyendo un tema con el sonido estratificado en capas. Una dualidad de la que parece salir airoso con un sonido esperanzador que parece abrirse a la luz sin perder su carácter hipnótico. Todo un génesis redentor en un inquietante pero gratificante ambiente en el que la psicodelia va adquiriendo distintas formas sonoras sin perder la esencia del músico de Portland.

Con extraños efectos en su apertura, «Modern Ruins» explora insondables espacios bajo un aura sinfónica. Plácido y relajante el tema tiene un tono melancólico entre bellas melodías con mil texturas. La guitarra como protagonista de un tema sencillo pero enriquecido con distintos ornamentos sonoros que se recuestan en pasajes progresivos que reflejan una atmósfera ensoñadora.

Mahood marca el comienzo de la cima agresiva del álbum en «Dark Cities», con agudas puñaladas de Casio mostrando su faceta electrónica las guitarras engrosan el sonido del tema. Una crítica a la violencia policial y la injusticia racial. Tomando elementos espaciales construye un relato que bien pudiera adornar una banda sonora de ciencia ficción.

Retomando un ambiente más terrenal ‘Teenage daydream’ repite sus acordes una y otra vez para llevarnos a un inquietante escenario sonoro que va transformándose poco a poco. Solos hirientes entre el hipnotismo de unos teclados hacen que el tema se muestre más pesado entre sus efluvios lisérgicos.

‘Sanctuary’ nos traslada a un insondable espacio de calmacon guitarras más propias de Pink Floyd en una atmósfera con tonos perturbadores. Sintetizadores flotantes y pausados acordes construyen otro tema plácido y relajante en el que los elementos turbulentos se conjugan con una belleza inquietante.

El tema que da nombra al álbum, ’Future times’ mantiene ese tono de misterio con sus teclados zumbando entre sonidos espaciales e incursiones de guitarra que asedian los hipnóticos pasajes acústicos. Un espacio para la confusión en el que la suavidad de la guitarra se vuelve inquietante arropada por la experimentación constante de unos sintetizadores que no cejan en su perturbadora ambientación. El tema se apaga entre agresivos y profundos solos de guitarra.

‘Defund The Police’ nos devuelve al sinfonismo espacial entre suaves zumbidos y efectos. Un nuevo escenario para la experimentación incorporando elementos de viento en un desolador paisaje casi drone.

El álbum cierra con «Wind Mountain», un espacio para la reflexión en una hábil combinación de acordes acústicos y elementos eléctricos creados por los sintetizadores que evoca a un lugar sagrado de los nativos americanos, así como un popular lugar de senderismo en Washington cerca de la casa de Mahood en Portland. Relajante y susurrante el tema supone un bálsamo gratificante con el aroma del medio oeste reflejado en sus surcos que cantan a los cuatro vientos que hay esperanza.

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Reseña: JAKETHEHAWK.- ‘Hinterlands’

El cuarteto pesado, progresivo y autoproclamado «Appalachian Rock» de Pittsburgh, JAKETHEHAWK, desata la belleza en este mundo con su nuevo y cautivador álbum ‘HINTERLANDS’, (disponible vía Ripple Music). Seis temas extasiante que conjugan la fuerza y rugosidad de los riffs Stoner con unas cuidadas melodías en un transitar por parajes en los que los ríos, los bosques y un cielo azul se encuentran con los sonidos desérticos. Siempre ofreciendo un aliciente para el oyente las oscilaciones y atmósferas en las que habitan sus temas nacen de un espíritu progresivo y unos genes stoner. Hábiles creadores de atmósferas psico-progresivas cuentan con un aliciente del que carecen muchas bandas, las melodías vocales juegan aquí un papel primordial, pero no solo eso, esas guitarras ácidas que se incrustan en sus atmosféricos pasajes instrumentales hacen que el álbum ofrezca un nuevo horizonte. Seguramente es lo que propia banda denomina ‘Appalachian rock’, ese rock que nace de las montañas pero que no reniega del desierto. Herederos de las expansivas exploraciones psicodélicas de bandas como KING BUFFALO, HOWLING GIANT o los últimos trabajos de ELDER, fusionan el sonido clásico centrado en riffs de los pioneros del proto-metal con las texturas del rock psicodélico y el rock progresivo. También se basan fuertes influencias de la frondosa arbolada valle del río que llaman hogar y su rica tradición música popular que abarca el apodo oximorónico. Atmosférico pero pesado, el álbum sorprenderá a aquellos que piensas que los sonidos pesados Stoner se están anquilosando ya que ‘HINTERLANDS’ abre una nueva vía para escapar de la rutina con sus bellas y fornidas canciones.

Formados en 2016, JAKETHEHAWK Siempre ha buscado sintetizar el sonido clásico centrado en el riff de los pioneros del proto-metal con las texturas del rock psicodélico y el rock progresivo. Además, se extrae una gran influencia del territorio de la banda, tanto del exuberante y boscoso valle del río como de la rica tradición de la música folclórica que aún florece aquí. Realmente, sería falso que una banda de este lugar se llamara a sí misma “rock del desierto”; Así como el paisaje y la cultura dieron forma a la música de la escena de Palm Desert a principios de los 90, JAKETHEHAWK también acepta la influencia de su tierra natal. La banda adopta su apodo oximorónico, dado a sí mismo, «Appalachian Desert Rock» porque sienten que resume estas cosas; pero lo que es más importante, les gusta.

JAKETHEHAWK son:
John Huxley – Voz, Guitarra, Teclados
Jordan Lober – Batería
Justin Lober – Bajo, Voz
Josh Emery – Guitarra, Voz

‘Conunting’ abre con susurrantes acordes de inspiración dream pop antes de estallar con sus pesados riffs. Yuxtaponiendo los estilos el tema golpea con fuerza en una acertada combinación de melodías algodonadas y voces limpias, con la crudeza de sus rifs Stoner. En una atmósfera casi psico-progresiva en el tema pesa más el cuidado en las apacibles melodías, pero sabiendo dotar de fuerza a unos poderosos riffs. Un atractivo resultado que fluye con soltura. Líricamente la canción trata sobre la fórmula para encontrar la paz haciendo referencia a un espíritu social que nos moldea.

Con un mayor dinamismo ‘Ochre and umber’ nos invita a un apacible paseo en bosques que dejan pasar la luz en una combinación de poderos riffs y pasajes ambientales, algo que es una constante en todo el álbum. Riffs divertidos, momentos acústicos y un fiel reflejo del sonido equilibrado de la banda. Ondulando constantemente entre delicados pasajes y crujientes rifss el corte tiene un groovy que conjuga elementos psico-progresivos con momentos mucho más pesados y rugosos. Unos buenos solos de guitarra completan un corte rico en matices que muestra un aspecto bien trabajado.

Un mundo frio y desolador, prácticamente sin esperanza se refleja en ‘Interzone mantra’. Misterioso y atmosférico en su apertura, el tema habita en un escenario más oscuro. El protagonismo de los teclados hace que se compense sus momentos mas doom. Entre nebulosas psicódelicas la banda combina elementos de rock-progresivo con unos genes doom y Stoner entre sus efluvios lisérgicos. Seguramente su tema más oscuro y tenebroso.

En tonos más campestres, los acordes acústicos de ‘Still life’ nos trasladan a un escenario apacible que parece alejarse de la pesadez stoner. El tema se envuelve en un manto progresivo aportado por los sutiles teclados. Con elementos melódicos incrustado entre sus crujientes riffs consiguen crean un sonido que se respeta. Esto hace que el tema nos acaricie con sus limpias guitarras sin olvidar las embestidas pesada que van y vienen.

En un escenario más desértico ‘Uncanny valley’ el bajo difuso nos aturde en su primera parte con riffs que crujen y se expanden entre flotantes guitarras atmosféricas. Siempre con sus delicadas melodías vocales que tratan sobre un viaje al mas allá. Con la sensación de road movie desde el desierto hasta parajes en los que las montañas y los bosques son el escenario por el que el tema recorre a modo de vehículo en una autopista descriptiva en este curioso viaje descriptivo lleno de dinamismo.

El álbum cierra con ‘June’ retomando la pesadez de unos riffs que afloran en una atmósfera psico-progresiva llena de alicientes. Stoner ortodoxo que comparte escenario con melodías casi pop entre una rica y prieta instrumentación que se balancea entre ásperos momentos y bellos pasajes progresivos aportando un talante sosegado y gratificante. En ambos entornos el ritmo de la batería nunca pierde su objetivo. Implacable.

RIPPLE MUSIC :
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JAKETHEHAWK:
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Reseña: MATHER.- ‘This is the underground’

El debut de los griegos MATHER es uno de esos álbumes que de vez en cuando se me quedan estancados en la bandeja de entrada. Pero en una primera escucha hace meses, fue un trabajo que me llegó profundamente. Tras un tiempo olvidado en la carpeta de pendientes la edición en formato vinilo por parte del sello Violence in The Veins, hace que retome con gusto esa tarea pendiente. Pocos álbumes en los últimos tiempos ha podido ofrecerme una variedad de registros como éste. Desde sus trances liberadores de los sentidos, los chamánicos espacios llenos de un misticismo inquietante, o la aspereza de sus pesados riffs, son todo un aliciente para descubrir a otra nueva banda salida de la fértil escena pesada griega.

Canciones ricas en texturas que siempre encuentran una salida con la que sorprendernos. Unas cuidadas composiciones que toman elementos de distintos estilos para crear un ‘todo’ diferente en cada tema, haciendo que cada canción sea una experiencia única. Sería difícil definir el sonido predominante en ‘THIS IS THE UNDERGROUND’, pero sin duda las reverberaciones psicodélicas, los cuidados desarrollos progresivos (seguramente soporte de todo) y la crudeza de sus riffs, hacen que estemos ante uno de los álbumes más interesantes de los últimos meses. Coqueteando con momentos COLOUR HAZE, con pasajes más propios de PINK FLOYD, con momentos PORCUPINE TREE, eN espacios del medio oeste en línea ALL THEM WITCHES, con sus chamánicos rituales doorsianos o con sus crujientes riffs Stoner-doom más propios de 1.000 MODS, MATHER consigue que sus temas funcionen y nos enganchen sin remisión en sus surcos. Unos surcos que reflejan la gran calidad que tienen estos chicos y la maestría a sus instrumentos, haciendo que todas las piezas encajen en el complejo puzle sonoro que es este álbum. Seguramente me quedaría con calificativo de progresivo para definir en una palabra su sonido, pero, sin duda no se queda solo en eso, de ahí su grandeza. Letras que versan tanto de temas existenciales como la religión y el paso del tiempo, hasta cuestiones de la vida cotidiana como pueden ser las relaciones humanas o incluso el arte y la pintura.

MATHER es un cuarteto de Patras, Grecia, formado en 2017, que rápidamente generó gran revuelo por su dinamismo en directo. MATHER comenzó como proyecto cuando John (guitarra, voz), Leon (bajo) y Aizen (batería) empezaron a tocar juntos a finales de 2017. Unos meses después, la banda ya estaba participando en numerosos festivales locales. En el invierno de 2018, MoonLoop (sintetizadores, voces) se unió a la banda y los cuatro comenzaron a trabajar en su álbum debut mientras seguían tocando en festivales. Después de muchas reuniones y jams, ediciones, partes y canciones recién compuestas, la banda finalizó las pistas y estaba lista para grabar su álbum debut, ‘THIS IS THE UNDERGROUND’. En enero de 2020 comenzaron el proceso de grabación en NoiseBox Studio con el ingeniero de sonido Sakis Bastas tras la mesa. En abril del mismo año se completó el álbum. La banda estaba ansiosa por tocar y promocionarlo en vivo, pero desafortunadamente las numerosas restricciones provocadas por la pandemia del Covid cambiaron sus planes.

Tras la breve introducción de ‘Om’ en la que nos llevan a un mágico escenario de psicodelia desértica, con sus magnéticos acordes envolventes, ‘Recoil’ se desarrolla en una fusión en la que parecen juntarse en una encrucijada Colour Haze, Pink Floyd y The Doors. Un bello tema con arropado por un órgano vintage y una chamánica voz que acaba por hechizarnos. Pausa y psicodelia reconfortante van creando una atmósfera lisérgica en un insondable espacio en el que la fuerza de los riffs nos seduce bajo una rica instrumentación. Un tema bien construido que se eleva majestuosos para internarse en un bosque mágico en el que la psicodelia el espacio ideal para desarrollarse de la mejor manera posible. Solos ácidos en un entorno con distintas texturas sonoras que muta según avanza. Una canción que por sí misma hace que este álbum ya merezca la pena. Todo un trance narcótico liberador de nuestros sentidos.

Bajo una atmósfera más propia del medio oeste, los acordes acústicos de ‘A Night To Remember, a day to Forget’ cambian el aspecto del sonido de los griegos. El tema evoluciona desde su aspecto casi folk con su cálida voz, para volverse más luminoso y rítmico Engrosando su sonido, las voces y coros se yuxtaponen mientras todo se trasforma para llevarnos a un espacio de Stoner arenoso. No estamos ante un corte de sonido convencional, ya que, a pesar de tener elementos ortodoxos, se adorna con ese mágico órgano que hace que su aspecto cambie, mostrándonos distintos sonidos. En su parte central el tema reposa en suaves acordes que van describiendo un espacio apacible en el que la psicodelia se inclina a un espacio más progresivo. Con solo dos temas, se puede apreciar el abanico de registros que utilizan MATHER para dar cuerpo y versatilidad a su sonido. Silencioso y susurrante, la canción flota en narcóticos pasajes que suavizan nuestros sentidos creando una sensación de relajación y bienestar. Así, su parte final nos sorprender con ensoñadoras melodías con coros celestiales antes de una explosión de fuerza con riffs mas pesados. Aquí todo se acelera en una fusión de psicodelia, Stoner e incluso post-rock, creando un monumental y épico epílogo.

Después de los casi diez minutos anteriores, el folk con tonos de americana baja las revoluciones en ‘Give in’. Perturbadores pasajes con esa cálida y penetrante voz que se clava en nuestros sentidos. Un tema acústico en el que una sencilla armonía acompaña a la voz, como verdadera protagonista, y Que me evoca a algunos momentos All Them Witches.

‘Sympathy For The Gods’ parte de melancolía con voces que se superponen entre si bajo una tenue luz transmitiendo una sensación de desasosiego. Evolucionando hacia una atmosfera más turbia, los efectos de los sintetizadores y la repetición de estrofas intercaladas transmiten una sensación perturbadora y oscura. A modo de tragedia griega el tema nos sume en un espacio gris con un sonido que se va tornando más difuso y pesado con un final explosivo que tiene a postulados casi doom antes de despeñarse por un torrente de crujientes riffs.

Con sus casi trece minutos y postulándose como el tema mas largo del álbum, ‘Co-Lapse’ parte de un escenario post-rock con suaves acordes de teclado que se van difuminando para dejar espacio a la guitarra. Casi en tonos pastorales, la cálida voz y los angelicales coros se van mezclando con un espacio más propio de Pink Floyd en una atractiva combinación que conjuga el misticismo con una atmósfera psico-progresiva. Tras la calma inicial una explosión sónica se eleva aupada por el penetrante sonido de su idílico órgano. Aquí nos vemos inmersos en un jardín progresivo mucho más ortodoxos con aterciopelados pasajes entre registro vocales mucho más dulces. Leves pinceladas jazz aparecen entre los cadentes y acogedores acordes para crean un marco sinfónico de gran belleza. Una vez mas se repite la máxima de que cuando más largo es un tema, más oportunidades le ofrece a la banda de mostrar su verdadero potencial. Sin tiempo para el aburrimiento el corte atraviesa mil meandros con constantes giros en su trama y sonido. Tanto envolventes riffs creando monumentales pantallas de sonido, un bajo hipnótico e incisivo y la guitarra llenándose de color. Tonos funky, pasajes folk, y un sinfín de influencias sonoras se ven reflejadas en otro maravilloso corte de los griegos. La canción se diluye en su parte final a un escenario más psicodélico, sin perder su esencia progresiva.

‘Engine’ cierra el álbum entre sonidos experimentales y ácidos solos de guitarra. ‘THIS IS THE UNDERGROUND’ nos ha dejado patente que el cuarteto se desenvuelve bien tanto en la psicodelia pesada, como en el Stoner, lo progresivo e incluso en el dark-folk. Aquí su grueso sonido juega sin voces a combinar su lado más tosco sin desdeñar los efectos de los psicotrópicos. Sus oscuros pasajes se adornan con un exotismo misterioso e inquietante. Una leve concesión en un tema que vuelve a crujir con ásperos riffs Stoner-doom.

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Reseña: ROSTRO DEL SOL.-‘Rostro del Sol’

¿OBRA MAESTRA?. Cuando en el mes de septiembre el quinteto mexicano publicaba su single ‘Cynical mind’ mi instinto me decía que podíamos estar ante algo grandioso. La publicación de su álbum homónimo confirma esa afirmación. ROSTRO DEL SOL ha creado uno de los álbumes más sorprendes e interesantes de los últimos tiempos. De todos es sabido que la cantera mexicana era un territorio fértil del que siempre han salido buenas bandas, pero lo de estos chicos es impresionante. Buenas melodías y una perfecta ejecución de unos temas ricos en matices y texturas. Un gran aval que hace que todo fluya con una naturalidad sombrosa, sin complejos. Cinco hijos de Moctezuma que, con su debut, son merecedores de conquistar el mundo. Media hora mágica en la que el rock progresivo, la psicodelia más ácida, el jazz-rock y los ritmos funk, se visten de tonos vintage al más puro estilo de los 70’s. Imagina una fiesta por todo lo alto con Hendrix y Alvin Lee como anfitriones y con Colloseum, Traffic, Deep Purple, Earthless, Santana, Zappa o Siena Root como invitados. Solos hirientes, mucho Wah, wah, y unos teclados envolventes se salpimientan con el siempre seductor sonido del saxo, uno de los alicientes de este álbum instrumental. Un trabajo impresionante del primero al último tema. Estos músicos noveles tocan como auténticos veteranos, tanto por su destreza, como por su capacidad compositiva llevándonos siempre por el camino correcto. Estamos ante un álbum camaleónico que muta sus formas constantemente ofreciéndonos siempre un aliciente que nos deja extasiados. A veces no se necesitan psicotrópicos para tener un ‘viaje’, ROSTRO DEL SOL nos embriagan con su música de una manera placentera y hechizante. Los álbumes instrumentales siempre tienen algún detractor, pero a éstos, yo les invitaría a dejarse llevar por este monumental trabajo instrumental que no te dejará indiferente. Toda una orgia de sonidos vintage que te llevará al orgasmo en uno de los mejores álbumes de los últimos tiempos.

‘ROSTO DEL SOL’ está disponible vía LSDR Records, y fue grabado entre 2019 y 2020 en Rec-on Estudios en Ciudad de Mexico, por Jorge Trejo, siendo mezclado por Juan Puget, correspondiendo el arte de la portada a Elena Ibañez.

ROSTO DEL SOL son: Mitch Bálänt (Guitarra), Demian Burgos (Batería), Baruch Hernandez (Teclados), Israel Mejía (Bajo) y Dan Samhain (Saxo).

‘Effect of creation’ surge entre distorsiones y efectos, custodiado por el penetrante órgano. Una entrada que no nos hace vislumbrar el camino por el que se desarrollará el tema. Tras un minuto y medio de incertidumbre, el órgano en línea Purple deja espacio a unos desarrollos progresivos con cierta herencia española. evocándome momentos del rock andaluz español de los setenta, el cuarteto mexicano nos sumerge en una fusión de elementos en la que los ritmos jazz, se dotados de una gran acidez. Guitarras chirriantes, en una especie de jam en la que todo se vuelve más loco. Los vientos se unen a una fiesta variada y que cambia constantemente. Giros atractivos que va mutando las vibraciones sobre las que se construye el tema. Toda una exploración de sonidos vintage en la que no existen límites. Hard-progresivo, psicodelia y un hechizante ambiente psicotrópico con solos de guitarra que se estiran hasta la extenuación. El tema acaba por dejarnos noqueados por completo.

Tras el shock del corte de apertura, ‘Solar fire’ mantiene el espíritu vintage con el hammond coloreando el ambiente entre ritmos de vocación Funky. Conversaciones de guitarras ponen una pausa a los ambientales desarrollos progresivos. El tema consigue el equilibrio entre el sonido de los distintos instrumentos, creando la composición en distintos planos en los que cada músico tiene su espacio. Un gran trabajo compositivo para crear un tema rico en matices y texturas, esta vez en tan solo tres minutos. El contraste de la primera canción, con sus casi nueve minutos y la brevedad de ‘Solar Fire’ no desentona en la apuesta de la la banda, solventando a la perfección el gancho de cada una de ellas.

‘Backyard blues’, un nombre lo suficientemente evidente como para intuir que camino tomaran en esta ocasión. El blues, siempre un estilo recurrente para las grandes bandas aparece aquí de forma majestuosa. Heavy-blues y mucho psicotrópico son los ingredientes de este artefacto lisérgico y hechizante. Creando un sonido mas propio de una banda americana de comienzos de la década de los 70’s, los teclados y las guitarras entran en una lucha hegemónica en la cual, en esta ocasión la guitarra se lleva los honores. Sabiendo ejecutar su papel, los momentos vintage adquieren una dimensión grandiosa. Contagiosos ritmos Funky y una línea de bajo llena de magnetismo amplían el espectro cromático del tema, ofreciéndonos nuevos espacios para la exploración. Si de algo no hay duda, es que, si no te unes al baile con el tema, estás muerto. Un corte adictivo.

Un solo de batería a la vieja usanza es la carta de presentación de ‘Bob C Sketches’. Nuevamente la fusión y el jazz ponen los cimentos para otra obra faraónica. Con ciertos ecos latinos y una guitarra propia del Santana más experimental, la bacanal psicotrópica regresa para narcotizarnos al más puro estilo Alvin Lee. Seducidos por el blues y la psicodelia la espontaneidad y destreza de estos chicos vuelve a quedar patente. Mucho talento y mucha técnica avalan otro blues lleno de acidez en el que los ritmos jazzeros se desbocan en una nueva jam. Envueltos en solos que parecen revolotear sobre nuestra cabeza, antes de que todo se modere. Aquí los vientos y los teclados salen a escena mostrando todo su glamour, seduciéndonos con bellas melodías retro. Entre pasajes jazz rock, las texturas del tema se amplían con distintos sonidos y vibraciones superpuestas para ofrecer un ampuloso corte que vuelve a dejar patente el talento de estos jóvenes músicos. Instalando en ese ambiente de los años 70’s. el jazz rock, y hard-progresivo se fusionan nuevamente en ‘Tales’. Un tema dividido en tres partes ejecutado entre una sutil neblina psych. Un nuevo coctel en el que caben distintos y variados ingredientes estilísticos. Ondulando en sus ritmos y saltando de un estilo al otro los momentos heavy-psych se mimetizan entre ritmos de fusión en una primera parte llena de intensidad. Como si hubiéramos cambiado de canción, la segunda parte habita en atmósferas psicodélicas de manual, con guiños floydianos. En su parte final, aparecen más presente elaborados desarrollos progresivos

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