Etiqueta: post-metal

Reseña: STONE FROM THE SKY.- ‘Songs From The Deepwater’

Los franceses STONE FROM THE SKY demuestran con su nuevo álbum ‘SONGS FROM THE DEEPWATER’ (disponible vía More Fuzz Records), que son una banda madura y equilibrada. Sin perder la frescura que sus inicios, en éste, su tercer álbum, siguen transformándose y reinventándose no renunciando su identidad.  Música ensoñadora, sí, pero más pesadez y oscuridad de la que nos tienen acostumbrados. Coqueteando más con un entorno post-metal, incluso post-hardcore, sus canciones instrumentales mantienen las dosis de psicodelia habituales. Sus devaneos post-rock, siempre hacen acto de presencia en cada canción aportando el tono elegante a las mismas, mientras el trabajo de la guitarra brilla con luz propia. Mostrándose solventes, maduros, y derrochando creatividad, STONE FROM THE SKY, optan por imprimir más pesadez a determinados pasajes de sus canciones. Decir que sus temas son más pesados en esta nueva entrega, no quiere decir de los franceses hayan renunciado a la psicodelia, ni a su innato espíritu post-rock. Sencillamente lo que hacen es salirse de la monotonía de algunos estándares, para ofrecernos canciones más cambiantes. Este es uno de los alicientes de trabajo que te va a sorprender y en el que vas a encontrar a unos músicos solventes, tanto en la faceta creativa, como en la interpretativa. Como su propio nombre indica que simultáneamente evoca claramente una de las mayores mareas negras de la historia (que representan intervenciones humanas suficientemente bien), y la expresión inglesa » estar en aguas profundas «. …). Algo que refleja el hartazgo de sus músicos. Sin embargo, la banda no reniega de su base lisérgica y ofrece una serie de coherentes y poderosas canciones, hechas para dejar que el nuestro espíritu emprenda un viaje. Y no lo dudes, el viaje es verdaderamente gratificante.

Este nuevo álbum suena a revolución para STONE FROM THE SKY, en muchos niveles. Alineación modificada, más moderna, un sonido más oscuro y agresivo, es resultado de muchos cambios durante esos tiempos inciertos. La llegada de Simon (también miembro de la banda Beastly de Angers (Francia) detrás de la batería fue una oportunidad para repensar muchos hábitos y permitir que todos asuman plenamente sus influencias personales y digerir las de los demás.

También hubo un cambio de personal técnico: el álbum fue grabado y mezclado en el estudio «La Grange» por Jordan Jupin, y masterizado por el hombre detrás del sonido de ALL THEM WITCHES, Mickey Allred. La portada es obra de Michaël Rahmani.

Atmosféricos y con tintes cósmico, Godspeed nace como un lento génesis creando una ensoñadora atmósfera psicodélica. Cadentes tambores y pincelas de bellos acordes de guitarra van construyendo un tema en el que la belleza está presente en sus delicadas melodías. Sin darnos cuenta, nos vemos inmersos en monumentales desarrollos instrumentales. Grandilocuente, elegante y pesado, ‘Godspeed’ es de esas canciones que te deja impactado, una gran forma de abrir un álbum.   La hermosa de sus livianos acordes de guitarra en contraste con la opulencia de sus momentos más intensos, refleja, que STONE FROM THE SKY ha encontrado el equilibrio perfecto.

‘Le Squinfus’ emerge cadenciosa y misteriosa creando una atmósfera nebulosa adornada con elementos exóticos y un sonido que explota en una deflagración de golpes plomizos. Abducidos por el metal, los franceses generan un tsunami de riffs pesados como moles de cemento. Con remanso de calma, STONE FROM THE SKY acopla ecos orientales a un tema que flirtea con el post-rock para rearmarse en sus entrañas y golpear con grandilocuentes pasajes rebosantes de fuerza. El tema concluye súbitamente dejándonos descolocados.

Ritmos vibrantes y una instrumentación sofisticada entre atmósferas de psicodelia cósmica, ‘Karoshi’ nos recuerda de dónde vienen los franceses. Si el tema anterior era una mole, aquí la banda opta por la sutileza y el sosiego para desarrollar la canción. Obviamente las embestidas de riffs crujientes y esos momentos monumentales se mantienen como seña de identidad de la banda. Si bien en esta ocasión, esas embestidas se tornan más metálicas de lo habitual, los constantes cambios de registro hacen que el tema su muestra versátil y atractivo. Nuevamente han conseguido crear un tema pesado y delicado a la vez. ¡Bravo!

Con un nítido espíritu post-rock, ‘The Annapurna Healer’ susurra entre zumbidos que distorsionan los cristalinos acordes. Un espacio psicodélico que sirve para desarrollar y ensanchar los flancos de un género que conviven bien con las vibraciones post-rock. Psicodelia pesada de alto octanaje, oscilante, rugiente por momentos, pero con una piel delicada y sedosa. Esta bajada de intensidad hace que el tema nos acaricia con delicadeza y nos muestre un mundo de color en el que la guitarra brilla con luz propia hasta cegarnos con su luz infinita. Serpenteante en su desarrollo la canción eleva su intensidad y pesadez de forma virulenta en los momentos finales. Toda una huida hacia adelante en la que la banda se despeña sin control.

Tras habernos dejados exhaustos con el tema anterior, los hipnóticos y lentos acordes de ‘City | Angst’ nos sirven de bálsamo reconfortante. Placenteros y bellos acordes nos seducen, haciendo que nuestra mente se libere con sus redentoras de sus melodías. En una triada en la que el post-rock se transforma en psicodelia pesada, y ésta, en torrentes post-metal, STONE FROM THE SKY consigue crear otro corte fascinante que pasa por distintos estados de ánimo. Coqueteando incluso con el jazz, la guitarra se muestra esplendorosa y elegante en su armonía. Cristalina y profunda, cada nota busca nuestros centros neuronales, ofreciéndonos gratificantes momentos.

Antes de poner el cierre, la psicotrópica atmósfera de ‘Nuances De Fuzz’ nos deposita en un mundo sensorial lleno de gratificantes sensaciones. Una especie de trance narcótico nos relaja con su magnetismo y belleza. Otro tema grandilocuente, exótico y pesado, que nos crean un campo magnético que nos impide escapar a su pomposo sonido. Susurrante y misterioso por momentos, los tambores y el bajo crean momentos de tensa calma, de los que salen con aromáticas melodías. Creando ese entorno hipnótico, el tema se llena de color a pesar de su tenue aspecto.

Incorporando voces etéreas, ‘Talweg’ gravita en un escenario cósmico. Ritmos que flirtean con elementos kraut, psicodelia aromatizada y una ambientación espacial van tejiendo las entrañas del tema. Suave y con un buen groovy rítmico, el tema aporta misticismo. Todo un acierto el hacer aflorar esas voces entre su suave armonía para poner el epilogo a un álbum sobresaliente.

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stonefromthesky.fr

More Fuzz Records

Reseña: IAH.- ‘Omines’

El cuarto trabajo del trio argentino refleja la evolución de una banda que con cada nuevo trabajo se muestra más madura y certera en sus composiciones. Con un estilo definido, IAH nos invita a recorrer entornos instrumentales en los que la psicodelia, el post.rock, el stoner y el post-metal conviven en perfecta armonía. Sin estridencias, y sabiendo cuándo poner la intensidad, consiguen crear canciones llenas de belleza con las que lograr transmitir diferentes estados de ánimo al oyente. Largos temas en los que plasman su buen hacer y que se construyen desde la calma, pero que contienen distintas oscilaciones que los hacen cualquier cosa, menos monótonos. Con guiños al sonido ambiental característico de bandas como Yawning Man, logran conjugar elementos progresivos con los ecos más sosegados del rock del desierto. Una dimensión sensorial en la que sus atmósferas atrapan al oyente, proporcionándole un entorno reflexivo de gran belleza. Este no es un álbum para ir de fiesta, pero, por el contrario, es la banda sonora ideal para encontrarse con uno mismo, en un ambiente cálido, y muy introspectivo. Un álbum que puede parecer en una primera impresión algo lineal, pero que, por el contrario, tiene muchos matices incrustados en cada una de sus canciones, algo que IAH hace con la sutileza de una banda veterana.  
IAH son: Juan Pablo Lucco Borlera (bajo), Mauricio Condon (guitarra) y José Landíon (batería).

’OMINES’ fue grabado en vivo en 440 Estudio, masterizado por Magnus Lindberg y cuenta con un arte de portada obra de Ignacio Valicenti. La producción corrió a cargo de Mario Carnerero e IAH.

‘Cernunnos’ abre el álbum proporcionándonos una inquietante atmósfera en la que el trio desarrolla su propuesta instrumental entre elementos psicodélicos y post-.rock. oscuro y con bellas melodías, el tema se muestra como una especie de introducción a una narrativa más profunda. La canción se desarrolla en distintas partes, una primera con suaves vibraciones., una parte central en la que los riffs pesados de vocación post-metal golpean con contundencia, y una parte final en la que retoman los suaves pasajes de psicodelia pesada para introducir al oyente en su narrativa. Un lento génesis que nos lleva a descubrir la parte más experimental y stoner de los argentinos; un espacio, en el que se manejan con solvencia ofreciendo oscilaciones de intensidad en un relato gris y con ciertos tonos de nostalgia, proporcionando una sensación de inquietud y tristeza al oyente.

En una atmósfera más apacible, ‘L’esprit de l’escalier’ nos invita a pasear por bellos entornos sonoros en esa frontera entre el post-rock y la psicodelia pesada en la que tan bien se mueve el trio. Poniendo la intensidad en el momento justo, crean un corte balsámico y susurrante en el que la belleza habita en solitarios espacios instrumentales. Repitiendo su melodía IAH, incorporan elementos que enriquecen una canción suave y balsámica. La contenida base rítmica sirve de perfecto soporte para los devaneos de una guitarra que brilla con luz propia.

 Instalados en los temas sosegados, ‘Sunon’ se desarrolla entre suaves melodías de inclinación post-rock. Lento en su desarrollo, los acordes se repiten creando un entorno mágico de relajación y paz interior. A diferencia de otras de las canciones incluidas en el álbum, aquí no hay explosiones de fuerza, manteniendo siempre el dulce susurro de esas apacibles y reconfortantes melodías que parecen sucumbir a una propuesta progresiva.

 Con sus cuatro minutos en contraste con los largos temas, ‘Brilo’ crea una nueva atmósfera gratificante para el oyente. Silencioso y con bellos pasajes, aquí se vislumbran algunos ecos desérticos que me evocan a alguna de las canciones de Yawning Man. Esa conjunción entre lo arenoso y el post-rock, consigue crean un espacio para la reflexión con la puesta de sol en el horizonte.

‘Luno’ desata las hostilidades stoner con su conjunción de riffs rugosos y melodías atmosféricas.Un sonido grueso que deja al descubierto la vocación pesada del trio. Puro stoner instrumental de manual, ejecutado con maestría.  Con esos elementos, IAH no duda en ofrecernos pasajes heavy-psych en los que la guitarra exhuma psicotrópicos antes de bajar la intensidad y recostarse en un acolchado prado de vibraciones psicodélicas. Posiblemente uno de los temas más versátiles del álbum que parece tener vida propia.

 Con solo tres minutos y convirtiéndose en el corte más breve de un álbum que ofrece canciones largas, ‘Arce’ consigue aunar la belleza en un espacio más breve del habitual. Creando un gratificante espacio sonoro, la canción nos acaricia con bellos acordes casi a modo de interludio. De nuevo la guitarra nos proporciona aromáticas fragancias sonoras.

‘Naga’ retoma la larga duración con sus casi 10 minutos de atmosféricos pasajes instrumentales.Los ecos del desierto hacen acto de presencia nuevamente entre hermosas armonías con la guitarra como auténtica protagonista en su parte inicial. Tras esa introducción de poco más de un minuto, los riffs se vuelven más ásperos elevando la intensidad y pesadez del corte. Aquí los elementos heavy-psych co-habitan con brillantes momentos de stoner instrumental de manual. Oscilando en su sonido, el tema desciende insondables entornos para la reflexión. Con sutiles elementos pesados entre su armonía, consiguen dotar de fuerza a otro corte plácido con entrañas robustas. Un cuidado trabajo compositivo en el que nada parece dejado al azar.

Cerrando el álbum nos encontramos el corte más largo, ‘Omines’ con la colaboración de. Spacelug, se desarrolla entre susurrantes pasajes que en esta ocasión se enriquecen con la cálida y reconfortante voz. En una atmósfera de luz tenue, como el resto de las canciones del álbum, aquí vuelven a poner sintonía a la tristeza y la melancolía. Lento y cadente, el tema se toma su tiempo para desarrollarse y llegar a su culmen. Nuevamente, el post-rock, la psicodelia, y los elementos progresivos van construyendo un tema en el que los ecos del desert-rock más atmosférico están presentes.

IAH

Reseña: OUR MAN IN THE BRONZE AGE.- ‘Hexed endeavours’

OUR MAN IN THE BRONZE AGE nos vierte una docena de aventuras cinematográficas en un vacío de bronce en su nuevo álbum ‘HEXED ENDEAVOUS’ editado por el sello Fr33zehead Records. Su sonido devastadoramente efectivo, cuenta con múltiples tentáculos para atrapar al oyente. Sobre una base armónica inminentemente progresiva, los ecos post-rock, Stoner, post-metal y arropan dulces voces melodías. Desde un piano nostálgico hasta olas apocalípticas de riff-rock sin complejos, el quinteto británico nos ofrece una experiencia enormemente inmersiva con más de una hora de canciones monumentales. Teniendo en cuenta que cuatro de sus miembros aportan sus voces, podemos intuir los tintes monumentales que pueden adquirir sus melodías. Si a eso, unimos a sus dos baterías, haciendo que los ritmos se eleven y desciendan a su antojo, puedes imaginar el resultado. Cinco músicos brillando con un ‘todo’ conjuntado y eficaz que no reniega de fusionar sin fisuras elementos pesados de metal con pasajes sinfónicos y seductoras pasajes melódicos. Sus megalíticos y monumentales temas atrapan al oyente a una narrativa que canaliza riffs crepitantes, huesos marchitos y un ingenio seco en una nave cósmica que se pavonea de una forma devastadora, pero a su vez majestuosa. Un regreso triunfal tras cinco años de silencio.

‘Intro (The Rise Of Bronze)‘ abre el álbum a modo presentación en un génesis en el que a lo largo de minuto y medio las voces se elevan entre una cortina de difusos sonidos.

Una vez presentados ‘The Fall Of Athens’ eclosiona con rugosos riffs Stoner y unos poderoso tambores que retumban entre una cortina de vibraciones borrosas. Tras esta eclosión inicia , bellas melodías post-rock nos acarician con dulzura. Una vibra progresiva en sus melodías vocales el tema nos narcotiza con un hipnótico sonido de bajo.

Con un sonido más metálico y cadente, ‘Midnight lovers’ golpea entre melodías atractivas de rock potente. Su contagiosos groovy nos ofrece un contraste entre las voces y el hipnótico ritmo de las dos baterías. En un escenario de metal progresivo, el tema se recubre de elementos que amortiguan su sonido con contagiosos estribillos. Sin duda un tema que nos engancha y nos deja con ganas de mas de esa fantástica pócima.

Cambiando el registro, los ritmos que coquetean con el boogie-rock ‘Cramphands’ se unen a una bacanal de poderoso sonidos progresivos. Jugando con la intensidad y con distintos estilos, los británicos construyen un corte ecléctico y de atmósfera cambiante. Torbellinos sonoros en contraste con pasajes más sosegados en los que muestran su cara más alternativa, sin renunciar a los elementos progresivos.

Con ‘Black widow’ los británicos retoman la senda progresiva con voces empapadas y acordes que se inclinan a una ladera post-rock. Una bella canción que profundiza en la melodía frenando su ímpetu instrumental. Toda una dualidad con acolchados pasajes y un trasfondo que se va tornando más borroso y por momentos psicodélico. El tema muere entre esos ecos alternativos que siempre se vislumbran en las canciones de la banda.

‘Ramblings’, con sus ocho minutos, y siendo el corte de mayor duración del álbum, se toma su tiempo para encontrar el camino a seguir. Piano y un ritmo inquebrantable, van creando una canción progresiva. Con la belleza de sus suaves melodías, el tema flota en un algodonado entorno progresivo.  Acolchadas guitarras y una tenue instrumentación van construyendo un agradable relato sonoro con pinceladas clásica. Con las guitarras revoloteando, el tema se eleva entre ecos post-rock, dulces melodías y una exuberante instrumentación. Una balsámica canción diseñada para alborotarse en momentos puntuales. El resultado es una notable composición que acaba por seducir al oyente en su melancólica ambientación.

Cambiando completamente de escenario, ‘Brutus’ es el espacio para reflejar las veleidades de metal progresivo intrínsecas en los británicos. Un sonido potente, pero melódico va creando un espacio en el que los turbios riffs dan el relevo a suaves desarrollos cuasi sinfónicos, que equilibran la balanza de la pesadez. Serpenteando entre los dictados del post-rock, y las reverberaciones progresivas más plomizas, el corte muestra su fiereza.

‘Bill odyssey’ retoma el piano clásico para poner vida a una melancólica atmósfera gris en los hermosos pasajes nos sumergen en un reconfortante mundo de tonos grises. Una vez allí el sonido se expande grandilocuente con pesados riffs y tabores casi rituales.

Uniendo el legado del rock progresivo de los 70’s y las vibraciones pesadas contemporáneas ‘Hexed Endeavour’ coquetea con elementos Stoner entre melodiosas voces superpuestas con un resultado emocionante y resultón. Un corte con un crisol de vibraciones que se asoman a precipicios rocosos y plomizos pero asentado en armonías melódicas.

Un corte de inminente carácter alternativo como ‘Coma haircut’ hace que el quinteto de otra nueva vuelta de tuerca a su sonido. Ecos de los ochenta afloran en unas voces que flotan entre ritmos oscilantes y que miran de reojo un pasado más psicodélico e hipnótico. Sin duda un sonido moderno y creativo que parece no renunciar a nada.

‘Out the begining’ juega con los ritmos y con melodiosos pasajes que auguran una eclosión. Poco a poco el tema va tomando tintes más monumentales. Cambiando su fisonomía, el metal progresivo aparece entre melódicos estribillos, haciendo que la canción se vuelva más rugosa y punzante por momentos. Todo un espejismo que deja paso a momentos monumentales que acbaan en un final más propio de una banda post-metal.

OUR MAN IN THE BRONZE AGE son una banda capaz de cambiar el registro en cada canción sin renunciar a su esencia. ‘Two squares meala’ lo deja patente con su conjunción post-rock, alternativa progresiva. Una suave pero punzante instrumentación sirve de base a bellos y aterciopelados juegos vocales.

Este excelso trabajo pone su cierre con ‘She’, una canción en la que el piano clásico vuelve a retomar atmósferas progresivas en forma casi de balada. Suave, susurrante y reconfortante, el tema sirve de precioso epílogo a un trabajo monumental y lleno elementos sonoros.

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Fr33zehead

Reseña: ATOMIC VULTURE.- ‘Moving Through Silence’

El trio de Stoner instrumental belga ATOMIC VULTURE extiende sus alas para remover el polvo cósmico con su nuevo álbum ‘MOVING TROUGH SILENCE’. Ocho canciones que gravitar en un espacio sideral en el que los riffs arenosos se impregnan de psicotrópicos entre tambores atronadores y ritmos oscilantes. Muchas son las bandas que ejecutan los legados del Stoner prescindiendo de voces, pero no todas son capaces de transmitir como lo hacen los belgas. Un groovy pesado y polvoriento va creando una atmósfera difusa con un fuerte carácter seductor con el que consiguen enchanchar con el oyente. Incorporando algunos elementos post-metal, su psicodelia pesada adquiere tonos siderales en un viaje sin final a los confines del universo. El silencio de este espacio intergaláctico se conjuga con vibraciones de puro desert-rock en un ejercicio compositivo bien elaborado que, sin caer en lo anodino, hace que sus canciones tengan los suficientes alicientes para que el oyente se siente partícipe de su narrativa. Un álbum psicotrópico con muchos ritmos pesados que por momentos coquetean con el doom y el metal sin perder su carácter narcótico. Con la conjunción del crujiente sonido de su bajo y los majestuosos tambores junto a los finos desarrollos de guitarra, consiguen el equilibrio en cada canción. Aportando siempre una salida que nos separa del camino, los temas ondulan ofreciendo momentos de cruda pesadez, en contraste con otros en los que los mágicos entornos psicodélicos aparecen para extasiar nuestros sentidos. Esta dualidad hace que el álbum sea atractivo tanto para los fieles de las vibraciones mas pesadas como para los amantes de la psicodelia más exótica. Estamos ante uno de los álbumes más interesantes de stoner instrumental y psicodelia pesada de lo que llevamos de año, un album que corrobora la calidad que atesoran ATOMIC VULTURE.

ATOMIC VULTURE son:  Pascal David (guitarra), Kris Hoornaert (bajo) y Jens Van Hollebeke (batería).

‘MOVING TROUGH SILENCE’ está disponible vía Polderrecords.

El álbum arranca con los chamánicos acordes de ‘Eclipse’. Un tema que parte de una atmósfera heavy-psych para explorar los confines del stoner instrumental. En esa dualidad el tema golpea con gruesos riffs entre desarrollos de guitarra que nos trasladan a una dimensión sensorial fuera de lo terrenal. Entre arrancadas de fuerza el tema eclosiona con toda su crudeza entre efectos psicotrópicos y hordas de fuzz intoxicante. Con constante giros el bajo cruje majestuoso mientras la base del corte se inspira en elementos exóticos en una combinación verdaderamente atractiva.

Mucho más rugoso, ‘Mashika deathride’ muestra al trio con todo su potencial intacto. Pesados riffs ondulan entre ritmos contundentes reflejando la faceta más plomiza de la banda.  En un escenario nítidamente stoner, los desarrollos avanzan con fuerza entre solos de guitarra que vuelven a aportar el lado más lisérgico de la banda. En tonos coloristas el tema nos arrolla con su descarga de fuzz y sus poderosos tambores. Repitiendo la estructura compositiva con parones y giros en la trama el tema explora insondables espacios de psicodelia pesada arropado por un cadente bajo lleno de magnetismo. Con alguna incursión en oscuros entornos la canción ofrece un lado luminoso que no nos hace caer en lo depresivo, sino todo lo contrario.

Con riffs de vocación retro, ‘Coaxium’ transita por áridos espacios stoner ortodoxos. Con una cierta inclinación doom, el corte va evolucionando a entornos psicodélicos, una constante que encontramos en la mayoría de las canciones del álbum. Combinando sonidos graves con afilados solos consiguen crear otro tema impactante con mucho gancho. Todo un castigador de cuellos que rápidamente contagia toda su energía.

‘Cosmic dance’ sirve de reposo para el guerrero tras la batalla de corte anterior. Los espacios mágicos se abren ante nosotros en un tema que transmite un cierto misterio, pero que nos invita a una exploración psicodélica mucho más sosegada. Sin renunciar a sus poderosos tambores, el tema incursiona en la frontera de la psicodelia con el mundo post-rock. Envuelto en un extasíate brebaje sonoro el tema no duda en flirtear con desarrollos más elaborados que incluso rozan lo progresivo. Un corte lleno de épica que eleva la intensidad con pasajes verdaderamente mágicos.

‘Intergalactic takeoff’ se desarrolla en un ambiente desértico. Ritmo trepidante y una imponente descarga de fuzz construyen un tema fornido que golpea por la senda del desert-rock más ortodoxo. Pesado, pero a la vez con la suficiente capacidad para seducir al oyente con sus giros y cambios de ritmo para llevarnos a una atmósfera lisérgica en la que los ásperos riffs golpean duro.

ATOMIC VULTURE saben con construir temas sólidos y atrayentes. ‘Spining the titans’ con guiños de metal, se desboca en un torrente de riffs que se repiten entre su sólida base rítmica. En un escenario tórrido el tema parece avanzar a trompicones, pero en su deambular se inclina a un entorno más propio del post-metal, algo que suele ser habitual en sus composiciones. Dejando siempre momentos para llevarnos de ‘viaje’ el tema muta su sonido para describir paisajes de ensueño con cierto exotismo. Sus difusos sonidos se cristalizan con los solos de guitarra para mostrar un sonido más nítido y cristalino sin terminar de abandonar los dictados del metal. Los nueve minutos del tema, permite al trio explorar distintos escenarios sonoros, y en todos se percibe la solvencia de la banda para construir canciones que fácilmente enganchan al oyente a su narrativa.

Inmersos en atmósferas heavy-psych ‘Space rat’ ondula entre desarrollos de guitarra floridos y una instrumentación turbia y pesada. Esa combinación es uno de los principales alicientes del tema y por ende, del resto del álbum. Con una tormenta arenosa la canción intensifica su ritmo convirtiéndose en todo un monstruo del desierto. Poderosa, narcótica y llena de ritmo, consiguen conjugar sus dos vocaciones, el Stoner y la psicodelia. La gruesa y crujiente línea de bajo aparece aquí mucho más nítida, mientras la guitarra se deja llevar por solos ácidos de gran atractivo. Todo un frenesí que nos deja extasiados.

Para cerrar el álbum, los belgas eligen los sonidos atmosféricos de ‘Astral dream’. Partiendo de una ambientación casi espacial, el polvo cósmico gravita flotante entre efectos para crear ese decorado perfecto para su propuesta sonora. Con sus doce minutos, la canción supone una oportunidad para desarrollar todo su potencial. Sin prisa para ir dando forma al tema, los juegos armónicos van invitando al denso bajo a unirse a esta fiesta lisérgica. Con una cadencia casi doom y ornamentos pseudo-espaciales la canción se va ensamblando, reflejando el buen hacer de ATOMIC VULTURE con estas resonancias heavy-psych. El rugoso sonido y los impactantes ritmos van sacando el tema de la maleza psicotrópica para llevarlo a un entorno más arenoso. Con un carácter hipnótico la dualidad sónica del tema hace que cada armonía resulte placentera el oyente. Prescindiendo de los golpes de metal, aquí la banda su sumerge definitivamente en las narcóticas aguas de la psicodelia pesada contemporánea. Y lo hace con un gran acierto, ya que el tema, a pesar de su larga duración no contiene ni un momento para el aburrimiento. Posiblemente, estemos ante el mejor tema de un gran álbum instrumental que logra salirse de los estándares y clichés del género.

ATOMIC VULTURE

Polderrecords

Reseña: YAATRA.- ‘Agonía de la Tierra’

La banda Argentina YAATRA tenía previsto dedicar el año 2020 a tocar, conocer gente y dar a conocer nuestra su en vivo, pero la pandemia y el confinamiento impidieron llevar a cabo su objetivo. Sin embargo, el hecho de estar distanciados tanto tiempo sin poder tocar, por suerte, no significó una barrera para seguir creando sino que, por el contrario, la situación funcionó de disparador creativo para abordar una nueva historia y un nuevo álbum.
De esta manera, su tercer álbum ‘AGONÍA DE LA TIERRA’, nace a partir de reflexiones y desafíos que representó la pandemia para la banda. Además, atraídos por la idea y el desafío de poder hacer algo a la distancia, cada uno en su casa. Por otro lado, la situación que hasta el año pasado se creía utópica, los acercó a un mundo que parecía estar reservado solo para la ciencia ficción y que se mezcló con la realidad rutinaria que tenían. Mil reflexiones e historias nacieron de pensar la pandemia, este álbum surge así. Se sabe que la cultura muchas veces está condicionada por factores externos (realidades sociales, cuestiones políticas, catástrofes, etc.). De la misma manera, ‘AGONÍA DE LA TIERRA’ no es más que un reflejo del 2020, desde el concepto del álbum, la historia que abordan, el trabajo gráfico, los colores, la forma de grabar hasta el audio del álbum, todo condicionado por lo mismo.

YAATRA nacidos en Buenos Aires, son un ejemplo más de la calidad de las numerosas bandas instrumentales nacidas en el cono Sur americano, especialmente en los aledaños de Los Andes, transmitiendo de alguna forma, la grandeza de su relativamente cercana presencia. Melódicos pero robustos, sus temas nos invitan a explorar un mundo natural bajo sus sutiles tonos grises. Con estos antecedentes, este nuevo álbum nos traslada a bellos paisajes sonoros en seis temas instrumentales que gravitan en un escenario psicodélico con momentos post-rock. Canciones hermosas y relajantes con gran fuerza interior. Heavy-psych de fácil digestión, que se moldea mostrando su lado mas amable y sugerente. En el álbum encontramos desarrollos progresivos que por momentos se inclinan a laderas post-metal. Sugerentes, sus temas fluyen con soltura ofreciendo al oyente agradables sensaciones, especialmente cuando en los temas que su sonido se vuelve más suave. En el álbum encontramos temas con un grueso sonido de bajo que reflejan su lado mas pesado y difuso, pero sobre todo fascinantes desarrollos de guitarra que nos invitan a explorar un particular mundo sensorial. Sus gratificantes pasajes instrumentales, a veces hipnóticos a veces balsámicos siempre nos aportan momentos llenos de belleza. Su forma de ver el post-rock, les hace ser una banda con personalidad propia, que a pesar de tocar un estilo en el que sus parámetros están bastante acotados, ellos consiguen romper las cadenas para ofrecer su propia propuesta sonora. Algo con lo que lograr transmitir múltiples y placenteras sensaciones al oyente.

Enfocados desde su nacimiento en el rock instrumental, influenciado principalmente por la ciencia ficción y estilos como el Post-Rock/Metal, Stoner y Rock progresivo. La idea principal era hacer algo original, que se adapte a la nueva realidad del distanciamiento social y que además contenga el concepto que intenta transmitir la canción.

El proyecto ve la luz en 2016 con la idea de crear piezas instrumentales que acompañen la narración de una historia por medio de imágenes. De esta manera, cada álbum es una aventura diferente en la cual cada canción es un capítulo de la misma. Tanto la música como el trabajo gráfico poseen la misma importancia en todas sus obras, alimentando su imaginación y creando un universo personal para la audiencia.

El álbum fue pensado, compuesto y grabado por la propia banda, cada uno desde su casa y con las herramientas que estaban a su alcance. La mezcla y el master estuvieron a cargo Martin Gandulfo en Estudio Paraíso (Buenos Aires, Argentina), y el trabajo gráfico lo realizó Lucas Puch de Push. Graphic Studio.

YATRAA cuenta en su haber con dos álbumes y dos sencillos. En 2018 lanzamos ‘Astrofuneral, un EP que fue grabado, mezclado y masterizado en Estudio Paraíso. Un año después, dieron a conocer ‘Arkhan‘, desarrollado en Estudio El Pie. Ambos discos fueron editados de manera independiente en formato CD con todo su trabajo gráfico. A finales de 2019 enfocaron su creatividad a la grabación de dos sencillos (‘Cuenca Aitken‘ y ‘Umbra‘), que lanzaron s durante 2020.


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