DenpaFuzz

RECOMENDACIONES DE LA SEMANA (WEEKLY RECOMENDATIONS)

ÁLBUM DE LA SEMANA:

VVLVA.- «SILHOUETTES» (Alemania) heavy-progressive, hard-rock, retro-rock, progressive

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DIRTY SOUND MAGNET.- «TRANSGENIC» (Suiza) psychedelic-rock, 60’s, 70’s, alternative, vintage, rock

BLACK MASTIFF.- «LOSER DELUSIONS» (US) stoner-rock, psychedelic-rock, rock, blues-rock, grunge

THE GRAND MAL.- «THE GRAND MAL» (UK) hard-rock, fuzz, stoner, hard & heavy, blues-rock, 70’s, 80’s

DUCHESS AND THE DEADBIRDS.- «RADIO LOW» (US) psychedelic-rock, west-coast, psychedelic-pop, garage, folk

ZOAHR.- «OFF AXIS» (Alemania) heavy-psych, desert-rock, fuzz, heavy-blues, hard-rock,

CAUSTIC CASANOVA.- «GOD HOW I ENVY THE DEAF» (US) psychedelic-rock, rock, proto-punk, fuzz, stoner, alternative

GROTTO.- «LANTERN OF GIUS» (Bélgica) psychedelic-rock, progressive, stoner, heavy-psych

CAPTAIN CHEESEBEARD.- «DEADWOOD EP» (Belgica) progressive-rock,

TÖRZS.- «TÜKOR» (Hungría) post-rock, shoegaze, instrumental, experimental

JOHNNY IN THE GRAVE.- «JOHNNY IN THE GRAVE» (US) raw-rock, punk-rock, stoner, alternative, grunge

SEVEN THATS SPELL.- «THE TRILOGY LIVE AT ROADBURN» 2019 (Croacia) progressive, kraut-rock, jam, space-rock

HOT BREATH.- «HOT BREATH» (Suecia) hard-rock, hard & heavy,

HOLY SERPENT.– «ENDLESS» (Australia) heavy-psych, doom, psychedelic-rock, stoner

DEAD SUN RISING.- «HALLOWED EP» (US) shoegaze, post-metal, doom

BLACKWATER HOLYLIGHT.- «VEILS OF WINTER» (US) hard-rock, doom , alternative

LAMORTE / FÖSS.- «SPLIT» (España) experimental, post-metal, sludge, doom

BANANA MAYOR.- «PRIMARY COLOURS PT. II:THE BLUE (Italia) stoner, post-rock, progressive

CRIPTODONTE.- «REALIDAD CONTAMINADA» (Argentina) stoner, doom, metal, psychedelic-rock, sludge

HERÁLDICA DE MANDRAKE.- «ESTO TAMBIÉN PASARÁ» (Chile) psychedelic-rock, doom, metal

SIX STEPS ABOVE THE EARTH.- «STEP 5» (Grecia) drone, doom, instrumental, psychedelic

COSMOS.- «SEE THE WORLD» (Australia) psychedelic-rock, fuzz, blues-rock, heavy-psych, rock

COOLING TOWER– «COOLING TOWER» (Australia) fuzz, alternative, psychedelic-rock, stoner

Reseña.- DIRTY SOUND MAGNET «Transgenic»

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El trío suizo DIRTY SOUND MAGNET publica su tercer trabajo «TRANSGENIC», demostrando que la banda sigue evolucionando desde unos inicios en los que el blues estaba mucho presente. Con su segundo álbum incidían en escenarios psicodélicos que culminan en este álbum abriendo más sus horizontes y rescatando sonidos de los últimos 50 años con una mirada particular y personal. El álbum presenta una visión inquietante del presente y del futuro cercano, con el significado de las redes sociales y temas ecológicos cada vez más alarmantes que dan forma a una distopía Orwelliana. Hace tan solo unas semanas el trío estuvo de tour por España culminando en el Festival Tabernas Desert-rock Fest donde comprobamos el gran potencial que poseen, siendo una de las bandas que mas sorprendió al personal por su capacidad para conjugar distintos estilos e influencias con un sonido masivo y monumental en el que a su vez reflejaban la frescura que tiene su música. Con indudables momentos de neo-.psicodelica consiguen no encasillarse y ofrecer temas modernos llenos de atrevimiento. DIRTY SOUND MAGNET no necesitan alargar sus temas para conseguir su objetivo, elaborando canciones cortas y directas a excepción de los casi nueve minutos de «Skull Drawing Rose». Resulta curioso la versatilidad de ses sonidos a pesar de no haberse usado sintetizadores en la ejecución de los temas, obteniendo un resultado brillante.

«Organic sacrifice» surge con desvergüenza con pegadizos ritmos y estribillos en tonos inspirados en la psicodelia de los sesenta, pero con la suficiente capacidad como arrastraste en sus surcos con un hipnotismo innato. Un corte directo y resolutivo con constantes parones que no le hacen perder el ritmo y unos coros melodiosos y dulces sin caer en lo empalagoso.

Los registros vocales marcan un trabajo que pudiera parecer noño pero que son utilizadas con precisión no cayendo en esos estados. Así, «USA, LSD, BNB, HIV» incide en es fórmula con momentos más lisérgicos. Un estado entre la neo-psicodelia, lo kraut e incluso algún momento indie que rescata momentos más pop pero manteniendo una riqueza instrumental superlativa. Modernos sonidos que no reniegan del legado de décadas pasadas. Un reflejo de la sociedad actual es la base sobre la que se construyen el corte. Es probable que si lo analizamos en profundidad, podemos encortar en forma de flashes momentos de distintos momentos de las últimas décadas.

Mas exóticos y con tonos casi indie, «Rigid soul» se sustenta en sonidos más propios de los noventa para evolucionar ampuloso por territorios semi-progresivos. Siempre desde una mirada contemporánea. Dejando de lado el vigor y el dinamismo la calma preside otro tema que usa elementos electrónicos en una efectiva combinación de lo analógico con la tecnología moderna. Tal y como pudimos comprobar hace unas semanas en su directo, la capacidad para crear sonidos de sus tres instrumentos es digna de elogio. Mil matices que hace que cada tema te sorprenda con cada acorde y cada giro. Éste podría ser un nuevo ejemplo, dejando más protagonismo a la base rítmica que al sonido de la guitarra.

«Skull Drawing Rose», el tema más largo del álbum se instala en el rock clásico. Siempre con esos parones y giros y los constantes coros apacibles y melodiosos, la psicodelia, y el fuzz aparecen entre elementos progresivos y sinfónicos. Un relato que se viste de ropajes floydianos con un mayor protagonismo de la guitarra fielmente custodiada por sus escuderos en la base rítmica. Coros poppies entre complejas estructuras instrumentales que giran y giran en una avance que nunca nos deja claro hacia donde van a ir. Momentos vintage en un tema instalado en sonido setenteros en los que la guitarra de Stavros brilla en todo su esplendor. Si escarbamos en su interior podemos intuir momento mas propios de Yes, que contrastan con el sonido moderno de los temas precedentes. El tema quita los posibles complejos que el oyente haya tenido al escuchar los primeros cortes del álbum.

En esta evolución de sonidos, «Social media girl» nos devuelve al sonido de su anterior álbum «WESTERN LIES», con tonos exóticos de psicodelia apacible. Aires orientales que le aportan frescura a otro luminoso tema con letras sobre el demoníaco poder de las redes sociales en el que no faltan buenos solos de guitarra sobre una cadente pero incisiva base rítmica.

Con poco mas de medio minuto «Transgenic» es un interludio sinfónico que nos adentra en otro tema de corte kraut como es «Social media boy». La electrónica aparece nuevamente en una fusión con lo vintage. Una lucha constante entre lo antiguo y lo nuevo. Sus coros pegadizos y alegres hace que el tema sea toda un fiesta en la que no falta a su cita los tonos psych.

El lado más apacible y psicodélico lo encontramos en «Hashtag love». Un oscuro y enigmático caleidoscopio con reminiscencias de la psicodelia más profunda y underground de finales de los sesenta con tenues momentos en los que agudos y penetrantes pasajes de guitarra nos llevan a una magnética dimensión mas allá de la razón.

Una nueva cara de la banda aparece en «The Death of Beauty», en la que los sonidos acústicos se mantienen el el otro lado del espejo. Sinfónicos y casi espaciales pasajes describen un nuevo mundo hasta diluirse.

DIRTY SOUND MAGNET lo componen Stavros Dzodzos (guitarra y voz) Maxime Cosandey (batería y coros) y Marco Mottolini (bajo y coros). «TRANSGENIC» fue grabado en Eko Studio, mezclado por Leopold Schwaller, Stéphane Chapelle y Marco Mottolini , siendo publicado por Hummus Records.

https://www.facebook.com/dirtysoundmagnet/

Reseña.- VVLVA.- «Silhouettes»

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«PATH OF VIRTUE», el álbum debut de los alemanes VVLVA fue el primer álbum reseñado en DenpaFuzz, por lo que esta nueva entrega tiene algo de especial. «SILHOUETTES» ve la luz vía Word In Sound y continua el camino iniciado por la senda del heavy progresivo que tanta gloria dio a bandas como Uriah Heep o Atomic Rooster, marcado por un sonido de órgano en línea John Lord o Vincent Crane, pero en esta ocasión con un sonido que inevitablemente recuerda a Wishbone Ash. Melodiosos y sinfónicos VVLVA crean ensoñadores pasajes (con momentos Camel en el horizonte) llenos de belleza bajo el intenso y arrebatador sonido de órgano y una guitarra seductora que sin estridencias consigue atrapar al oyente con sutileza. Los tonos retro vivaces son una constante en un trabajo que bien pudiera haberse construido en los gloriosos setenta. La melancolía y los tonos ocres se llenan de luz con estructuras ampulosas y fornidas. Ondulando en cada tema consiguen un sonido familiar pero a la vez particular. Una banda sonora de cuentos de hadas y relatos fantásticos en los que la oscuridad y la nostalgia nos trasladan a otras épocas.

«Cosmic pilgrim» parte de dictados retro-rock al uso con el protagonismo de la dualidad entre un órgano penetrante y el elegante sonido de la guitarra. Buenas melodías y coros que se elevan en constantes ondulaciones rítmicas creando un triangulo amoroso entre las voces y coros, la guitarra y el órgano. Medios tiempos que se recuestan en laderas psico-progresivas sin perder la vivacidad y el dinamismo.

Un hipnótico y pastoral órgano describiendo atmósferas sombría nos introduce a «What do i stand for». Ecos Purple junto a armonías mas propias de Wishbone Ash obtienen un sonido característico de las islas británicas. Un tempo vivaz sobre melodías vocales en constante evolución y una estructura que se repite nos trasladan a cuatro décadas atrás en un rescato del rock sinfónico mas pesado.

El órgano en vena John Lord y los celestiales coros dotan de un aura litúrgica a «Tales told by a gray man». Finas y elegantes guitarras colorean un tema que en su melodía se acerca momentos del sonido Canterbury. Sin perder la vocación retro-rock rescatan espacios mas propios de Caravan. Acarameladas melodías y una compleja e penetrante instrumentación va torneándose hasta llegar a atmósferas más propias del medievo. Una extraña pero efectiva combinación en la que pasajes arábigos se entrecruzan con espacios Sabbath en su faceta más amable y asequible. La brillantez de la guitarra no falta a su cita para lucirse majestuosa entre los firmes cimientos del omnipresente órgano.

Con la particular del uso del alemán en las voces, «Gomorrha» crea un extraño espacio sonoro. Un tema oscuro con Purple nuevamente en el horizonte, y las dulcificadas voces herederas de Ash. Momentos blues, progresivo, y hard unidos en una causa común que acba decantandose por un sinfonismo placentero y calmado.

Con unos bellos acordes «Night by nigh» nos seduce en esta ocasión por territorios pisados hace décadas por Jethro Tull. Bajo la atenta mirada del órgano pastoral y la constante nostalgia de las armonías, el tema se eleva en una extraña pero atrayente mezcla sonora a caballo entre Atomic Rooster, Tull y Wishbone Ash. Si, ya sé que la referencia a la banda de Ted Turner es constante, pero cualquier amante de los sonidos sinfónicos de los setenta lo reconocerá. Aquí la guitarra adquiere su mayor protagonismo elevándose a los altares con fuerza y contundencia.

Es posible que cada oyente encuentra nuevas influencias en cada uno de los temas que contienen «SILHOUETTES» y «Hobos» vuelve a ofrecernos nuevos horizontes de comparación. Una comparación que uso únicamente de modo de referencia, sin tratar de juzgar. Se trata de un corte que continúa por la senda hard-progresiva, pero que incorpora momentos en los que, al margen de las características voces y del sonido del penetrante órgano puede diferenciarse por algún solo en el que Santana o el mismísimo Hendrix hacen acto de presencia de forma sutil y oculta.

En el tema que cierra el álbum, «Dance of the heathems» la épica oscura de cuentos fantástico se ve reflejada. Líneas progresivas con pasajes sinfónicos cuya belleza no ofrece dudas y guitarras dulces y profundas completan un relato de cuentos del pasado. Si hasta ahora he nombrado múltiples bandas del pasado en las que los alemanes pueden estar inspiradas, también se podría decir que la senda del álbum no se aleja de la propuesta que los suecos Hällas viene practicando. Sus ocho minutos dan para la sinfonía y para dinámicos espacios en los que los riffs retro y una endiablada batería toman el protagonismo. Posiblemente el tema mas destacado de un álbum que manteniendo una misma vocación está lleno de matices y calidad.

Disco absolutamente recomendable para los amante del hard-rock progresivo de los setenta y que cuenta con una portada apocalíptica que hace honor a su contenido. ¡¡Sublime!!

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Reseña.- STEW «People»

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Ampliamente alabados con su Ep «HOT», publicado en junio del pasado año, el trío sueco STEW nos presenta «PEOPLE», su puesta de largo con el aval del prestigioso sello Ripple Music. No podía de ser de otra manera y los mimbres que contenía «HOT» eran de absoluta calidad como demuestra el sólido cesto que supone este debut. Fuertemente influenciados por el blues-rock y al hard rock setentero (como buenos suecos), la joven banda construye once temas directos, sin artificios, que recuperan los momentos mas brillantes de la década de los años setenta. Irreverentes y sin complejos ejecutan los temas como si fueran unos veteranos. Fogosos y amantes del rock clásico construyen un trabajo sin rendijas, un álbum completo que recupera la esencia del mejor blues-rock hecho en los setenta. Influenciados por bandas como Led Zeppelin, Bad Company o los primeros Whitesnake, se visten claramente de Free cuando se sumergen en temas de puro heavy-blues. Una garra vocal que acompaña a una base rítmica inquebrantable que se ve enriquecida por unas guitarras ácidas que harían palidecer a algún músico con renombre. Toda una bofetada en la cara para aquellos que siguen manteniendo que ya no se hace música como antes, STEW les quitan la razón. El álbum fue grabado en vivo en el estudio Oktober Karlskoga en nueve días con el ingeniero Jonas Ljungkvist. lo que le da un toque de autenticidad y crudeza. Si, ya sabemos que Suecia es una fuente inagotable de bandas retro-rock, pero cuando te encuentras algo así, solo hay que pararse y disfrutar, sin complejos. Lo suficientemente versátiles para tocar todos los subgéneros, desde el boogie-rock, el blues-rock más ortodoxo el hard o incluso el rock sureño, siempre desde una mirada contemporánea en la que no falta algún guiño stoner. El resultado final del luminoso «PEOPLE», es mas, el que podría hacer una banda veterana que el de un debut, lo que le da un mayor mérito al gran gran trabajo hecho por estos jóvenes músicos.

El álbum se abre con una «Intro» de medio minuto con extraños efectos, para arremeter inmediatamente con en «Right on time» con riffs que irremediablemente hacen que Zeppelin venga a nuestra cabeza. Una cadencia retro y una voz áspera con unas cuerdas vocales paridas por el blues hacen que el tema fluya con naturalidad y efectividad.

«People», avanza cadenciosos y potente sobre riffs retro-rock. Uno de esos temas con olor a whisky que vive del blues de garito de carretera. Ondulando en su estructura sirve de desarrollo para efectivos riffs hirientes y penetrantes que se sustentan en la poderosa batería de Nicklas Dahlgren. Si bien el tema nace de los sonidos blues-rock de los setenta mantiene una esencia actual, especialmente en esa base rítmica.

Instalados en el blues-rock mas rocoso, «Newborn» se balancea entre voces que serpentean entre el David Coverdale de los comienzos de Whitesnake y el Paul Rodgers mas desgarrado de Free. Una constante que se repite en muchos de los temas.

Sobre tonos sureños de indudable vocación zeppeliniana y momentos Bad Company, «Endless journey» parte del hard-rock clásico para descender a espacios mas grises y calmados. sus potentes y pegadizos riffs y la garra vocal tiran del tema hacia arriba. Un ir y venir entre la fuerza y el sosiego. La luminosidad que se nubla por momentos para recuperar soleados momentos con aires sureños con constantes cambios de intensidad en su desarrollo.

Directos a la yugular van los suecos en «Play the fool». Vigorosos y descargando adrenalina, no se olvidan de mantener las melodías mientras la guitarra de Nicklas Jansson juega aquí un papel estelar. Nuevamente hard y boogie-rock con aroma stoner retro, manteniendo el groovy. Un corte que contagia buenas vibraciones y activa las articulaciones. por otro lado se vislumbra algún momento Purple en la manera de combinar los registros vocales. Como casi siempre el blues esta presente, aunque en esta ocasión de una manera más oculta.

El blues más ácido del álbum aparece en «Goddess», en el que suaves melodías luchan por el protagonismo con solos psych en los que el wah-wah va construyendo un relato lisergicos entre una linea de bajo realmente poderosa. Seguramente el gran trabajo de Markus Åsland a las cuatro cuerdas tenga su origen en menores momentos vocales que puedan distraer todo su potencial. El corte acaba convirtiéndose en una jam que hace destacar el tema sobre el resto en cuanto a la capacidad técnica del trío.

La herencia Free vuelve a dar señales de vida en «Afraid gettin nowhere». un tema de pantalones de campa que transmite sentimientos profundo. Por la senda del blues mas ortodoxo, la fuerza de las cuerdas vocales de Markus quedan de manifiesto en su faceta mas sensual, otro de los temas destacados de «PEOPLE».

La fiesta y los ritmos contagiosas regresan con «Sweet and true». instalados en el medio oeste, el boogie-blues mas pegadizo fluye luminoso con un fantástico tempo rítmico que invitan a un armoniosa danza. Una batería en línea Bonham, guitarras que se desdoblan en solos hirientes y afilados. y la desgarrada voz acaban construyendo un sólido tema que mantiene el alto nivel de calidad presente en todo el álbum.

Menos salvajes y algo mas contenidos, «Fruits» deja paso a la melodía por encima de la fuerza salvaje. Aún así, estos chicos saben como hacen retro rock sin que sus temas resulten anodinos. Aquí una estructura sencilla se colorea de guitarra más lisérgicas que juegan constantemente con el blues. Acostumbrados en los últimos tiempos a discos oscuros, «PEOPLE» esta instala en una luminosidad calurosa y borboteante como demuestra este corte.

Mucho mas seductores y tonos de balada campestre, los acordes acústicos de «Morning again», y sus melodías campestres son un soplo de aire fresco con cantos de aves en un segundo plano mientras la guitarra sosiega toda la fuerza y rabia que derrochan en el resto de los temas. Un claro ejemplo de que lo de STEW no es casualidad y que la banda tiene mimbres para asentarse en la escena como una formación sólida y solvente.

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Crónica.- EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO (Sala Moby Dick-Madrid)

Habiendo colgado el cartel de sold-out unos días los salmantinos EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO rendían visita a Madrid para presentar las atmósferas que dan vida a su último disco «-I T-«, en el marco de su “IT TOUR PART I”. Mucha era la expectación por ver en directo a una de las bandas mas queridas dentro del panorama post-rock y post-metal nacional. Así lo atestiguaba la gran fila de personas que se encontraban en la puerta de la sala Moby Dick una hora antes del comienzo de su show.

Un cartel a la entrada pidiendo silencio durante el desarrollo de la homilía, daba cuanta del carácter de unos músicos que llevan su vocación litúrgica hasta el extremo cuidando todos los detalles. En el interior el personal tomaba posiciones cerca del escenario para no perderse ni un detalle de la misa que minutos después iba a tener lugar. La expectación que levantan quedaba patente con el puesto de merchan completamente rodeado por el personal que quería hacerse con alguno de sus discos o camisetas. De hecho, el concierto empezó con un cierto retraso ya que los miembros de la banda estaban en dicho stand atendiendo los requerimientos de sus fieles, y los tiempos no están como para desperdiciar la ocasión.

Con un escenario en penumbra y sonando una introducción clásica para poner en ambiente al personal, el cuarteto subía al escenario ataviados con sus particulares indumentarias. En esos momentos un silencio sepulcral se adueñaba de la sala. Cruces, flores y demás ornamentos ponían el toque ambiental a una liturgia esperada por todos.

Bajo unos focos entre azul y blanco las siluetas del cuarteto aparecía entre los acordes de sus instrumentos. De blanco impoluto sus túnicas y su caperuzas cubrían todo su cuerpo. En la batería la nota discordante con una capucha negra que luego desaparecería. La homilía había comenzado y multitud de teléfonos móviles registraban cada pose cada momento. Con interludios entre los temas las manos unidas en posición de oración daban paso a una contundencia sonora al alcance de pocos. Con un set-list en el que no solo se ciñeron a su último trabajo cuyos temas, resulta imposible recordar sus largos nombres, abrían con «Amenra».

El sonido era poderoso e impoluto, y los juegos de luces hacían justicia al relato que tratan de ofrecer en sus conciertos. Combinando a la perfección la sutileza de sus bellos pasajes de guitarra en los desarrollos de post-rock mas al uso, con la contundencia de su innata vocación doom. Una perfecta fusión de elementos que saben manejar con gran maestría. Aquello sonaba compacto y poderoso, pero a la vez frágil y celestial, lo cual es una prueba de que el objetivo pretendido era conseguido para delicia de los presentes. Los momentos de rezo eran combinados con la fuerza de unos pesados riffs, con sus instrumentos elevándose hacia los cielos constantemente y como si quisieran obtener la redención. Momentos de meditación que contrastaban con otros de furia desatada que hacía que las cabezas del personal oscilaran poniendo a prueba las cervicales.

La mayoría de los presentes son fieles de la fe de El ALTAR DEL HOLOCAUSTO, pero tal y como se iba desarrollando el concierto, el cuarteto consiguió evangelizar para su causa a todos aquellos que no habían visto todavía la luz. Con varios momentos estelares durante su show, como cuando su batería levitaba con sus brazos en cruz para mantenerse en lo alto de la batería mientras sus compañeros permanecían inmóviles y se hacía el silencio. Instantes de redención y liberación con oscuros pasajes doom que se sucedían entre frágiles y bellos acordes post-rock. una constante que se repite, pero que ejecutada de esta manera adquiere una cotas épicas.

Si hay algo que musicalmente tienen los salmantinos es la facilidad para no parecer una banda más de post-rock (evidentemente la puesta en escena es de las mas atrayentes y originales del panorama, habiéndose convertido una seña de identidad a prueba de cualquier duda). Un género que demasiadas veces utiliza las mismas fórmulas y los mismos esquemas, pero que tal como demostraron el pasado viernes, ellos saben darle color y versatilidad. El público seguía los dictados de la banda guardando un respetuoso silencio en los momentos mas espirituales, para desatar toda su furia cuando la bestia despertaba.

Los comentarios del personal eran unánimes, y aquello de «son la bomba» o ¿joder como suenan se repetían en cualquier lugar de una sala cuya temperatura, tanto ambiental como emocionan había adquirido una elevada temperatura.

Tras una hora de show se retiraban al camerino después de haber interpretado «El Que Es Bueno, Es Libre Aún Cuando Sea Esclavo; El Que Es Malo, Es Esclavo Aunque Sea Rey» uno de sus temas mas exitosos y con el que cerraron su maravillosa actuación dejando caras de felicidad entre los presentes como sus bellas melodías y sus poderosos riffs. Pero nadie se movía de allí, y reclamaban más redención Poco tardaron en regresar al escenario sin que nadie hubiera abandonado la sala, para ofrecer «Ego Sum Via Veritas Et Vita», uno de los temas de su primer álbum y con el que todo comenzó.

Finalmente todos salimos de allí con nuestra alma purificada y redimidos nuestros pecados ante la gran actuación que acabábamos de contemplar. Un éxito rotundo que gratificó a unos músicos que sentían el reconocimiento del público a su buen hacer.

Todas las fotos aquí:

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