Tras quince años arrinconadas en algún rincón, Heavy Psych Sounds, rescata unas grabaciones inéditas de los japoneses SONIC FLOWER (banda formada por el bajista de CHURCH OF MISERY, Tatsu Mikami) efectuadas en las sesiones de grabación de su álbum homónimo de 2005. Tras salir del estudio la banda se separó y las grabaciones quedaron olvidadas hasta ahora que ven la luz en el sello italiano. Siempre es agradable encontrar material inédito de una banda querida por el público, y en esta ocasión estamos ante temas que parecen ejecutados por puro divertimento, lo cual es un aliciente por frescura en su composición y ejecución. Como dignos herederos de los pioneros de la psicodelia ácida japonesa como Shinki Chen o Kuni Kawachi, nos ofrecen una mezcla ácida de blues, hard, psicodelia y ritmos funk. No en vano, ‘RIDES AGAIN’ contiene dos versiones de THE METERS y GRAHAM CENTRAL STATION, dos bandas que sabían combinar la psicodelia con atractivos ritmos funk, y que aquí, esos temas adquieren una dimensión mucho más pesada. Imagina a Earthless en un viaje a los crudos sonidos del blues ácido de los setenta en busca de los pioneros de la psicodelia pesada. Boogie, rock and roll e incluso momentos doom conviven en esta bacanal psicotrópica de proporcionales descomunales. Con temas directos a pesar de que parecen más bien una jam en lugar de canciones al uso, su duración no supera los cuatro minutos, lo que hace que vayan al grano sin dejarse llevar por largos desarrollos. Desde la atronadora batería, hasta la dupla de guitarra hirientes, cada tema se construye desde un riff que se repite y que sirve como punto de parte para sus veleidades psicotrópicas. Si algo tiene los músicos japoneses es una técnica envidiable, y si ha eso unimos el carácter loco de estos chicos, la tormenta perfecta está servida. Con solo escuchar ‘RIDES AGAIN’ te das cuenta de que los japoneses se divierten con lo que hacen, lo que al final redunda en un regalo para el oyente, haciéndonos partícipes de su fiesta psicotrópica.
SONIC FLOWER se formó como un proyecto paralelo de CHURCH OF MISERY en 2001. Tatsu Mikami (bajo) y el ex guitarrista de Church, Takenori Hoshi, se unieron para tocar un rock pesado instrumental de sabor más blues y menos doomy. Fueron influenciados por famosos actos de heavy rock de los 70 como Cactus, Grand Funk Railroad, Groundhogs o Savoy Brown. A ellos se unieron rápidamente el guitarrista Arisa y el bateria Keisuke Fukaw. En 2003, lanzaron su álbum debut homónimo de blues rock pesado ‘SONIC FLOWER’ en el sello japonés Leafhound Records. Este disco instrumental e improvisado con doble guitarra fue aclamado internacionalmente, y tuvieron la oportunidad de apoyar a Electric Wizard, Bluebird (proyecto paralelo de Amen) o Acid King en sus shows en Japón. En 2018, Tatsu decidió volver a formar la banda, ya tiene toneladas de canciones nuevas. Esta vez se asoció con el viejo cantante de Church y su viejo amigo. SONIC FLOWER son: Tatsu Mikami – Bajo Kazuhiro Asaeda – Voz y guitarra Takenori Hoshi – Guitarra Toshiaki Umemura – Batería
‘Super witch’ es toda una espiral psicotrópica entre poderosos tambores. Con una bacanal de solos de guitarra rezumando acidez en tema se soporta en una inquebrantable base rítmica. Hipnótico y repetivo ritmo que arrolla al oyente con toda su fuerza. Sobre él la esencia heavy.psych de la banda y notas de blues lisérgico se suceden sin descanso. El tema suena crudo, y la grabación seguramente podría ser mejorable, pero tiene una fuerza arrolladora que compensa las pequeñas carencias que puede tener la producción. La mezcla de su turbio sonido, con la acidez que aflora de la guitarra consigue una combinación de lo más atractiva e impactante.
Con un sonido nítidamente 70’s ‘Black sheep’ juega con el blues y el hard rock más primitivo. Con estos chocos todo suena salvaje y crudo, algo que queda patente nuevamente aquí. Construyendo la canción sobre un riff, los japoneses la adornan estirándolo y encogiéndolo entre tonos retro. Con un fantástico groovy contagioso el tema nos impregna de psicodelia pesada entre sus tonos blues sin que podamos escapar de su diabólica espiral. ¡¡¡Ese riff!!!
‘Jungle Cruise’ se desboca entre tambores tribales y jolgorio para repetir una fórmula que funciona. Sus ritmos en línea Santana se conjugan con la pesadez de una excelsa línea de bajo y continuos solos asesinos de unas guitarras que pelean entre sí para ver cuál de ellas chilla más. Siempre manteniendo el lado lúdico, el tema ofrece momentos más pausados entre sonidos alucinógenos que acaban por extasiarnos. Con la vista puesta en sus ancestros psicodélicos de los 70’s la banda se deja llevar por un aquelarre ácido.
Con palpitantes vibraciones 70’s ‘Captain frost’ suena a hard ácido crudo y primitivo. Rescatando la esencia de los pioneros, nos embarcan en una nueva espiral sónica de proporciones descomunales en la que el blues impregna unos acordes que mutan y oscilan constantemente. Siempre manteniendo el nivel rítmico elevado, quizás sea uno de los temas más estructurados. Rock ácido en estado puro con ese punto de improvisación que aparece en cada una de las canciones.
Rememorando el legado de The Meters, dan la vuelta a su canción ‘Stay away’. Un tema Funky que mantiene el ritmo y su sonido vintage, pero que se convierte en una apisonadora en manos de los japoneses. Los tremendos tambores y el grueso bajo hacen que la canción se transforme sin terminar de perder su esencia. Más contenidos que en los temas anteriores, aquí la banda se divierte en este viaje al siglo pasado. Con un total protagonismo de la base rítmica, el tema no adolece de solos asesinos, si bien mucho más contenidos.
‘Quicksand planet’ es el ejemplo de: ‘Si algo funciona, ¿Por qué cambiarlo? Con esta premisa el tema sirve de entretenimiento a una banda que transmite un groovy contagioso. Queda patente que estos chicos se divierten tocando estas canciones libremente, y esas vibraciones llegan al oyente con suma facilidad. Acid blues, heavy-psych y tonos retro son un atractivo al que no se pude renunciar, y si se ejecuta con esta calidad, mucho más.
El pasado 15 de enero se publicaba vía Heavy Psych Sounds ‘LIKE NO TOMORROW’, el tercer álbum de los berlineses WEDGE. Para conocer todos los detalles de este nuevo álbum, hablamos con KIRYK DREWINSKY, su líder, guitarra y cantante. KIRYK nos cuenta todos los detalles tema a tema.
(Read the interview in english below)
(On January 15th, ‘LIKE NO TOMORROW‘, the third album by Berliners WEDGE, was released via Heavy Psych Sounds. To find out all the details of this new album, we spoke with KIRYK DREWINSKY, its leader, guitar and singer. KIRYK tells us all the details track by track).
ENTREVISTA EN ESPAÑOL:
DenpaFuzz: Desde que WEDGE lanzó su primer álbum en 2014, hasta este tercer álbum, han pasado casi 7 años hasta este nuevo álbum lanzado el pasado 15 de enero. ¿Sois una banda que se lo toma con calma?
Kiryk: No necesariamente. El lanzamiento se planeó originalmente para principios de 2020, pero a veces el destino (en este caso un pequeño virus) te juega una mala pasada. En general, la brecha bastante larga entre nuestro primer y último álbum también se explica por el hecho de que lanzamos nuestro debut bastante rápido. Ya lo habíamos grabado por completo antes de tocar un solo concierto o encontrar el nombre de una banda. Heavy Psych Sounds nos había dado la oportunidad de lanzarlo de inmediato, así que lo tomamos, calientes como estábamos (ni siquiera tuve tiempo para diseñar una portada «real», así que hice la portada de la foto simple, muy atípica para mi). Después del lanzamiento del primer álbum, tuvimos que ponernos al día con lo que las bandas hacen realmente antes del lanzamiento de un debut: ensayar un set completo en vivo y hacernos un nombre. Entonces, normalmente habríamos lanzado el primer álbum un año después y el nuevo, como dije, ya en 2020. Si lo miras de esa manera, la brecha entre el primer álbum y el último se reduce al menos 2 años… bueno, en teoría. Pero créeme, no podríamos tenerlo más rápido. Somos un ejército de 3 hombres y también bastante solitarios. Todo lo que hacemos, lo hacemos sin mucha ayuda del exterior. Así que a veces las cosas tardan un poco más. Solo para recaudar el dinero para la producción de un álbum adecuado toma bastante tiempo cuando solo somos tres.
‘Una banda siempre está en busca de su obra maestra‘
DenpaFuzz: Manteniendo vuestra esencia musical, da la sensación de que ‘LIKE NO TOMORROW’ es un álbum diferente, más pesado y aún más versátil. ¿Cómo definirías el contenido de este nuevo álbum?
Kiryk: Una de las palabras descriptivas que escucho a menudo en relación con el nuevo álbum es la palabra «maduro». Creo que hay algo en eso. Realmente hemos tocado mucho desde que empezamos y ahora sabemos bastante bien lo que estamos haciendo (o al menos mucho mejor que al principio). Creo que las canciones están mucho más pensadas y desarrolladas. Simplemente aprendes con cada producción. A menudo, los fans de una banda quieren que sus nuevos álbumes suenen exactamente como el primero, porque generalmente es el que hace que los fans se conviertan en fans. Puedo entender esto muy bien, pero también encuentro emocionante escuchar cuando una banda atraviesa un desarrollo. Por ejemplo, si bandas como Free nunca se hubieran separado del blues de su primer álbum, «Fire And Water» no se habría hecho. Lo mismo ocurre con muchas otras bandas y obras maestras de la historia del rock. Una banda siempre está en busca de su obra maestra. Así, cada disco es una etapa en el camino hacia allí, por así decirlo, y en este viaje hacia allí, el sonido debe cambiar (al menos parcialmente), o mejor aún, mejorar.
Dunajam
DenpaFuzz: También parece que los ecos del garage y el sonido vintage de los 60 tienen un poco menos de protagonismo en detrimento del rock más crudo. ¿Que tienes que decir sobre esto?
Kiryk: En general, nuestro estilo tiene sus raíces en el sonido de la época dorada del rock (aproximadamente entre 1965 y 1975). Esto es solo unos diez años, pero musical y estilísticamente hubo una explosión de diversidad musical. En ese momento, la división en géneros estrictamente definidos no era tan pronunciada como lo es hoy. Por supuesto, había categorías, pero la demarcación era más sobre la generación que sobre la orientación musical de las bandas. Por ejemplo, si observa grabaciones de festivales famosos del pasado o programas de televisión como Beat Club, etc., verá muchas bandas diferentes actuando frente a una audiencia joven y homogénea. Hoy en día es más bien al revés: la escena de la música rock está más mezclada generacionalmente, mientras que la orientación de las bandas es más estrecha. Ergo: festival de metal o festival de stoner contra festival de Woodstock. Esto también explica nuestro enfoque de la música. Nos vemos más en la tradición de las bandas del pasado y no tomamos los estilos musicales tan estrechamente. Simplemente tocamos lo que nos gusta. Sin embargo, de acuerdo con las convenciones de nuestro tiempo antes mencionadas, nuestro público es bastante heterogéneo, lo que nos gusta. Cuando se trata puramente del sonido de nuestras grabaciones, hay que tener en cuenta que nuestro primer álbum se grabó originalmente como una demo en nuestra sala de ensayo, mientras que los siguientes álbumes se produjeron en estudios adecuados.
DenpaFuzz: Una vez más, Heavy Psych Sounds es el sello responsable de la publicación de vuestro álbum. En los tiempos que vivimos relaciones duraderas con una misma discografía parece que no se prodiguen mucho. ¿Cómo valoras esta mutua fidelidad?
Kiryk:Creo que Heavy Psych Sounds ha crecido mucho en los últimos años sin tener que hacer concesiones. La etiqueta se ha mantenido auténtica durante todos estos años, lo que a veces no es tan fácil cuando eres ambicioso. Esto, por supuesto, fortalece aún más su posición. Su consistencia es un gran activo en estos tiempos volátiles y una característica de calidad de la que también nos beneficiamos como banda.
‘A menudo, los fans de una banda quieren que sus nuevos álbumes suenen exactamente como el primero, porque generalmente es el que hace que los fans se conviertan en fans‘.
DenpaFuzz: Al escuchar las canciones del disco, he percibido canciones en las que el sonido del órgano tiene un mayor protagonismo que en trabajos anteriores. ¿Has querido conseguir un sonido algo más progresivo o es una sensación mía?
Kiryk: Esto es algo que se ha desarrollado de forma natural. Nuestro sonido es simplemente lo que sucede cuando los 3 hacemos música juntos y siempre está compuesto por nuestras preferencias musicales individuales. Creo que puedes escuchar nuestras respectivas influencias bastante bien en el nuevo álbum. Los tres miembros de WEDGE amamos la misma música, pero en diferentes proporciones, que también fluctúan un poco con el tiempo. A nuestro bajista / organista David, le encanta escuchar jazz. Nuestro baterista Holg es más un progresista y un líder de hard rock temprano, mientras que yo (guitarra y voz) originalmente tengo un trasfondo más de garage y psicodélico. Pero, por supuesto, estas son imágenes muy toscas, ya que generalmente somos grandes amantes de la música y podemos encontrar algo que nos guste en cualquier estilo de música. En cualquier caso, es el amor común por la música rock lo que nos conecta a los tres. Es cierto que hay un poco más de órgano en el nuevo álbum que en los anteriores, pero no es tanto una decisión consciente, sino que se debe los arreglos de las canciones. Siempre arreglamos las melodías juntos y decidimos canción por canción. Algunas simplemente funcionan mejor sin el órgano, mientras que otras simplemente tienen sed de él. Puede que no te llame la atención al principio, pero muy pocas veces tenemos canciones en las que se escucha el órgano durante toda la canción. Este uso bien dosificado hace que su presencia sea aún más efectiva, lo que paradójicamente tiende a mejorar la percepción de este instrumento. «Menos es más».
Fun House (Madrid)
DenpaFuzz: Vayamos con las canciones. «Computer» parece que no se toma prisioneros y se apoya en el sonido vintage del órgano en puro Deep Purple con el toque particular de WEDGE, ¿no?
Kiryk: Creo que «Computer» resume bastante bien nuestro sonido. Por eso es la primera canción del disco, nuestra carta de presentación, por así decirlo. La canción comienza como un boogie-tock que conduce a una parte de órgano pesada en la que se sientan las voces. Una parte psicodélica bastante extraña introduce el largo solo de guitarra, que tiene una sensación ligeramente jazzística y no tiene órgano. Después del solo hay este extraño 11 tiempo antes de que regresemos al boogie y el órgano vuelva a tocar. Probablemente sea una excepción que hoy en día alguien escuche un órgano en la música rock y no piense en los Doors o (cuando se pone un poco más pesado) en Deep Purple. Pero creo que esto es una especie de cambio de percepción debido al hecho de que el órgano ha sido reemplazado gradualmente por una variedad de instrumentos similares a sintetizadores a finales de los 70 como muy tarde. Antes de eso, el uso de un órgano era algo común. Fue, junto con el piano, el instrumento de teclado elegido por cualquier banda. La comparación directa con Deep Purple es, por tanto, demasiado fácil para nosotros. Podría enumerar 100 bandas en la parte superior de mi cabeza que también usan un Hammond y con quienes podríamos tener más en común que con Deep Purple. No obstante, ¡la comparación todavía nos honra mucho, por supuesto!
DenpaFuzz: Sin perder un ápice de energía, ‘Playing a role’ se convierte en sonidos de boogie rock y un sonido más de los 60, mutando en un espacio más psicodélico entre sonidos de garaje y rock and roll.
Kiryk: Lo gracioso de «Playing A Role» es que es una canción que escribí originalmente para mi banda en ese momento, The Magnificent Brotherhood, una banda de garaje. Sin embargo, nunca logramos grabarla y pensé que sería una pena dejarlo así. Deliberadamente omitimos el órgano en nuestra nueva versión y lo hicimos un poco más rockero que la versión original, casi en línea The Kinks, aunque, por supuesto, ese espíritu todavía resuena un poco.
DenpaFuzz: «Blood red wine» me evoca por momentos una estructura pura de los 70’s con momentos que incluso se acercan a A.O.R. Es uno de los temas que puede diferir del sonido visto hasta ahora, aunque la dualidad de órgano y bajo me parece abrumadora.
Kiryk: «Blood Red Wine» es una de nuestras canciones más oscuras, y realmente no tenemos muchas de esas. Nació de la idea de que la vida que uno lleva no es la que realmente busca. Se trata de la adicción y el embotamiento resultante como motivo central de la vida y el deseo de escapar de ella. De ahí el estado de ánimo algo sombrío. Sin embargo, el protagonista se ha resignado a su destino. Escribí esta canción en un momento en que yo mismo estaba en un punto de inflexión en mi vida. A diferencia del tipo de «Blood Red Wine», tomé la otra bifurcación en el camino. Realmente no puedo identificar el término AOR personalmente, o más bien nunca me lo he planteado hasta ahora, pero si se toma en cuenta que los pensamientos antes mencionados suelen afectar a las personas en una fase más madura de su vida, el término «orientado a los adultos» encaja bastante bien. Musicalmente sólo intentamos darle a la canción el estado de ánimo que necesita.
‘Siempre vemos los álbumes como un todo y también elegimos las canciones y su ubicación de acuerdo con los estados de ánimo que se complementan entre sí para intensificarse entre sí’.
DenpaFuzz: «Across the water» recoge los momentos del rock clásico y la costa oeste hace eco ‘como si quisiera darnos un respiro del frenesí del resto de las canciones. Por otro lado, parece que las melodías vocales tienen un mayor protagonismo. ¿A qué se debe este pequeño giro?
Kiryk: Siempre vemos los álbumes como un todo y también elegimos las canciones y su ubicación de acuerdo con los estados de ánimo que se complementan entre sí para intensificarse entre sí. Creo que este punto de vista también proviene del hecho de que soy diseñador gráfico en mi «otra vida» y me ocupo mucho del efecto de los colores. Todo el mundo conoce, por ejemplo, el poder del rojo intenso sobre el azul intenso. Los colores vibran literalmente en el ojo debido a su contraste de color y parecen muy intensos. Entonces, podría decir que «Across The Water» es una canción azul: el silencio después y antes de la (próxima) tormenta. En general, los álbumes siempre necesitan muchos colores diferentes para no parecer aburridos o demasiado monótonos. El canto a dos voces apoya la dualidad, que aparece una y otra vez como leitmotiv en la letra de la canción: Dos personas, dos países diferentes, agua y tierra, desesperación y esperanza, pasado y futuro, etc.
DenpaFuzz: Después de la calma de la canción anterior, «Queen of the night» parece beber del proto-metal y rock de los 70 con fuertes dosis de rock and roll. ¿Es una invitación a la fiesta y el verdadero espíritu del rock and roll más clásico?
Kiryk: Sí, exactamente, este es nuestro tema más rockero en el álbum. Aquí solo queremos dejar que pase el rato y celebrar la vida en contraste con las canciones líricamente algo más pesadas. «Queen Of The Night» trata sobre una persona que todos hemos conocido en un momento u otro. Un personaje extraordinario que consigue, en sentido positivo, llamar la atención de todos y hacer que todos se diviertan con su abrumadora presencia. Para nosotros, una canción al estilo de principios/mediados de los 70 parecía bastante adecuada: una era de brillante, groupies, hedonismo excesivo y un ritmo de vida elevado. Una época en la que la luna brillaba más que el sol.
Dunajam
DenpaFuzz: ‘U’n’I’ es un nombre extraño, ¿cuál es su origen? ¿Qué significa eso? En particular, piens0 que puede ser un tema típico del sonido que has estado tocando desde el principio, pero con más energía. ¿Está aquí el ADN puro de la banda?
Kiryk:‘U’n’I’ (pronunciado: Tú y yo) se trata de dos personas, «tú y yo» y, por otro lado, es una alusión al prefijo «uni», que describe principalmente «uno» o «singular». La canción destaca la diferencia entre dos personas como algo positivo. En un mundo globalizado que lucha por la uniformidad, quiero enfrentarme a ella y volver a enfatizar la idea del individualismo. El progreso no proviene del conformismo, sino del discurso de dos personas con opiniones diferentes, tal vez incluso diametralmente contrarias. En cuanto al sonido, la canción se basa en un ritmo de cencerro. A veces nos gusta ponernos un poco funky … o lo que consideramos funky. De todos modos, la batería y el ritmo son los protagonistas de esta canción. Sí, se podría decir que el ADN WEDGE literalmente llena toda la estancia aquí; )
‘Probablemente habrá algunos CONCIERTOS al aire libre aquí y allá en el verano, pero me temo que nada será igual antes de 2022‘
DenpaFuzz: «At The Speed Of Life» nos lleva de regreso a los sonidos del «flower power» de la costa oeste, prescindiendo de sus genes de garaje y sonando puramente 60. Sin embargo, el trabajo de base grueso le da un aspecto más contemporáneo. ¿Estamos ante el puente que conecta los años 60 con el siglo XXI?
Kiryk: «At The Speed Of Life» es probablemente una de las canciones más pegadizas de «Like No Tomrrow». Al mismo tiempo, tiene esta parte media algo extraña y psicodélica que realmente me gusta. Todo el conjunto crea un bonito contraste una vez más. Al escribir canciones, no nos preocupamos de si algo sonará como 60 o no. Cuando tocamos una nueva canción juntos por primera vez, inmediatamente obtiene su dirección por sí sola.
DenpaFuzz: Personalmente, siempre he pensado que las canciones de larga duración son las que realmente reflejan todo el potencial de una banda. «Soldier» tiene Hard-rock, psicodelia, momentos que incluso me recuerdan a la Marshall Tucker Band, garage…. La canción lo tiene todo. Si mi memoria no me falla, seguramente sea la canción más larga que hayas compuesto hasta ahora. ¿Por qué esta duración y por qué esta variedad de estilos? ¿Cuál es su esencia?
Kiryk: Definitivamente cortamos la canción a la mitad para la grabación de estudio. Sin embargo, la versión de estudio duró más de 9 minutos, ¡jaja! En directo improvisamos bastante en la primera parte. Es solo una de esas pistas que necesita mucho espacio para respirar. Solo la intro, que es una acumulación del núcleo de la canción, podría ser una canción en sí misma. Y así es como lo vemos también en el contexto del álbum: la intro podría fácilmente ser la salida de la canción anterior. Es una especie de puente entre dos partes. Me gusta especialmente la melancolía de algunos temas de bandas como Allman Brothers. Probablemente de ahí proviene principalmente la influencia de la canción. Este ligero toque country, si se dosifica correctamente, describe un anhelo musical de espacio y libertad. Yo, al menos, siento este sonido de esa manera. También líricamente «Soldier» habla sobre el deseo de autodeterminación y libertad espiritual.
DenpaFuzz: Supongo que con la situación de la pandemia que estamos experimentando, los planes futuros con respecto a posibles conciertos serán inciertos. ¿Crees que a lo largo del año 2021 volveremos a tener música en vivo como la conocemos? ¿Tienes planeada alguna actuación en los próximos meses?
Kiryk: Desafortunadamente, soy un poco realista al respecto. Probablemente habrá algunos al aire libre aquí y allá en el verano, pero me temo que nada será igual antes de 2022. Probablemente tampoco después de eso, porque el panorama musical siempre ha cambiado constantemente, como todo lo demás en la vida. Este evento particularmente drástico también dejará su huella para siempre. Mirando hacia atrás, estamos realmente agradecidos por cada concierto que se nos permitió tocar hasta Covid, y al mismo tiempo, por supuesto, tenemos muchas esperanzas y mantenemos los dedos cruzados por todos nosotros. Planeamos ponernos al día con nuestra gira de lanzamiento de principios de 2022 y luego, con suerte, celebraremos «Like No Tomorrow». ; )
DenpaFuzz: Muchas gracias por tus palabras y te deseo mucha suerte con el disco. Espero que podamos vernos pronto en uno de sus shows. Un abrazo.
Kiryk: ¡Gracias! Siempre es un placer verte a ti y a la pandilla en uno de nuestros Conciertos. Es por personas con ideas afines como tú, que celebran el rock’n’roll como una religión, que nos encanta hacer lo que hacemos. Hasta entonces, manténgase saludable y consulta nuestra página para obtener actualizaciones.
DenpaFuzz: Since you released your first album in 2014, it has been almost 7 years since your third album has been released on January 15th. Are you a band that takes it easy? Kiryk: Not necessarily. The release was originally planned for early 2020, but sometimes fate (in this case a small virus) plays a trick on you. In general, the rather long gap between our first and last album is also explained by the fact that we released our debut rather over-fast. We had already recorded it completely before we had even played a single gig or found a band name. Heavy Psych Sounds had given us the chance to release it right away, so we took it, hot as we were (I didn’t even have time to design a «real» cover, so I did the simple photo cover, very atypical for me). After the release of the first album we had to catch up on what bands actually do before the release of a debut: Rehearse a complete live set and make a name for ourselves. So normally we would have released the first album one year later and the new one, as I said, in 2020 already. If you look at it that way, the gap between the first and the last album shrinks by at least 2 years …well, in theory. But believe me, we could not have done it faster. We are a 3-man army and also quite loners. Everything we do, we do without much help from outside. So sometimes things take a bit longer. Just to raise the money for a proper album production takes quite a while when there are only three of us. DenpaFuzz: Keeping your musical essence, it gives the feeling that ‘LIKE NO TOMORROW’ is a different album, heavier and even more versatile. How would you define the content of this new album? Kiryk: One of the descriptive words I often hear in connection with the new album is the word «mature». I think there is something to it. We’ve really played a lot since we started and by now we know quite well what we’re doing (or at least much better than in the beginning). I think the songs are much more thought out and developed. You just learn with every production. Often fans of a band want their new albums to sound exactly like the first one, because it’s usually the one that made the fans becoming fans. I can understand this very well, but I also find it exciting to hear when a band goes through a development. For example, if bands like Free had never broken away from the blues of their first album, «Fire And Water» would not have been made. The same goes for many other bands and masterpieces in rock history. A band is always in search of its masterpiece. Thus, every album is a stage on the way there, so to speak, and on this journey there, the sound must change (at least partially), or even better, improve.
DenpaFuzz: It also seems that the garage echoes and the vintage sound of the 60’s have a little less prominence to the detriment of the more raw rock. What do you have to say about this? Kiryk: In general, our style is rooted in the sound of the golden era of rock (roughly between 1965 and 1975). This is only about ten years but musically and stylistically there was an explosion of musical diversity. At that time, the division into strictly defined genres was not as pronounced as it is today. Of course, there were categories, but the demarcation was more about the generation than about the musical orientation of the bands. For example, if you look at recordings of famous festivals of the past, or TV shows like Beat Club, etc., you see many different bands performing in front of a homogeneous young audience. Nowadays it’s rather the other way around: the rock music scene is more generationally mixed, while the orientation of the bands is more narrow. Ergo: metal festival or stoner festival vs. Woodstock festival. This also explains our approach to music. We see ourselves more in the tradition of the bands of the past and don’t take musical styles so narrowly. We just play what we like. However, in keeping with the aforementioned conventions of our times, our audience is rather mixed in age, which we like. When it comes purely to the sound of our recordings, you have to take into account that our first album was recorded originally as a demo in our practice room, while the next albums were produced in proper studios. DenpaFuzz: Once again, Heavy Psych Sounds is the label responsible for the publication of your album. In the times that we live long-lasting relationships with the same discography it seems that they are not lavished much. How do you value this mutual fidelity? Kiryk: I think Heavy Psych Sounds have grown a lot in the last few years without having to make any concessions. The label has remained authentic over these many years, which is sometimes not so easy when you are ambitious. This, of course, strengthens their position even more. Their consistency is a great asset in these volatile times and a quality feature from which we also benefit as a band. DenpaFuzz:Listening to the songs on the album, I have perceived songs in which the sound of the organ has a greater role than in previous works. Have you wanted to achieve a somewhat more progressive sound or is it a feeling of mine? Kiryk:This is something that has developed naturally. Our sound is simply what happens when the 3 of us make music together and is always composed of our individual musical preferences. I think you can hear our respective influences quite well on the new album. All 3 people in WEDGE love the same music, but in different proportions, which also fluctuates a bit over time. Our bassist/organist David loves to listen to jazz. Our drummer Holg is more of a prog and early hard rock head, while I (guitar & vocals) originally have more of a garage and psychedelic background. But of course these are just very rough pictures, as we are generally big music lovers and can find something we like in any style of music. In any case, it is the common love for rock music that connects the three of us. It’s true that there’s a bit more organ on the new album than on the previous ones, but that’s not so much a conscious decision as it is due to the arrangement of the songs. We always arrange the tunes together and decide from song to song. Some just work better without the organ, while others just thirst for it. It may not jump out at you at first, but we very rarely have songs where the organ is heard throughout the entire song. This well-dosed use makes its presence all the more effective, which paradoxically tends to enhance the perception of this instrument. „Less is more“. DenpaFuzz:Let’s go with the songs. ‘Computer’ seems that it does not take prisoners and it is supported on the vintage sound of the organ in pure Deep Purple line with the particular touch of WEDGE, is not it? Kiryk: I think that «Computer» sums up our sound pretty well. That’s why it’s the first song on the record, our calling card so to speak. The song starts as a boogie rocker that leads to a heavy organ part on which the vocals sit. A rather weird psychedelic part introduces the long guitar solo, which has a slightly jazzy feel to it and is completely without organ. After the solo there is this freaky 11 beat before we return to the boogie and the organ kicks in again. It’s probably rather an exception that nowadays someone hears an organ in rock music and doesn’t think either of the Doors or (when it gets a bit heavier) of Deep Purple. But I think this is a kind of perception shift due to the fact that the organ has been gradually replaced by a variety of synth-like instruments at the end of the 70s at the latest. Before that the use of an organ was commonplace. It was, along with the piano, The keyboard instrument of choice for any band. The direct comparison with Deep Purple is therefore a bit too easy for us. I could list 100 bands off the top of my head that also use a Hammond and with whom we might even have more in common than with Deep Purple. On the other hand, the comparison still honours us a lot, of course! DenpaFuzz: Without losing an iota of energy, ‘Playing a role’ develops into boogie rock sounds and a more 60’s sound, mutating into a more psychedelic space between garage sounds and rock and roll. Kiryk:The funny thing about «Playing A Role» is that it’s a song I originally wrote for my band at the time, The Magnificent Brotherhood, a garage band. However, we never managed to record it and so I thought it would be a shame to leave it that way. We deliberately left out the organ in our new version and made it a bit rockier than the original almost Kinks-esque Literation, although of course that spirit still resonates a bit. DenpaFuzz: ‘Blood red wine’ evokes in me at times a pure structure of the 70’s with moments that even come close to A.O.R. It is one of the issues that may differ from the sound seen so far, although the duality of organ and bass seems overwhelming to me. Kiryk:«Blood Red Wine» is one of our darker songs, and we don’t really have that many of those. It was born out of an insight that the life one leads is not the one one actually strives for. It deals with addiction and the resulting dullness as a central motif of life and the desire to escape from it. Hence the somewhat gloomy mood. However, the protagonist has resigned himself to his fate. I wrote this song at a time when I myself was at a turning point in my life. Unlike the guy in «Blood Red Wine“ I took the other fork in the road. I can’t really relate to the term A.O.R. personally, or rather I’ve never dealt with it so far, but if you take into consideration that the above mentioned thoughts usually hit people in a more mature phase of their life, the term «adult oriented» fits quite well. Musically we just tried to give the song the mood it needs.
DenpaFuzz: ‘Across the water’ takes up classic rock moments and west-coast echoes ’as if it wanted to give us a break from the frenzy of the rest of the songs. On the other hand, it seems that vocal melodies have a greater role. What is this little twist due to? Kiryk: We always see albums as a whole and also choose the songs and their placement according to which moods are complementary to each other in order to intensify each other. I think this point of view also comes from the fact that I am a graphic designer in my „other life“ and deal a lot with the effect of colours. Everyone knows, for example, the power of rich red on rich blue. The colours literally vibrate in the eye due to their colour contrast and appear very intense. So you could say «Across The Water» is a blue song: the quiet after and before the (next) storm. In general, albums always need many different colours in order not to appear boring or too monotonous. The two-part singing supports the duality, which appears again and again as a leitmotif in the lyrics of the song: Two people, two different countries, water and land, despair and hope, past and future etc.
DenpaFuzz: After the calm of the previous song, ‘Queen of the night’ seems to drink from proto metal and 70’s rock with strong doses of rock and roll. Is it an invitation to the party and the true spirit of the most classic rock and roll? Kiryk: Yes, exactly, this is our good-time rocker on the album. Here we just want to let it all hang out and celebrate life in contrast to the lyrically somewhat heavier songs. «Queen Of The Night» is about a person we’ve all met at one time or another. An extraordinary character who manages, in a positive sense, to attract everyone’s attention and make everyone enjoy themselves with her overwhelming presence. For us, a song in the style of the early/mid 70s seemed quite fitting: an era of glitter, groupies, excessive hedonism and a high pace of life. A time when the moon shone brighter than the sun.
DenpaFuzz: ‚U’n’I’ is a strange name, what is its origin? What does it mean? I particularly think that it can be a typical theme of the sound that you have been playing since the beginning, but with even more energy. Is the pure DNA of the band here? Kiryk: U’n’I (pronounced: You and I) is about two people, «you and me» and on the other hand is an allusion to the prefix «uni», which mostly describes «one» or «singular». The song highlights the difference between two people as something positive. In a globalised world which is striving for uniformity, I want to stand against it and reemphasize the idea of individualism. Progress does not come from conformity, but from the discourse of two people with different, maybe even diametrically contrary opinions. Sound-wise, the song is based on a driving cowbell groove. We like to get a bit funky sometimes… or what we consider to be funky. Anyway, the drums and the rhythm are the main actors in this song. Yes, you could actually say that the WEDGE DNA literally fills the entire room here ; )
DenpaFuzz:‘At the speed of life’ takes us back to the ‘flower power’ sounds of the West Coast, dispensing with your garage genes and sounding purely 60’s. However, the thick base work gives it a more contemporary look. Are we facing the bridge that connects the 60’s with the 21st century? Kiryk: «At The Speed Of Life» is probably one of the catchiest songs on «Like No Tomorrow». At the same time, it has this somewhat weird, psychedelic middle part that I really like. The whole thing makes for a nice contrast once again. When writing songs, we don’t worry about whether something will sound like 60s or not. When we play a new song together for the first time, it immediately gets its direction all by itself.
DenpaFuzz: Personally, I’ve always thought that full-length songs are the ones that truly reflect the full potential of a band. Hard-rock, psychedelia, moments that even remind me of the Marshall Tucker Band, garage. The song has everything. If my memory serves me correctly, it is surely the longest song you have composed so far. Why this duration and why this variety of styles? What is its essence? Kiryk:We definitely cut the song in half for the studio recording. The studio version became over 9 minutes long nevertheless, haha! Live we jam quite a bit in the first part. It’s just one of those tracks that needs a lot of breathing room. Just the intro, which is a build up to the core of the song, could be a song in itself. And that’s how we look at it in the context of the album, too: the intro could just as easily be the outro of the previous song. It’s sort of a bridge between two parts. I especially like the melancholy of some tunes of bands like the Allman Brothers. That’s probably where the influence for the song came from mostly. This slight country touch, if correctly dosed, describes a musical longing for space and freedom. I, at least, feel this sound that way. Also lyrically «Soldier» talks about the desire for self-determination and spiritual freedom. DenpaFuzz: I suppose that with the situation of the pandemic that we are experiencing, future plans regarding possible concerts will be uncertain. Do you think that throughout the year 2021 we will have live music as we know it again? Do you have any action planned in the coming months? Kiryk:Unfortunately, I’m a bit realistic about that. There will probably be a few open airs here and there in the summer, but I’m afraid nothing will be the same before 2022. Probably not really after that either, because the music landscape has always changed constantly, like everything else in life. This particularly drastic event will also leave its mark forever. Looking back, we are really grateful for every concert we were allowed to play until Covid, and at the same time we are of course very hopeful and keep our fingers crossed for all of us. We plan to catch up with our release tour from early 2022 and then hopefully we will celebrate «Like No Tomorrow»! ; ) DenpaFuzz: Thank you very much for your words and I wish you good luck with the album. I hope we can see each other soon at one of your shows. A hug. Kiryk: Thank YOU! It’s always a pleasure to see you and the gang at one of our concerts. It’s because of likeminded people like you, who celebrate rock’n’roll like a religion, that we love to do what we do. Until then, stay healthy and check our homepage for updates!
Nacidos en la primavera de 2.017, y procedentes de Uppsala, los suecos URTIDSDJUR publican su primer álbum homónimo. Un trabajo marcado por las influencias de Bo Hanson o Dungen, y en el que nos ofrecen una mezcla de rock psico-progresivo en el que la tradición sueca progg está muy presente. No en vano, las canciones están cantada en su lengua materna, algo que ofrece un toque exótico para el oyente. En el verano de 2019, la banda pasó una semana en una pequeña capilla en el campo de Uppland. La salvación o remisión de los pecados no ocurrió, en cambio, la banda grabó su álbum de debut homónimo frente al altar, algo que se nota en la espiritualidad de alguno de sus temas. El álbum se diseñó para que constara de 9 canciones originales y «Gå på», una versión de (‘Walk on’) pero finalmente Neil Young no dio su aprobación por lo que el tema fue descartado del álbum. ‘URTIDSDJUR’ es un álbum diferente, un trabajo de esos en los que en cada nueva escucha percibes más y mas matices, lo que le hace un álbum ágil. La riqueza compositiva de los temas se percibe tras una escucha profunda del mismo. Transmitiendo siempre un ambiente rural las canciones juegan con elementos de psicodelia, del rock clásico y con múltiples aderezos compositivos. Si hay algo que destaca especialmente, es la facilidad para conjugar el sonido de sus dos guitarras, que junto al buen trabajo de las melodías vocales, hace que estemos ante un álbum notable y atractivo. El álbum estará disponible en vinilo en edición limitada a principios de este otoño, a través de Som Sverker Recordings, con una portada impresa en lino hecha a mano.
La banda se inició a través de un anuncio de contacto para miembros de la banda sin banda y está formada por Kettil Engberg, Gustaf Boström, Emil Niklasson y Affe Kihlberg. Todos se mudaron a Uppsala desde diferentes partes del país. A pesar de la famosa Universidad de la ciudad, URTIDSDJUR es la primera banda en historia, de Uppsala que no fueron iniciadas por estudiantes de la Universidad. Además del trabajo duro y muchos descansos para sollozar, la banda recibió ayuda. de Nicke Widén en Pedal Steel y Jens Persholt en Fender Rhodes. La masterización está a cargo de Jakob Grundtman.
‘Karta & kompas’ combina elementos folk, con un espacio hard-progresivo. Un tema de aspecto campestre con estribillos pegadizos que aportan frescura. En sus entrañas vislumbro elementos de rock clásico entre bucólicos pasajes con buenas guitarras. Un tema amable y atractivo que funciona a la perfección gracias a sus ganchos vocales y la constante ondulación de su sonido heredero del rock clásico de los 70’s inclinándose a una ladera más progresiva. El resultado es una canción llena de belleza que se adorna en su parte final con el elegante sonido del saxo.
En una atmósfera más oscura, ‘Väntar pa riktning’ se desarrolla entre sonidos psico-progresivos bajo un aura de melancolía. Siempre cuidando la voz principal y arropándola con coros angelicales el tema fluye con calma en calmados espacios sonoros. Las voces en sueco marcan el carácter de la canción, y en general de todo el álbum. Sutiles y elegantes, la parte final se deja llevar por una experimentación más propia de bandas como Dungen, manteniendo ese espíritu psicodélico.
‘Vandringssang’ con una tupida instrumentación y elementos folclóricos incide en la fórmula progresiva. Esta vez más instalados en sus ancestros, los suecos crean otra canción oscura de la que afloran notables solos de guitarra que aportan un halo de luz.
Con cuidadas melodías, ‘Klockor klämtar’ parece susurrarnos en un suave caleidoscopio psico-progresivo. Elementos acústicos, cadentes tambores, y una cálida voz habitan entre un sutil zumbido de efectos en segundo plano. Con el espíritu folk intacto, la repetición de acordes crea una atmósfera hipnótica sobre la que la guitarra colorea sus trazos con delicadeza.
‘Luftslott’ se eleva colorista y luminoso con un sonido más prieto que se torna hacia ese espacio folk en el que los elementos progresivos se insertan con un cuidado digno de mención. Estribillos que nos invitan al optimismo entre riffs más incisivos. La dupla de guitarras juega un papel primordial en otro notable tema que mantiene la mesura en su sonido, sin estridencias. Uno de los temas más rockeros del álbum y en el que las guitarras brillan con luz propia,
Nuevamente en espacios ensoñadores, ‘Människa’ se adorna de un bucolismo más propio de la época de esplendor hippie. Algo que parece estar intrínseco en el espíritu de la banda. Melodías predominantes en un ambiente relajado y envolvente. Cálidos desarrollos reconfortantes van construyendo un tema que evoluciona a un espacio más gris en el que se perciben aires melancólicos.
Elevando la intensidad, ‘Olyckskorp’ retoma el espíritu progg de los suecos. Un sonido cristalino lleno de matices que oscila entre la intensidad y la calma en constantes elevaciones con riffs de rock clásico y descensos a laderas más acolchadas. Manteniendo la atmósfera campestre presente en todo el álbum, las guitarras se suceden enriqueciendo una melodía mutante.
‘Hitta hem’ combina una guitarra solista con apacibles y sosegados ritmos en un canto reconfortante que nos susurra con un aura vintage. Rock suave y apacible entre ricas texturas sonoras que no pierden su aspecto campestre.
Con una combinación de las maravillosas guitarras, ‘Eḇen ha-‘ezer’ se construye sobre un riffs que se repite. Coloreando y ornamentando esa sencilla estructura consiguen crean otro tema rico en matices en el que las guitarras adquieren el protagonismo prescindiendo de la voz. Un acertado epílogo para un gran trabajo.
La saturación de álbumes que recibo cada semana ha hecho que este artefacto sonoro a caballo entre el heavy-rock y el stoner más desértico quedara en la bandeja de entrada hasta ahora. Por fín nos adentramos en ‘OZYMANDAS, el álbum debut del quinteto peruano HYPERNAUT. . Nueve temas directos que golpean sin contemplaciones para gozo de los amantes de las vibraciones más rugosas. Pero no solo encontramos un derroche de fuzz en ‘OZYMANDAS’, en el álbum parecen estar muy presentes los ecos grunge de los 90’s (un pilar fundamental), así como la psicodelia. Siempre sin bajar demasiado el listón del alboroto sonoro en el que se desarrolla cada tema, cada uno de ellos se envuelve en un embalaje alternativo. Lo cierto es que los temas funcionan, ofreciendo verdaderos ganchos que nos invitan al desenfreno entre arenosos riffs y una constante estela de fuzz. Pero esto no quiere decir que estemos ante otra banda stoner más, aquí todo se muestra atractivo, y con un poder contagioso inquebrantable. Sin salirse de su apuesta alternativa, enriquecen esta, con voces que a veces parecen salir del rock más crudo y primitivo de los 70’s y en otras ocasiones se instalan en el legado del grunge innato en el quinteto limeño. Aún así, posiblemente estemos ante una banda que no quiere renunciar a su espíritu heavy-rock, pero que se siente atraída por el sonido de los desiertos más arenosos y cegadores. Si a eso unes ese espíritu alternativo que flirtea hasta con el punk, estamos ante un debut, que no te dejará exhausto, sin un momento de respiro. Un álbum ruidoso pero a su vez con su punto psicodélico, y en el que los ecos de los pioneros del desert-rock, se reflejan en cada una de sus canciones. Unas canciones ásperas en su instrumentación pero mucho más suaves en algunas de sus melodías.
HYPERNAUT son: Santiago Echecopar (voz), Gary Saavedra (batería y coros), Giancarlo Yepez (guitarra rítmica), Mike Yugra (bajo) y Martín Cardich (guitarra solista). ‘OZYMANDAS‘ fue mezclado y masterizado por Eduardo Albareda, habiendo sido producido por propio Eduardo e HYPERNAUT.
‘Panic attack’ conjuga elementos hard-rock con el Stoner tradicional. Con una batería atronadora todo se desarrolla a la velocidad del rayo. Juegos vocales que serpentean en constantes giros y momentos heavy-rock, hacen que el tema nos enganche sin remisión. Fuzz y heavy-rock unidos por una causa común.
Como si de una fusión de Truckfighters y Fu Manchú, ‘Bad Hombres’ coquetea con voces grunge entre continuos riffs turbios para aturdirnos entre una cortina de fuzz.
Recuperando los ecos de los 70’s, ‘Atomic breath’, nos contagia su ritmo entre una estética desértica. Toda una invitación al baile con esos tonos clásicos y rudos sin renunciar a pasajes arenosos. La fórmula, sin duda, funciona.
Ya con la careta quitada, ‘(This Is Where I) Draw The Line’ con una actitud punk, nos invita a un nuevo frenesí. Un tema divertido y pegadizo ideal para hacer pogos. Un tema cambiante en el que aparecen buenas voces y que supone una huida hacia adelante. La perfecta banda sonora para conducir a toda velocidad por largas rectas desérticas.
Con una inconmensurable línea de bajo, ‘Multiverse... Battleworld’ tiende un puente entre el desierto californiano y el Seattle de los 90’s. Como si no quisieran renunciar a su legado, el tema serpentean en mil requiebros, Acelerones y parones, siempre con un denominador común, el fuzz intoxicante que nos ciega con toda su fuerza, entre distintos estados de ánimo y pasajes aparentemente cambiantes.
Con buenos ganchos ‘Worlogog’, nos muestra el hard rock stonerizado más crudo de los peruanos. Voces trascendentales afloran de la espesa cortina de fuzz salida de unos riffs diabólicos. Elementos heavy-rock se incrustan en los sonidos desérticos de la banda andina en una montaña rusa de sonidos ondulantes. Un tema lleno de garra que no baja el pistón ni un instante.
‘Swamp thing’ se desarrolla en un ambiente psicodélico con herencia de los ecos del Seattle de los 90’s. Una combinación que resulta de lo más efectiva. Un turbio y difuso sonido en un segundo plano custodia melodías vocales más reconfortantes. El humeante ambiente cenagoso al que alude su nombre aparece más evidente en la parte final del tema.
Como una apisonadora de Stoner-metal con actitud casi punk, ‘Cynicism is Self-Harm’ ofrece una visión más alternativa. El tema parece tener dos partes diferenciadas, una primera parte arrolladora y una segunda en la que los peruanos se dejan llevar por un escenario más psicodélico en detrimento de la fuerza. Aquí las guitarras esparcen psicotrópicos par narcotizarnos tras la embestida inicial. Ésta se retoma en la pare final, devolviéndonos al origen.
Con un carácter Incisivo y mostrando su sonido alternativo, ‘Ozymandas’ la canción que da nombre a este debut, se sustenta en un diabólico ritmo de batería en rasgueos de guitarras sucias. Con un tono más macarra golpean una y otra vez con riffs difusos entre armonías más cercanas al hard-rock. Buenas dosis de fuzz y constantes cambios de ritmos, hacen que el tema acabe por dejarnos exhaustos. Otro ejemplo mas de la vitalidad con la que estos chicos construyen su música.
DenpaFuzz 