FLYNOTES.- «Child in the woods»

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Procedentes de Rusia, Roman Komarov (guitarra, teclados) Natasha Bogulyan (batería) y Ilia Rytov (bajo) nos presenta su cuarto trabajo «CHILD IN THE WOODS». Grabado en San Petesburgo en el invierno de 2018 en 2S Studio y masterizado por ELEMENTSTUDIO

Psicodelia pesada con ambientes refrescantes y perfumado en los que el aroma se vuelve intenso y penetrante. «Dark floyd» tiene momentos de bajo pesado y acordes de post-rock llenos de experimentación en su parte final.

«Wolf» describe una exhuberancia sonora que decae en oscuros pasajes inquietantes, sin faltar esos coqueteos post-rock que habían escuchado en el primer corte.

El peso de la batería y el bajo en los rusos es algo digno de destacar. «Green rodeo» es un claro ejemplo de ello. Toda una espiral difusa con riffs repetitivos y un inmenso trabajo de Natasha Bogulyan a la batería. Un lento bajo, una guitarra floreada mostrando un cierto virtuosismo. Tonos mágicos con los que FLYNOTES se mete de llenoen desarrollos experimentales con solos de guitarra que mutan en una especie de free-psycho tonificante y su vez inquietante.

«Witch» podría definirse como una pieza de post-metal exhuberante. Las distorsiones difusas y gruesas copan los desarrollos instrumentales. La batería es una apisonadora que cede terreno a un órgano hipnótico que desciende a territorios post-rock.

Los ambientes espaciales son también terretorio de los rusos. «Flower machine» es una viaje interplanetario a otra dimensión en la que el único vínculo con la tierra es el sonido de la guitarra. 

Coqueteos doom en un inquietante y repetitivo ejercicio de locura psycho y tensión es el contenido de «Marble».

Una cosecha de sonidos llenos de experimentación psicotrópica con tintes doom. A ritmo lento, «Harvest time» para cavar hasta romper la barrera que le separa de otra dimensión.

Cierra el album «Child in the woods», con un comienzo acústico, suave, dulce. ambientado en espacios intergalácticosque soportan las armonías de la guitarra acústica.  

 

 

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ENTROPÍA.- «Invisible»

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Publicado por la incansable factoria Nooirax Producciones, la banda alavesa ENTROPÍA, nos presenta su primer trabajo. Grabado y mezclado durante los meses de julio y agosto de 2017 en el estudio Itxura Estudioak (Altsasu), por Fran Pérez Arellano, y masterizado a principios de septiembre del mismo año en Mamia Mastering (Azkarate) por Jonan Ordorika

Compuesto por nueve cortes en los que la joven formación compuesta por Lasto, Jon Bellido, Roberto Nieves y A. Penela desarrolla sus sonidos progresivos y alternativos con gran acierto.

Con tintes setenteros, «El hombre que plantaba flores en la luna», (¡un título tan maravilloso para un tema, no puede contener nada malo!) hace gala de unos reconfortantes sonidos de los teclados, bajo un clima de sosiego que gracias a las voces en español le dan un punto de emotividad.

ENTROPÍA crea una música abierta a espacios grandilocuentes en los que la relajación y la reflexión a través de un profundo sentimiento nos recuerda a bandas nacionales como los santanderinos BLOQUE. El toque de misticismo yu retrospección interior describen un clima de liberación en la que el romanticismo está vivo.

La épica innata en alguno de los temas, como «Aura» sigue explorando territorios progresivos, datándola de elementos más rockeros gracias a una buena ejecución de la guitarra.  el tema sigue esa linea del hard-progresivo que se hacía a finales de los setenta por tierras peninsulares, del cual tiene muchas reminiscencias.

La influencia folk está presente en la banda como así muestran en «Idiosincrasia», un breve tema con acordes acústicos.

Relajantes paisajes aparecen reflejados en «Prisionera de la expresión». Un tema en el que la la melancolía está presente del primero al último de sus acordes.

Al margen de su tendencia alternativa, ENTROPÍA no reniega del clasicismo de su piano. Un gran virtuosimo de piano clásico por parte de Jon, sirve de introudción a una composición progresiva con aires mediterráneos que rebosa frescura y romanticismo en el corte que da nombre al album, «Invisible».

Sin dejar el mismo espectro sinfónico, «Placenta» más oscuro que el corte precedente, bajo la apariencia de un tema suave, los alaveses logran mantener la tensión.

La melancolía que preside gran parte de los temas se convierte casi en minimalista. Así, «Los pasos» se enriquece gracias a un solo de guitarra que dota de una fragancia lánguida de consigue una cierta tristeza.

«Vacuo» transita por aquellos caminos del hard rock que pateaban las bandas nacionales de finales de los setenta.

«Sinestesia», el tema que cierra «INVISIBLE», se vuelve más experimental. Con oscuros acordes de piano sobre difusos efectos, ENTROPÍA se sumerge en aguas psicotrópicas con un aura espacial en su ambientación. Heredero en cierta medida del hard progresivo setentero, con riffs repetitivos custodiados por una firme linea de bajo.

Todo un gozo para los sentidos, «INVISIBLE», soporta multiples escuchas, enriqueciendose en cada una de ellas. Un disco del que se pueden extraer sus matices según se degusta. 

 

 

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MONJE.- «Monje»

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MONJE, Doom metal que nos llega desde Argentina.

Banda formada por Sebastian Rolón (voz), Diego Petullo (guitarra) Guido Soldini (bajo) y Daniel Iranzo (batería)

Ocho temas de sonidos pesados en los que un predominante bajo denso unido a unas voces que brotan de ultratumba exploran territorios situados entre la frontera del stoner- metal y el doom. Aderezados con ciertas dosis de psicodelia pesada. Pasajes oscuros e inquietantes que se intensifican con aplastantes riffs.

Caminando a paso lento en gran parte de los temas, la banda no duda en imprimir momentos de vértigo que intensifican su vómito sonoro.

Lugubres y siniestras letras que se adecuan a la instrumentación de la joven banda. La música de MONJE sale de las mismas entrañas de Lucifer. Un manto de oscuridad que hace que las tinieblas se apoderen de la tierra.

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GREEN DESERT WATER.- «Solar pexus»

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Demasiado tiempo a pasado desde que publicaron su brillante EP homónimo en el año 2.012 hasta el día de hoy en el que publican«SOLAR  PEXUS».

GREEN DESERT WATER son: Kike Sanchís (voz y guitarra), Juan Arias García (bajo) y Javi González (voces y batería), Pablo Martínez Pérez colaboró en las guitarras del tema «The deepest sea».

«SOLAR PEXUS» fue grabado por Pablo Martínez Pérez en Ovni Estudio de Bonielles (Asturias), siendo masterizado por Kike Sanchís en Green Desert Mastering (Oviedo). El diseño de la maravillosa portada del disco corrió a cargo de Hector Castañón (Osobuko).  

Todos los temas fueron compuestos por la banda, corriendo la publicación a cargo del sello Small Stone Records.

Si en su EP homónimo el sonido de la banda se encuadraba en torno a blues psicodélicos, en esta ocasión sus resonancias se muestran muchas más pesadas y compactas, sin olvidarse de esa esencia blusera y lisérgica, siendo más presentes los aires retro en sus composiciones.

«Open your wings» abre con atmósferas retro, con ciertos vientos sureños que nos recuerdan de alguna manera a BLACK CROWES. Bajo un prisma psicodélico, los riffs de Kike van acercando el corte al teritorio stoner a base de ritmos repetitivos que van mutando su esctructura. Sus registros vocales emanan de los clásicos del blues-rock setentero, con acompañamientos en forma de coros. En su parte final el tema se encabrita tomando el protagonismo el bajo de Juan. todo ello sobre una estructura dinámica que va variando huyendo de la montonía.  

La frescura siguiendo la fórmula que les presentó como banda, con ese regusto blusero aparece en «Chaman». Los registros vocales pintan de colores cálidos el ambiente. Como resultado aparece una gran luminosidad que custodia unos acelerados ritmos que van compaginando el trote con el galope de ese caballlo que sirve de montura a la banda para que camine su composición. Desbocado en ritmos stoner que son reprimidos para retornan al blues del establo del que partió.

Los sonidos más vintage se reflejan en «The deepest sea». Hard rock clásico en vena.

La intro de bajo y platillos crea la atmósfera perfecta para la entrada de riffs ácidos sobre esa base pesada con brillantes cadencias vocales. Una estructura medida dota de matices al corte. La locomotora rítmica va frenandose y acelerandose al antojo de la banda consiguiendo un viaje placentero.

«Souls of the woodland» confirma una tensión contenida en los genes blueseros de GREEN DESERT WATER. Para la ocasión, es impregnada de dietilamida 25, lo que lo convierte en un psicotrópico tema que mama de esos origenes empapándose de una acidez que nos narcotiza con sus efectos. Introduciendose en nuestras venas, recorriendo nuestras arterias e invadiendo las neuronas del oyente. La sustancia contenida en sus acordes son saca del letargo para zarandearnos con fvirulencia a través de contundentes riffs. toda una inyección revitalizante en una espiral alucinógena de subidas y bajadas. Sublime!!!. Recomiento su escucha acompañado de alguna sustancia que ayude a percibir todo lo que contiene sus surcos.

Si la banda en este trabajo gusta de los sonidos clásicos, herederos de bandas como MOUNTAIN,  consigue una revitalización de aquellos sonidos. Una actualización comtemporanea con tintes stoner, en la que el blues y el rock más duro se entrelazan con bajo la atenta mirada magnánima del blues-rock (especialmente en las voces). el resultado es «Mother moon». Un corte dinámico e irreductible.

El tema que dá título al disco, «Solar pexus» pone el punto y final al trabajo, con un vibrante y emicionante  sonido sólido. El hard más contundente se reprime ante el protagonismo que toman unas voces que ocupan el espacio amablemente cedido por la instrumentación para brillar con luz propia. Asímismo el ritmo arropa las voces con diabólicos riffs llenos de poderio. La pesadez campa a sus anchas sin perder la vocación heavy-psych que aparece de soslayo intercalandose en una espiral sónica.

Nos llena de satisfacción poder degustar un registro como «SOLAR PEXUS». Parido por una banda española que nada tiene que enviar a formaciones foráneas. Esperemos que la publicación del album por un sello como Small Stone Records, suponga el aldabonazo para que la banda irrumpa en la escenación como se merece. 

Mención aparte merece la portada del disco. No hay mejor envoltorio para una joya.

¡¡¡¡Felicidades GREEN DESERT WATER!!!!

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RRRAGS.- «Rrrags»

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Banda belga compuesta por Ron van Herpen (guitarra) Rob Martin (voces y batería) y  Rob Zim (bajo). El registro fue grabado por Danny Gras en Kift estudio y por Marcel VdVdV en Torture Garden Studio.

Un debut con una madurez sorprendente para una banda que lleva solo ocho meses junta.

«Bones» abre con un blues-rock viril y enérgico. Con ambientación sureña y unas voces con regusto soul con un gancho suficiente para que despierte nuestra curiosidad que nos depararán los siguientes temas.

Con una cadencia ajustada y ese feeling setentero «Rag Machine», da muestra de los registros ciertamente soul de Rob Martin. Ecos de FREE o de BAD COMPANY se vislumbran en sus surcos sobre unos pasajes de jam psicodélica en los que la línea de bajo con regusto sureño de Rob brillan con luz propia. 

A estas alturas, y con solo dos temas, nos percatamos de que estamos ante una sólida formación. Los riffs iniciales de «Silence is deafening«,  y esa incesante batería dan paso a un túnel de atmósferas lisérgicas. Bajo ese rítmo frenético que Rob imprime, los  punteos redoblados hacen que el tema no decaiga en oscuro.

Como si de una revisión post-CACTUS se tratara, la voces corales, con ese aura ligeramente lisérgica, hacen de «On with the journey» un tema fresco como una lechuga, cadente. La banda parece amenicaricarse en su sonido más aún.

Una pseudo-balada aludinógena con tintes más comerciales y presidida por una linea de bajo ácido misterioso. «Faraway faces» sirve de lucimiento vocal a Rob Martin, mostrando todo sus potencial en registros blue-soul llenos de calidez, ambientados en una psicodelia profunda.  

Toda la instrumentación se complementa a la percepción con las voces en unos temas perfectamente acoplados. Es sorprendente ese buen hacer en una banda novel que ya demostró su potencial en el pasado Roadburn Festival. Por algo será….

«Galaxy’s hygiene» cierra este brillante debut con atmósfera espaciales, lo cual demuestra la versatilidad de los belgas. Unos constantes desarrolllos de guitarra y una batería irreductible hacen que la banda se pierda en una auténtica jam-espacial en la que los efluvios psicotrópicos envuelven el ambiente dejándonos expectantes. Todo un viaje vibrante a lo largo de diez minutos en los que RRRAGS prescinde de las voces, usando solo una alocución final que le impreme más caracter intergaláctico al tema.

 

 

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