WINDHAND.- «Eternal return»

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Teniendo en cuenta que mis orígenes musicales no parten del metal, sino de la psicodelia más primitiva, y teniendo en cuenta que las formaciones que gustan del doom, generalmente lo hacen también del metal, cada día me resulta más placentero encontrarme con apuestas musicales que combinan el doom con la psicodelia, y el caso de WINDHAND es un ejemplo perfecto de lo que digo. Una combinación de lentos sonidos pesados que se suavizan con la maravillosa voz de Dorthia Cottrell

Si bien estamos ante un disco de riffs espesos y pesados, cuyo caminar es cansino y plomizo, «ETERNAL RETURN» está comandado por su vocalista, aportando la fragilidad , la exquisitez y la belleza entre la contundencia. 

Esa combinación de fuerza a través de gruesos riffs que encontramos en «Halcyon» con una robustez indudable, es contrarrestada, incluso contenida diría yo, por la sutileza y sensualidad de Dorthia. Salpicado en todo momento de una lisergia pegajosa y humeante que se transmite a través especialmente a cargo de las guitarras que crean unas nebulosas de las que la voz parece sacarnos. Una belleza que sale de los abismos más abyectos.

A pesar de su contundencia, los temas aparecen como contenidos, mostrando todo su poderío, pero sin llegar a deflagrar. 

La bella voz sobre esa base doom, hace que la intensidad baje a terrenos en los que los susurros se adueñan de la escena. La estructura de los temas tiene puntos en común, atractivos y elegantes pasajes preceden a la intensidad que suele venir acompañada de una guitarra humeante que derrocha fuzz, para que el bajo y la batería den rienda suelta a su poderío, sin llegar nunca al exceso.

Bajo el constante y humeante manto de la oscuridad los momentos de belleza que nos regala «Grey garden», hacen que este trabajo ya merezca la pena. Uno de los temas más destacados de «ETERNAL RETURN». Un corte mágico, atractivo, cautivador, bello; todo eso sin perder el punto de partida de donde nace la banda.  

Vistiéndose con traje largo, los de Virginia dan paso a un refinado tema. «Pilgrim’s rest» es todo un arrullo confortable, donde la voz no pierde la sensualidad dentro del tono de melancolía en el que se desarrolla. Un tema que huye de las estructuras pesadas para darle todo el protagonismo a unas melodías enormemente bellas en las que Dorthia luce en todo su esplendor. Evidentemente sería pretencioso por mi parte decir que el poder del disco está en su vocalista, pero, desde luego su papel, es muy, muy importante. 

«First to die» retoma sus orígenes doom de una manera más nítida. La cadencia del bajo portentoso, y una voz, más intensa; perdiendo esa dulzura que demuestra en otros temas, el compacto caminar por los terrenos más ortodoxos del doom queda patente. Solo cuestionados por algún riffs ácido que renace desde un segundo plano para llenar de humo intoxicante el corte. Las tinieblas más difusas aparecen en los surcos del tema.

Prescindiendo de los registros vocales, «Light into dark» se muestra como un corte intrascendente de efectos difusos y psicotrópicos.

Recuperando la pesadez, «Red cloud» ondula con poderío sobre fornidos riffs en los que flota la voz, surfeando en el tsunami sonoro en el que nos introducen.

Retomando la senda más tradicional del doom, las voces con tonos ocultistas y los desdobles de guitarras nos guían a través de catorce minutos de tránsito entre tinieblas amenazantes en «Eyeshine». Toda una ceremonia ritual en los confines más tenebrosos.

Con un mayor dinamismo, WINDHAND, sin abandonar el camino trazado siguen insertando acidez y fuzz en esa contundente base rítmica. Otro psicotrópico magnetizante y trastornador corte como «Diablerie» incide en las sombras. 

La magia de una aterciopelada y seductora voz pone fin en tono acústico a otra pista oscura, susurrante e hipnótica como es «Feather». Once minutos que sirven para un paseo por la calma psicodélica salpicada de efectos envolventes antes de retomar la pesadez de los ritmos doom.

Todo un paquete grueso y compacto con un envoltorio atractivo y cautivador, en el que la sutileza de la voz femenina tiene un peso fundamental para hacer un disco sólido y perfectamente estructurado. Sin perder de vista en ningún momento que el doom es lo suyo, pero siempre yendo un poco más allá. en un trabajo más estudiado.    

«ETERNAL RETURN» estará disponible el próximo día 5 a través de Relapse Records.

https://www.facebook.com/WindhandVA/

https://www.facebook.com/RelapseRecords/

 

KIKAGAKU MOYO.- «Masana temples»

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En MASANA TEMPLES, la banda quería desafiar sus propios conceptos sobre la música psicodélica. Su potencia se mantiene intacta en este disco, pero definen más sus composiciones haciéndolas más nítidas. Un trabajo que va mutando en constantes metamorfosis para obtener un resultado atractivo, bello e intenso.

Siempre dando rienda suelta a su creatividad y reflejándola con una ejecución magistral que denota el gran dominio que tienen de sus instrumentos. Constantemente en busca de la libertad mental en ese transito entre lo espiritual y lo material. Una espiritualidad a la que nunca renuncian, y lo hacen dándose libertad en la ejecución, como la han hecho desde sus inicios. La libre creación de una música que acaba acoplándose con la complicidad que los miembros de KIKAGAKU MOYO tienen entre si. Todos tienen su protagonismo, parece que estemos ante una banda, que aparentemente no tiene lideres, y cada uno es su propio jefe, sin perder el respeto oriental a los momentos de gloria de los demás. 

El sitar como protagonista en el primer tema del álbum, aportando ese toque oriental tan característico de los japoneses y que les hace una banda única en la escena. Belleza y espiritualidad unidos con la psicodelia nos inician en este viaje desde «Entrance»

Sonidos vintage de los sesenta aparecen desde la guitarra fuzz, con calma. A continuación la susurrante voz de Tomo Katsurada    se mezcla con tonos que coquetean con el jazz y la psicodelia apacible, así como con sonidos de la galería italiana setentera, con teclados y guitarra como protagonistas en «Dripping sun». Un re-confortable paseo  por floridos jardines del edén. Flores de loto y nenúfares despiden fragancias cautivadoras. a continuación la banda sale de ese estado de meditación para iniciar una travesía mucho más tormentosa intensificando su sonido con una sucesión de riffs de guitarra, que confirman ante quienes estamos. Una banda sutil pero sólida  en la que la fragilidad es solo aparente.

Los temas van mutando de la calma al ritmo, y del ritmo al sosiego. «Nazo nazo» refleja entornos de templos japoneses rodeados de flores de loto. El acento oriental lleva en forma de suave brisa reconfortante.

Si algo tienen KIKAGAKU MOYO es la facilidad para combinar y fusionar tonalidades distintas. Psicodelia, kraut-rock, jazz, folk,  todo entra en esas jams que libre y espontáneamente (o no tanto) se convierten en temas oscilantes. lo cierto es que el resultado parece sencillo dentro de la complejidad de algunas estructuras. 

El hipnotismo kraut que vemos en «Fluffy Kosmisch» gracias a la batería y a unos teclados repetitivos, es suavizada sin estridencias por la sutileza de los acordes del sitar para poco a poco ir introduciéndose en una espiral de sonido.

Siguiendo esa linea kraut, «Majupose» se construye sobre una línea de bajo que marca la melodía para ir incorporando elementos e instrumentos sobre la misma.

El smooth-jazz aparece en «Orange peel» sobre repetida estructura hipnótica y repetitiva. En una dinámico avance, estamos ante un corte evolutivo que incluye desde extrañas coros a voces cercanas a registros de bossa. el sitar y la guitarra más densa aparecen para arropar la composición.

En MASSANA TEMPLES encontramos más elementos jazzisticos que en sus anteriores trabajos. El hecho de haber grabado el disco en Lisboa junto al músico de jazz , Bruno pernadas supongo que tiene una gran influencia en ésto.  

A pesar de ser un disco algo más intimista que sus predecesores, los riffs potentes no desaparecen de la creación de la banda. Clara muestra de ello es «Gatherings», seguramente el tema más potente del trabajo, a pesar de que nos volvemos a encontrar elementos folk, una hechizante batería y tonos kraut-rock lisérgicos, la guitarra y el órgano de vocación retro le diferencia de alguna manera del resto de las pistas. 

Para cualquiera que escuche a KIKAGAKU MOYO por primera vez, puede sorprenderle la aparente fragilidad de una banda que logra transmitir toda la sensualidad de sus discos en su directos, pero con una fuerza y potencia que posiblemente no llegue a percibirse en sus surcos.

El disco cierra con una composición acústica en la que los arpegios de guitarra recrean un oasis de paz y relax sensorial ayudados por las aterciopeladas voces. «Blanket song» pone punto final a otro gran disco de KIKAGAKU MOYO

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Killer Moon – Nocturne en Nebula

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Desde aquel TUNNEL VISION de 2013 que me sorprendió gratamente he seguido la pista a esta banda de Chicago. Desde el día 28 de septiembre podemos disfrutar en formato físico de su álbum NOCTURNE INTO NEBULA  via Kozmik Artifacts 

Como dijo el difunto gran Timothy Leary: «enciéndete, sintonízate y déjalo caer « Este es el manifiesto de KILLER MOON, expandiendo la conciencia a través de su propia experiencia musical. Empujando los límites de realidad en una visión entre lo que es y lo que no es. Invocando los sentimientos y canalizando como conductores hacia ese abismo entre mundos, convirtiéndose en un faro que nos guía al borde de la realidad. 

Con un sonido que  mezcla la belleza melancólica con la contundencia a través de melodías y arreglos en los que la banda se deja el alma en cada nota de sus temas..
A través de una psicodelia pseudo-espacial en la que una guitarra fuzz supone el combustible que hace que esta Luna Asesina que nos llega desde Illinois, nos lleve en su viaje a través de ese espacio entre lo natural y lo que se escapa a la razón de la mente.
Tras el primer relato («Temple of son»), «Live fast die young» nos descubre todo el poderío real de la banda. Riffs ácidos desbordantes de fuzz, voces con tonos proto-metal, distorsiones diabólicas, y batería arrolladora y al algún aroma de blues rudo. Seguramente este tema podría definir el estilo de la banda, pero no, KILLER MOON es mucho más. solo tenemos que escuchar «Dazed», un tema en el que registros vocales evocadores del Jim Morrison más macarra, aparecen entre oscuros e inquietantes pasajes de psicodelia sideral a lo largo de sus catorce minutos. Un tema ácido, corrosivo, que fusiona de alguna forma los legados de Hendrix y Morrison, convirtiéndolos en algo pesado y salvaje después del tránsito humeante por territorios de oscura psicodelia.  

Si las guitarras de Jesse Garza puede ser lo que mas nos llame la atención (aparte de su peculiar registro vocal), la forma de tocar el bajo de Amaris Aviles no se le anda a la zaga.

Otro corte de catorce minutos, «African From space» son un fiel reflejo de lo que digo. Partiendo casi de la recitación, el corte evoluciona gracias a ese bajo que pone orden en los desvaríos de ese omnipresente guitarra hiriente. Un transito desde hipnóticos territorios kraut a espacios desérticos a través de grandes desarrollos instrumentales.

Las voces chamánicas aparecen de las nebulosas en pistas como «Death trip» o «Blind». Unas brumas salpicadas de una acidez extrema en dos cortes profundos e intensos. Las desgarradores e intensas voces y el derroche de los efectos fuzz se clavan en el alma. Penetrantes lamentos que son modulados con garra en escenarios cercanos a Black Angels.

«Transmitting» se presenta como uno de cortes más frescos con sus melodías mas cercanas a las propuestas de los noventa, dejando un poco de lado esos profundos abismos psicodélicos, pero solo un poco, que conste.

KILLER MOON se mueven como pez en el agua en las calmadas aguas de la psicodelia más apacible. Con suaves pasajes vocales nos arrullan en un canto reconfortante con efluvios bluseros en «Broken blues» o en «As above as below», en la que encontramos momentos evocadores de los mismísimos Pink Floyd

Una formación que transmite energía positiva iluminándonos con su música en un mundo sombrío, tratando de que nuestras vidas sean más placenteras con discos como  éste NOCTURNE INTO NEBULA.

ALL THEM WITCHES.- «ATW»

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Ya está aquí el esperado disco de una de las bandas más queridas de la escena pesada y psicodélica, y a su vez una de las más heterodoxas. Los prometedores adelantos que nos han ido ofreciendo en su bandcamp. no eran artificio.

Cuando alguien escucha decenas de discos nuevos semanalmente, como yo, y se encuentra con algo como ATW, es el momento de decir, stop!. Esto hay que saborearlo y degustarlo con la calma que merece. Cautivador!!!

Abriendo a golpe de bajo y órgano sobre una viril batería, éste ATW, «Fishbelly 86 Onions» nos da una pista de por donde ha ido en esta ocasión la apuesta del cuarteto. Con un comienzo más experimental y lisérgico de lo que cabría esperar, en el que la repetición del ritmo hasta puntos histriónicos, se contrasta con la solidez del corte.

En un cierto regreso a los orígenes, los primeros pasajes y voces de «Workhorse» nos traslada a Los Ángeles a finales de los sesenta. Cuando un jovenzuelo rebelde revolucionaba el mundo con sus afrentas. En tonos de blues, la voz  cercana a Jim Morrison. Un reconocible corte a lo ALL THEM WITCHES pero empapado de ácido.  Los tonos sureños de su Nashville natal se sienten en su surcos. Sugerente pero enigmático a su vez. Con una guitarra que suena a slide, sin llegar a serlo, la intensidad va poco a poco en aumento. Sin olvidarse de las buenas melodías el corte zigzaguea por cálidas atmósferas en las que aparece poca luz. Por momentos con un groovy heredero de J.J. Cale.

Solo dos temas y el disco me ha enamorado. All Them Witches siempre me pareció una banda muy particular en su sonido. Es fácil que haya bandas que puedan parecerse más entre sí, pero si escuchas un tema de ATW, no vas a tener ninguna duda.

Dicho ésto, «1st vs. 2nd.» me puede quitar la razón en alguno de sus pasajes. Psicodelia pesada, ondulante. Batería implacable y riffs que crecen desde sonidos desérticos, repitiéndose y clavándose en nuestras almas.  Tenso, psicotrópico, hipnótico. una nueva faceta en la experimentación de esta maravillosa banda en un tema en el que se dejan llevar….

El sonido del disco es impecable, aunque registra la fuerza de lo vivo, de lo crudo. Sugerentes y reconfortantes, calmados, pero intensos. Susurros vocales sobre una instrumentación que poco a poco va elevándose, para descender y reposar sobre la hierba más esponjosa que puedas encontrarte. 

Humeante y experimental, «Diamond», parece una gema, que la banda pule a base de psicodelia relajante e intrigante a su vez. Redondeando sus formas, la guitarrra, lima las aristas, mientras la batería reblandecen con su firme golpear ese diamante.  no es una pieza de alta joyería, sino, un adorno sin tanto glamour, pero impactante.   Un corte evolutivo en un trabajo que ondula constantemente. Una mutación en la forma de las canciones que parece improvisada, pero que, a buen seguro no es causal.  

Si el álbum es una conjunto es de esos discos que terminas de escuchar y vuelves a darle al play. Cada audición mas matices nuevos van apareciendo en algo, que si la primera vez te encantó, las siguientes ya te seduce por completo. ALL THEM WITCHES siempre tuvieron un gran poder de seducción, pero en esta ocasión, y desde mi  humilde opinión, se han superado. 

Con ningún tema mediocre, el caso de  «Harvest feast» es ya algo excepcional. Casi once minutos de blues psicodélico donde la banda deja claro quienes son, y el porqué de su éxito. Un tema profundo que rezuma blues y acidez. Desde la calma, el tema transmite ternura y sentimiento por los cuatro costados. En mi opinión el mejor tema del disco, y donde posiblemente, sean más reconocibles. Si el blues es sentimiento puro, ejecutado de esta forma, alcanza cotas sublimes. La pesadez desaparece para dejar paso al confort y a la sensibilidad.  Estéticos y atractivos pasajes de guitarra se fusionan con fragancias lisérgicas que se apoderan del oyente.

Es difícil recuperarse de unas sensaciones así, pero a continuación, aparece otro corte más experimental que nos rescata de nuestra levitación, para elevarnos a otra nueva dimensión. Con registros vocales cercanos a Dylan, poco a poco va tensándose y girando hacia oscuros caminos insondables. 

El álbum cierra con un tono floydiano al que los de Nashville ponen su propio toque shoegaze. En «Rob’s dream», contrarestan la calma que preside la mayor parte del corte, con unos pesados riffs que nos recuerdan de quién estaban hablando. Aparece esa vocación stoner que la banda lleva en sus genes, sucediéndose los largos riffs de guitarra para poner el broche de oro a lo que puede ser el mejor disco de la carrera de ALL THEM WITCHES. Un disco que en palabras de la propia banda, es como las personas, que cambian, y su música lo hace como ellos, sacando en cada momento su estado de ánimo o de motivación para componer música que sana el alma   

https://www.facebook.com/allthemwitches/

ELECTRIC CITIZEN.- «Helltown»

a1653305629_16Inyección de acero de heavy-rock con canciones van estallando según la aguja pasa por sus surcos..

La experimentación de su anterior trabajo, se convierte ahora en temas más directos y enérgicos. Sonido sucio y directo. ELECTRIC CITIZEN son otra banda de las que no hacen prisioneros. 

«Heart Attack» abre el álbum con un furioso ritmo galopante, guitarra crujiente con un tono de rango medio monolítico y el gemido característico de Laura, para crear un efecto inquietante. Desde los primeros 10 segundos, estarás colgado de las cabezas ferozmente, en una vuelta a lo básico. Riffs heavy que se van modulando a intensidades menores en pos de la melodía.

Se vislumbran ciertos tonos Sabbath en cortes como «Hide in the night», un tema netamente hard & heavy o en «Blooded Blue», en el que combinan esa energía heavy-rock con esa herencia, pero sacándola de alguna manera de la oscuridad.

Los efectos y las armonías su suavizan de alguna manera en «Father time». Usando la el registro más sensual de su vocalista,  componen una pseudo-balada de ambientación lisérgica. el lado más sutil y dulce se complementa por sus característicos y pegadizos riffs.

«Ripper» es el polo contrario. Una frenética trituradora que lo convierte todo en migajas. Sin hacer prisioneros y acercándose a territorios stoner, potentes y vertiginosos riffs son aderezados con una voz que tiende a recostarse levemente en una almohada blues.

Si lo que predomina es un sonido clásico heavy-rock,  en HELLTOWN hay pequeños recovecos para que se acomoden otros estilos. Estribillos pegadizos introducidos en unas melodías contundentes describen «The Pawn».

«New Earth» muestra por qué la banda continúa cosechando grandes elogios para la voz dramática de Laura y la habilidad de la banda para escribir canciones genuinas, en lugar únicamente una colección de riffs.

El cautivador lugar estelar de Laura, el tono y los riffs de Ross, los ritmos pugilísticos y contundentes de Nate, acompañados por las líneas de bajo deslizantes de Nick, (que regresa a la banda) distingue a ELECTRIC CITIZEN de otras de las apuestas que nos encontramos en la escena pesada.

«HELLTOWN» en muchos sentidos, un regreso al hogar. Si bien el título puede parecer adecuadamente metálico (si no excesivamente), en realidad tiene una relevancia real. Helltown (una sola palabra), aunque también multidimensional, lleva el nombre del vecindario de Cincinnati, Ohio, en el que la banda vive, practica y donde el álbum fue escrito, grabado y mezclado. Ahora conocida más prosaicamente como Northside, Helltown se ganó su nombre en el siglo XIX debido a su reputación de tabernas ruidosas frecuentadas por el vecindario de trabajadores de fábricas e inmigrantes. 

Ua oda al hogar de la banda y su pasado sepultado, también representa un regreso al sonido más fuerte de su debut en 2014, «SATEEN»

HELLTOWN estará disponible en LP, CD y descarga el 28 de septiembre de 2018 a través de RidingEasy Records.

https://www.facebook.com/ElectricCitizen/