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Reseña: SOUND OF SMOKE.- ‘Mirage

‘MIRAGE’, el tercer álbum de larga duración de la banda continúa con la fórmula característica de SOUND OF SMOKE con un fabuloso manejo de distinto estilos vintage, combinándolos con vibraciones más modernas. Hace tiempo que sigo a la banda y desde su álbum ‘TALES’ (reseña aquí) han permanecido en mi radar. La banda de Friburgo se mueve como pez en el agua entre el blues, la psicodelia, el soul el folk para crea un rock clásico atemporal al que añade unas dosis de Stoner e incluso doom. Estas nuevas canciones nacen guiadas por la portentosa y emotiva voz de su cantante Isabelle Bapté pero están acompañadas de creativas guitarras, y ritmo potente y poder de seducción al que es difícil resistirse. Un manantial creativo que desciende lentamente por cauces atravesados por aromas orientales, el espíritu bucólico de la West-Coast o por los desiertos más luminosos. Un collage sonoro vintage con identidad propia y completamente entretenido. Cada canción, aun con nexos comunes discurre por diferentes arroyos sonoros pintados con variados estilos. El bajo y la batería forman una base sólida e indestructible a lo largo de todo el álbum, sobre la cual la guitarra eléctrica y, sobre todo, la voz, pueden florecer y desplegarse plenamente. Extensos solos de guitarra salpican las canciones. Los sonidos de sintetizador, interpretados por Kiefer y Bapté, transportan todo a otra dimensión, un mundo mágico rebosante de belleza y color que me trasladas a otras épocas. Sin ser una banda mas retro, SOUND OF SMOKE sabe como despertar al oyente con oníricas canciones, lo cual parecería una contradicción, pero los cambios de registro y arreglos de cada una de ellas, y el buen manejo de los tiempos y las melodías hacen de ‘MIRAGE’ un álbum fluido y emotivo, un trabajo único en el que se muestran todavía más solventes que en sus anteriores entregas, un disco de fácil escucha y múltiples detalles. Estos chicos son una banda única y especial que todavía no he podido ver en directo, así que, tras este nuevo tesoro sonoro, espero encontrármelos pronto en la carretera, lo necesito.

El título ‘MIRAGE’ y la portada del álbum no dejan lugar a dudas sobre hacia dónde se dirige el viaje de SOUND OF SMOKE: las siluetas de los miembros de la banda se alzan rodeadas por un desierto árido y pedregoso, que parece fundirse con el fondo. Un sol radiante, un cielo estrellado y diversos objetos que recuerdan a planetas y setas se vislumbran en el horizonte. La portada invita al espectador a un viaje psicodélico con SOUND OF SMOKE a través de paisajes desérticos surrealistas. La obra fue creada por Mirkow Gastow, y la banda volvió a confiar en su talentoso artista, ya que Gastow también ha colaborado con otros artistas. Diseñaron la icónica portada de su álbum anterior, ‘PHASES’.

SOUND OF SMOKE son: Isabelle Bapté (voz, teclados) Jens Stöver (guitarra) Florian Kiefer  (bajo) Johannes Braunstein (batería).

‘MIRAGE’ está disponible vía Tonzonen Records.

‘Dancing Like Smoke’ nos presenta un mundo colorista en el que la psicodelia y la dulce voz de Isabelle Bapté crean un espacio sonoro psicodélico con elementos retro en los que el soul el hard rock y algún elemento Stoner avanzan con calma en una pista apacible pero no exenta de fuerza. La pista cuenta con acertados pasajes de guitarra sustentando su ritmo comedido.

Decantándose por los sonidos vintage más hipnóticos ‘Röntgenstrahlen’ presenta una combinación de ritmos kraut y unas armonías con reminiscencias más propias del Berlín más underground de los 80’s. Un collage luminoso que penetra en tu cuerpo sin remisión.

En un escenario de fantasía ‘Endless Night’ se nutre de una melancolía encumbrada por las dulces melodías vocales. Los elementos exóticos y las pincelas folk se adornan con pasajes psico-progresivos más propios de un relato ancestral. Es uno de los temas más psicodélicos del álbum y cuenta con un sonido de sintetizador que, junto con las voces que recuerdan a sirenas, es sin duda su sello distintivo

El exotismo de ‘Fata Morgana’ vuelve a situarnos en un entorno mágico entre sus ritmos tribales con una fusión de rock acolchado y pasajes más propios de otras tierras. Misticismo colorista en un caleidoscopio sonoro adornado con fragancias orientales. La canción bien podría interpretarse como el título del álbum, ya que una Fata Morgana es lo mismo que un espejismo. La canción tiene un paisaje sonoro crudo pero agresivo que recuerda a la atmósfera de un desierto oriental. La letra aborda una relación amorosa tóxica y la compara con una Fata Morgana. Bapté demuestra una vez más su habilidad y originalidad como compositora, y sabe cómo integrar los sentimientos de forma adecuada en el paisaje sonoro.

Sin salirse del guion, pero con un tono más retro los ecos bluseros de ‘New Direction’ se adornan con guitarras surf y reminiscencias desérticas más propias del lejano oeste. En este espacio, la cultivadora voz de Isabelle surge majestoso acompañando a una apacible instrumentación que fluye lentamente con el sol en el horizonte. Hermosa canción con tonos bucólicos y unos arreglos contenidos que explotan en la parte final con guitarras surf. Un ejemplo de la versatilidad de la banda.

 ‘Wicked Games’ se nutre de blues envolvente y retazos vocales que me recuerdan a la Janis más sensual. Su lento ritmo contiene livianos elementos psicodélicos antes de la eclosión de rock potente con reminiscencias 70’s. Su ritmo cambiante acaba apagándose entre nebilas psicodélicas.

Los ritmos se aceleran en ‘Lush’. El blues como argumento entre guitarras surf invitándonos al baile en toda una fiesta llena de color y aroma vintage.  Flower power desde Alemania, una fórmula que funciona.

Las cosas se ponen serias con la contundente ‘San Junipero’. El lado mas pesado de la banda aparece por momentos entre ecos de classic-rock y cambios constantes. Stoner, blues, soul en una mezcla explosiva que te derretirá la cara a la vez que sanará su alma en los pasjes más suaves y susurrantes. 

‘Zweierlei’ pone el cierre al álbum con una mezcla de elementos atmosféricos en su apertura que van evolucionando a un escenario campestre a través de ritmos sencillos y repetitivos que se van fusionando con riffs poderosos y tonos rurales en los que la psicodelia subyacente aparece con mesura. La pista se diluye entre sonidos de sintetizadores aportando un carácter cósmico a su sutil psicodelia.

Sound of Smoke

Tonzonen

Reseña: MISTER EARTHBOUND.- ‘Ostara’

Han pasado casi cuatro años de su álbum debut ‘SHADOW WORK’ (reseña aquí) MISTER EARTHBOUND regresa con su EP ‘OSTRARA’ , el primer capítulo de lo que será su segundo álbum. Empapando nuestras almas de los efluvios pantanosos con sus narcóticas canciones envueltas en una energía más propia de otros tiempos. Psicodelia con genes bluseros y unas voces cálidas pero que muestran su garra sumiendo al oyente en una atmósfera chamánica. Intensidad sonora desde la calma del swamp-rock más auténtico como comienzo de la serie de Ep’s ENDLESS MAN, su mayor proyecto hasta la fecha. Hipnóticos, delicados y enérgicos cuando llega el momento, MISTER EARTHBOUND se postulan como una realidad dentro la escena psicodélica pesada. Con una sensación vintage, estas tres pistas evocan el legado de las bandas más seductoras de los 70’s. Con las dosis medias de doom, de ocult-rock, de blues y ese ambiente evocador de los humerales de Richmond natal, es plasmado en canciones interpretadas sin prisa, pero sin pausa, estos chicos nos ofrecen unos minutos rebosantes de belleza y emotividad que no te dejarán indiferente. Atrapantodete en un gratificante estado meditativo del que no querrás escapar, los ecos de bandas como All Them Witches, Uncle Acid, o Dead Meadow están presentes en este emocionante trabajo. Sin grandes complejidades y yendo directos al grano saben cómo capturarte con sus sólidas y emotivas melodías, ya que la energía innata de sus canciones no tiene fisuras, dando siempre en clavo con los giros de intensidad de sus canciones. Esta nueva entrega de la banda solo tiene un problema: ¡sabe a poco!, ¡Quiero más de esta medicina!

‘OSTARA’ es una forma perfecta de dar la bienvenida a la primavera. El Ep fue grabado, mezclado y masterizado por el propio Walter Gray en su estudio The Funhouse, ‘OSTARA’ es el primero de una ambiciosa nueva serie de EPs en 2026. Cada uno se lanzará en un solsticio o equinoccio estacional, y la colección completa se publicará como su segundo disco, ‘ENDLESS MAN’.

MISTER EARTHBOUND son: Walter Gray (guitarra), Jason Kusterer (bajo y voces), Grayson Tolliver (guitarra) y Jordan Faett (batería).

Con una introducción atmosférica ‘Foolish Eyes’ refleja los efluvios pantanosos en los que la banda de Richmond se maneja. Sus tonos chamánicos aportan un narcótico viaje psicodélico lleno de sensibilidad. Con momentos desgarradores la pista se mantiene en un plano lisérgico que no parece romperse con facilidad. Envolvente y nebulosa la pista ofrece el lado más trascendental de la banda. Un corte hipnótico con tonos meditativos en un ambiente humeante y relajante con guitarras fascinantes y un bajo cálido que amortigua su sonido en bellos pasajes aderezados con desgarradores momentos. La alternancia del registro es ejecutada con una mesura que acaba por conquistarte.

‘Even Me Out’ sigue la línea de la canción anterior con elementos de blues psicodélico que tan bien saben interpretar. Un tono vintage nos sume en un nuevo capítulo de los de Virginia. Comedidos y siempre hipnóticos, la densa neblina cannábica nos invita a un éxodo relajante y lleno de alicientes. Esa fuerza intrínseca solo se altera ocasionalmente con momentos de mayor intensidad sin alterar su esencia.

 En ‘Only Son’ la intensidad se plasma en profundos pasajes que dejan paso a la luz entre acolchadas melodías vocales. Siempre estimulantes, estos chicos saben con atrapar al oyente en su pócima mágica. Sus floridas melodías son un paréntesis para sacarnos de la monotonía situando al oyente en un particular espacio sensorial de suma belleza en la que los ecos del rock más lisérgico de los 70’s tiene su espacio de desarrollo ideal.

Mister Earthbound

Reseña: GJENFERD.- ‘Black smoke rising’

Hace cerca de un par de años los noruegos GJENFERD despertaban mi interés con su prometedor álbum debut homónimo (reseña aquí), ahora con la publicación de su segundo álbum BLACK SMOKE RISING, dejan claro que aquello no fue un espejismo y que estamos ante una banda solvente. El cuarteto de Bergen vuelve a dar en el clavo con un enfoque de composición más sólido sustentado en una emocionante dupla de guitarra y órgano vintage como protagonistas de sus composiciones. Estamos ante un álbum que según se va avanzando en su escucha va creciendo en complejidad y maestría de sus canciones. Porque BLACK SMOKE RISING es un álbum épico que de despeina con unas pistas imponentes con las que atrapan al oyente en su particular mundo sonoro. Un espacio que puede resultante familiar gracias a la facilidad de los noruegos en el manejo de sonidos de los 70’s en toda su extensión: hard-progresivo, psicodelia, heavy-rock, blues…, pero que también se desenvuelven con soltura con el Stoner de una manera sutil y convincente. Abrumándote y golpeándote con fuerza, acariciándote e hipnotizándote o sencillamente poniéndote a bailar GJENFERD logran el objetivo de atraer al oyente a su causa como si de una droga se tratara. Esos continuos ‘sube y baja’ y la enorme cantidad de giros de sus canciones son elementos a los no me puedo resistir. Impulsando riffs sólidos y líneas vocales pegadizas con una clara sensibilidad pop junto a la pesadez e hipnotismo de su base rítmica competan una jugada maestra. Sin andarse con rodeos BLACK SMOKE RISING se convierte en un álbum adictivo del que no querrás salir nunca, y lo haces, estarás deseando regresar a él, ya que tiene la capacidad para que en cada nueva escucha descubras un mundo nuevo que no percibiste con anterioridad. De nuevo GJENFRED me han conquistado con un trabajo descomunal que hace que mis ganas de verles tocar en directo se disparen. ¡¡¡Ojalá suceda pronto!!!

BLACK SMOKE RISING está disponible vía Apollon Records.

GJENFERD son:
Jakob Særvoll – Teclado y voz
Vegard Bachmann Strand – Guitarra y voz
Samuel Robson Gardner – Bajo
Sivert Kleiven Larsen – Batería y voz

‘Crimson rain’ golpea sin contemplaciones a las primeras de cambio con sus estribillos pegadizos de hard-rock setentero y ese órgano vintage que marca el devenir de gran parte de las canciones del álbum. Contundente en su sonido, los tonos vintage envuelven una pista enérgica y pesada en la que los ganchos melódicos aparecen veteados. Rock sin contemplaciones a la vieja usanza.

En un espacio sonoro psicodélico ‘Bound to fall’ emana efluvios lisérgicos antes de despeñarse por un torrente de teclados impulsados por una línea de bajo excelsa. Con una estructura melódica bien diseñada la pista se muestra rugosa y firme manteniendo el tipo con una voz

La contundente ‘Black smoke’ combina la solidez Stoner con el legado del hard-progresivo y el proto-doom de los 70’s. Oscura y con ciertos tonos psicodélicos la pista sube y baja en una emocional montaña rusa de intensidad.

Los ecos vintage de la suave ‘Calling your name’ son como un bálsamo tras la embestida del corte anterior. Esta acolchada pista evoca los más crudos momentos del hard-progresivo en un desgarrador relato en el que lo almibarado se va tornando más agrio. Esta fuerza intrínseca contrasta con los delicados pasajes melódicos en los que la psicodelia apacible nos invada como un gratificante sueño. Un monstruo bicéfalo de canción.

‘Attergangar’ es un breve interludio con pasajes de órgano.

Evocando el sonido de DEEP PURPLE, la penetrante ‘The thrill’ es una pista vintage en la que la fusión de guitarras mas propias de MOUNTAIN se adorna con una melodía fascinante. Otra magnífica canción que taladra tus neuronas con ese órgano diabólico pero que amortigua su ímpetu con melodías vocales que te atrapan. Con el legado del hard de los 70’s como sólidos cimientos, los noruegos consiguen un edificio sonoro monumental.

‘Stillferd’ es otro interludio acústico con melodías folk que nos amortigua la transición a la oscura e inquietante ‘The silence’. Aquí la penumbra cubre unos acordes lentos y misteriosos con un tono lúgubre que explota en solos asesinos y tempo cadente y plomizo. Pero estos chicos tienen la habilidad de huir hacia adelante con una acertada fusión de hard-progresivo y heavy-rock de antaño. Un torrente desbordado.

Entre acordes de blues psicodélico y una atmósfera lisérgica ‘Ride on’ va creciendo a lo largo de sus cinco minutos mostrando que GJENFERD son una banda versátil, una banda con las ideas claras, pero que no se anquilosa en sonidos trillados, sino que tiene la capacidad para darles una vuelta total sin desmerecer de los pioneros. Posiblemente, aunque los ganchos vocales no destaquen tanto, los constantes cambios de registro hacen de ella uno de los tesoros de este álbum que según se escucha va creciendo. La banda cierra el circulo cona parte inicial psicodélica, una locura de ritmos salvajes en su parte central y un final que se apaga entre efluvios psicodélicos.

Y tristemente llegamos al final con la canción más larga del álbum. ‘Spread like wildfire’ nace con riffs stoner para sumirnos en un viaje al corazón de los sonidos psico-progresivos de mediados de los 70’s. Poderosa en su apertura, la fuerza de sus riffs se va moldeando hasta convertirlos en un viaje psico-progresivo que atraviesa un espacio sonoro completamente estimulante para el oyente. Suave por momentos, los melódicos momentos dejan paso a una deflagración de riffs monumentales coloreados con melodías cautivadoras. Rugoso y acolchado a partes iguales, el corte se contonea con una narrativa fluida que abarca diferentes espacios estilísticos con un nexo común. Ese punto central de partida hay que encontrarlo en el rock de los 70’s antes de su expansión por otros mundos sónicos, todos ellos muy apetecibles. Lisérgica, sinfónica, pesada y con un sonido cautivador, ‘Spread like wildfire’ se convierte en mi pista favorita ya que en ella puedo reconocer ecos de muchas de las bandas que me han cautivado a lo larga de mi trayectoria vital. Su guitarra floydiana su órgano pastoral y esa base rítmica inquebrantable hace que la pista se corone como el punto culminante de un trabajo superlativo.

Gjenferd

Apollon Records

Reseña: SYKOFANT.- ‘Leaves EP’

Casi un año después de la publicación de su EP ‘RED SUN’, (reseña aquí), los noruegos SYKOFANT vuelven con la segunda parte de lo que supone su segundo álbum ‘RED SUN LEAVES’. ‘En esta ocasión ‘LEAVES’ se centra en bosques frondosos a través de la reflexión, el movimiento y la transformación,  profundizando en ese enfoque progresivo y sin olvidarse del sonido orgánico de tonos vintage impulsan sus canciones con una inmediatez para el oyente gracias a su fluida narrativa y a arreglos complejos que se ejecutan con la destreza necesaria, haciendo que el oyente se sienta parte del relato. Con evidentes vestigios de bandas como CAMEL o PINK FLOYD (solo por citar alguna), la paleta cromática de la banda se expande por variados territorios sonoros logrando una escucha reconocible de unas canciones con una esmerada composición. Esta evolución adquiere su culmen con la última pista del álbum, en la que, en dieciséis minutos excelsos, logran poner el broche de oro a su cautivador relato. Con una profundidad de elementos y con unas voces aterciopeladas huyen del ruido en beneficio de la melodía y la pureza de unas hermosas canciones. Con pasajes de rock pastoral, con comedidas excursiones psicodélicas y algún momento heavy-rock, el rock progresivo de los noruegos ha evolucionado manteniendo la esencia de los pioneros de mediados de los 70’s, y lo hacen sin vivir del pasado sino mirando al futuro, un horizonte que debería darles grandes alegrías, porque de calidad, van sobrados. Su música es un campo de juego para lo inesperado, impulsada por líneas de bajo con groove, un trabajo de guitarra expansivo y angular, baterías polirítmicas y voces evocadoras y cambiantes. La interacción entre estos elementos da como resultado composiciones que se sienten a la vez cuidadosamente construidas y peligrosamente desquiciadas, un delicado equilibrio de precisión y emoción cruda y sin filtros. Su enfoque compositivo es tan poco convencional como su sonido. En lugar de adherirse a las estructuras tradicionales de estrofa y estribillo, sus composiciones se despliegan en movimientos, y cada sección revela nuevas dimensiones y estados de ánimo. Las canciones pueden comenzar en una neblina introspectiva, para luego estallar en riffs irregulares y tempos cambiantes momentos después. Esta imprevisibilidad es lo que hace que la música de Sykofant sea tan cautivadora: invita a los oyentes a embarcarse en un viaje sin destino seguro, pero cada giro merece la pena.

SYKOFANT comenzó como un espacio creativo para los guitarristas Emil Moen y Per Semb, un espacio donde las convenciones del género podían modificarse, romperse y reconstruirse de maneras nuevas e inesperadas. Lo que comenzó como improvisaciones nocturnas espontáneas en un sótano de ensayo en el centro de Oslo evolucionó gradualmente a algo mucho más grande: una odisea de rock progresivo que tomaría forma a lo largo de 3 o 4 años. Para cuando su álbum debut homónimo llegó en 2024, SYKOFANT había forjado un sonido tan impredecible como inmersivo. Los 55 minutos de duración del álbum debut se despliegan como un sueño febril, entrelazando a la perfección composiciones progresivas extensas, grandeza cinematográfica y energía pura y sin filtros. La crítica elogió sus ricas texturas sonoras, su narrativa dinámica y su experimentación audaz, comparándolos tanto con los clásicos gigantes del progresivo de los 70 como con las corrientes más vanguardistas del rock moderno. La música oscila entre baladas delicadas y melancólicas y estallidos de funk angular, entre conmovedores motivos de blues y eufóricos coros pop, todo ello sin perder en ningún momento su sentido de cohesión ni profundidad narrativa. ‘LEAVES’ se erige como una continuación y una conclusión, una contraparte natural de ‘RED SUN’ que cierra el círculo del proyecto con más elementos acústicos que los experimentados anteriormente. Destaca el compromiso de SYKOFANT con la narrativa extensa y la composición detallada.

Tras el eclecticismo se esconde una visión artística más profunda. En esencia, SYKOFANT se centra en la narración, no solo a través de las letras, sino a través del sonido mismo. La banda crea intrincados mundos sonoros donde los cambios de compás y las progresiones de acordes poco convencionales evocan emociones que las palabras por sí solas no pueden capturar. Su música no se limita a seguir una estructura; se retuerce, gira y evoluciona, creando una experiencia tan cerebral como visceral.

SYKOFNT está formada por Emil Moen (guitarra, voz), Melvin Treider (batería), Per Semb (guitarra) y Sindre Haugen (bajo).

‘Roots and canopy’ es una cautivadora canción que te traslada a un lugar reflexivo en el que la música fluye exhalando hermosas melodías de rock progresivo vintage. Voces acogedoras, guitarras elegantes y un ritmo pausado solo alterado por la embestida final que nos lleva la siguiente canción.

Con un inequívoco acento floydiano ‘Mycelium march’ se vuelve más oscura e inquietante con una estructura más elaborada y experimental. A diferencia de la pausada canción anterior las cosas se vuelven más rugosas y empíricas.

La tercera canción, ‘Heart of the Woods’, es una pista de más de dieciséis minutos en los que podemos encontrar, desde acordes acústicos de folk-progresivo, pasajes psico-progresivos completamente reconocibles en los que los noruegos parecen venerar a bandas como CAMEL con algodonadas melodías y elementos más pesados en un flujo constante de música vintage llena de encanto. Solos asesinos que coquetean incluso con un ambiente heavy-rock, elevan la apuesta en una pista llena de matices, cambiante, y siempre sorprendente. Con muchas reminiscencias del pasado, SYKOFANT consiguen equilibrar lo vintage con un orgánico sonido contemporáneo haciendo que la pista se presente como majestuosa hata con un final ceremonial guiado por coros celestiales y una temática pastoral con sutiles acordes acústicos. Una buena forma de cerrar este capítulo doble.

La banda ha puesto en su página de bandcamp el Ep completo en una sola pista para poder gozar de una experiencia más global.

Para celebrar la finalización de este lanzamiento en dos partes, ambos EP —Red Sun y Leaves— se lanzarán juntos como un álbum en formato físico . El lanzamiento combinado estará disponible en vinilo y CD (la preventa comienza el 23 de enero y los envíos están previstos para los próximos meses). Esta edición física presenta el proyecto tal como se concibió originalmente: una experiencia de álbum unificada, diseñada tanto para la escucha inmersiva como para coleccionistas.

Sykofant

Reseña: ROSTRO DEL SOL.- ‘Universo 25’

Llevo siguiendo a los mexicanos ROSTRO DEL SOL desde que me sorprendieron con su álbum debut homónimo (reseña aquí) en 2021. En 2023 con su EP ‘BLUE STORM’ (reseña aquí) corroboraron que la calidad de su primer trabajo no fue un espejismo, y ahora, con su nuevo álbum vuelven a demostrar que ROSTRO DEL SOL son una fantástica banda llamada a tener mucha más repercusión y respeto de la audiencia. La banda ha compuesto un álbum conceptual combina rock progresivo sinfónico, jazz rock, blues, psicodelia pesada y finos pasajes de improvisación, construyendo una narrativa sonora inspirada en experimentos con animales reales, creando una historia llamada Universo 25. Actualmente compuesta por Mitch, Joel, Jorge, Miguel, Cassiel y Alejandro, la banda busca transmitir diferentes sentimientos y sensaciones al oyente a través de sus ritmos y melodías aí como una experimentación no vista ahora. El resultado son diez canciones en las que los elementos progresivos de manual y el jazz-rock se agolpan con estructuras complejas. Esta evolución hace que los elementos de rock clásicos y el blues dejen un espacio a intrincados pasajes sinfónicos en los que el órgano vintage y el piano toman las riendas de sus canciones. En algún espacio entre el sonido de la escena Cantenbury, y del hard progresivo de bandas como Yes, Jethro Tull o Camel, ROSTRO DEL SOL sabe como colorear este tapiz sonoro con una psicodelia que por momento se torna ácida, mientras que en otros venera el legado Santana con ritmos más coloristas. Esta equilibrada dualidad guitarra-teclados se manifiesta en la mayoría de las canciones haciendo que éstas siempre nos sorprendan. Una apuesta arriesgada que da unos frutos excelentes y que aúpa  los mexicanos como una banda madura que sabe a lo que juega. ‘UNIVERSO 25’ es un trabajo que hará las delicias de los fans más ortodoxos del rock progresivo, y que a su vez ofrece la oportunidad a otros para adentrarse en un mundo musicalmente complejo, pero sumamente cautivador en el que la improvisación y pasajes de free-jazz también tienen cabida gracias a la espontaneidad con la que la banda ejecuta sus canciones.

El álbum fue grabado, mezclado y masterizado en Rec-On Studio por Jorge Trejo entre 2024 y 2025 con colaboraciones de Max Mountain, Alain Bravo y Carlos Greco en «Argonne». ‘UNIVERSO 25’ está disponible vía ECHODELIC RECORDS, CLOSTRIDIUM RECORDS , STONERS DEALER RECORDS, SMOGLES RECORDS. Arte de portada: Elena Ibáñez (España).

Los ecos de bandas como Jethro Tull aparecen a las primeras cambio en ‘Universe’. Fuertes vibraciones progresivas y tonos mas propios de la música de Bach nos envuelven en un viaje al pasado. Clasicismo, aromas jazz y golpes de hard progresivo componen una pieza excelsa y con unos magníficos arreglos que le aportan un sinfonismo clásico. En la mitad del corte la guitarra se extenúa en solos ácido dando un toque enérgico a ese cambiante tema que muere en un Jardín de Eden con un sonido algodonado y celestial.

Sin salirse de esa estancia clásica, ‘Predicator’ es una pista sustentada en el sonido del piano con un tono oscuro y dramático. Como si se mascara la tragedia, ROSTRO DEL SOL componen una pieza clásica en formato rock.

En una línea similar la diabólica ‘Bicéphalus’ se sumerge en un escenario sonoro de jazz-rock a la vieja usanza. El sonido del saxo se balancea sobre un ritmo hipnótico y repetitivo en una especie de free-jazz vanguardista. Taladrando las neuronas del oyente con una experimentación desmedida hasta la llegada de la guitarra de Mitch esparciendo su hechizo en solos psicodélicos. Esta dualidad es uno de los elementos característicos de este nuevo álbum de los mexicanos como se demuestra en el solo de órgano vintage que aparece en la parte final del corte.

‘Atomic ark’ mantiene el tipo sobre una base sólida de jazz progresivo. De nuevo los ecos del rock vintage se ensamblan en otra hermosa canción con una cuidada melodía y unos arreglos bien manejados. Imagina a Santana como solista de una banda de hard-progresivo y encontrarás su esencia sonora.

Envuelta en una intrigante atmósfera ‘Beyond and the smoke’ nos susurra con la cautela del que no quiere ser descubierto. Esta banda sonora de film de suspense incide en apoyarse en esos teclados que tan bien les funcionan. En esta ocasión el jazz se viste de etiqueta para ofrecernos una corte elegante y sofisticado a la vez que algo más ortodoxo si cabe.

La progresiva ‘Collapse’ me recuerda por momentos algunas bandas españolas de finales de los 70’s y primeros 80’s nacidas en Andalucía. Incidiendo en la misma estructura de acordes repitiéndolos una y otra vez, la banda entra en bucle con una pieza cuasi clásica en la que las raíces progresivas están latentes.

Esa locura transitoria del corte anterior nos lleva a una pieza colorista como es ‘Paragon’. Sobre una base progresiva los mexicanos incorporan elementos jazz bajo la atenta mirada de ese órgano vintage tan presente en todo el álbum. Una pieza compleja por momentos que brota esplendorosa con el magnífico trabajo de guitarra en una conversación de instrumentos tocados con gran creatividad y talento. Cambiante, el corte mas largo del álbum deja espacio para la experimentación sin perder su esencia.

En un tono melancólico ‘Isolated head’ se recrea en paisajes románticos que sirven para el lucimiento de esa guitarra con reminiscencias de Santana que ya habían mostrado con anterioridad. Una bella canción con la que consiguen llegar al alma del oyente proporcionando un estado de relajación presidido por la belleza.

En una atmósfera con reminiscencias del sonido Canterbury ‘Mother of illusion’ nos sumerge en una espiral progresiva que golpea sobre nuestras neuronas. Esta claro que la banda ha compuesto el álbum más complejo hasta la fecha y esta canción es un evidente ejemplo de ello.

Para cerrar ‘Argonne’ aparece como magnífica pieza progresiva en la que el sinfonismo y los coqueteos jazz cobran un gran protagonismo. Ondulante y cambiante la canción evoca momentos más propios de Yes en una combinación sumamente sugerente. Todo un viaje al corazón del hard progresivo que brillaba a mediados de lo 70’. Un corte de manual con logrados arreglos y una narrativa fluida.

Rostro Del Sol

Echodelick Records

clostridiumrecords

Stoners Dealer Records