Etiqueta: sludge

Reseña: RAINBOWS ARE FREE.- ‘Silver and gold’

La banda de Oklahoma sigue sorprendiéndonos con su nuevo álbum ‘SILVER AND GOLD’. Nacidos al calor del proto-metal de los 70’s y de los sonidos pesados de los 90’s RAINBOWS ARE FREE no escatima esfuerzos para presentar a sus fans un álbum solvente en el que no parece haber límites para expandir su creatividad. Su oscura propuesta psico-progresiva lleva al oyente a una encrucijada en la que las vibraciones pesadas del siglo pasado siglo se encuentran con emocionantes paisajes sonoros psico-progresivos sin escatimar un ápice en la contundencia de sus riffs. La banda golpea al oyente con guitarras crujientes que estallan en leads explosivos que se apoyan en una sección rítmica enérgica, unida por un entramado de sintetizadores espaciales y atmósferas de guitarra. Con ‘SILVER AND GOLD’. encuentran su propia piedra filosofal para gozo de los que estamos saturados de apuestas que suenan igual. Esto no quiere decir que los riffs rompe-cuellos no estén presentes, pero si lo hacen insertados en unas cuidadas composiciones que acaban inclinándose por laderas psico-progresivas llevan de argumentos para caer rendido a su propuesta. Este fresco y emocionante álbum hará que te enganches a su hilo argumental con unas pistas complejas nacidas de la destreza de la guitarra y la composición de Richie Tarver, junto con los paisajes sonoros ambientales de Joey Powell en la guitarra rítmica y Josh Elam en el sintetizador espacial, y redondeados por el extremo atronador de Jason Smith en el bajo y Bobby Onspaugh en la batería. Sin duda ‘SILVER AND GOLD’ es uno de esos álbumes que te sorprenderá pero que también te sonara como algo familiar.

‘SILVER AND GOLD’ está disponible vía Ripple music.

RAINBOWS ARE FREE es
Brandon Kistler – Voz
Richie Tarver – Guitarra principal
Jason Smith – Bajo
Joey Powell – Guitarra rítmica
Bobby Onspaugh – Batería
Josh Elam – Sintetizadores

‘Your Girl’ palpita con su hipnótica línea de bajo y un ritmo dinámico y contagioso. Desarrollando la pista en una nebulosa atmósfera psicodélica su sonido guarda el equilibrio entre la pesadez y los espacios psico-progresivos de alto nivel.

Con un sonido más contundente ‘Runnin’ With A Friend Of The Devil’ se nutre de pasajes de sintetizadores consiguiendo que una pista pesada se convierta en todo un carrusel de vibraciones envolventes y cautivadoras. En un tono comedido la banda ofrece una canción llena de matices coloreando sus atractivas melodías. Equilibrando la canción con ecos del pasado RAINBOWS ARE FREE no tiene reparos en proseguir con su experimentación para lograr canciones consistentes

‘Solar Flare’ se recrea en un escenario sonoro mucho más suave. Sus delicados acordes psicodélicos son arropados con un espíritu progresivo que nos impulsa a un entorno más inquietante y misterioso en el que desarrollar sus melodías con turbadores pasajes de nítida vocación lisérgica. El resultado es una pista oscura y compleja  con buenos pasajes heavy-psych y un tono turbio y difuso.

Reflexionando sobre la sociedad actual ‘Sleep’ baja las revoluciones llevando al oyente a un mundo mágico en el que los acordes brotan sumiendo al oyente en un chamánico trance sensorial. Su lento pero penetrante ritmo cala profundamente en el oyente con un crescendo intenso sin perder su aura lisérgica. En la parte final la pista ofrece su lado más contundente con riffs plomizos y devaneos psicodélicos

‘Hide’ nos sitúa en un espacio oscuro en el que las vibraciones del rock gótico se entremezclan con elaborados cambios y una voz cruda y emotiva que te atrapa en su relato. En esta canción la banda plasma su amor por los ecos progresivos sin renunciar a su contundencia, haciéndolo sin estridencias, pero plasmando toda su fuerza intrínseca.

‘The Light’ se postula como una pista que va directa al grano. Su cadente pero efectivo ritmo sirve de hilo argumental de otra canción que navega por cambiantes aguas sonoras dejando patente una vez mas que estos chicos son especiales y únicos. Con un poderoso bajo y ocasionales pasajes en los que el órgano se asoma para tomar su momento de protagonismo, la pista funciona en un mundo de oscuridad en el que los elementos psicodélicos tienen su habitual espacio dentro de la pesada propuesta que RAINBOWS ARE FREE defienden.

En ‘Dirty’ todo se vuelve mas alocado y frenético. Una pista vibrante ejecutada a la velocidad de la luz invitándonos al desenfreno. El eclecticismo en su estado puro levantando los ánimos con un sonido denso, complejo y envolvente del que es difícil huir. Un torrente de vibraciones alternativas coloreadas con pesadez psicodelia y esos genes progresivos tan presentes en cada una de las canciones, que se trate de pista diferentes como esta.

‘Fadeaway’ incide en los pasajes trascendentales envueltos en psicodelia pesada y complejos desarrollos progresivos. Esta fórmula compleja nos lleva a disfrutar de una canción cautivadora en la que las estridencias brillan por su ausencia. La enredada pista cuenta con voces desgarradoras y una instrumentación tupida que va engrosando lentamente su sonido sin perder su esencia psico-progresiva.


Sin perder su propuesta atmosférica, la inquietante ‘The Gift’ cuenta con voces aterradoras y solos de guitarra de auténtico heavy-rock. En un entorno confuso la pista ofrece un sinfín de alicientes al oyente, desde momentos doom, desgarradores pasajes sludge con una contundencia descomunal, hasta pinceladas de ese rock psico-progresivo tan presente en todo el álbum.  

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Reseña: IAH.- ‘V’

Los argentinos IAH son una de las bandas más sólidas de la escena del cono sur latinoamericano. Con cuatro alabados álbumes a sus espaldas, habían ofrecido hermosos trabajos en los que predominaba post-rock con un fuerte carácter psicodélico, pero ahora con su quinta entrega, muestran su lado más pesado y experimental. Una faceta no mostrada hasta ahora con tanta contundencia con la que construyen toda una travesía sonora que transita por escarpados y rocosos espacios en los que el post-metal más monumental se presenta en canciones que giran argumentalmente para dar sacar al oyente del hastío. Pasajes ambientales de vocación espacial que son enriquecidos con monumentales y faraónicos desarrollos post-rock son el antídoto que IAH utiliza para equilibrar la desmesura de sus rugosos riffs. Con sutiles soplos shoegaze hacen que los fangosos riffs se conviertan en algo liviano y elegante. Presidido por la melancolía, el álbum contiene elementos suficientes para tanto para despertar al oyente del letargo, como para sumirlo en un gratificante sueño en el que los bellos pasajes de una guitarra rebosante de hermosas texturas acaban por conquistarnos. La inspiración de los argentinos queda plasmada en majestuosas canciones que habitan en un espacio oscuro e intimista creado en un laboratorio en el que versátiles estilos se fusionan en un magnífico, sorprendente y contundente álbum. Conteniendo canciones en línea de bandas como RUSSIAN CIRCLES, las impactantes pistas son construidas para crear un entorno cinemático con una narrativa fluida. Lo cierto es que IAH son una banda con un sonido personal, pero eso no supone un obstáculo para explorar nuevas rutas con las que enriquecer el mismo sin que éste, pierda su esencia. Con su nuevo álbum ‘V’, lo han conseguido. Enhorabuena, prueba superada.

‘V’ fue grabado en Gran Rosa Estudio por Mario Carnerero, mezclado y masterizado en Plutonio Estudio por Mario Carnerero. Asistentes de grabación: Santiago Ludueña y Matías Ruda. Drum Doctor: Fernando Caballero. Guitar Doctor: Mario Carnerero. Asistente: José Bazán. Foto de portada: Feed de plume. Arte: Mauricio Condon. Producido por Mario Carnerero e IAH. Disponible a primeros de año vía Kozmik Artifatcz.

IAH son: Juan Pablo Lucco Borlera (bajo), Mauricio Condon (guitarras y sintetizadores) y José Landín (batería).

El trio nos sumerge lentamente en ‘Kutno’ con una introducción atmosférica de tonos espaciales que tras dos minutos nos sitúa en un entorno en el que los golpes de post-metal hacen crujir el ambiente. Impulsados por unos tambores que redoblan una y otra vez, el grueso sonido de sus densos riffs nos ofrece una versión fornida de los argentinos. Tenemos que esperar a pasar la primera mitad de la canción para encontrarnos esas delicadas melodías a las que nos tienen acostumbrados estos chicos. Ahí, el post-rock mas hermoso aflora en un génesis cubierto por una atmósfera oscura que nos recuerda sus primeros pasos. Una dualidad que refleja las dos caras de IAH tiene en la actualidad. La pista culmina con un torrente de riffs rugosos y pesados que acaban construyendo monumentales espacios sonoros.

Dejando patente que no son una banda que se encasilla en un género, ‘Madre de los suspiros’ presenta algunos momentos shoegaze que hacen evolucionar la pista a un precipicio doomgaze y post-metal en el que todo parece volverse más abrupto. Es allí donde despliegan todo su arsenal de hermosos desarrollos instrumentales entre muros de riffs rugosos. Una canción épica y cinematográfica que culmina con brillantes momentos de guitarra con un aroma exótico.

Los sosegados e hipnóticos acordes de ‘Yaldabaoth’ sirven para explorar boscosos espacios heavy-psych. Efectos, riffs gruesos y un marcado carácter post-metal, violentan el relato. Todo un crisol de estilos dispuestos para sorprender al oyente con un sonido crudo y pesado, pero por momentos mágico y ensoñador. Golpes de doom, momentos sludge, y una psicodelia que se mestiza con el post-rock para presentar al oyente un amplio abanico sonoro. Una ondulante travesía con sus momentos de calma en contraste con otros, verdaderamente tormentosos.  

‘Sono io!’ es un breve interludio de menos de dos minutos con cautivadores y pausados acordes en pura línea post-rock.

Retomando los crujientes riffs ‘Sentado en el borde de una pregunta’ navega entre contundentes riffs y unos abrasadores tambores en aguas sludge, post-metal en su primera mitad, para descender a profundidades post rock en un giro absoluto.

Cerrando el álbum la inquietante ‘Las palabras y el mar’, parece retomar los orígenes de la banda a través de un fascinante escenario psicodélico. Evolucionando lentamente, los acordes se suceden entre una sutil nebulosa de efectos bajo un clima de melancolía. Una canción gris que, al igual que las precedentes, cambia completamente su aspecto pasados tres minutos. Allí el trio retoma la virulencia de sus crujientes y fornidos riffs, para sumirnos en las tinieblas. Manteniendo un ritmo vibrante, el corte serpentea con logrados pasajes de guitarra entre la brumosa base rítmica. Oníricos pasajes post-rock nos sitúan en un plácido entorno sonoro en el que la belleza aflora en cada nota.

IAH

Kozmik Artifactz

Reseña: ROSY FINCH.- ‘Seconda morte’

ROSY FINCH nos deja en shock con su nuevo EP ‘SECONDA MORTE’ Cuatro oscuras canciones que nos presentan al trío alicantino en su faceta mas oscura e intimista. Un viaje musical basado en el poema “La Divina Comedia” donde Dante Alighieri camina a través del infierno, el purgatorio y el paraíso para encontrarse con su difunta amada Beatriz y encontrar la fe en Dios. Con esta inspiración el trío, en su trabajo más diferente y personal, fusiona una mezcla ecléctica de grunge y rock alternativo de los 90 con influencias de metal y sludge en canciones lúgubres en las que las melodías juegan un papel importante. Atmosféricas y con un aura de misterio y sobre tonos trascendentales, las cuatro canciones escarban en tenebrosas simas en las que el doom, el sludge e incluso algún guiño post-rock, nos muestran otra faceta de su esencia alternativa. Porque sin renunciar a sus principios, ROSY FINCH decide explorar otras vías para transmitir su creatividad musical. Seguramente cuando empieces a escuchar ‘SECONDA MORTE’ te sientas sorprendido, pero según avances en su escucha, te sentirán atraído por el magnético poder de sus turbadores canciones. Unos temas introspectivos, llenos de misterio, por momentos depresivos, pero rebosantes de matices. Sin duda un ejemplo mas de que la banda sigue evolucionando y creando música con mayor creatividad. ‘SECONDA MORTE’ puede ser un trabajo distinto a lo que nos tienen acostumbrados, pero no por ello menos fascinante y pesado.A veces meditativa e inquietante y otras llenas de rabia, la banda combina riffs insidiosos y pesados ​​a la perfección. Durante las presentaciones en vivo, crean una pared de sonido a través de elementos de retroalimentación y ruido combinados con gritos sobrenaturales y cánticos atmosféricos.

Formados originalmente en Alicante (España) alrededor de 2013, con miembros de Pyramidal (Lluís Mas) y el acto de doom metal Hela (Mireia Porto) y Elena García. 2019 vio un cambio de formación durante la grabación del álbum anterior, ‘Scarlet’, con Oscar Soler y Juanjo Ufarte asumiendo las funciones de bajo y batería respectivamente.
La nueva formación ha visto a la banda cimentarse a sí mismos y a ser grandes bateadores en la escena del sludge, doom y stoner rock.

La banda nos comenta sobre ‘SECONDA MORTE’: “Este es nuestro álbum más diferente y hemos tratado de capturar la esencia de este excelente pedazo de literatura El título afirma que todas las almas mueren dos veces: la primera por morir físicamente en la tierra y la segunda por estar separados de Dios a causa de sus pecados. Dependiendo de cómo vivieron mientras estaban vivas, las almas infieles experimentan castigo y tortura en el Infierno hasta el final de tiempo, la redención de las almas impuras en el Purgatorio y la salvación de las almas puras en el Paraíso.”

‘SECONDA MORTE’ está disponible vía Lay Bare Recordings, La Rubia Producciones y Discos Macarras.

La larga y atmosférica introducción de ‘Selva oscura’ nos sitúa en la misteriosa atmósfera en la que se va a desarrollar el resto del álbum. En realidad, el tema sirve para ambientar para esta tétrica historia con un tono lúgubre y por momentos casi deprimente. Aquí la banda prescinde de las voces creando la expectación de cuando explotará, algo que finalmente no sucede.  Un tono diferente al que nos tienen acostumbrados, pero que sirve para ponernos en el camino de la narrativa de este álbum conceptual.

Sin perder el tono oscuro, ‘Inferno’ nace lentamente entre suaves y pausados acordes con una bella pero inquietante melodía. En ese oscuro espacio, la voz susurrante aparece entre acordes atmosféricos que van evolucionando a un mundo subterráneo. Golpes doom y un cierto tono casi post-rock, cobijan el resurgir de una terrorífica voz gutural. Tres minutos que dan paso al desarrollo de una canción que habita en profundas simas con paredes alternativas más reconocibles dentro del sonido de la banda. Golpes sludge y un ritmo que se intensifica son los pilares de este inquietante relato. El tema consigue reflejar lo que bien podría ser el infierno, un lugar lúgubre y terrorífico.

‘Purgatgorio’ sin cambiar definitivamente el tono, se muestra más accesible a cualquier oído. Suaves pasajes alternativos mantienen el carácter del relato con una melodía suave y cautivadora. Un hechizo sonoro que nos sume en una narrativa que mantiene la tensión. En la canción se conjugan elementos dark con susurrantes pasajes en los que la psicodelia aparece con sutileza entre acertados desarrollos instrumentales. Cualquier atisbo de la crudeza sludge de ROSY FINCH, se evapora en una canción diferente, pero a su vez reconocible, especialmente en una parte final cruda y poderosa, y no por ello, menos melódica.

Con casi diez minutos, ‘Paradiso’ pone el epílogo a esta epopeya con pasajes intensos y rebosantes de crudeza. Cuidando las melodías sin renunciar a las embestidas de sus poderosos riffs, la canción fluye con soltura mostrando a la banda en pleno esplendor. Pesada, atmosférica, pero también melódica, la canción pasa de momentos de fuerza a una segunda parte en la que la suavidad aparece en fascinantes pasajes instrumentales custodiados por bellas melodías, voces etéreas y coros angelicales. Un contraste que funciona y que la erige en la canción mas destacada del álbum.

Rosy Finch

Lay Bare Recordings

LaRubiaProducciones

Discos Macarras Records

Reseña: KING BASTARD.- ‘It Came From the Void’

La joven banda canadiense KING BASTARD, nos invita a una verdadera experiencia sinestésica, con su álbum debut ‘IT CAME FROM THE VOID’. Un viaje de un grupo de colonos cósmicos, que parte en la Tierra agonizante y asciende al cosmos, trayendo visiones de desastre y fracaso humano. Combinando imágenes de terror de ciencia ficción con un sonido de doom moderno que incorpora sintetizadores, percusiones, saxofón, violines chirriantes, el trio te arrastra su propia dimensión, aplastando tu cráneo con pasajes trippy de psicodelia pesada y Stoner-doom. Una apuesta mas, que ensancha las fronteras de la música pesada para impregnarla de un brebaje sonoro creado a base de sustancias psicotrópicas. Un álbum con sonidos expansivos que lograr abrir la mente del oyente a una experiencia en la que los guiños a la ciencia ficción de los 70’s, se traducen en locuciones cinematográficas de un claro acento vintage. Una travesía cósmica que nos sume en un trance sensorial en el que KING BASTARD despliegan toda su maestría, para zarandearnos a su antojo con pesados riffs, y a la vez narcotizarnos con su intensa psicodelia. Uno de los mayores avales del álbum, es precisamente esa gran habilidad para cambiar el signo de unas canciones ricas en texturas y que serpentean por distintos escenarios sonoros, sin que nos demos cuenta de donde giró el camino. Si bien, hay muchos elementos habituales en este tipo de propuestas, ‘IT CAME FROM THE VOID’ tiene una ejecución lo suficientemente atractiva, como para sorprender al oyente sin caer en la monotonía. 

Solo tomó un fatídico momento de 2018 en la Universidad de Stony Brook para hacer que los planetas se alinearan y la pasión de Izzy Guido (sintetizador), Arthur Erb (bajo) y Mike Verni (guitarra) se uniera para crear la bestia intrépida y gigantesca que pronto sería conocido como KING BASTARD. Si bien su baterista inicial no pudo hacer frente a la fuerza aplastante de la convergencia cósmica del trío, la llegada del baterista Matt Ryan detrás del kit finalizó el sellado de su juramento sónico. 

Después de una serie de cintas de, el cuarteto se trasladó a Menegroth, el estudio de Thousand Caves en Queens, Nueva York, para grabar su primer larga duración ‘It Came from the Void’ con el legendario Colin Marston, una colaboración que fue alentada con benevolencia por El tío de Mike, Darren Verni de Unearthly Trance. Las seis pistas se grabaron en vivo en un fin de semana, ya que KING BASTARD sabía exactamente dónde querían llevar su sonido: una fusión de riffs doom tradicionales con jams psicodélicos experimentales. El año siguiente se dedicó a perfeccionar los detalles más pequeños, desde rastrear sintetizadores y pistas de guitarra, hasta agregar percusiones, saxofón, violín y viola, agregando esa vibra sobrenatural que hace que su música se destaque del resto. ‘IT COME FROM THE VOID’ fue grabado, mezclado y masterizado por Colin Marston (Gorguts, Krallice) en el estudio Thousand Caves en Queens, NY. 

KING BASTARD son: Mike Verni (Guitarra), Isabel Guido (Sintetizador, saxofón, voz), Arthur Erb (bajo), Matt Ryan (Batería y percusión adicional 

Desde los siete minutos de la canción de apertura, ‘From hell to horizon’, se puede percibir que estamos ante un álbum que no se pone ningún límite a su estilo. Una introducción casi espacial nos lleva a una cuenta atrás en la que KING BASTARD, dejan patente toda su fuerza. Monstruosos riffs Stoner-doom de manual van socavando nuestras neuronas para sumirnos en un estado de agradable narcolepsia. Una vez ahí, descargan todo su arsenal de psicotrópicos en una atmósfera calmada y nebulosa. Gratificantes acordes que se ejecutan con lentitud y que poco a poco van sumiendo al oyente en un trance comandado por magnéticas vibraciones heavy-psych. El poderoso y cálido bajo despliega su poder hipnótico entre briosos tambores y una guitarra ácida. El corte cierra por con una conjunción de elementos pesados y psicodélicos.

 ‘It Came From The Void’ avanza parsimonioso por plomizos riffs crujientes y un ritmo cansino y cadencioso. Creando un escenario en el que emanaciones psicotrópicas impregnan el ambiente, el tema oscila con golpes de fuerza en su paseo narcótico.  Casi a modo de jam, los instrumentos juegan unos con otros, invitándose a este aquelarre de fuzz arenoso y dietilamida que acaba con pasajes de jazz y locuciones, que dan un punto de originalidad a un tema sólido. 

Es difícil no encontrar referencias Sabbathicas en un álbum de estas características, y ‘Pyshosis in a vacum)’, me confirma esta afirmación. Oscuro y tenebroso el tema se despeña en una terrorífica caverna en la que voces guturales arrastran el tema a golpes de sludge. Una sima en la que el doom de manual respira entre contaminadas atmósferas lisérgicas mas propias de un inframundo.

‘Bury the survivors, Ashes to ashes’ nos trae esos riffs rompe cuello que provocan ese estado catártico al amante de los riffs pesados emanados del fuzz. Con una dualidad entre la calma y la contundencia, la canción explorar insondables espacios de pura psicodelia. Lo cierto es que los canadienses hacen oscilar sus canciones con una destreza que hace que la transición pase desapercibida en su escucha.  Lo que parecía una canción proto-doom en su comienzo, acaba convirtiéndose en uno de los temas más psicodélicos del álbum. De nuevo, extrañas locuciones cinematográficas aportan un tono vintage y cósmico al corte.

Con ese familiar sonido de bajo que parece que se va a quebrar, echa a andar ‘Black hole viscera’ otro corte que fusiona elementos de doom tenebrista con cegadores pasajes de psicodelia arenosa.  De nuevo, es de destacar el gran trabajo de su bajista para encauzar el tema a una nueva sima. En la parte central, la guitarra se desdobla en distintos sonidos creando la atmósfera perfecta para este inquietante tema.

‘Sucumb to the void’ pone el broche al álbum por una senda similar a la del resto de canciones. Diez minutos de hipnóticos sonidos de bajo que ponen a prueba nuestra capacidad neuronal, y serpenteantes pasajes de psicodelia narcótica y turbia, guiada por ritmos pesados.  Todo parecía que transcurría cumpliendo el guion, pero no, KING BASTARD da una vuelta de tuerca más, y nos introduce en una atmósfera drone y noise, en la que los efectos se suceden con un tono cósmico.

King Bastard

Reseña: DEEP VALLEY BLUES.- ‘III’

Canciones ruidosas y directas que no se andan con rodeos y que muestran el amor por el blues y los ásperos sonidos desérticos. Garra y fuerza, en canciones herederas de los pioneros de los 70’s que reflejan un carácter primitivo. Sus trepidantes ritmos, aderezados con buenas dosis de fuzz, nos hacen galopar por desiertos sureños reposando en praderas psicodélicas para frenar su ímpetu. Oscilando entre pesadas vibraciones sludge, Stoner con acento southern impregnadas en blues psicodélico las canciones mantienen un magnífico groovy con el que enganchar al oyente. Si bien el sonido es pesado y rugoso, en cada tema encontramos momentos en los que la psicodelia hace acto de presencia para cegarnos con narcóticos momentos. Asimismo, los elementos de hard salvaje, siempre afloran en esta fiesta de rock crudo e indómito, con olor a humo cannabico y sabor a bourbon.

DEEP BLUES VALLEY son: Giando Sestito (Bajo y voz) Umberto Arena (Guitarras y coro), Alessandro Morrone (Guitarras) Giorgio Faini (Batería), acompañados de  Marco Veraldi alias Zagarus (Bretus y Lunar Swamp) (Armónica en “Epitaph-Noir Ballad”; contramelodías y coros en «Bronco Buster», «Smokey Mountain Woods», «Sun of the dead» y «Epitaph-Reprise«) y  Francesco Merante  (Bajo en «Mum darkwoods»).

‘III’ está disponible vía The Swamp Records.

‘Epitaph (noir ballad)’ abre el álbum rindiendo tributo a las hazañas del legendario bluesman Robert Johnson, su pacto mitológico con el diablo y el incertidumbre sobre el lugar de su entierro . Un heavy-blues stonerizado con riffs rugosos que desciendo a un abismo en el que el poderoso bajo y los solos ácidos nos impregnan de psicodelia intoxicante.  La sencillez de su estructura se condimenta con oscilaciones con la que consiguen mantener nuestra atención.

Rugosos y vibrantes riffs nos llevan en volandas en ‘Bronco buster’. Reflejando el lado más desértico logran aunar los dictados del stoner con momentos en los que la psicodelia se incrusta en su armonía. Un corte salvaje y rudo en el que la voz parece vomitar más que cantar aportando músculo a otro blues pesado. Una buena combinación de voces y coros hacen que el tema nos contagie su poderoso ritmo. Un sonido primitivo que marca el propósito de la banda. Empapado de fuzz, el tema inspira su letra en la atmósfera de los escritos oníricos de H.P. Lovecraft

Instalados en las vibraciones más pesada en la satírica, ‘Malley O’Mucy’, un corte quegalopa brioso a lomos de un corcel de fuzz. Vanalizando con critica contra el personaje que le da nombre con su visión del mundo políticamente correcta. Pinceladas psicodélicas amortiguan la fuerza de la canción. Su sonido primitivo se colorea con solos hirientes entre la densidad de su sonido arcaico pero resultón. Toda una inyección de adrenalina con elementos más propios del siglo pasado combinado con momentos del desert-rock más contundente.

 ‘Smokey mountain woods’ sin perder la fuerza, se desarrolla bajo atractivas melodías. Su intenso ritmo contrasta con el difuso sonido de unos riffs que se descabritan provocando esguinces cervicales. Hard-rock con ganchos impactantes de riffs stoner consiguen insuflarnos un buen chute de energía. Si se activan tus articulaciones es que estas muerto. Otro tema salvaje enriquecidos con momentos de calma lisérgica sin renunciar a su contagioso ritmo. La canción describe la belleza de un paisaje de montaña en Calabria, un área donde se puede redescubrir la paz y la serenidad, el título es un tributo al «Parque Nacional de las Montañas Humeantes» en los Estados Unidos

Con un fantástico groovy ‘Phobos’ conjuga elementos desert-rock y hard rock entre buenas dosis de fuzz. Áspero, pero contenido, el tema gravita entre constantes cambios de ritmo sin perder su esencia. La banda exorciza sus fobias con una fiesta rebosante de cerveza y nebulosas de humo cannabico.

‘Talisman’ es otro corte en el que los italianos se toman una pausa. Mucho más atmosférico el tema sirve para acertados pasajes de guitarra que se superponen creando un escenario narcótico prescindiendo de voces. Uno de los temas más psicodélicos del álbum en el que no bajan el nivel.

Los contagiosos y crudos riffs de ‘Pills of darkness’ nos llevan a un embadurnado escenario de southern metal y sludge. La aguardentosa voz para vomitar las estrofas entre una horda de sonidos difusos y una erupción de tambores. Sin renunciar a solos penetrantes, construyen un corte denso y pesado con su toque psicodélico que versa. sobre la adicción a los ansiolíticos  

Versando sobre la esquizofrenia, usan por primera vez el italiano en el ardoroso ‘Maschere’. Un tema quejuega con el blues y el hard rock más corrosivo en su apertura antes de sumirnos en una ciénaga humeante con narcóticos pasajes chamánicos. Un tortuoso paseo en el que no faltan rugosos y pesados riffs.

Desbocando la caballería ‘Sun of the dead’ se ve impulsado por una estela de fuzz dejando un rastro desolador. Manejando con maestría el hard rock, el blues y el Stoner mas tosco, consiguen una canción con gran gancho en la que describen los últimos minutos de la People’s Temple, la secta que vio como líder al reverendo Jim Jones, y el suicidio masivo que seguido en noviembre de 1978.

Dinámico y transformando el blues en stoner‘Epitaph (reprise)’ nos golpea con la rabiosa voz en un minuto y medio rebosante de intensidad y crudeza.

‘Mum darkwoods’ cierra el álbum con un blues lento y sosegado sobre acordes acústicos que contrastan con la fuerza de la mayoría de los temas del álbum.  Un plácido paseo de dos minutos de melancolía, evocando el dolor por la pérdida de seres queridos.

Deep Valley Blues