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Reseña: THE BLACK HEART DEATH CULT.- ‘Sonic mantras’

Después de su maravilloso álbum debut, llegaba la hora de corroborar aquellas buenas vibraciones que nos ofrecieron los australianos THE BLACK HEART DEATH CULT a comienzos de 2019. Ahora, dos años después, sin duda ‘SONIC MANTRAS’ confirma que aquel maravilloso álbum no fue obra de la casualidad. ‘SONIC MANTRAS’ es esa joya que todo amante de la psicodelia desea encontrar. Un álbum emocionante en el que la psicodelia y las melodías shoegaze adquieren una nueva dimensión. Todo un mantra sonoro que atrapa al oyente desde el primer hasta el último tema. Si en cada canción el hechizo es mágico, solo por su última pista, ‘Sonic doom’ este trabajo ya merece la pena. Cuidando cada detalle, los australianos nos invitan a un viaje sensorial del que el oyente no querrá escapar. Con un magnetismo hipnótico consiguen que sus lánguidas voces encajen en esa triada de shoegaze, psicodelia pesada y ritmos kraut. Mientras, sus perturbadores efectos nos castigan neuronalmente en contraposición con sus acolchados registros vocales, que sirven de bálsamo a aturdidor sonido. THE BLACK HEART DEATH CULT no canta canciones sobre el amor, las encanta. Intentan comprender lo que hay debajo y se les ocurre la frustración del corazón sentido del estado jodido de la humanidad.
Tómate tu tiempo para escuchar la tierra, está llorando y así es como suena. Al encontrar su inspiración en el sombrío estado del mundo actual, ‘SONIC MANTRAS‘ es todo un alivio que nos invita a un viaje de descubrimiento, amor y, en última instancia, esperanza. Habiendo pasado por cambios en su alineación, junto con la pandemia global de Covid-19 que cerró la industria de la música en vivo en todo el mundo, TBHDC ciertamente ha utilizado este tiempo de inactividad para garantizar que su nuevo álbum, no solo siga el éxito de su homónimo debut, sino que irrumpa en la escena, estableciéndolos como uno de los actos de psicodelia contemporánea más emocionantes del momento. ‘SONIC MANTRAS’ es oro puro para los paladares más exquisitos de los sonidos psicodélicos, así como uno de esos trabajos llamado a estar en las listas de los mejores álbumes de 2021. ¡Un álbum magistral!

‘SONIC MANTRAS’ fue grabado y mezclado en Newmarket Studio por Julian McKenzie, masterizado por Don Bartley en Benchmark Mastering y la maravillosa portada es obra de Adam Pobiak, estando disponible en vinilo el próximo 26 de marzo vía Kozmik Artifactz .
En su grabación ha participado:
Sasha L Smith – guitarra, voz
Domenic Evans – guitarra
Deon Slaviero – bajo, guitarra, órgano
Gabbie Potocnik – órgano, voz
Andrew Nunns – batería
Bill Patching – guitarra
David Balaban – sitar
Todas las canciones escritas por Sasha L Smith & TBHDC, excepto «Cold Fields» Slaviero/ Smith & TBHDC

‘Goodbye gatwick blues’ emerge entre cadentes acorde heavy-psych y un perenne zumbido en segundo plano. Voces de vocación 60’s conjugan el espíritu de muchas de las propuestas de la neo-psicodelia con ciertos dictados shoegaze. Suave y acariciando al oyente con su melodía el tema se desarrolla en una algodonada atmósfera en la que todo sucede pausadamente. Un tema amable que refleja la esencia de los australianos. Entre tonos exóticos y ritmos que se inclinan a los dictados kraut el tema se desarrolla como si fuera un bálsamo para los sentidos describiendo un entorno mágico y difuso a la vez. El tema combina una parte oscura con un espacio mucho más colorista a lo largo de sus nueve minutos.

Enlazado con el corte anterior, ‘Cold fields’ incide en los ritmos kraut en una espesa brisa sónica con bastantes elementos shoegaze. Un tema poderoso y con un sonido difuso que conjuga los estándares de la neo-psicodelia. Una pista breve, pero intensa.

‘One way through’ parece continuar la travesía iniciada en el tema anterior. Toda una espiral de psicodelia con un cierto ambiente espacial. Nuevamente la conjunción de voces más propias de los 60’s con un sonido tan cosmopolita resulta bastante atractiva. Seguramente abra oyentes que perciban una vocación indie en los temas de los australianos, algo que no tendrá discusión por mi parte, pero aquí, el desarrollo de los temas esto es mucho más complejo. Las turbinas de la banda funcionan a pleno rendimiento hasta el alunizaje.

Manteniendo el zumbido y los ritmos hipnóticos ‘Trees’ acaricia al oyente con seductoras melodías vocales entre remolinos flotantes que gravitan en un espacio sicodélico de tintes cósmicos. Con incrustaciones vintage el sonido de los australianos toma prestados sutiles momentos sinfónicos para acompañar su plácido viaje sideral. Las guitarras muestran su belleza tras la difusa estela que custodia el tema.

En un tono más aturdidor, ‘Death from home’ sigue la estela de la canción anterior con esa yuxtaposición de psicodelia vintage y melodías shoegaze. Fuertes tambores y vestigios de los 60’s completan una canción aturdidora que fluye provocando un mantra para el oyente.

Sin duda la experimentación de la psicodelia en todas sus facetas en uno de los puntos fuertes de los australianos. Así lo demuestras los apacibles y chamánicos sonidos de ‘The sun inside’. Otra vez esta trilogía de rock espacial, psicodelia y shoegaze nos seduce con acierto enlazando exóticos sonidos con el rock acido y los vestigios de los ritmos kraut. Hipnóticos pero reconfortantes. Insondables atmósferas empíricas sirven de soporte para el susurro de esa voz melodiosa que sirve de contrapeso a un sonido que oscila entre lo turbio y lo magnético.

‘Dark waves’ sigue una senda más espiritual en esta travesía cósmica en la que la música hace que nuestros sentidos palpen nuevas dimensiones sensoriales. Mántricos, místicos y con un espíritu que flota entre atmósferas espaciales para llevarnos en volandas por sus algodonados pasajes. Sus tonos melancólicos se ensamblan en este sonido hechizante que preside todo el álbum.

Sin duda, desde mi primera escucha del álbum, si hubo un tema que me cautivo por completo, ese fue ‘Sonic doom’. El mágico sonido del sitar elevándose en una atmósfera espiritual que gravita más allá de lo terrenal a lo largo de sus casi diez minutos. Un broche de oro para un álbum mágico que corrobora la buena salud que goza la escena psicodélica de las antípodas. Bellas melodías shoegaze flotando entre un caleidoscopio psicodélico de proporcionales descomunales creando uno de esos temas que te cautiva y del que no quieres salir. Encontrando el equilibrio entre los graves sonidos del bajo y de la batería con las chispeantes vibraciones del sitar y guitarras en un auténtico muro sónico de carácter sanador. Activando los sentidos en un ejercicio sanador del alma, la canción explora pausadas atmósferas místicas en un plácido paseo sensorial lleno de belleza. La espiritualidad puesta al servicia de una psicodelia elegante y no por ello exenta de fuerza. La canción a pesar de su larga duración fluye con desparpajo dejando al oyente con ganas de más. ¡Magistral!

The Black Heart Death Cult

Bandcamp The Black Heart Death Cult

Web Oficial Kozmik Artifactz

Reseña: THE MEXICAN SUGAR SKULLS.- ‘Suertudo’

Los punk rockers de Jerez THE MEXICAN SUGAR SKULLS contraatacan con una nueva formación, presentando un nuevo EP llamado ‘SUERTUDO’. 

Seis temas frenéticos y divertidos que son toda una invitación a una fiesta con los ecos de los sonidos underground de los 90’s en los genes de cada canción. ‘SUERTUDO’ es de esos álbumes optimistas que consiguen que el oyente carge nlas pilas. Si tienes ganas de fiesta, este es tu disco.

‘Greenface’ con ese hipnótico bajo y sus guitarras sucias entre su pegadizsos estribillos y coros con aroma del fin del siglo pasado logra conjugar la fuerza del rock con una actitud festiva alternativa. Combinando letras en español y en ingles su resultado es de lo mas colorista y atractivo.

Por una senda más skate ‘Friends are precious’ nos vuelve a invitar a un viaje en el tiempo a soleadas playas entre estribillos sacados del underground del siglo pasado.

‘Baby shower’ con su cadente introducción golpea con fuerza punk-rock más propia del sonido punk del Londres más mugriento.

Potentes melodías que nos atrapan hacen de ‘Put the door’ uno de los buques insignia de este trabajo. Una de esas canciones ideales para los pogos desenfrenados. ¡Todo un derroche de adrenalina!

‘Puppets strings’ no baja el pistón de un álbum que no da respiro. Tema áspero y rugoso pero igualmente atractivo con su riff repetitivo y sus contagiosos estribillos.

Para cerrar y tras el frenesí de los temas anteriores los jerezanos se ponen tiernos con ‘Suertudo’ el tema que da nombre al álbum. Arpegios acústicos y melodías apacibles para soportar la bacanal de adrenalina de los cinco temas anteriores.

‘SUERTUDO’ ha sido grabado en noviembre de 2020 en Estudios 79, por Rafa Camisón (GAS Drummers, Dave Smalley & The Bandoleros, etc). Este regreso de la banda nos transporta a la mejor época del género, un viaje de los 90 desde la furiosa Venice Beach hasta la escena punk rock sueca más melódica de finales del siglo XX. 

Este poderoso trío lanzó en 2012 en Wild Punk Records su álbum debut ‘CALAVERA’ y después de una pausa, volvió al escenario en Inocente Rock 2018 celebrando el décimo aniversario de la banda.

Los furiosos 90 están de vuelta con  THE MEXICAN SUGAR SKULLS . ¡Únete a la pandilla!

The Mexican Sugar Skulls

Wild Punk

Reseña: THE SO-CALLED.- ‘Return Of A Band Called So

‘RETURN OF A BAND CALLED SO’, es el segundo álbum lanzado por THE SO-CALLED, después de su debut ‘HOUSE OF THE SO’ publicado en 2020. En muchos sentidos un pariente cercano a su predecesor, ya que todas las canciones de ambos álbumes fueron grabadas en las mismas 12 horas de sesión de estudio. Lo que ambos álbumes también tienen en común es más que un guiño pasajero al enfoque de los grandes power-trio de finales de los 60 y principios de los 70, un énfasis en la musicalidad, la libertad de expresión y la intensidad dinámica implacable, reconociendo por supuesto la riqueza musical de pasado, mientras que al mismo tiempo posee una identidad distintiva progresiva propia. THE SO-CALLED no están interesados ​​en copiar, o rendir tributo al pasado, sino que prefieren enfocar energías en la creación y la innovación, escribir canciones originales, avanzar sin miedo hacia el subsuelo en busca de reinos desconocidos, y si no se pueden encontrar. La banda es originaria de Dublín, aunque en la actualidad tienen su sede en Atenas.  Las canciones transitan por el lado salvaje del garage-punk, el psycho-billy y el rock de siempre. Guitarras sucias y una actitud punk, hacen que cada tema resulte una invitación a la fiesta en la que los tonos vintage se vislumbran en cada tema. Aún así, la banda tiene su sonido propio, lo que hace que el álbum ofrezca una escucha agradable insuflando buenas dosis de energía.

La banda la componen, Jude Shiels en voz y guitarra,á fuertemente influenciado por Jimi Hendrix, Eric Clapton, Freddie/BB King, así como por Django Reinhardt, Charlie Parker y Charlie Christian. Noel Martin Jr. a la batería; todos un fanático del jazz y amante apasionado de la fusión de Tony Williams del quinteto de Miles Davis y Lifetime, y también ve a Art Blakey, Jack DeJohnette, Elvin Jones y Philly Joe Jones como grandes influencias, entre otros. Por último, The Pirate en el bajo, no mira demasiado lejos de las novelas de Robert Louis Stevenson en busca de inspiración.

‘Survival Song’ nos muestra el frenesí de su garage-rock con riffs sucios y voces macarras, pero no solo eso, si el ritmo no para, la guitarra se desangra recuperando el legado de Hendrix con una actitud punk.

‘Estimated Street Value’ parece ser una una revisión de los albores del punk y el pub- rock. Su marcado bajo y las sucias guitarras acompañan una voz alternativa tonos Bowie y un aura a algunos momentos me evoca pasajes de Thin Lizzy. Buenas guitarras sobre el inquebrantable ritmo hacen el resto para que el tema nos seduzca sin remisión a uno de los temas más logrados del álbum.

Por una senda psycho-billy,el sonido añejo y las voces macarruzas, danzan entre el atropellado ritmo en ‘Tolka Valley Tuesday’. Cadente y contagiando energía el tema se va volviendo mas turbio en su evolución. El incesante y sucio sonido de las guitarras contrasta con la fuerza del sonido de las cuatro cuerdas.

Por la senda del rock and roll con actitud punk la fiesta continúa con ‘Anto’s Down In Quirky’s’.Rockabilly de tupe engominado y calcetines al viento con un sonido festivo que me recuerda a algunos temas de The Pogues. Sus pegadizos estribillos son toda una garantía entre los diabólicos solos de guitarra asesina.

En una atmósfera más sombría y como salido de un callejón oscuro en mitad de la noche, ‘The Farewell Kiss’, con una cadencia vocal más profunda y grave supone un cierto giro al sonido de los irlandeses. Nuevamente bajo los auspicio del bajo, Las guitarras asesinas toman un tono más lisérgico entre crudos tambores.

‘Wasted Destiny’ ofrece un nuevo aliciente al oyente. Un tema más aterciopelado y en forma casi de balada, la canción se aleja de los ritmos salvajes para acariciarnos con bellas melodías coloristas. Si los temas anteriores se balanceaban entre el asfalto, aquí los tonos campestres son los protagonistas. Imagina los comienzos de Rolling Stones e identificaras en sonido en el que los solos de guitarra se presentan a su cita.  

Rockabilly de garito de dudosa reputación con olor a bourbon y cerveza con espíritu festivo. Eso es ‘Enough Is Never Enough’ una canción vibrante con sabor al oeste e ideal para la fiesta que conjuga el espíritu del sonido americano de los 70’s con las vibraciones británicas del final de esa década. Toda una invitación al baile y al desenfreno.  

‘Litany For A Dark Angel’ pone el cierre al álbum rompiendo los esquemas de los cortes anteriores. Si el resto de los temas duran entre 3 y 4 minutos, aquí se dejan llevar por un tema de mas de 8 minutos. El resultado es un caleidoscopio de sonido y vibraciones vintage en las que el legado de Hendrix queda patente en los constantes e hirientes solos de guitarra que crean una auténtica bacanal.. Una brillante forma de cerrar un álbum que se degusta con facilidad.

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Reseña: BETTY BENEDEADLY.-‘From the Mesa’

“FROM THE MESA” es el primero de los EP’s que BETTY BENEDEADLY publicará con el sello Desert Records. Tres canciones grabadas en el estudio Earthship en Taos durante la pandemia de 2020 que reflejan a la perfección la fisonomía del lejano oeste con canciones que invocan el espíritu de la tierra del norte de Nuevo México con ritmos rituales pisando fuerte y motivos de guitarra que se inspiran en el spaghetti western, el surf y el roots rock de Ennio Morricone. Cálidas, llenas de sensibilidad, sus canciones son el resultado de un estado introspectivo que aprovechó para hacer aflorar toda su creatividad desde la introspección y la meditación. La mejor descripción para este apacible EP son las propias palabras de la cantante y guitarrista: “Me estaba adaptando lentamente al estilo de vida en cuarentena, pero después de sentir el aguijón del gas lacrimógeno y presenciar el asombroso nivel de brutalidad policial desatada contra los pacíficos manifestantes Black Lives Matter en Austin, rompí. La violencia inherente de nuestro sistema quedó al descubierto, no podía dejar de verlo, y cada célula de mi cuerpo conspiró para alejarme de la civilización y llevarme al desierto ”, dice Benedeadly. Sin un indicio de un plan de juego, la guitarrista de Austin encontró su camino hacia los amplios espacios abiertos del norte de Nuevo México, donde varios meses de vida en furgoneta y campamentos en la carretera de servicio comenzaron a hacer su magia. ‘Dejé la ciudad sintiéndome como el caparazón de un humano. Volví a la vida en el desierto’.

“La soledad en el desierto era mi medicina. Todas esas noches llenas de aullidos de coyotes bajo la vía láctea calmaron mi mente llena de ansiedad. En lugar de obsesionarme con los horrores del número de muertos de COVID o el régimen fascista actual, me moví lentamente hacia ese espacio más allá de las palabras ”, prosigue Benedeadly. “Estaba aprendiendo a escuchar a los elementos no humanos que me rodeaban, a estar en comunión con la tierra, a recibir su sabiduría más profunda. Eventualmente, el trauma resultante de los eventos del año pasado comenzó a desaparecer y supe que estaba de nuevo en mi camino cuando nuevas canciones comenzaron a fluir a través de mí nuevamente «.

Benedeadly también es cofundadora y guitarrista de SHERVERB, una banda de rock & roll psicodélico dirigida por mujeres y dirigida colectivamente con sede en Austin, TX. Armados con sus instrumentos, esta tribu está dispuesta a desafiar nuestra comprensión del romántico salvaje oeste con su sonido infundido por el surf y alimentado por el desierto. El núcleo de este colectivo está formado por Betty Benedeadly, Xina Ocasio, Lainey Smith, James Mescall y Braden Guess, que unen el tañido de guitarra del spaghetti westerns, los ritmos impulsores del krautrock y la estética panorámica de la gran pantalla. 

‘FROM THE MESA’ está disponible vía Desert Records y el 10% de las ganancias de las ventas del álbum se donará a una organización de administración de tierras en Nuevo México.

‘Mescaline prayer song’ nos traslada directamente a las praderas del lejano oeste entre acordes de banda sonora de spaggethi-western. Una cálida guitarra repite una contagiosa armonía ante la atenta mirada de los cactus. Incluyendo pasajes con cierto exotismo cada nota refleja el espíritu que ilumina las composiciones de Betty. Como si fuéramos en un corcel al trote, los elementos psicodélicos van uniéndose a este relato de sombreros monturas y botas camperas.

En un ambiente más melancólico ‘Coyote’s fever dream’ incide en esos sonidos del desierto. Ahora con una atmósfera más calmada, cada nota se impregnada de un aroma chamánico entre la cálida brisa de la pradera. Sin duda una forma de ver su propia visión del desierto entre tonos meditativos.  Un apacible tema que conjuga lo acústico con los aderezos eléctricos ofreciendo sus dosis de narcótica psicodelia en este viaje por vastas llanuras bajo el cegador sol. Un tema para ser tocado sentado en el porque con los peroos tumbados a nuestro lado. Un evocador corte lleno de magia.

Algo más nebuloso, ‘Down the George’ mantiene la fórmula del western, esta vez con una instrumentación más versátil y unos impostados coros. Delicados acordes que mantienen un tempo constante y sosegado. Poniendo el énfasis en cada nota, la guitarrista enriquece la canción con esas texturas psicodélicas dándole un aspecto más espiritual. Si bien el tema se soporta en una composición surf, el gran trabajo de guitarra compuesto desde la sencillez, nos ofrece un resultado más que notable.

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Reseña: PLANKTON WAT.- ‘Future times’

La canciones del músico de Portland Dewey Mahood habitan en constante comunión con la naturaleza. Desde álbumes aclamados con una de las bandas pilares de la psicodelia pesada como son ETERNAL TAPESTRY, hasta sus prolíficas excursiones en solitario, el trabajo de Mahood siempre se ha definido por su espíritu explorador inquieto y reverencia por el medio ambiente. Como PLANKTON WAT, sus composiciones expresionistas exudan una gracia y una paciencia sobrenaturales, reflejando la belleza resplandeciente y la energía mítica de los lugares salvajes de la Costa Oeste. La pieza florece desde un ambiente poco iluminado junto al porche hacia poderosos viajes de cabeza, conduciendo al oyente a través de barrancos de retroalimentación y a lo largo de cálidas corrientes de sintetizador que se desplazan hacia picos de felicidad lisérgica. El magistral y distintivo trabajo de guitarra de Mahood difumina consistentemente los confines del instrumento, a la vez que es rico en texturas y melódicas. Combinando pasajes de psicodelia ensoñadora y a la vez desagarrada y melancólica, con una vocación progresiva, ‘FUTURE TIMES’ eleva los instrumentos lisérgicos de Mahood a nuevos planos. Escrito con el telón de fondo de los disturbios sociales y los incendios provocados por el cambio climático, Mahood presenta un extenso estudio cinematográfico y psicodélico de un planeta en crisis que teje un camino de esperanza a través de la oscuridad.

Grabado en la primavera de 2020, con la mayor parte de los Estados Unidos refugiándose en su lugar, ‘FUTURE TIMES’ comenzó como una meditación sobre los tiempos. Con el optimismo de la primavera y la promesa del verano reemplazada por la ansiedad por el futuro, la música se convirtió en un medio importante para procesar emociones difíciles y conectarse con el mundo exterior. Mahood desarrolló piezas creadas con su socio musical Dustin Dybvig y el ingeniero/productor Victor Nash, transmutando la energía expansiva de las improvisaciones en vivo en composiciones esbeltas para guitarra, bajo y teclados. Luego, las piezas pasaron a Dybvig y Nash, quienes desarrollaron las composiciones iniciales de Mahood con capas brillantes de sintetizador y sutiles efectos de estudio. ‘FUTURE TIMES’ transforma PLANKTON WAT de un proyecto puramente en solitario en un conjunto virtual, en sí mismo un testimonio del poder del arte para trascender las fronteras físicas y sociales.

Los dos lados elípticos del álbum trazan el viaje interior de Mahood desde la ansiedad al optimismo. El lado A emerge de las brasas aún encendidas de los incendios forestales de la costa oeste en «The Burning World». Zumbidos de sintetizador humeantes cargados con el aroma de pino quemado, un vivo retrato de la experiencia del artista de los incendios forestales generalizados, solo para luego usar el fuego como símbolo de renacimiento espiritual. Con un sonido envolvente los acordes psicodélicos nos envuelven en un escenario desolador que refleja la calma del paisaje. Efectos constantes y guitarras crean una oscura atmósfera psicotrópica a modo de introducción.

 «Nightfall», parece recoger las cenizas mostrándonos un horizonte nuevo. Calmados pasajes entre persistentes zumbidos van construyendo un tema con el sonido estratificado en capas. Una dualidad de la que parece salir airoso con un sonido esperanzador que parece abrirse a la luz sin perder su carácter hipnótico. Todo un génesis redentor en un inquietante pero gratificante ambiente en el que la psicodelia va adquiriendo distintas formas sonoras sin perder la esencia del músico de Portland.

Con extraños efectos en su apertura, «Modern Ruins» explora insondables espacios bajo un aura sinfónica. Plácido y relajante el tema tiene un tono melancólico entre bellas melodías con mil texturas. La guitarra como protagonista de un tema sencillo pero enriquecido con distintos ornamentos sonoros que se recuestan en pasajes progresivos que reflejan una atmósfera ensoñadora.

Mahood marca el comienzo de la cima agresiva del álbum en «Dark Cities», con agudas puñaladas de Casio mostrando su faceta electrónica las guitarras engrosan el sonido del tema. Una crítica a la violencia policial y la injusticia racial. Tomando elementos espaciales construye un relato que bien pudiera adornar una banda sonora de ciencia ficción.

Retomando un ambiente más terrenal ‘Teenage daydream’ repite sus acordes una y otra vez para llevarnos a un inquietante escenario sonoro que va transformándose poco a poco. Solos hirientes entre el hipnotismo de unos teclados hacen que el tema se muestre más pesado entre sus efluvios lisérgicos.

 ‘Sanctuary’ nos traslada a un insondable espacio de calmacon guitarras más propias de Pink Floyd en una atmósfera con tonos perturbadores. Sintetizadores flotantes y pausados acordes construyen otro tema plácido y relajante en el que los elementos turbulentos se conjugan con una belleza inquietante.

El tema que da nombra al álbum, ’Future times’ mantiene ese tono de misterio con sus teclados zumbando entre sonidos espaciales e incursiones de guitarra que asedian los hipnóticos pasajes acústicos. Un espacio para la confusión en el que la suavidad de la guitarra se vuelve inquietante arropada por la experimentación constante de unos sintetizadores que no cejan en su perturbadora ambientación. El tema se apaga entre agresivos y profundos solos de guitarra.  

‘Defund The Police’ nos devuelve al sinfonismo espacial entre suaves zumbidos y efectos. Un nuevo escenario para la experimentación incorporando elementos de viento en un desolador paisaje casi drone.

El álbum cierra con «Wind Mountain», un espacio para la reflexión en una hábil combinación de acordes acústicos y elementos eléctricos creados por los sintetizadores que evoca a un lugar sagrado de los nativos americanos, así como un popular lugar de senderismo en Washington cerca de la casa de Mahood en Portland. Relajante y susurrante el tema supone un bálsamo gratificante con el aroma del medio oeste reflejado en sus surcos que cantan a los cuatro vientos que hay esperanza.

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