Reseña: KAVEE.- «Metempsychosis»

Refugiado en el nombre de KAVEE, Valerio Willy Goattin, guitarrista de SLAP GURU y GALAVERNA saca sus demonios en un álbum acústico mediante el que recorre misteriosos paisajes alejados de los ritmos pesados y de esos arrebatos de rabia a los que nos tiene acostumbrados en SLAP GURÚ. Un escape acústico hacia la dimensión onírica de la música en el que saca sus tormentos en temas llenos de sentimiento dando un paso más en su multidisciplinar trabajo como músico Vestido con el traje de loner-folk, combina relajados temas que habitan en grises atmósferas enriqueciéndolos con elementos progresivos y un aura psicodélica. También el blues aparece tímidamente en sus composiciones. Sencillez y pausa para componer un álbum que nació de la pandemia y el aislamiento y en el que se desnuda emocionalmente. Sus cuidadas melodías y el sosiego resultan ser un aliado para la construcción de canciones profundas que se instalan en sonidos más propios de la Europa de los 70’s en contraposición con el sonido más americano de la discografía de SLAP GURÚ. El sólo se basta para desdoblarse tocando guitarras acústicas y eléctricas, banjo, batería, percusiones, bajo, armonio, sitar para crear un marvillos0 álbum de acid-folk bajo su cálida y hechizante voz. Seguramente los más eruditos podrán encontrar dispares y prestigiosas influencias en su sonido, pero en esta ocasión prefiero quedarme únicamente con el resultado, sin buscar más allá. La respuesta está en una atenta escucha del álbum para poder apreciar todo su potencial que es mucho.

¿Con qué nos sorprenderá en la próxima ocasión?

“Metamorphosis”, el tema que da nombre al álbum nos muestra la sutileza acústica con calmados acordes bajo una tenue aura psych. En una atmósfera gris en la que la melancolía se describe entre tonos folk que nos acarician con delicadeza. De aspecto sencillo, su interior contiene suficientes elementos compositivos que delatan su riqueza. Una tierna conjunción de guitarra acústica y eléctrica resulta todo un acierto que aporta más brillo a esas texturas evocadoras de un oscuro y frio día otoñal frente al fuego. Podríamos decir que estamos ante un tema folk, pero en él no faltan elementos progresivos.

Sin abandonar el camino recorrido en el corte anterior, “The lost of the sun” sigue esa ruta folk-prog arropando la cálida y sugerente voz de Willy. Un corte introspectivo con elementos sinfónicos en ese marco de tristeza, algo que es un denominador común en todo el álbum. Con el punto de vista puesto en los 70’s los acordes de guitarra y la voz parecen mirar al pasado, un pasado gris y melancólico.

Con un mayor protagonismo de las melodías “Indian summer” manteniendo el tono folk, nos ofrece un sonido más europeo del que nos tiene acostumbrados con SLAP GURÚ. Un espacio propicio para incorporar instrumentos tradicionales que son coloreados con finos y elegantes solos de guitarra eléctrica. Un susurrante tema con un persistente zumbido en un segundo plano, como si todo estuviera dispuesto en distintos estratos sonoros añadiendo una atmósfera algo psicodélica.

“Like Morphine” es un bello tema construido sobre múltiples arpegios sobre aparecen susurrantes melodías que nos acarician con delicadeza desde su intrínseca sencillez. De corta duración, pero lleno de intensidad.

Como si buscara la luz “Interstellar” parece querer sacarnos de las atormentadas canciones anteriores para buscar espacios más luminosos. Con un pequeño giro en el registro vocal, la rabia se vislumbra en contraposición con las acarameladas melodías vocales de los temas precedentes. Como si hiciera un ejercicio de redención, los demonios salen de las entrañas. Siempre con gran acierto, la guitarra despliega con mesura unos atractivos solos que complementan la base acústica con la que nace.

“An october evening” con el registro vocal más quebrado y una repetición de acordes va construyendo un tema más rugoso y aguardentoso. En una explosión de fuerza todo se acelera con un vertiginoso ritmo en una caída a tumba abierta.

Ecos americanos afloran en “Awakening”, un tema construido sobre una base blues en los que Valerio pone mayor énfasis con un registro vocal desgarrador. La brillantez de la guitarra electrificada sobrevuela los ritmos acústicos.

El álbum cierra con “0101”, un breve epitafio de un minuto con el que pone colofón a un trabajo notable a través del cual nos transmite sentimientos y estados de ánimo desde la sencillez.

https://www.facebook.com/Kavee-100870115101095

Premiere & reseña: SUCCOPUSS.- «Zuckerguss» (español/english)

(English below)

Os presentamos en exclusiva «ZUCKERGUSS» el nuevo álbum de los austriacos SUCCOPUSS.

SUCCOPUSS es un trío de blues pesado de Viena (Austria) y sus raíces inconfundibles y su trasfondo musical se basan profundamente en el Blues.
Krystof Hümer & Tobias Paul formaron la banda en 2013 a los que se unió Michael Westerkam se unió a la banda con su inconfundible saxofón y coros conviertiendose en un elemento indispensable en el sonido de las banda. El trío toca una interesante mezcla de jazz, blues y hard rock aderezado con voces empapadas de ron con algún tema cantado en español como es el caso de «Comer», en el que los ritmos latinos se fusionan con el blues canalla de garito de luces tenues.

«Swine» nos ofrece fuertes dosis de boogie rock y rockabilly a ritmo frenético en contraste con «No Pain» un corte en el que el blues nuevamente es leit-motiv de la banda arropado por las vibraciones jazz salidas del saxo de Michael, o la elegante «Jean Luc» y húmedo y seductor tema con tonos canallas evocador de algún club nocturno en medio de la madrugada.

La versatilidad del álbum hace que encontremos temas como «Giftler» en el que los pasajes vintage se adornan con una atractiva y sutil psicodelia con el blues presente como en el resto del álbum.

«0110» se desarrolla bajo un sonido sucio en el que el blues y garage-rock se unen en una causa común adornados de efluvios lisérgicos y las habituales dosis jazz.

Entre atmósferas más psicodélicas «Satana» pone la nota ácida a un trabajo crudo pero fresco sin renunciar al blues más pegajoso y seductor. Aquí la banda nos ofrece su corte más experimental.

«Lucky Luke» cierra el álbum con acordes de piano prescindiendo de los registros vocales y mostrando el amor de la banda por el jazz y el blues bajo ritmos de cabaret.
Esta constelación de sonidos ya se podía escuchar en su aclamado EP homónimo lanzado en 2017.

Es el primer álbum de larga duración y marca un hito en la historia de la banda.
Las 10 canciones fueron grabadas por Daniel Schatz en Primitive Studios Vienna en 2019.
Grabado, mezclado y producido por Daniel Schatz
Masterizado por Martin Scheer
Arte y diseño del álbum por Lena Göbel
Diseño y gráficos web por Imaginería Del Mar Muerto

«ZUCKERGUSS» está disponible a partir de hoy a través de StoneFree Records en los siguientes formatos:

Limited Edition Vinyl
Limited to 200 Pieces – 12“ Gatefold 180g Black Vinyl 33rpm
Limited to 100 Pieces – 12“ Gatefold 180g Solid Gold Vinyl 33rpm
Limited to 500 Pieces – Digipak CD
Pressed by Austro Viny

Consíguelo aquí:

http://www.stonefree.co.at/zuckerguss.html?fbclid=IwAR1IqP_EvRgwNuHW_cZuREZ2psdfGo6wf5tr-x6_x2iiqWVl1G-8IAv2w0g

Tracklist:

  1. Alchemist // 02:25
  2. Comer // 03:56
  3. Swine // 01:58
  4. No Pain // 03:27
  5. Giftler // 06:45
  6. Shag Yo Egedre // 03:33
  7. 0110 // 03:49
  8. Jean Luc // 06:43
  9. Satana // 06:33
  10. Lucky Luke // 03:38
    Total Length: 42:47

English:

We present you exclusively «ZUCKERGUSS» the new album by Austrians SUCCOPUSS.

SUCCOPUSS is a heavy blues trio from Vienna, Austria, and their unmistakable roots and musical background are deeply based on Blues.
Krystof Hümer & Tobias Paul formed the band in 2013 and Michael Westerkam joined the band with his unmistakable saxophone and backing vocals becoming an indispensable element in the sound of the bands. The trio plays an interesting mix of jazz, blues and hard rock seasoned with rum-soaked voices with some song sung in Spanish such as «Comer», in which Latin rhythms merge with the blues rogue disreputable club. «Swine» offers us strong doses of boogie rock and rockabilly to a frenetic rhythm in contrast to «No Pain», a track in which the blues is once again the band’s leitmotif wrapped in jazz vibrations from Michael’s saxophone, or the elegant «Jean Luc» and wet and seductive theme with rogue tones reminiscent of some nightclub in the middle of the morning.

The versatility of the album makes us find songs like «Giftler» in which the vintage passages are adorned with an attractive and subtle psychedelic with the blues present as in the rest of the album.

«0110» takes place under a dirty sound in which blues and garage-rock come together in a common cause adorned with lysergic effluvia and the usual jazzy doses.

Among more psychedelic atmospheres «Satana» puts the acid note to a raw but fresh work without giving up the most catchy and seductive blues. Here the band offers us its most experimental song.

«Lucky Luke» closes the album with piano chords, dispensing with the vocal registers and showing the band’s love for jazz and blues under cabaret rhythms.
This constellation of sounds could already be heard on his acclaimed self-titled EP released in 2017.

It‘s the first full length album and marks a highlight in the bands history.
The 10 songs were recorded by Daniel Schatz at the Primitive Studios Vienna in 2019.
Recorded ,Mixed & Produced by Daniel Schatz
Mastered by Martin Scheer
Album Artwork & Design by Lena Göbel
Layout & Web Graphics by Imaginería Del Mar Muerto.

Limited Edition Vinyl
Limited to 200 Pieces – 12“ Gatefold 180g Black Vinyl 33rpm
Limited to 100 Pieces – 12“ Gatefold 180g Solid Gold Vinyl 33rpm
Limited to 500 Pieces – Digipak CD
Pressed by Austro Vinyl

Get it here:

http://www.stonefree.co.at/zuckerguss.html?fbclid=IwAR1IqP_EvRgwNuHW_cZuREZ2psdfGo6wf5tr-x6_x2iiqWVl1G-8IAv2w0g

Track list:

  1. Alchemist // 02:25
  2. Comer // 03:56
  3. Swine // 01:58
  4. No Pain // 03:27
  5. Giftler // 06:45
  6. Shag Yo Egedre // 03:33
  7. 0110 // 03:49
  8. Jean Luc // 06:43
  9. Satana // 06:33
  10. Lucky Luke // 03:38
    Total Length: 42:47


https://www.stonefree.co.at/succopuss.html
https://www.succopuss.bandcamp.com
https://www.facebook.com/Succopuss
https://www.succopuss.com/

Reseña: BLURRED REFLECTIONS.- «Blurred Reflections»

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Los duros tiempos del COVID han conseguido que algunos músicos aprovechen el confinamiento para componer, y en esta ocasión, Maurice Eggenschwiler, guitarra y cantante de BLUES FUNERAL y SANCTUS BELLUM ha aprovechado la cuarentena para desarrollar su proyecto en solitario bajo el nombre de BLURRED REFLECTIONS. Toda una paradoja que nos brinda la oportunidad de deleitarnos con un EP maravilloso en el que el músico de Houston se viste de etiqueta para componer seis bellas canciones que se alejan de las vibraciones pesadas a las que nos tiene acostumbrados con su banda. Toda una elegante exploración de sonidos en los que el jazz y la música progresiva quedan reflejadas con destreza como gran fuente de inspiración para que Maurice cumpla un antiguo deseo al explorar este tipo de terrenos musicales saliendo de su zona de confort. «BLURRED REFLECTIONS» examina nuestra relación con la naturaleza, la mente musical, el fracaso pasado, la introspección y la fortaleza del individuo. Musicalmente, las canciones se inspiran en bandas como: Opeth, Anekdoten, Steven Wilson, Al DiMeola, Camel o King Crimson, que son influencias cruciales para Maurice, incluyendo una instrumentación con elementos como piano, melotrón, órgano, cuerda de acero y guitarra acústica de nylon, así como guitarra eléctrica.

«Fallen sun» , en ese ambiente progresivo que preside todo el trabajo se deja llevar por delicadas melodías desarrolladas en un ambiente sinfónico. Elegantes pasajes de guitarra que toman elementos jazz conforman un aterciopelado corte en una relajada atmósfera en la que la lánguida voz de Maurice nos susurra con mimo. 

Sin salir de esa acolchada estancia en la que se desarrolla el tema anterior, «Green hallways» incide más en los elementos jazzísticos,  entre cuidados juegos de voces y coros arropados por un sinfonismo lleno de melancolía. 

Con las notas del piano clásico «Painted gray» se abre a luz desde la gris atmósfera de la que nace. Un tema sobrio que transita en un espacio soft-rock, progresivo en el que los ecos jazz siguen presentes como en la gran parte de los temas. Bajo ese ambiente melancólico, la belleza de los pasajes de guitarra dotan la canción de una elegancia sublime. 

Otra oda a la elegancia encontramos en «Stars in the void». Melancólicos pasajes jazz se adornan con una delicada instrumentación para crear un nuevo espacio de belleza que bebe de las fuentes del sinfonismo de los setenta. Tonos grises en un derroche de sensibilidad compositiva. 

«Weightless Darkness» Es un paseo instrumental por pausadas atmósferas en las que la dualidad de guitarra acústica y eléctrica crean un espacio de belleza y relajación. Aquí, sin prisa el músico se deja llevar por momentos en los que la psicodelia aparece con moderación  para arrullarnos a través de dulces acordes que denotan la calidad que como músico tiene. 

Recuperando las voces y saliendo de la melancolía presente en prácticamente todos sus temas, los ritmos más pesados crea «Gripped By Something More»,  el tema más luminoso de todo el trabajo. Diseñando las melodías para masajearnos, los elementos progresivos toman un gran peso en una de las canciones más elaborada de un trabajo sencillo pero maravilloso. 

Reseña: PERMANENT CLEAR LIGHT.- «Cosmic Comics»

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«COSMIC COMICS» es el nuevo trabajo de los finlandeses PERMANENT CLEAR LIGHT. Ha pasado un tiempo desde su debut en 2.014, pero está vuelta a la primera línea resulta de lo más sugerente. Fuertemente enraizados en la psicodelia pop de los 60’s, el trío nos ofrece un bello trabajo en el que las melodiosas voces con sabor a almibar flotan entre varias capas de sonido presididas por los sintetizadores y teclados. Una apuesta por la psicodelia que flirtea por momentos con elementos jazz y con los sonidos kosmiche de vocación kraut.  El resultado es un caledoscopio colorista nacido de la psicodelia pop de hace décadas con una mística cautivadora. Sus temas se construyen sobre ornamentos barrocos y distintas influencias que van desde The Beatles, a Love, pasando por Moody blues o The Nice, lo cual no impide excursiones en las que  vibraciones góticas intentan por rememorar la modernidad de finales del siglo pasado. Cada canción fluye sin prisa, y siempre tratando de ofrecer su lado más amable al oyente; a veces de forma introspectiva y otras más experimental, pero siempre de una manera sencilla y asequible.  La dulzura puesta al servicio de una música jugando con el lado más sentimental de nuestros sentidos para proporcionarnos una sensación de bienestar y confort. 

PERMANENT CLEAR LIGHT son: Markku Helin (guitarra solista, sintetizadores, y percusión), Arto Kakko (batería, bajo, guitarra, teclados y voces) y Matti Laitinen (voz solista, sintetizador y percusión). «COSMIC COMICS» está disponible vía Sulatron Records.

«This quiet smiling man» nos recibe con una pomposa introducción que recupera los ecos de la psicodelia pop de los 60’s. Un espacio casi barroco que crea un caleidoscopio sosegado qeu va modulandose con suavidad. Un sencillo y cautivador ritmo bajo una sutil atmósfera sinfónica es suficiente para arropar las acarameladas voces con sabor a miel. El tema da un pequeño giro para adentrarnos en un espacio en el que los aromas doorsianos aparecen con un sonido vintage que conjuga la psicodelia con desarrollos más clásicos.

Sin salirse de esos espacios mas propios de los 60’s, «Corneville Skyline»,  transita entre tonos campestres que afloran en ese viaje a la década dorada al que nos invitan los finlandeses. Con melodías más propias de The Beatles en modo floral. Un ritual acid-folk, sobre armonías propias de la psicodelia barroca. Una primera parte más melódica da paso a una atmósfera en la que el sabor del L.S.D. aparece entre en un tono orquestal que se va tornando más lisérgico e intoxicante sin perder sus delicadas texturas.

«Peasants and Peons» nos ofrece el pegajoso pop de confitería. Empalagosas melodías se combinan con una instrumentación mas experimental para crear una atmósfera neo-psicodélica que mantiene la mirada puesta en el pasado. En esta ocasión aparecen algunos elementos progresivos que me recuerdan por momentos a The Nice.

Sobre una estructura kraut kosmiche, «Maurice n’est pas la» nos muestra el lado más sideral con la banda embarcándose en una exploración espacial por apacibles entornos sonoros. Hipnóticos pasajes instrumentales que prescinden de las melodiosas voces flirtean con la electrónica en logrado ejercicio compositivo sobre cajas de ritmos y sintetizadores. Usando unas voces más propias de la corriente gótica con un ambiente entre litúrgico y robótico, retoman las melodías en una magnétical espiral modernista. 

Si hay algo que hace a este trabajo interesante, es la facilidad para modular sus temas con distintas influencias. «Irish Murray», sin desdeñar los dictados de la psicodelia nos situa en un escenario más folk. Acordes acústicos nos sacan de los espacios interestelares para hacernos flotar entre algodonados pasajes que vuelven a beber de la fuente de los 60’s. Algún guiño a los californianos LOVE, preceden una incursión en un territorio algo más progresivo en el que el sinfonismo dota de un tono lánguido y gris a un bello tema. 

«One In Five» sin abandonar esos sonidos psicodélicos llegados de los sesenta, se muestra con mas cuerpo. Un bello tema con pasajes ensoñadores, que se ornamentan con apacibles teclados y un organo envolvente. Un corte colorista que fluye con solvencia.  

Dejandose llevar por tonos jazz «Salmiac» parece querer diferenciarse de alguna manera de los temas anteriores. Con unas armonías más elaboradas, el tema combina ese espíritu jazz con pasajes de neo-psicodelia entre efectos y sintetizadores. Todo un acierto que no hace sino enriquecer un logrado y bello trabajo, en esta ocasión con vibraciones más contemporáneas.

«Until The End Of Time» se gesta desde un órgano pastoral y melodiosas voces en lánguidos registros litúrgicos. Envolvente y místico el tema aporta paz y sosiego con su cuidados desarrollos instrumentales.  Todo un bálsamo antiestrés con una belleza reconfortante que se viste casi de balada para susurrranos en una terapia reconfortante. 

El álbum cierra con un corte más experimental. «The Rip» parece alimentarse de sustancias psicotrópicas para ofrecer una turbia combinación de melodías psico-pop y efectos. El tema se presenta como si estuviera inacabado, o sencillamente, los finlandeses se han querido tomar aquí alguna licencia para salir de la estructura de canción mostrada en el resto del álbum.    

 

https://www.facebook.com/PermanentClearLight/

https://www.facebook.com/Sulatron.Records/

 

Reseña: ACID MOON AND THE PREGNANT SUN.- «Speakin’ Of The Devil»

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«SPEAKIN’ OF THE DEVIL» es el álbum debut de la banda de Tel Aviv (Israel) ACID MOON AND THE PREGNANT SUN, una especie de supergrupo formado por Aviran Haviv y Omer Haviv bajista y guitarra de THE GREAT MACHINE en unión con diversos músicos de la escena israelita. Un cuidado y delicado trabajo en el que no vas a encontrar riffs poderosos y esa actitud punk que caracteriza a la banda, sino que te vas a embarcar en un túnel del tiempo a la California mas florida de finales de los sesenta, a las vastas praderas en las que la banda sonora es la música country y americana, al rock ácido de los primeros 70’s entre exóticos aromas mediterráneos de psicodelia colorista, o la los momentos garage rock más primitivos. Su evocadora portada, es una invitación a explorar un contenido al que hace justicia. Siempre ofreciendo el lado más melódico en canciones que rezuman sentimientos y que inevitablemente nos evocan épocas pasadas. Siempre es agradable ver a unos músicos saliendo de la zona de confort del estilo que les hace populares para, sin ataduras experimentar con otras vibraciones que nunca han visto la luz. En esta ocasión, se percibe a una banda llena de frescura, una banda que se mueve como pez en el agua por estilos que probablemente nunca nos hubiéramos imaginado, pero que a la postre, supone todo un regalo para el oyente. Son distintas las influencias que podemos encontrar en estos surcos, desde un sonido evocador de Jefferson Airplane, hasta momentos de loner-folk, más propios de un híbrido entre Johnny Cash, Marc Benno o Tom Waits. Puede parecer algo demasiado meloso, pero por el contrario el groovy contagioso de los primeros Rolling Stones también aparecen para brillo a alguno de los temas. Unas canciones que también tomas prestados los sonidos tradicionales de su tierra, para adornar unas canciones bien construidas. La participación de gran numero de músicos israelitas más habituados a distintos estilos, solo hace que enriquecer a este proyecto llamado ACID MOON AND THE PREGNANT SUN. La pregunta es: Después de este sobresaliente álbum, ¿La banda tendrá continuidad con nuevos trabajos?? Como decía Bob Dylan: «La respuesta está en el viento….»

El álbum abre con los sonidos americana de «I love you», aderezados con psicodelia aromatizada de tonos orientales. Entre armonías garage-rock el tema nos traslada al espectro mas underground de los 60’s. Cuidadas melodías con bordes ásperos y primitivos. un tema ondulante y envolvente que guarda un espacio para atmósferas lisérgicas que lo hacen cambiar de aspecto. Un tema fresco y pegadizo que supone una magnífica carta de presentación de este nuevo proyecto. 

Con una apertura mas rockera, «Speakin’ of the devil» se viste con el sonido de los 70’s. Evocando ambientes rurales los aromas sureños arropan una quebrada sobre medios tiempos. En un escenario casi country la desgarradora voz se balancea entre acordes acústicos. Un bello tema con olor  a brisa campestre por una senda que me evoca a Marc Benno o Delaney Bramlett. Evidentemente estamos ante un sonido alejado del que practica THE GREAT MACHINE, por lo que no salgo de mi asombro. En una nueva pirueta controlada, la parte final se desarrolla en ritmos boogie rock más dinámicos entre buenos solos de guitarra. 

Juegos de percusión nos introducen en «Creatures of the abyss» para hacernos flotar en algodonadas atmósferas sureñas con acolchados prados. Con los teclados y la percusión como protagonistas y entre arrancadas y parones, el tema coquetea con elementos jazz, folk, y hasta progresivos para ofrecernos una cara distinta de la que comenzó. Ornamentos exóticos dan dar brillo a otro notable tema lleno de calidad.

En un espacio más progresivo y con reminiscencias freak «Wide», rezuma sabor a west-coast y a bandas como TRAFFIC. Olor a marihuana y flores en el pelo con ecos de JEFFERSON AIRPLANE por los cuatro costados. Con buenos momentos psicotrópicos la canción es un caleidoscopio multicolor. Ritmos hipnótico y pegadizos que nos sumen en un viaje ácido de mucha calidad.  Sintetizadores y efectos completan un tema que cualquiera, tras su escucha, dataría en la California de 1967. ¡¡¡Absolutamente brutal!!!

Latiendo con acordes acústicos «Brith sky at night» nos seduce con su bella melodía y la calidez de una voz que denota melancolía. Otra bella canción sencilla y llena de sentimientos con cuidados y delicados acordes de gran sencillez.  Una armonía repetida entre sutiles ritmos que acaba atrayéndome de nuevo. 

Instalados en esas apacibles atmósferas, los israelitas construyen «Save me». Nuevamente los ecos west-coast con ritmos stonianos van construyendo otro espacio colorista con sabor a 70’s. Un tema que van moldeando con cuidado usando distintas influencias sonoras. siempre con pincelas, consiguen moldear un tema que conjuga elementos eléctricos y acústicos entre guitarras coloristas y riffs mas propios del dúo RichardsJagger en los primeros años de los Stones. Una canción envuelta en un atrayente manto vintage. 

A modo de epílogo «Sparrow», nace de sosegados acordes de tonos rurales llenos de melancolía. El folk triste de voz aguardentosa entre Johnny Cash y Tom Waits fluyendo entre armonías con ecos sureños con desgarrador relato de añoranza y melancolía pone el epílogo a un sorprendente y sobresaliente trabajo. 

https://www.facebook.com/acidmoonandthepregnantsun