Reseña: BJORN RISS.- ‘Everything to Everyone’

BJORN RIIS, el fundador y principal compositor de la banda progresiva noruega AIRBAG, nos presenta seis canciones épicas que tratan sobre las emociones humanas y el miedo a perderse en el esfuerzo constante por satisfacer todas las expectativas, a menudo percibidas. En su nuevo álbum ‘EVERYTHING TO EVERYONE’ los sonidos del rock clásico y progresivo de los 70’s adquieren una nueva dimensión. Cargadas de emotividad, las canciones son el resultado de viejas composiciones incompletas que no encajaban dentro la propuesta de AIRBAG, y que ahora son recuperadas con un resultado fascinante. Un álbum lleno de emotividad y sinfonismo, con un sonido que puede enamorar tanto a los viejos amantes del rock progresivo, como a los que acaban de descubrir estas vibraciones. El romanticismo, y las influencias floydianas conviven con una propuesta sonora que no se sale de los patrones con los que se crean las canciones de su banda. Todo un viaje introspectivo en el que no faltan los riffs pesados contrarrestando ensoñadoras melodías enriquecidas con la quebrada y cálida voz de RIIS. El álbum cuenta con la participación a la percusión de Henrik Bergan Fossum (AIRBAG), Kristian Hultgren (WOBBLER), Simen Valldal Johannessen (OAK), aportando su piano romántico, y la cantante y compositora noruega MIMMI TAMBA aportando altas dosis de sensualidad a unas canciones de rebosantes de belleza y de sentimientos.

Karisma Records planea lanzar ‘EVERYTHING TO EVERYONE’ en cuatro versiones diferentes. Además de la versión LP normal, el formato de vinilo también estará disponible como LP White/Black Splatter de edición limitada, mientras que el formato de CD estará disponible tanto como CD estándar como en versión Digi Sleeve de edición limitada que incluirá dos extras. pistas que comprenden una versión alternativa de la canción principal y el sencillo digital independiente de 2020 Desolate Place «

Desde la canción de apertura, ‘Run’ podemos percibir que estamos ante un álbum intimista de rock progresivo. Un majestuoso sonido hard-prog auspiciado por magníficos desarrollos de guitarra en su apertura, decae en un espacio casi minimalista. Creando una envolvente atmósfera los teclados arropan tenues acordes de guitarra acústica. La sutileza y elegancia de esos teclados van creando un corte lleno de belleza, que parece susurrarnos con suma delicadeza. Sin grandes alardes, la sencillez se impone bajo la premisa de ‘menos es más’. La parte final cuenta con buenos golpes de rock psico-progresivo que elevan la intensidad.

En ‘Lay Me Down’ Bjørn parece poner toda su sensibilidad. Su quebrada y cálida voz nos seduce acompañado de una tenue instrumentación consistente en pausados acordes de guitarra. Con suma habilidad incorpora una segunda voz femenina mientras la canción se va armando desde la pausa. Sus bellos y sentimentales pasajes se enriquecen con esa dualidad vocal y unos teclados siempre aportando la ambientación perfecta. Arrancadas de riffs pesados se insertan por momentos rompiendo la calma intrínseca de esta bella canción. Haciendo aflorar con destreza esa mágica guitarra, el tema está lleno de brillantes momentos que se erigen en protagonistas en su justo momento. En esa constante oscilación, todo se desarrolla orgánicamente y de una forma fluida. Esto hace que el tema nos muestre distintas caras del artista. La parte central del corte descansa en calmados pasajes que solo se elevan en un empujón final de mayor intensidad.

El piano clásico nos introduce en‘The Siren’. Otro perfecto escaparte para que Bjørn nos muestre toda su sensibilidad. Combinando elementos acústicos con una sobria instrumentación, el tema contiene pinceladas floydianas entre su sinfonismo de tintes clásicos. Con su música al servicio del romanticismo construye una bella y sosegada canción con todos los ingredientes para seducir al oyente. En la segunda parte de la canción la guitarra hace acto de presencia ofreciendo fascinantes pasajes rebosantes de belleza.

‘Every Second Every Hour’ con sus mas de trece minutos es el espacio perfecto para desarrollar todo el talento de un músico que imprime una sensibilidad especial a sus composiciones. Una cuidad ambientación arropa los acordes acústicos de su melodía, así como su cálida y sensual voz. Embutida en un atuendo sinfónico, la canción se desarrolla sin prisas haciendo mutar su carácter e intensidad hasta llevarnos a un espacio netamente progresivo. En estas lides el tema se dota de múltiples elementos que hacen que se muestre esplendoroso. La duración del tema, permite insertar envolventes pasajes psico-progresivos auspiciados por unos teclados contenidos pero sumamente efectivos. Un tema a la altura de muchos clásicos del rock progresivo de los 70’s por su fascinante composición y forma de mostrarse ante el oyente. Es difícil no caer rendido a su encanto.

Mas experimental, ‘Descending’ juega con elementos hipnóticos y una pausada armonía. Una lograda combinación de guitarra acústica y eléctrica nos transporta a un particular jardín del Edén en el que todo se muestra afable y acogedor. Un espacio de calma en el que se crea una acogedora banda sonora ideal para la introspección. A pesar de sus cuatro minutos, el corte se muestra como si fuera un interludio instrumental.

‘Everything to Everyon’ nos devuelve toda la magia del músico noruego. Suaves melodías con esa cautivadora voz nos aportan una relajación que es complementada con la segunda voz femenina. Arropado por una instrumentación llena de sinfonismo el tema fluye lentamente en ese espacio de sosiego tan gratificante. El piano aporta el toque de distinción a un tema relajante repleto de sentimiento. La elegancia y sofisticación se ponen al servicio de una canción con buenas dosis de romanticismo.

Bjørn Riis

KARISMA RECORDS

Reseña: MONDO INFIEL.- ‘Poliedros’

MONDO INFIEL: “Poliedros”

MONDO INFIEL es el nuevo y esperado proyecto del guitarrista y compositor Adolfo J. Alcocer. Miembro fundador de los grupos Electric Riders (1999-2010) y Pow Pow Pows (2013-2017) y guitarrista y bajista en Bizardunak o Royal Canal entre muchos otros. ‘POLIEDROS’ empieza a tomar forma en 2020, con la ayuda de un grupo espectacular de colaboradores. Un doble LP con nueve canciones donde se da rienda suelta a un trabajo lleno de matices, heterogéneo, donde hay cabida para cualquier expresión musical; psicodelia, 90’s, progresivo, punk, hard-rock,… con letras muy personales donde se hace un psicoanálisis de las relaciones humanas, la ambición, la insolidaridad. ‘POLIDROS’ es un imponente tapiz sonoro rico en múltiples texturas, y eso lo hace un álbum lleno de atractivos. Si a eso unes una espectacular lista de colaboradores como: José Fco. Moreno”Poti”, José Ángel Gallindo , Andrés Rodríguez (Viaje a 800), Sandra Hidalgo, Mateo Pérez Camacho (Atavismo, Rolf), Txus, Guille Colás (Arenna, The Soulbreaker Company, Dr. Sax), Andoni Ortiz, Illán Arribas (The Soulbreaker Company), Javier Barberia (Pow Pow Pows, Reina Republicana, Ginkas,…), más otros cuantos como Javier Indurain, Ander Cisneros (Oskar Benas Instro Combo), Arrate Morales,… y la colaboración especial del gran Isaiah Mitchell, actual guitarrista de The Black Crowes y Earthless en dos temas. Con un elenco de músicos así, nada puede salir mal, y solo hay que escuchar estas emocionantes y elaboradas canciones para descubrirlo.

‘POLIEDROS‘ cuenta con música y letras de Adolfo J. Alcocer excepto ‘Fuego Funeral’ y ‘Mundo sin nosotros’ cuyas letras fueron adaptadas del libro de poemas ‘El ritual del humo’ (Ed. de la Torre Magnética, 2005) de Carlos Trujillano. Grabado entre Pamplona (Estudios Motu), Vitoria-Gasteiz (Jimmy Jazz) y Algeciras (Tagarnina Estudios) por Guillermo Fernández Mutiloa, Koldo Sagastume y José Ángel Galindo. Mezclado y masterizado por Curro Ureba en Trafalgar Estudios de El Palmar (Cádiz). Diseño gráfico y maquetación: Ane Otxoa y Mario G. Esarte (www.murielsnap.com). Disponible en formato doble vinilo (2LP) y Digipack editado entre Gizzah Discos, Cosmic Tentacles y Philatelia Records.

‘Punto Cardinal’ gravita durante dos minutos entre efluvios psicodélicos herederos del sonido del desierto antes de eclosionar a golpe de bajo por una senda sustentada por sonidos alternativos de los 90’s. Su sólido sonido contrasta con el registro de la voz, pero la combinación resulta sumamente satisfactoria. Su tono melancólico se torna vitalista con un logrado trabajo compositivo. Entre ondulaciones y una tupida instrumentación el corte fluye con soltura a lo largo de ocho minutos que invitan al oyente a seguir explorando el contenido del álbum. Su versatilidad y riqueza de texturas, hace que la canción resulte atractiva y con gancho por sus constantes giros y guitarras rabiosas que aparecen en su contenía melodía.

En una atmósfera más lisérgica, ‘Tu principio y mi fin’ muestra un sonido más grave y pesado con numerosos elementos psico-progresivos. Logrando el equilibrio entre la pesadez y los pasajes ensoñadores, la dulce melodía vocal se inserta con destreza. Nuevamente el registro de la voz bebe del manantial alternativo del siglo XX. Con elementos tanto de los 70’s como de los 90’s, MONDO INFIEL gesta una canción que conjuga elementos florales con una vocación progresiva y un sonido fresco y contemporáneo. Adornado con una épica que aporta aires de misticismo para hacer que la canción adquiera altas cotas trascendentales en su narrativa.

En ‘La soberbia es una máscara visible’ baja las revoluciones para desarrollarse en un entorno psicodélico lleno de alicientes. Un ritmo dinámico pero contenido lleva en volantas otro tema bien ensamblado y con algunos tonos progresivos. Con la voz aportado la faceta alternativa, el tema contiene buenos pasajes de guitarra que se ensamblan con destreza para que el tema resulte cohesionado y de fácil escucha.

Con un tono más oscuro, ‘Durmiendo entre los brazos del horror’ abre con cadentes acordes que nos guían a un espacio más pesado sin perder su vocación psicotrópica. Evocando al misticismo de algunas bandas de los 70’s, el corte bien podría situarse en ese periodo por su sonido añejo. Una calma tensa parece custodiar este tenue relato psico-progresivo. Pero MUNDO INFIEL, parecen tener claro su objetivo, y los brillantes pasajes de guitarra no faltan a la cita en un tema aparentemente más lineal, pero con diversidad de texturas.

‘Fuego funeral’ se adorna con elementos exóticos bajo un ritmo más dinámico. Los ecos psico-progresivo de los 70’s vuelven a aflorar con registros vocales que logran transmitir una épica oscura y misteriosa. Así logran poner al oyente en el camino adecuado para poder saborear la canción con todos sus matices. De igual manera los vientos andaluces hacen acto de presencia dando un toque de exotismo a otra canción llena de texturas progresivas bajo su espíritu psicodélico. El trabajo de la bajo resulta completamente magnético a lo largo del tema, logrando un sonido más compacto y denso.

Abriéndose a la luz con una apertura neo-psicodélica, ‘Un Mundo sin nosotros & ratas’ nos sume en una espiral de vibraciones hipnóticas llenas de atractivos. Así nos descubren su particular espacio sonoro; un entorno en el que con sutileza se incorporar múltiples elementos con los que consiguen un corte grandilocuente y aparentemente extraño. En su segunda mitad el tema se desarrolla entre efectos y pasajes progresivos que eclosionan en un torrente de riffs pesados con momentos de gran garra y actitud punk convirtiéndolo en un tema más reivindicativo y alternativo.

‘Poliedros’ es tema central del álbum con 21 minutos que rompen la dinámica del resto de canciones. El tema se encuentra dividido en cuatro partes con un espíritu propio. ( 1º ‘A partículas’, 2º’Asincronía / Eugenesia, 3º ‘Hipnagogia’ y 4º ‘La muerte de la inteligencia’. Desde la pausa inicial en la primera de las partes, el corte va tomando forma lentamente con vibraciones 90’s que se ejecutan sin prisas, haciendo que el oyente poco a poco vaya integrándose en su narrativa. Mas de tres minutos de introducción acaban por dar un giro al tema en la 2º parte, para llevarlo a una fase más experimental. Con una estructura de jam, la canción va mutando sus formas, alterando su aspecto hasta llevarnos a un insondable espacio en el que todo parece desarrollarse en un aparente caos. En este espacio sonoro, la guitarra hace despertar el corte con repetidos rasgueos que van tornando su armonía hacia un túnel psicotrópico soportado por intrincados desarrollos progresivos. Así el corte cambia su aspecto y sus vibraciones, siempre unido por un nexo común. La parte final cuenta con bellos pasajes psicodélicos auspiciados por un acompañamiento que tiende a lo progresivo. Por sí solo, el tema se convierte en el más destacado de un álbum, suponiendo un aliciente para degustar este magnífico álbum

Tras la bacanal sónica anterior, un nuevo reto aparece por delante. La suave y calmada ‘El ser de la necesidad’ se soporta en un base de psicodélica en la que los elementos acústicos y eléctricos conviven en perfecta armonía. El resultado es una canción con voces y coros como principal elemento, y en la que encontramos desde solo profundos hasta momentos folk en otra acertada combinación. Como en la mayoría de las canciones del álbum el tema muta su sonido en su parte final, para acabar en una bacanal psicodélica en la que las guitarras ácidas se superponen entre una densa y potente base rítmica; algo que sucede en muchos de los temas del álbum.

Cerrando el álbum, otra canción de larga duración. Los doce minutos de ‘Delirio Policromo’ dan para una introducción acústica, con tonos rurales en sus primeros minutos. Cerca de tres minutos que dan paso a notables momentos psico-progresivos. Mostrándose contenida en su intensidad, la canción avanza lentamente sin perder su germen acústico entre una narrativa que la banda sitúa en momentos ausentes de música. Esto hace que el corte adquiera ese tono trascendental que hemos visto en alguna de las canciones. La segunda mitad nos ofrece un elaborado trabajo compositivo en el que los elementos progresivos van tornándose más psicodélicos con afiladas guitarras y una atmósfera envolvente. Otra canción que se cocina a fuego lento para que el resultado resulte sumamente apetitoso por la gran cantidad de matices que contiene.

Mondo Infiel

Cosmic Tentacles

PHILATELIA Records

Reseña: SAMAVAYO.- ‘Payan’

Con las turbinas del fuzz a toda máquina, SAMAVAYO construye el que posiblemente sea su álbum más pesado, más progresivo y rabioso de toda su existencia. Con una actitud punk en alguna de sus canciones, el trio complementa sus embestidas desérticas. Mas de veinte años en la carretera y siete discos a sus espaldas, son un aval que les permite poder experimentar con nuevas vibraciones para sus canciones. Manteniendo el espíritu oriental en alguna de ellas (no en vano ‘Payan’ significa ‘fin’ en persa), su descarga desértica se engrandece con fantásticos arreglos y melodías, con las que consiguen fascinantes canciones. Un álbum con una magnífica producción y de alguna forma, diferente a sus predecesores, y en el que la aportación de grandes nombres como Igor Sydorenko (Stoned Jesus), Tommi Holappa (Greenleaf, Dozer), Nick DiSalvo (Elder) y Willi Paschen (Coogans Bluff) supone un plus de calidad y versatilidad en sus temas. Versando sus canciones sobre «el final» en términos de contenido en su nuevo álbum. El fin de lo malo, de lo bueno, el fin de la humanidad, el fin de la forma en que tratamos a nuestro planeta. Se trata de la destrucción de nuestro planeta, división, racismo, codicia, explotación, guerra, aislamiento, soledad. Pero todo fin significa al mismo tiempo un comienzo, un nuevo comienzo en el sonido de una banda ya veterana y asentada, que con ‘PAYAN’ parece haber encontrado su propio sonido.

SAMAVAYO son: Behrang Alavi (guitarra y voz), Andreas Voland (bajo, órgano y voz) y Stephan Voland (batería, percusión y voces)

‘PAYAN’ está disponible vía Noisolution.

Con la colaboración de Nick Di Salvo, ‘Afghan sky’ se contonea entre melodías vocales y un sonido difuso con el que los alemanes golpean en tu cara. Su sonido alternativo va mutando sin perder su verdadera vocación. Desde momentos pegadizos, a riffs difusos que nos recuerdan el espíritu desértico de la banda, el tema parece nacido de los 90’s. La marcada línea de bajo dirige un tema en el que la guitarra se luce con soltura en una combinación bastante atractiva y peculiar.

Empapado de fuzz ‘Shot shot shot shot’ con la colaboración de Tommi Holappa, refleja el lado más arenoso de SAMAVAYO. Fuzz desértico ejecutada a gran velocidad y nuevamente la cuidada combinación de estribillos y coros conforman un corte de Stoner ortodoxo. A la vieja usanza los alemanes resultan completamente efectivos. Por la vía directa, el tema abofetea al oyente con un carácter melódico, pero sin renunciar a sus riffs pesados y compactos. Siete minutos dan para mucho en una banda tan versátil como SAMAVAYO, y el tema contiene también momentos humeantes en los que la banda baja la intensidad. Un descenso que sirve para tomar impulso y activar nuevamente las turbinas del fuzz.

Igor Sydorenko, el guitarra de los ucranianos Stoned Jesus, deja su impronta en ‘Payan’. Un corte aromatizado con fragancias orientales que se incorporan a su descarga difusa. Cantando en persa el trio construye un corte lleno de exóticas vibraciones que beben de la tradición iraní, para fusionarse en un mestizaje de carácter progresivo que acaba por funcionar. Mas psicodélico que los cortes precedentes, el corte no pierde el ritmo en solo instante.

‘Transcend! Exceed’ se desenvuelve entre riffs difusos y esas melodías atractivas que tan bien sabe desarrollar la banda. Un gran trabajo de bajo lleva el tema en volandas dejando una importante estela de fuzz a paso. Una forma de salirse de los cánones del Stoner más ortodoxo, con giros constantes, devaneos de instrumentos y una base rítmica vivaz completan un corte sólido y bien construido.

Desarrollándose entre atmósferas psicodélicas ‘Prophecy’ baja la intensidad para mostrarnos un entorno ensoñador en el que la música de SAMAVAYO fluye con naturalidad y sosiego. Los efluvios lisérgicos acompañan acolchadas melodías vocales. El tema contiene vientos exóticos que se insertan en su psicodelia pesada, haciéndose un hueco entre sus gruesos riffs. La conjunción de elementos Stoner con ciertas pinceladas progresivas acaban por enriquecer la canción, dotándola de una mayor gama cromática.

Retomando los espacios de calma ‘Talagh’ se desarrolla entre golpes de riffs arenosos que son adornados vientos exóticos. Cantado nuevamente en persa, el tema se impregna de vibraciones orientales con la que consiguen un aspecto colorista y atrayente. Buenos ritmos y una instrumentación rica en texturas completan un corte que rápidamente conecta con el oyente. Con algunos golpes de metal, el tema coquetea con vibraciones más hieráticas sin perder su espíritu tradicional. Un corte pegadizo y con mucho gancho gracias a esos elementos innovadores llegados de la tradición mesopotámica. Sin duda, la fórmula funciona.

‘The Mission’ cierra el álbum aportando nuevas dosis de fuzz intoxicante lleno de energía. Con la colaboración de Will Paschen (Coogan pluuf’) crean un corte sólido, pesado, metálico en el que la rabia se refleja en unas voces corrosivas y rabiosas que contrastan con los juegos de los coros y melodías. Todo un arco iris de influencias y sonidos se conjugan en un corte impactante y sólido, que pone el broche de oro a un notable álbum de desert-rock que escapa de algunos códigos del género sin perder su esencia Stoner-metal.

Samavayo

Noisolution

HUMANOTONE.- ‘A Flourishing Fall in a Grain of Sand’

Con un sonido del nuevo milenio, HUMANOTONE nos presenta un trabajo lleno de alicientes para el oyente. Incluido en nuestras RECOMENDACIONES DE LA SEMANA, ‘A FLOURISHING FALL IN A GRAIN OF SAND’ es una nueva y grata sorpresa llegada del cono sur latinoamericano. El álbum refleja la calidad y maestría de un solo músico, tanto en las tareas compositivas como en las interpretativas. El músico chileno Jorge Cist compone un sorprendente álbum con un sonido excelso, que navega en diferentes estilos para conseguir una obra monumental. Tocando todos los instrumentos, deja claro que para él no hay secretos, ni en las rocosas vibraciones Stoner-doom, ni en la psicodelia, ni en los exquisitos pasajes de metal progresivo contenidos en sus canciones. Parece evidente que las bandas pesadas buscan nuevos horizontes para desarrollar sus canciones, y como ya hemos visto en los últimos álbumes de bandas como ELDER o MASTODON, el músico chileno toma el camino intrincado del rock progresivo de inspiración 70’s, pero con la mirada puesta en el futuro. Impactante, elegante, sólido y lleno de versatilidad, ‘A FLOURISHING FALL IN A GRAIN OF SAND’ es un álbum para degustar desde la calma, ya que la complejidad de sus largas canciones, hace que en cada escucha, el oyente pueda descubrir matices que en la primera audición pasaron desapercibidos. Sin duda estamos ante un trabajo sensacional, fuera de convencionalismos, pero con un fascinante contenido.

‘Light antilogies’ se desarrolla entre crujientes riffs con buenas dosis de fuzz. Un sonido difuso que se enriquece con el envolvente sonido del órgano aportando un tono vintage que se incrementa con unas voces etéreas que se inclinan a un espacio más progresivo. Con reminiscencias del sonido de bandas como Elder, el tema transita entre elementos de psicodelia, Stoner y esa sutileza prog. Su ampulosa instrumentación pasa por distintas etapas, con momentos de pausa en contraste con otros más psicodélicos y pesados. El tema es una piedra de toque para valorar el sonido de HUMANOTONE, un sonido que por momentos toma elementos heavy-rock, siempre fusionando todas las vibraciones con gran acierto para que el resultado resulta fascinante.

Señorial y ampuloso ‘Ephemeral’ contiene un sonido aplacado por suaves voces en contraste con su densa instrumentación. Sus cuidadas melodías y una composición rica en matices y constantes giros beben de la fuente de los 70’s para crear un sonido versátil de gran atractivo. Con una estructura que ondula con suavidad la canción combina pasajes instrumentales con ensoñadores momentos vocales. El mayor protagonismo de los teclados y su espesa y contundente base rítmica nos lleva a un espacio sonoro en el que los desarrollos adquieren tintes monumentales. Otro largo tema en el que los pasajes oníricos aparecen en su parte central, celebrando este fértil jardín del Edén de sonidos pesados con un marcado carácter progresivo. Los delicados pasajes de guitarra vuelven a chocar de frente con los crujientes y plomizos riffs que custodian estos once minutos llenos de intensidad y belleza, en los que también encontramos leves coqueteos post-rock.

En una aparente bajada de intensidad ‘A flourishinf fall’ nos embruja con bellos desarrollos de guitarra en una apertura fascinante con la que la banda nos sume en un gratificante escenario psicodélico. La complejidad de su sonido hace que nos sintamos abrumados por la excelsa instrumentación con la que arropan las hermosas melodías. Ese sonido en capas conjuga el poder del pujante bajo con una guitarra superlativa, pero, sobre todo, la forma en la que HUMANOTONE ensambla sus instrumentos, resulta completamente gratificante. Todo un torrente de emociones amortiguado por la placidez de una cálida voz que casi susurrando pone el contrapunto a la compleja composición. Nuevamente pinceladas del rock progresivo de los 70’s aparecen disfrazadas de momentos floydianos para conseguir otro corte fascinante con una hermosura desbordante. Aprovechando la duración del corte, consigue hacer fluir cada nota para crear un cuadro sonoro de sumo atractivo. Los casi doce minutos de duración y la suma belleza de sus melodías, convierten la canción en la más destacada de este maravilloso álbum.

Con cadentes y suaves melodías ‘Scrolls for the blind’ camina por un apacible espacio en el que los efluvios psicodélicos se enriquecen con unos pasajes progresivos que nos invitan a la reflexión. Sus balsámicos acordes van evolucionando a un entorno rico en texturas, sin caer en la pesadez mostrada en las canciones anteriores. Pinceladas post-rock y una repetición de su armonía crean un sugerente corte de una belleza que se decanta por la melancolía. Con intensos momentos a caballo entre el metal progresivo y la psicodelia pesada, el tema se decanta por los desarrollos sinfónicos en su parte central. No faltan las embestidas de riffs pesados, pero siempre con contenidos golpes que crean un sonido turbio y plomizo, pero que se conjugan con destreza incorporando esos brillantes desarrollos.

Rompiendo la dinámica de los temas de larga duración ‘Beyond the machine’ arremete con fornidos riffs post-metal y logrados pasajes de psicodelia pesada. Un pequeño giro inicial acaba llevando la pista a un superlativo espacio de psicodelia pesada. Esto hace que, a pesar de su duración, la canción se inserte plenamente en el espíritu de este magistral álbum. En la parte final los ecos post-grunge se unen a esta colorista.

‘Even thought’ pone el broche de oro al álbum en una senda similar a los temas anteriores. Pausado y con un tono onírico, los teclados van poniendo los cimientos de otra bella canción psicodélica con muchos aditamentos post-rock. Sugerente en sus melodías, la estructura se mantiene en una parte inicial en la que encontramos pasajes sinfónicos entre sus difusos riffs. Voces y coros melodiosos y una faraónica instrumentación nos situación en un espacio palaciego en el que los instrumentos parecen agolparse, situándose cada uno en su lugar. Todo parece perfectamente diseñado para atrapar al oyente en un estado de belleza superlativa. Elegante, sofisticado, pero la suficiente fuerza como para dejarnos sorprendidos por la calidad con la que son creadas estas fantásticas canciones. Los momentos más pesados y turbios hacen acto de presencia en la parte central, marcando un punto de inflexión de un tema que retoma la senda inicial entre hordas de riffs, solos mágicos y desarrollos inquietantes.

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Reseña: SLOTH METROPOLIS.- ‘Moth necropolis’

Inspirándose en una historia Lovecraftiana, los escoceses SLOTH METROPOLIS, crean un álbum ecléctico en el que las vibraciones psicodélicas, progresivas, folk y doom se introducen en una coctelera para ser agitadas por teclados y violines con altas dosis de distorsión. Así crean un álbum conceptual influenciado por las teorías de Timoty Leary, con un sonido evocador de los primeros Gong, arropado por reverberaciones contemporáneas. Su sonido expansivo basado en la improvisación se adorna con recurrentes locuciones que le aportan un carácter reflexivo. Hipnótico por momentos, la psicodelia adquiere dimensiones desconocidas con los coqueteos jazz y elementos más propios de los 70’s. Con intrincados desarrollos progresivos, escapan de convencionalismos para sumirnos en un trance sensorial de carácter reflexivo. Los plácidos desarrollos se dotan de un efecto narcótico que adormece los sentidos del oyente. Pero SLOTH METROPOLIS no se quedan ahí, y también convierten sus canciones en turbios pasajes con aturdidores sonidos. ‘MOTH NECROPOLIS’ es un álbum diferente y posiblemente no apto para todos los oídos, pero sin duda, cualquiera que se sumerja en él con la mente abierta, encontrara un espacio gratificante en el que ampliar su percepción musical.

‘MOTH NECROPOLIS’ está disponible vía Nasoni Records.

‘Fungus’ se desarrolla en una ambientación heavy-psych. Tras una introducción con locuciones, los escoceses nos sumergen en un espacio netamente psicodélico. Aquí los desarrollos de guitarra se suceden creando un atractivo entorno sonoro. Caminando por el lado pausado del género, la inclusión de teclados ocasionales dota al corte de una ambientación vintage. Una neblina narcótica nos envuelve creando un efecto balsámico sobre el oyente. Casi diez minutos instrumentales que los escoceses resuelven con solvencia. Estamos ante una composición versátil que gravita en un espacio psicodélico en el que los elementos 70’s aparecen con destreza.

Cambiando de alguna manera su sonido ‘Moth’ mantiene la fórmula. Locución inicial, y doce minutos de jam por delante. Creando un entorno cautivador, las suaves melodías se suceden en el particular mundo sensorial de la banda. Aquí las voces ensoñadoras aparecen para ofrecernos un mágico espacio reflexivo. Cálidos registros vocales que enriquecen esa suave instrumentación salpican con distintos elementos generadores de un particular estado sensorial. La calma y el relax se transmiten entre sutiles vibraciones más propias del siglo pasado. Inclinándose hacia un entorno más progresivo, el corte sigue transmitiendo paz al oyente con sus balsámicos pasajes. Elementos acústicos, teclados, y sonidos de viento completan un atractivo tema que parece susurrarnos desplegando todo su encanto. A diferencia del tema anterior, en esta ocasión no aparecen esos solos ácidos e incisivos, decantándose por en espacio sonoro instrumental con numerosos elementos progresivos.

Insistiendo en las introducciones con locuciones, ‘Flea’, se muestra más ecléctico en su sonido. Misteriosos pasajes arropados con efectos nos envuelven entre los chirriantes acordes de una guitarra que muestra su lado más lisérgico. En esta ocasión la duración del tema, con solo cinco minutos, hace que estemos ante un hipnótico y envolvente interludio que parece no llevarnos a ningún sitio, sino que sirve como vía de escape al cuarteto. El corte se torna más turbio y caótico en su parte final.

‘Bacterium’ se deja llevar por vibraciones jazz sin perder el alma psicodélica de la banda. Ecos de los 70’s aparecen gracias a esos mágicos teclados. Un sonido más aturdidor nos empapa con acordes que se repiten creando un turbio ambiente. Tomándose su tiempo, van moldeando las aristas del tema con pasajes psico-progresivos a los cuales incorporan voces devocionales. La importancia del sonido del órgano queda patente en un tema con una línea de bajo magnética y atrayente. El espíritu de los 70’s aflora con naturalidad para hacer que el corte oscile en su hipnótico sonido. Histriónicos pasajes con un aura devocional complementan estos doce minutos cargados de gratificantes momentos en los que los desarrollos progresivos van sucediéndose.

El álbum cierra con las exóticas vibraciones de ‘Starseed’. Psicodelia contemporánea con un aroma retro creando un ambiente colorista gracias a una mayor presencia de las melodías vocales. Un inquebrantable ritmo nos lleva en volandas a palaciegos espacios sonoros en los que los pasajes progresivos regresan. Esos sonidos tradicionales son insertados con acierto para crear un tema lleno de dinamismo y los suficientes atractivos como para quedar atrapados en su sonido.

Sloth Metropolis

Nasoni Records