Reseña: MONDO INFIEL.- ‘Poliedros’

MONDO INFIEL: “Poliedros”

MONDO INFIEL es el nuevo y esperado proyecto del guitarrista y compositor Adolfo J. Alcocer. Miembro fundador de los grupos Electric Riders (1999-2010) y Pow Pow Pows (2013-2017) y guitarrista y bajista en Bizardunak o Royal Canal entre muchos otros. ‘POLIEDROS’ empieza a tomar forma en 2020, con la ayuda de un grupo espectacular de colaboradores. Un doble LP con nueve canciones donde se da rienda suelta a un trabajo lleno de matices, heterogéneo, donde hay cabida para cualquier expresión musical; psicodelia, 90’s, progresivo, punk, hard-rock,… con letras muy personales donde se hace un psicoanálisis de las relaciones humanas, la ambición, la insolidaridad. ‘POLIDROS’ es un imponente tapiz sonoro rico en múltiples texturas, y eso lo hace un álbum lleno de atractivos. Si a eso unes una espectacular lista de colaboradores como: José Fco. Moreno”Poti”, José Ángel Gallindo , Andrés Rodríguez (Viaje a 800), Sandra Hidalgo, Mateo Pérez Camacho (Atavismo, Rolf), Txus, Guille Colás (Arenna, The Soulbreaker Company, Dr. Sax), Andoni Ortiz, Illán Arribas (The Soulbreaker Company), Javier Barberia (Pow Pow Pows, Reina Republicana, Ginkas,…), más otros cuantos como Javier Indurain, Ander Cisneros (Oskar Benas Instro Combo), Arrate Morales,… y la colaboración especial del gran Isaiah Mitchell, actual guitarrista de The Black Crowes y Earthless en dos temas. Con un elenco de músicos así, nada puede salir mal, y solo hay que escuchar estas emocionantes y elaboradas canciones para descubrirlo.

‘POLIEDROS‘ cuenta con música y letras de Adolfo J. Alcocer excepto ‘Fuego Funeral’ y ‘Mundo sin nosotros’ cuyas letras fueron adaptadas del libro de poemas ‘El ritual del humo’ (Ed. de la Torre Magnética, 2005) de Carlos Trujillano. Grabado entre Pamplona (Estudios Motu), Vitoria-Gasteiz (Jimmy Jazz) y Algeciras (Tagarnina Estudios) por Guillermo Fernández Mutiloa, Koldo Sagastume y José Ángel Galindo. Mezclado y masterizado por Curro Ureba en Trafalgar Estudios de El Palmar (Cádiz). Diseño gráfico y maquetación: Ane Otxoa y Mario G. Esarte (www.murielsnap.com). Disponible en formato doble vinilo (2LP) y Digipack editado entre Gizzah Discos, Cosmic Tentacles y Philatelia Records.

‘Punto Cardinal’ gravita durante dos minutos entre efluvios psicodélicos herederos del sonido del desierto antes de eclosionar a golpe de bajo por una senda sustentada por sonidos alternativos de los 90’s. Su sólido sonido contrasta con el registro de la voz, pero la combinación resulta sumamente satisfactoria. Su tono melancólico se torna vitalista con un logrado trabajo compositivo. Entre ondulaciones y una tupida instrumentación el corte fluye con soltura a lo largo de ocho minutos que invitan al oyente a seguir explorando el contenido del álbum. Su versatilidad y riqueza de texturas, hace que la canción resulte atractiva y con gancho por sus constantes giros y guitarras rabiosas que aparecen en su contenía melodía.

En una atmósfera más lisérgica, ‘Tu principio y mi fin’ muestra un sonido más grave y pesado con numerosos elementos psico-progresivos. Logrando el equilibrio entre la pesadez y los pasajes ensoñadores, la dulce melodía vocal se inserta con destreza. Nuevamente el registro de la voz bebe del manantial alternativo del siglo XX. Con elementos tanto de los 70’s como de los 90’s, MONDO INFIEL gesta una canción que conjuga elementos florales con una vocación progresiva y un sonido fresco y contemporáneo. Adornado con una épica que aporta aires de misticismo para hacer que la canción adquiera altas cotas trascendentales en su narrativa.

En ‘La soberbia es una máscara visible’ baja las revoluciones para desarrollarse en un entorno psicodélico lleno de alicientes. Un ritmo dinámico pero contenido lleva en volantas otro tema bien ensamblado y con algunos tonos progresivos. Con la voz aportado la faceta alternativa, el tema contiene buenos pasajes de guitarra que se ensamblan con destreza para que el tema resulte cohesionado y de fácil escucha.

Con un tono más oscuro, ‘Durmiendo entre los brazos del horror’ abre con cadentes acordes que nos guían a un espacio más pesado sin perder su vocación psicotrópica. Evocando al misticismo de algunas bandas de los 70’s, el corte bien podría situarse en ese periodo por su sonido añejo. Una calma tensa parece custodiar este tenue relato psico-progresivo. Pero MUNDO INFIEL, parecen tener claro su objetivo, y los brillantes pasajes de guitarra no faltan a la cita en un tema aparentemente más lineal, pero con diversidad de texturas.

‘Fuego funeral’ se adorna con elementos exóticos bajo un ritmo más dinámico. Los ecos psico-progresivo de los 70’s vuelven a aflorar con registros vocales que logran transmitir una épica oscura y misteriosa. Así logran poner al oyente en el camino adecuado para poder saborear la canción con todos sus matices. De igual manera los vientos andaluces hacen acto de presencia dando un toque de exotismo a otra canción llena de texturas progresivas bajo su espíritu psicodélico. El trabajo de la bajo resulta completamente magnético a lo largo del tema, logrando un sonido más compacto y denso.

Abriéndose a la luz con una apertura neo-psicodélica, ‘Un Mundo sin nosotros & ratas’ nos sume en una espiral de vibraciones hipnóticas llenas de atractivos. Así nos descubren su particular espacio sonoro; un entorno en el que con sutileza se incorporar múltiples elementos con los que consiguen un corte grandilocuente y aparentemente extraño. En su segunda mitad el tema se desarrolla entre efectos y pasajes progresivos que eclosionan en un torrente de riffs pesados con momentos de gran garra y actitud punk convirtiéndolo en un tema más reivindicativo y alternativo.

‘Poliedros’ es tema central del álbum con 21 minutos que rompen la dinámica del resto de canciones. El tema se encuentra dividido en cuatro partes con un espíritu propio. ( 1º ‘A partículas’, 2º’Asincronía / Eugenesia, 3º ‘Hipnagogia’ y 4º ‘La muerte de la inteligencia’. Desde la pausa inicial en la primera de las partes, el corte va tomando forma lentamente con vibraciones 90’s que se ejecutan sin prisas, haciendo que el oyente poco a poco vaya integrándose en su narrativa. Mas de tres minutos de introducción acaban por dar un giro al tema en la 2º parte, para llevarlo a una fase más experimental. Con una estructura de jam, la canción va mutando sus formas, alterando su aspecto hasta llevarnos a un insondable espacio en el que todo parece desarrollarse en un aparente caos. En este espacio sonoro, la guitarra hace despertar el corte con repetidos rasgueos que van tornando su armonía hacia un túnel psicotrópico soportado por intrincados desarrollos progresivos. Así el corte cambia su aspecto y sus vibraciones, siempre unido por un nexo común. La parte final cuenta con bellos pasajes psicodélicos auspiciados por un acompañamiento que tiende a lo progresivo. Por sí solo, el tema se convierte en el más destacado de un álbum, suponiendo un aliciente para degustar este magnífico álbum

Tras la bacanal sónica anterior, un nuevo reto aparece por delante. La suave y calmada ‘El ser de la necesidad’ se soporta en un base de psicodélica en la que los elementos acústicos y eléctricos conviven en perfecta armonía. El resultado es una canción con voces y coros como principal elemento, y en la que encontramos desde solo profundos hasta momentos folk en otra acertada combinación. Como en la mayoría de las canciones del álbum el tema muta su sonido en su parte final, para acabar en una bacanal psicodélica en la que las guitarras ácidas se superponen entre una densa y potente base rítmica; algo que sucede en muchos de los temas del álbum.

Cerrando el álbum, otra canción de larga duración. Los doce minutos de ‘Delirio Policromo’ dan para una introducción acústica, con tonos rurales en sus primeros minutos. Cerca de tres minutos que dan paso a notables momentos psico-progresivos. Mostrándose contenida en su intensidad, la canción avanza lentamente sin perder su germen acústico entre una narrativa que la banda sitúa en momentos ausentes de música. Esto hace que el corte adquiera ese tono trascendental que hemos visto en alguna de las canciones. La segunda mitad nos ofrece un elaborado trabajo compositivo en el que los elementos progresivos van tornándose más psicodélicos con afiladas guitarras y una atmósfera envolvente. Otra canción que se cocina a fuego lento para que el resultado resulte sumamente apetitoso por la gran cantidad de matices que contiene.

Mondo Infiel

Cosmic Tentacles

PHILATELIA Records

Reseña: SAMAVAYO.- ‘Payan’

Con las turbinas del fuzz a toda máquina, SAMAVAYO construye el que posiblemente sea su álbum más pesado, más progresivo y rabioso de toda su existencia. Con una actitud punk en alguna de sus canciones, el trio complementa sus embestidas desérticas. Mas de veinte años en la carretera y siete discos a sus espaldas, son un aval que les permite poder experimentar con nuevas vibraciones para sus canciones. Manteniendo el espíritu oriental en alguna de ellas (no en vano ‘Payan’ significa ‘fin’ en persa), su descarga desértica se engrandece con fantásticos arreglos y melodías, con las que consiguen fascinantes canciones. Un álbum con una magnífica producción y de alguna forma, diferente a sus predecesores, y en el que la aportación de grandes nombres como Igor Sydorenko (Stoned Jesus), Tommi Holappa (Greenleaf, Dozer), Nick DiSalvo (Elder) y Willi Paschen (Coogans Bluff) supone un plus de calidad y versatilidad en sus temas. Versando sus canciones sobre «el final» en términos de contenido en su nuevo álbum. El fin de lo malo, de lo bueno, el fin de la humanidad, el fin de la forma en que tratamos a nuestro planeta. Se trata de la destrucción de nuestro planeta, división, racismo, codicia, explotación, guerra, aislamiento, soledad. Pero todo fin significa al mismo tiempo un comienzo, un nuevo comienzo en el sonido de una banda ya veterana y asentada, que con ‘PAYAN’ parece haber encontrado su propio sonido.

SAMAVAYO son: Behrang Alavi (guitarra y voz), Andreas Voland (bajo, órgano y voz) y Stephan Voland (batería, percusión y voces)

‘PAYAN’ está disponible vía Noisolution.

Con la colaboración de Nick Di Salvo, ‘Afghan sky’ se contonea entre melodías vocales y un sonido difuso con el que los alemanes golpean en tu cara. Su sonido alternativo va mutando sin perder su verdadera vocación. Desde momentos pegadizos, a riffs difusos que nos recuerdan el espíritu desértico de la banda, el tema parece nacido de los 90’s. La marcada línea de bajo dirige un tema en el que la guitarra se luce con soltura en una combinación bastante atractiva y peculiar.

Empapado de fuzz ‘Shot shot shot shot’ con la colaboración de Tommi Holappa, refleja el lado más arenoso de SAMAVAYO. Fuzz desértico ejecutada a gran velocidad y nuevamente la cuidada combinación de estribillos y coros conforman un corte de Stoner ortodoxo. A la vieja usanza los alemanes resultan completamente efectivos. Por la vía directa, el tema abofetea al oyente con un carácter melódico, pero sin renunciar a sus riffs pesados y compactos. Siete minutos dan para mucho en una banda tan versátil como SAMAVAYO, y el tema contiene también momentos humeantes en los que la banda baja la intensidad. Un descenso que sirve para tomar impulso y activar nuevamente las turbinas del fuzz.

Igor Sydorenko, el guitarra de los ucranianos Stoned Jesus, deja su impronta en ‘Payan’. Un corte aromatizado con fragancias orientales que se incorporan a su descarga difusa. Cantando en persa el trio construye un corte lleno de exóticas vibraciones que beben de la tradición iraní, para fusionarse en un mestizaje de carácter progresivo que acaba por funcionar. Mas psicodélico que los cortes precedentes, el corte no pierde el ritmo en solo instante.

‘Transcend! Exceed’ se desenvuelve entre riffs difusos y esas melodías atractivas que tan bien sabe desarrollar la banda. Un gran trabajo de bajo lleva el tema en volandas dejando una importante estela de fuzz a paso. Una forma de salirse de los cánones del Stoner más ortodoxo, con giros constantes, devaneos de instrumentos y una base rítmica vivaz completan un corte sólido y bien construido.

Desarrollándose entre atmósferas psicodélicas ‘Prophecy’ baja la intensidad para mostrarnos un entorno ensoñador en el que la música de SAMAVAYO fluye con naturalidad y sosiego. Los efluvios lisérgicos acompañan acolchadas melodías vocales. El tema contiene vientos exóticos que se insertan en su psicodelia pesada, haciéndose un hueco entre sus gruesos riffs. La conjunción de elementos Stoner con ciertas pinceladas progresivas acaban por enriquecer la canción, dotándola de una mayor gama cromática.

Retomando los espacios de calma ‘Talagh’ se desarrolla entre golpes de riffs arenosos que son adornados vientos exóticos. Cantado nuevamente en persa, el tema se impregna de vibraciones orientales con la que consiguen un aspecto colorista y atrayente. Buenos ritmos y una instrumentación rica en texturas completan un corte que rápidamente conecta con el oyente. Con algunos golpes de metal, el tema coquetea con vibraciones más hieráticas sin perder su espíritu tradicional. Un corte pegadizo y con mucho gancho gracias a esos elementos innovadores llegados de la tradición mesopotámica. Sin duda, la fórmula funciona.

‘The Mission’ cierra el álbum aportando nuevas dosis de fuzz intoxicante lleno de energía. Con la colaboración de Will Paschen (Coogan pluuf’) crean un corte sólido, pesado, metálico en el que la rabia se refleja en unas voces corrosivas y rabiosas que contrastan con los juegos de los coros y melodías. Todo un arco iris de influencias y sonidos se conjugan en un corte impactante y sólido, que pone el broche de oro a un notable álbum de desert-rock que escapa de algunos códigos del género sin perder su esencia Stoner-metal.

Samavayo

Noisolution

HUMANOTONE.- ‘A Flourishing Fall in a Grain of Sand’

Con un sonido del nuevo milenio, HUMANOTONE nos presenta un trabajo lleno de alicientes para el oyente. Incluido en nuestras RECOMENDACIONES DE LA SEMANA, ‘A FLOURISHING FALL IN A GRAIN OF SAND’ es una nueva y grata sorpresa llegada del cono sur latinoamericano. El álbum refleja la calidad y maestría de un solo músico, tanto en las tareas compositivas como en las interpretativas. El músico chileno Jorge Cist compone un sorprendente álbum con un sonido excelso, que navega en diferentes estilos para conseguir una obra monumental. Tocando todos los instrumentos, deja claro que para él no hay secretos, ni en las rocosas vibraciones Stoner-doom, ni en la psicodelia, ni en los exquisitos pasajes de metal progresivo contenidos en sus canciones. Parece evidente que las bandas pesadas buscan nuevos horizontes para desarrollar sus canciones, y como ya hemos visto en los últimos álbumes de bandas como ELDER o MASTODON, el músico chileno toma el camino intrincado del rock progresivo de inspiración 70’s, pero con la mirada puesta en el futuro. Impactante, elegante, sólido y lleno de versatilidad, ‘A FLOURISHING FALL IN A GRAIN OF SAND’ es un álbum para degustar desde la calma, ya que la complejidad de sus largas canciones, hace que en cada escucha, el oyente pueda descubrir matices que en la primera audición pasaron desapercibidos. Sin duda estamos ante un trabajo sensacional, fuera de convencionalismos, pero con un fascinante contenido.

‘Light antilogies’ se desarrolla entre crujientes riffs con buenas dosis de fuzz. Un sonido difuso que se enriquece con el envolvente sonido del órgano aportando un tono vintage que se incrementa con unas voces etéreas que se inclinan a un espacio más progresivo. Con reminiscencias del sonido de bandas como Elder, el tema transita entre elementos de psicodelia, Stoner y esa sutileza prog. Su ampulosa instrumentación pasa por distintas etapas, con momentos de pausa en contraste con otros más psicodélicos y pesados. El tema es una piedra de toque para valorar el sonido de HUMANOTONE, un sonido que por momentos toma elementos heavy-rock, siempre fusionando todas las vibraciones con gran acierto para que el resultado resulta fascinante.

Señorial y ampuloso ‘Ephemeral’ contiene un sonido aplacado por suaves voces en contraste con su densa instrumentación. Sus cuidadas melodías y una composición rica en matices y constantes giros beben de la fuente de los 70’s para crear un sonido versátil de gran atractivo. Con una estructura que ondula con suavidad la canción combina pasajes instrumentales con ensoñadores momentos vocales. El mayor protagonismo de los teclados y su espesa y contundente base rítmica nos lleva a un espacio sonoro en el que los desarrollos adquieren tintes monumentales. Otro largo tema en el que los pasajes oníricos aparecen en su parte central, celebrando este fértil jardín del Edén de sonidos pesados con un marcado carácter progresivo. Los delicados pasajes de guitarra vuelven a chocar de frente con los crujientes y plomizos riffs que custodian estos once minutos llenos de intensidad y belleza, en los que también encontramos leves coqueteos post-rock.

En una aparente bajada de intensidad ‘A flourishinf fall’ nos embruja con bellos desarrollos de guitarra en una apertura fascinante con la que la banda nos sume en un gratificante escenario psicodélico. La complejidad de su sonido hace que nos sintamos abrumados por la excelsa instrumentación con la que arropan las hermosas melodías. Ese sonido en capas conjuga el poder del pujante bajo con una guitarra superlativa, pero, sobre todo, la forma en la que HUMANOTONE ensambla sus instrumentos, resulta completamente gratificante. Todo un torrente de emociones amortiguado por la placidez de una cálida voz que casi susurrando pone el contrapunto a la compleja composición. Nuevamente pinceladas del rock progresivo de los 70’s aparecen disfrazadas de momentos floydianos para conseguir otro corte fascinante con una hermosura desbordante. Aprovechando la duración del corte, consigue hacer fluir cada nota para crear un cuadro sonoro de sumo atractivo. Los casi doce minutos de duración y la suma belleza de sus melodías, convierten la canción en la más destacada de este maravilloso álbum.

Con cadentes y suaves melodías ‘Scrolls for the blind’ camina por un apacible espacio en el que los efluvios psicodélicos se enriquecen con unos pasajes progresivos que nos invitan a la reflexión. Sus balsámicos acordes van evolucionando a un entorno rico en texturas, sin caer en la pesadez mostrada en las canciones anteriores. Pinceladas post-rock y una repetición de su armonía crean un sugerente corte de una belleza que se decanta por la melancolía. Con intensos momentos a caballo entre el metal progresivo y la psicodelia pesada, el tema se decanta por los desarrollos sinfónicos en su parte central. No faltan las embestidas de riffs pesados, pero siempre con contenidos golpes que crean un sonido turbio y plomizo, pero que se conjugan con destreza incorporando esos brillantes desarrollos.

Rompiendo la dinámica de los temas de larga duración ‘Beyond the machine’ arremete con fornidos riffs post-metal y logrados pasajes de psicodelia pesada. Un pequeño giro inicial acaba llevando la pista a un superlativo espacio de psicodelia pesada. Esto hace que, a pesar de su duración, la canción se inserte plenamente en el espíritu de este magistral álbum. En la parte final los ecos post-grunge se unen a esta colorista.

‘Even thought’ pone el broche de oro al álbum en una senda similar a los temas anteriores. Pausado y con un tono onírico, los teclados van poniendo los cimientos de otra bella canción psicodélica con muchos aditamentos post-rock. Sugerente en sus melodías, la estructura se mantiene en una parte inicial en la que encontramos pasajes sinfónicos entre sus difusos riffs. Voces y coros melodiosos y una faraónica instrumentación nos situación en un espacio palaciego en el que los instrumentos parecen agolparse, situándose cada uno en su lugar. Todo parece perfectamente diseñado para atrapar al oyente en un estado de belleza superlativa. Elegante, sofisticado, pero la suficiente fuerza como para dejarnos sorprendidos por la calidad con la que son creadas estas fantásticas canciones. Los momentos más pesados y turbios hacen acto de presencia en la parte central, marcando un punto de inflexión de un tema que retoma la senda inicial entre hordas de riffs, solos mágicos y desarrollos inquietantes.

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Reseña: SLOTH METROPOLIS.- ‘Moth necropolis’

Inspirándose en una historia Lovecraftiana, los escoceses SLOTH METROPOLIS, crean un álbum ecléctico en el que las vibraciones psicodélicas, progresivas, folk y doom se introducen en una coctelera para ser agitadas por teclados y violines con altas dosis de distorsión. Así crean un álbum conceptual influenciado por las teorías de Timoty Leary, con un sonido evocador de los primeros Gong, arropado por reverberaciones contemporáneas. Su sonido expansivo basado en la improvisación se adorna con recurrentes locuciones que le aportan un carácter reflexivo. Hipnótico por momentos, la psicodelia adquiere dimensiones desconocidas con los coqueteos jazz y elementos más propios de los 70’s. Con intrincados desarrollos progresivos, escapan de convencionalismos para sumirnos en un trance sensorial de carácter reflexivo. Los plácidos desarrollos se dotan de un efecto narcótico que adormece los sentidos del oyente. Pero SLOTH METROPOLIS no se quedan ahí, y también convierten sus canciones en turbios pasajes con aturdidores sonidos. ‘MOTH NECROPOLIS’ es un álbum diferente y posiblemente no apto para todos los oídos, pero sin duda, cualquiera que se sumerja en él con la mente abierta, encontrara un espacio gratificante en el que ampliar su percepción musical.

‘MOTH NECROPOLIS’ está disponible vía Nasoni Records.

‘Fungus’ se desarrolla en una ambientación heavy-psych. Tras una introducción con locuciones, los escoceses nos sumergen en un espacio netamente psicodélico. Aquí los desarrollos de guitarra se suceden creando un atractivo entorno sonoro. Caminando por el lado pausado del género, la inclusión de teclados ocasionales dota al corte de una ambientación vintage. Una neblina narcótica nos envuelve creando un efecto balsámico sobre el oyente. Casi diez minutos instrumentales que los escoceses resuelven con solvencia. Estamos ante una composición versátil que gravita en un espacio psicodélico en el que los elementos 70’s aparecen con destreza.

Cambiando de alguna manera su sonido ‘Moth’ mantiene la fórmula. Locución inicial, y doce minutos de jam por delante. Creando un entorno cautivador, las suaves melodías se suceden en el particular mundo sensorial de la banda. Aquí las voces ensoñadoras aparecen para ofrecernos un mágico espacio reflexivo. Cálidos registros vocales que enriquecen esa suave instrumentación salpican con distintos elementos generadores de un particular estado sensorial. La calma y el relax se transmiten entre sutiles vibraciones más propias del siglo pasado. Inclinándose hacia un entorno más progresivo, el corte sigue transmitiendo paz al oyente con sus balsámicos pasajes. Elementos acústicos, teclados, y sonidos de viento completan un atractivo tema que parece susurrarnos desplegando todo su encanto. A diferencia del tema anterior, en esta ocasión no aparecen esos solos ácidos e incisivos, decantándose por en espacio sonoro instrumental con numerosos elementos progresivos.

Insistiendo en las introducciones con locuciones, ‘Flea’, se muestra más ecléctico en su sonido. Misteriosos pasajes arropados con efectos nos envuelven entre los chirriantes acordes de una guitarra que muestra su lado más lisérgico. En esta ocasión la duración del tema, con solo cinco minutos, hace que estemos ante un hipnótico y envolvente interludio que parece no llevarnos a ningún sitio, sino que sirve como vía de escape al cuarteto. El corte se torna más turbio y caótico en su parte final.

‘Bacterium’ se deja llevar por vibraciones jazz sin perder el alma psicodélica de la banda. Ecos de los 70’s aparecen gracias a esos mágicos teclados. Un sonido más aturdidor nos empapa con acordes que se repiten creando un turbio ambiente. Tomándose su tiempo, van moldeando las aristas del tema con pasajes psico-progresivos a los cuales incorporan voces devocionales. La importancia del sonido del órgano queda patente en un tema con una línea de bajo magnética y atrayente. El espíritu de los 70’s aflora con naturalidad para hacer que el corte oscile en su hipnótico sonido. Histriónicos pasajes con un aura devocional complementan estos doce minutos cargados de gratificantes momentos en los que los desarrollos progresivos van sucediéndose.

El álbum cierra con las exóticas vibraciones de ‘Starseed’. Psicodelia contemporánea con un aroma retro creando un ambiente colorista gracias a una mayor presencia de las melodías vocales. Un inquebrantable ritmo nos lleva en volandas a palaciegos espacios sonoros en los que los pasajes progresivos regresan. Esos sonidos tradicionales son insertados con acierto para crear un tema lleno de dinamismo y los suficientes atractivos como para quedar atrapados en su sonido.

Sloth Metropolis

Nasoni Records

Reseña: NAXATRAS ‘IV’

Una historia de fantasía de paisajes extraños y misiones valientes. Una saga de transformación, sorprendente, impactante e innovadora que nos ofrece un mutante sonido en el que la banda no se pone barreras a la hora de experimentar con nuevas vibraciones. ‘IV’ es un punto de inflexión en una banda que lleva labrándose su reputación durante una década. Yendo mas allá y reconvertidos de trio a cuarteto con la incorporación de Pantelis Kargas a los teclados, NAXATRAS emprende un nuevo camino con un álbum más directo que contiene canciones ricas en matices, con una orquestación más poderosa estratificada en distintos planos sonoros. La inclinación floydiana en esta ocasión emprende una ruta transitada por bandas como Elder, el mismísimo Steve Wilson o los propios Hawkwind. Un viaje de ida y vuelta a los 70’s, con brillantes momentos de soft-rock ornamentados con pasajes de fusión y una neta vocación psico-progesiva. Esto no hace que la banda pierda frescura, sino que, por el contrario, realza la maestría de la banda a la hora componer y ejecutar. Si en sus canciones encontramos a los NAXATRAS más reconocibles, el enfoque hacia otros territorios sonoros, hacen que ‘IV’ resulta un álbum fascinante para el oyente. Estos cuatro cirujanos de los sonidos psico-progresivos no tiene reparos en incorporar elementos de fusión a una apuesta esotérica, en la que las voces que encontramos en algunas de sus canciones, aportan brillo a sus canciones. Balsámicos, pero también pesados, elevan a NAXATRAS a un nuevo universo sonoro que hace girar su creatividad en este ejemplo de madurez. Como si se tratara de un reloj suizo, la precisión de sus composiciones hace de ‘IV’, un álbum llamado a ocupar los puestos de honor en las listas de mejores álbumes del 2022. Expresividad, creatividad y exquisitez, para salir de convencionalismos, en una banda que sigue creciendo con cada nuevo álbum con unas canciones embriagadoras, bellas con los habituales tonos astrales y psicodélicos, pero con una vocación mucho más progresiva, sin perder un ápice de pesadez.

Su bajista John Vagenas nos daba hace unos días todas las claves del álbum en la siguiente entrevista: (entrevista NAXATRAS)

NAXATRAS son: John Delias – Guitarra, voz, John Vagenas – Bajo, voz, Kostas Charizanis – Batería y percusión y Pantelis Kargas – Teclados y sintetizadores

‘Reflexion (birth)’ abre el álbum con un génesis florido y colorista en el que bellos pasajes de psicodelia aromática a modo de introducción nos llevan a un espacio más propio del rock sureño. Riffs de vocación 70’s y sutiles teclados evocan prados floridos de las campiñas sureñas. Un sonido poco habitual en la banda que marca este punto de inflexión que supone ‘IV’. Vestidos con un sonido más propio de bandas como Marshall Tucker Band, la suavidad de sus melodías crean un tema balsámico en que aparecen diferentes matices sonoros. Una nueva forma de expandir su vocación psicodélica con la incorporación de unos teclados que ensanchan su espectro sonoro.

En una atmósfera más progresiva, ‘Omega madness’ se envuelve entre efectos y sintetizadores para mostrar un entorno cósmico. Largos desarrollos de guitarras sobrevuelan el dinámico ritmo. Un cierto tono hipnótico se percibe entre la variedad de elementos que lo conforman. Sin voces, el lado más sideral de los griegos queda fielmente reflejado aquí. Reconocibles, pero a la vez innovadores, consiguen crean un corte lleno de magnetismo que define el actual sonido de NAXATRAS. No cabe duda que la incorporación de los teclados aporta una riqueza progresiva a una composición en la que todos los aspectos aparecen cuidados al máximo.

Con leves pinceladas blues como punto de partida ‘The answer’ se desarrolla en una atmósfera onírica. Suaves y balsámicos acordes de guitarra son arropados por el cálido sonido de unos teclados que consiguen crean un reconfortante entorno sonoro. Dulces melodías vocales nos trasladan al corazón de los 70’s en un hermoso corte lleno de magia. Elegantes, lo griegos expanden todo su poder de seducción en una apacible canción. ¿Soft rock?, puede, pero sin duda lo que no tiene discusión es que estamos ante una maravillosa canción llena de encanto. Nuevamente la guitarra muestra todo su poder de seducción con sus sofisticados acordes.

‘Ride with me’ se soportan en tenues pasajes progresivos de los que afloran aterciopeladas voces desplegando todo su poder de seducción. Otro claro ejemplo del nuevo rumbo que toma NAXATRAS para expandir su nueva apuesta sonora. Con un aroma a 70’s el tema destila clase en cada acorde mostrando un sonido algo novedoso respecto a sus álbumes anteriores.

Partiendo de un sonido de fusión, un halo vintage invade ‘Radiant stars’. Con los teclados y un ritmo alegre, la guitarra explora momentos floydianos en una fascinante combinación que resulta completamente atrayente. Rebosante de frescura el tema nos deja con ganas de más.

En un nuevo giro argumental, ‘Horizon’ retoma los espacios calmados. Delicados acordes y un seductor registro vocal reposan en un tema de soft-rock con elementos psicodélicos. Con sutileza el tema nos ofrece una combinación de voces sobre su delicada instrumentación. Una nueva faceta que marca este giro en el sonido de los griegos.

Con casi nueve minutos, ‘The battle of cristal fields’ es una suite en la que la psicodelia balsámica nos invita a un viaje sensorial por atractivos espacios sonoros. Ritmos de vocación kraut se fusionan con elementos psico-progresivos. Unos logrados trabajos de guitarra custodiado por el hipnótico bajo de John se ven complementados con el sonido atmosférico de los teclados. Con la sensación de que la banda ofrece su sonido más pesado, la canción conjuga distintos elementos que hace que sus acordes se muestren versátiles en este fascinante viaje sonoro. No faltan los solos ácidos para resaltar un sonido envolvente y completamente cautivador. En esta ocasión, NAXATRAS crea el tema más elaborado del álbum. Las brisas orientales no faltan a la cita para dotar de exotismo a determinados pasajes de una canción que se balance en distintos escenarios sonoros. Rock oscuro con matices cósmicos y devaneos que coquetean hasta con el post-rock. Un neto carácter progresivo nos invita a un viaje atemporal en el que los vestigios del pasado se fusionan con una apuesta más contemporánea. Un derroche compositivo que funciona a las mil maravillas y en el que los griegos dejan patente que no son una banda al uso. Sin dormirse en los laureles consiguen innovar su sonido con un resultado cautivador,
‘Reflection (death & rebirth)’ es dominada por el sonido del órgano pastoral y embestidas de riffs que sumen al oyente en un entorno enigmático en el que la oscuridad toma las riendas a lo largo de poco más de dos minutos.

Cerrando este innovador trabajo ‘Shape of the evening’ refleja la melancolía con una combinación de susurrantes acordes acústicos repletos de elegancia. Aquí los ecos bucólicos del desierto aparecen con unos profundo acordes de guitarra evocadores de la soledad de las lunas.

Naxatras