Etiqueta: instrumental

Reseña: YAWNING BALCH.- ‘Volume three’

Las prolíficas sesiones en el desierto de Joshua Tree grabadas en la primavera de 2024, siguen dando sus frutos con nuevo álbum divido en dos jams atmosféricas que transmiten el espíritu genuino del desierto. Cinco horas en la que el guitarra de FU MANCHU, BOB BALCH se une a las leyendas del rock instrumental del desierto YAWNING MAN, tocando libremente guiados por sus instintos y por su amor al desierto nos llevan a otro álbum especial. Un álbum ideal para ponerte al final de una dura jornada laboral y dejar que tu mente se expanda gracias a los mágicos sonidos que estos veteranos músicos son capaces de crear.  En consonancia con sus dos propuestas anteriores, «Volume Three» se despliega como otro fascinante viaje instrumental psicodélico y post-rock elaborado con amor por estos músicos experimentados. Dando la bienvenida de nuevo a la leyenda del rock del desierto Mario Lalli en el bajo, el cuarteto se desliza sobre riffs ondulantes y cargados de reverberación, líneas de bajo mágicas y percusión estilizada para una sesión de 35 minutos de ensueño impresionante. Un viaje expansivo y revelador nacido de horas de improvisación que afortunadamente ven la luz para gozo de los que amamos esta música ensoñadora y volátil. Esperemos que estos chicos repitan la jugada y podamos seguir disfrutando de más trabajos como este en el que la libertad cretiva es la protagonista, sin ataduras ni planes preconcebidos.  

YAWNING BALCH son:
Gary Arce – guitarra
Bob Balch – guitarra
Mario Lalli – bajo
Bill Stinson – batería

‘The taos hum’ plasma a la perfección la esencia atmosférica de la mejor banda que ha sabido describir la soledad y la magia del desierto, YAWNING MAN. La pulsante línea de bajo de Mario Lalli, se ve cruzada por los envolventes pasajes de la dupla de guitarras. Entre pedales efectos y reverberaciones, la pista conjuga a la perfección el espíritu de los pioneros en retratar los sonidos de las solitarias dunas. Con melodías entrecruzadas y un cadente ritmo la belleza aflora en cada acorde en este particular espacio sonoro preparado la introspección. A relajación que sus melodías transmiten, es el resultado de la simbiosis que estos experimentados músicos consiguen tocando juntos y dejándose llevar por sus instintos. De esta manera todo fluye con ligereza para crear un hermoso tapiz sonoro logrando transmitir al oyente un sinfín de sensaciones que los propios músicos trasladan a sus instrumentos. Esos maravillosos sonidos atmosféricos bañados en una cierta melancolía consiguen un bello tapiz sonoro con el alma del desierto como protagonista. A lo largo de sus veinte minutos, la pista va oscilando con momentos de caos que de una manera natural retoman la cohesión volviendo al punto de partida. Una licencia que cualquier músico puede permitirse en una jam de estas características.  

La segunda jam, ‘Winter widow’ baja la intensidad en su apertura para lentamente ir construyendo una pieza cohesiva en la que sus paisajes sonoros invitan a la relajación y el disfrute. Ese tono atmosférico se traduce en largos pasajes repetitivos repletos de reverberaciones y sonidos que se superponen con delicadeza. La pista pasa por una competición de pedales que se suceden en una lucha por llegar mas arriba en experimentación. Lo cierto es que los excesos son contrarrestados por los mismos músicos en transiciones pausadas que van haciendo mutar la intensidad sin que en ningún momento se pierda el rumbo trazado, si es que este existe.

YAWNING MAN:
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HEAVY PSYCH SOUNDS:
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Reseña: ICARUS BURNS.- ‘Icarus Burns’

El cuarteto instrumental berlinés ICARUS BURNS presenta su álbum debut homónimo. Un trabajo compuesto por seis largas canciones instrumentales que transitan por una combinación de elementos de psicodelia pesada en línea MY SLEEPING KARMA o NAXATRAS con una inclinación hacia territorios del metal. Combinando elementos Heavy-psych, post-metal, stoner y progresivos consiguen composiciones que exploran la dinámica entre lo limpio y lo pesado, la melodía y el riff, dando finalmente espacio para que cada instrumento sea su propia voz, al tiempo que crea una huella sonora que es un sello de identidad de la banda. Sus crujientes riffs de vocación metálica son alternados con fragantes de psicodelia aromatizada, en un estilo que me recuerda a sus paisanos ROTOR. Con un flujo constante, y siempre mostrando su faceta mas inquietante, la banda sabe como sumir al oyente en un trance hipnótico en el permitiendo dejarse llevar por sus sentidos. Un crisol de sensaciones alternadas con embestidas de pesadez en un crujido aterrador, son argumento que se repite en cada una de sus bellas e impactantes canciones. También me viene a la mente un sonido familiar al de los holandeses BISMUT, con momentos de monumentalidad en alternancia con pasajes balsámicos y meditativos. Todos estos elementos hacen que el álbum fluya de una manera fluida ya que sus canciones, a pesar de ser instrumentales, siempre tienen algo que contar. Esto transmite al oyente un relato a caballo entre lo exótico y la inquietante, lo que evita cualquier monotonía. Un nuevo reto para aquellos que recelan de las bandas instrumentales.  

El álbum se grabó a fines de septiembre de 2024 en un pequeño estudio local de Berlín, Wave Studios. En estilo DIY, fue coproducido por la banda, se lanzará en el sello DIY de la banda «Feather & Wax Records»

Icarus Burns tiene la intención de tocar en Alemania (y Europa) a lo largo de 2025, con conciertos programados con DOMARAMA (FR) y ABANAMAT (DE) ya confirmados, con más anuncios que se harán en las próximas semanas y meses.

Originalmente formada en 2020 como una banda de psicodelia pesada más tradicional con voces, la banda se reinventó a mediados de 2024 con un cambio de formación y un cambio a instrumental (¡y afinaciones más bajas!)

ICARUS BURNS son: Tim Corden (guitarra), Jens Gehrke (guitarra), Axel Kalteiß (bajo), Cristobal Cuadra Bravo (batería).

Abriendo esta odisea sónica, ‘Minotaur’ fluye lentamente con suaves acordes psicodélicos tomándose si tiempo para llegar a su clímax. Dos minutos iniciales que dan paso a riffs ortodoxos a caballo entre el stoner y la psicodelia pesada. En una senda similar a bandas como Rotor, los solos de guitarra nos traen bellos y exóticos aromas orientales. Esto no hace que la pesadez descienda, sino que se fusionen en un atractivo cóctel sonoro. La pista conjuga con acierto la crudeza de sus riffs con la hermosura de su fragante psicodelia.

‘Die werft’ sume al oyente en un mundo de fantasía presidido por bellas fragancias. Una estructura perfectamente diseñada recrea melodías en soñadoras junto a golpes stoner más virulentos tienen una clara vocación de metal. Está conjunción hace que la pista resulte cruda y mágica a partes iguales. 

‘Melancholia’ es un bálsamo que describe misteriosos paisajes sonoros, esta vez desde la calma. Inquietante por momentos y desarrollándose en una atmósfera presidida por la oscuridad, los crudos red metálicos golpean una y otra vez creando un espacio perturbador que contrasta con los hermosos paisajes sonoros vistos en las pistas anteriores. 

Un ejercicio compositivo sumamente particular en el que el metal parece tener el punto de partida, pero todo ello sin renunciar a cautivadores momentos psicodélicos. La canción nos ofrece monumentales pasajes en los que el post metal reivindica su espacio.  

‘Slash (A distance)’ gravita en ese espacio psicodélico que los alemanes adornan con esos persistentes riffs con sabor a post-metal. En esta ocasión, la banda ofrece un sonido que se asemeja al de los griegos Naxatras en sus últimos álbumes, incluyendo algunos guiños post- rock, y algún que otro devaneo progresivo. 

Efervescente y embriagadora ‘Tränen der sonnen’ se desarrolla en una apacible atmósfera psicodélica de la que emanan hermosas melodías que van evolucionando a un territorio mas oscuro sin perder su espíritu psicodélico. Desde ahí la pista serpentea con cambios y pardas en su deambular por esos lisérgicos parajes. Su fluida narrativa se adorna con sutiles toques progresivos. Susurrante en algunos momentos, la canción engrosa su sonido con embestidas de monumentales riffs metálicos. Toda una montaña rusa en la que la banda plasma todas sus inquietudes estilísticas.

Con ‘100 days’ el álbum pone su punto final llevándonos por un suave espacio psicodélico. En sus casi 12 minutos el cuarteto se deja llevar por sonidos atmosféricos creando un clima intrigante como preludio que de algo va a suceder. Entre elementos espaciales las notas se alargan en una ejecución lenta sumiéndonos en un trance narcótico. Introduciéndonos con el hipnotismo de sus acordes, ICARUS BURNS nos tiene preparada una nueva odisea que acaba de eclosionar en su parte central. Desde ese punto medio la banda navega en fragantes aguas psicotrópicas dejando la contundencia para el final de la travesía.  

Icarus Burns 

Reseña: PEDRO PETRO.- ‘Dreams Of San Francisco’

Chris Peters, el artífice de SAMSARA BLUES EXPERIMENT, continúa dando rienda suelta a su creatividad con un nuevo proyecto llamado PEDRO PETRO. Su primer álbum ‘THE STREET OF SAN FRANCISCO’ nace inspirado en las series de detectives de los 70’s y sus directas y concisas canciones, navegan por espacios más propios del rock progresivo de los 70’s alineándose ocasionalmente con el Sonido de Canterbury. Este sonido algo diferente a sus producciones habituales fue el motivo de elegir un nuevo nombre para diferenciarlo del resto de proyectos como FUZZ SAGRADO. En esta ocasión incorporando elementos de viento y pasajes sinfónicos, el álbum hace habitar sus canciones en un entorno psico-progresivo instrumental que evoca las bandas sonoras de Serie B de la escena italiana, pero que también se encuentra arraigado en el ese inspirador rock progresivo de hace cinco décadas. Con canciones cortas que dejan la sensación de mostrarse tal cual, sin arreglos adicionales y con las aristas sin pulir, pero que recrean fielmente ese entorno vintage en el que los telefilmes eran visto por millones de personas. Si a esto le añades una base rítmica poderosa y difusa y fuertes pinceladas psicodélicas, más sus habituales solos de guitarra, el resultado es un álbum vintage de manual que nos proporciona una divertida escucha. Igualmente también afloran elementos del rock desértico haciendo que alguna de las pista alternen su sinfonismo con una atmósfera más difusa y áspera. Porque estamos ante música hecha por diversión, una sensación lúdica que el bueno de Chris consigue transmitir a sus oyentes.  

‘Chasing the dream’ recrea con acierto esa escena televisiva de tintes vintage con una sucesión de guitarras, teclados y ritmos oscilantes en una atmósfera con un nítido espíritu progresivo. Una especie de Serie B dentro de las composiciones de Peter en la que todavía se puede intuir su destreza con la guitarra mientras se adentra con el resto de los instrumentos en una espiral que va mutando y dejándose su espacio propio.

Los tonos sosegados de ‘Twin Peaks jubilation’ describen una estancia gira en la que la melancolía se presenta en una compleja instrumentación presidida por un órgano pastoral a semejanza de la escena italiana del género. Sin duda un regalo de rock progresivo setentero en su faceta instrumental en un coqueteo con el sonido Canterbury.

‘Instalado en ese ambiente progresivo ‘Ain’t no jivin’ aporta bellas incrustaciones psicodélicas entre sus pasajes sinfónicos. Impulsada por un bajo y un ritmo poderoso, la pista se recrea en solos de guitarra que nos llevan más allá. El final nos sugiere de una composición en su estado embrionario y de la que se podría sacar más partido con una duración mas larga.

La guitarra vuelve a brillar esplendorosa en ‘Mission shakedown’. Con un sonido más turbio y difuso los ecos desérticos aparecen en escena como si de una generator-fest se tratara. La vena Stoner hace acto de presencia en una pista gruesa y cegadora en la que no falta un cierto tono cósmico y algunos elementos exóticos.  

‘Buena vista’ combina elementos hipnóticos en una atmósfera de psicodelia vintage en la que la guitarra colorea la densa atmósfera progresiva en un deambular por magnéticos entornos siderales.

En modo ensoñadora, los sintetizadores van construyendo ‘Land oh hope’. Una pista que gravita livianamente en un entorno mágico y mas cercano a la electrónica progresiva.

Combinando elementos de hard-progresivo y psicodelia ácida ‘North beach refugee’ es un caleidoscopio multicolor con sabor añejo e imágenes en blanco y negro. Otra pista en la que la narrativa de banda sonora se fusiona con un carácter psico-progresivo y un tempo pausado.

‘Old Golden west’ se desarrolla entre excursiones controladas a la escena progresiva. Un sinfonismo que Chris enriquece con sus maravillosos solos de guitarra para crear una evocadora pista dual. Con dos visiones diferentes los instrumentos se entrelazan con sutileza hasta conseguir una hermosa y plácida canción.

Fuzz Sagrado & Surya Kris Peters

Reseña: THUS LIVE HUMANS.- ‘Art Déco’

Tras tres años de ausencia, el duo francés THUS LIVE HUMANS regresa con un nuevo álbum centrado en el rock y el metal progresivo, ofreciendo su particular interpretación musical del movimiento Art Déco. En un atrevido salto al vacío, el álbum se separa del espíritu de su anterior álbum ‘LIGHT OF ANCIENTE TIMES’ (reseña aquí) invitándonos a reflexionar sobre la expresión de las emociones y la abstracción de la realidad. Recuperando esa estética vintage de comienzos del siglo pasado THUS LIVE HUMANS incorporan a sus oscuras canciones un amplio crisol de influencias estilísticas que van desde el metal progresivo y el post-metal hasta el art-rock dotándolas de una atmósfera melancólica que nos invita a mirar al interior de nuestro pasado. Reflexivos y con la suficiente contundencia temporal, el duo explora la expresión de las emociones y la abstracción de la realidad haciéndonos reflexionar sobre nuestra existencia. Todo una experiencia inmersiva que nos hace salir de la zona de confort para adentrarnos en mundos por explorar.

TLH son: Jérémy Payan: Guitarras, teclados, bajo, batería y Lucas Serra: Guitarras, voz.

‘Motionless’ son casi cinco minutos de música atmosférica a modo de introducción con envolventes atmósferas de las que con sorpresa aparecen pausados y hermosos acordes de guitarra con un nítido carácter floydiano. Entre teclados y guitarra la pista murmura creando un balsámico espacio ideal para la relajación. 

Sin variar demasiado el carácter, ‘Postmodern deconstruction’ repite la estructura de la pista precedente con pausadas notas y una ambientación envolvente. Con quince minutos de duración, la pista nos ofrece una emotiva exploración progresiva enriquecida con golpes de post-metal y momentos asediados por la melancolía. Pero el dúo sabe como sacarnos de la monotonía y lo hacen con una extraña pero atractiva fusión de elementos psicodélicos llegados del siglo pasado y crudas embestidas de metal entre sus genes progresivos. Sus pinceladas jazz se sumergen en es leitmotiv art déco en una espacio triste y apacible.

‘Colours os consciousness’ mantiene la estética con sombrías melodías que se recrean en ese entorno vintage en el que desarrollan su exploración sonora. Dotando la pista de una gran frescura ejecutan una dualidad sónica que gravita en suaves pasajes instrumentales y pausadas melodías de un nítido espíritu progresivo. Una fusión que finalmente resulta de lo mas convincente.

El dúo no se sale del guion en ‘Dreams and lies’. Otra dulce canción progresiva con solventes melodías vocales y una tenue instrumentación. La canción nace de la sencillez para ir tornándose más compleja gracias a unos logrados arreglos y a transiciones efectivas. En ella aparece el lado más asequible del sonido de los franceses.

‘The vertical screens’ es otra pista que sirve para incidir en la fórmula que motiva este curioso trabajo. Sobrios y sofisticados por momentos la minimalistas instrumentación resulta suficiente para que la canción adquiere cuerpo. Con un cierto aroma vintage, el sonido parece engrosarse para situar al oyente en un entorno intrigante y amenazador.

Instalados en la estética progresiva ‘Incoherence’ se desarrolla en un escenario de oscuridad y pesadez mas propia de una banda de metal oscuro e inquietante. La narrativa descriptiva del corte hace que el oyente se sienta partícipe de este confabulador relato

‘About the seaside’ cierra el álbum con balsámicos pasajes instrumentales que sirven de contrapunto a la ferocidad del corte anterior llevándonos a un estado meditativo y minimalista en el que las cosas suceden con una calma inusitada.

TLH – Thus Live Humans

Reseña: TFNRSH.- ‘Book of Circles’

El trío instrumental TFNRSH nos invita a una expedición a través del universo sonoro atmosférico con su fusión única de sonidos hipnóticos, ritmos complejos y melodías cautivadoras. Con su estilo musical poco convencional y libre de clichés, TFNRSH evoca una amplia gama de emociones, permaneciendo siempre multidimensional e impredecible, al tiempo que rinde homenaje a sus principales influencias como Elder, Slift, Tool y Russian Circles. Entre pasajes psicodélicos de una gran belleza y la monumentalidad de complejas estructuras post-rock, sus cuatro largas canciones nos sumen en un atractivo relato instrumental. Hipnótico y meditativos por momentos, los alemanes hacen que sus canciones no se ciñan a ninguna estructura consiguiendo sorprener y guiar al oyente a su particular mundo sonoro. Un espacio que no sabe de convencionalismos y que beb de distintos manantiales estilísticos con un fascinador resultado. Tras el lanzamiento de su exitoso álbum debut «TIEFENRAUSCH» en julio de 2023, su secuela, ‘BOOK OF CIRCLES’ continúa con las explosiones energéticas y el carácter sonoro distintivo de la banda del primer trabajo, al tiempo que lo eleva al siguiente nivel con ira y una energía cruda y visceral. El álbum es una exploración de la agitación interna y las emociones oscuras: en marcado contraste con su predecesor melancólico y esperanzador «TIEFENRAUSCH», que se caracterizaba por sonidos suaves y armoniosos, esta obra se centra en sentimientos más crudos y los pone en primer plano. Refleja tanto la lucha con los conflictos internos como la presión del mundo exterior que influye en esta confrontación continua, alentando a los oyentes a involucrarse con sus propias emociones. Los tres músicos de Tubinga han estado combinando su amor por el rock psicodélico y progresivo junto con sus influencias individuales desde principios de la década de 2020, creando una síntesis vibrante de estos estilos que trasciende los límites.

TFNSRSH son: Sasan Bahreini (Guitarras y Sintetizadores), Julius Watzl (batería) y Stefan Wettengl (bajo y sintetizadores).

La canción de apertura «Zemestån» («Invierno» en farsi) se conecta temáticamente con «Muerte o libertad (Ya Marg Ya Azadi)» del álbum debut ‘TIEFENRAUSCH’ y aborda las protestas en Irán tras la muerte de Mahsa Amini en septiembre de 2022. Después de la violenta represión de las protestas del pueblo iraní, la opresión continúa sin problemas, lo que da como resultado un «invierno» aparentemente eterno que debe ser soportado. El álbum anima a sus oyentes a enfrentar su propia ira y los motiva a usar esa ira como una fuerza impulsora para el cambio, en lugar de sucumbir a la pasividad.

A pesar de la crudeza predominante que refleja la ira y la rabia, ocasionalmente se destacan pasajes armoniosos más pequeños que expresan las raíces de estos sentimientos. Musicalmente la pista palpita lentamente con una hipnótica introducción que lleva lentamente al oyente a un espacio en el que poder expandir la mente libremente. Un cadente ritmo y elemento psicodélicos nos susurran bajo tonos meditativos que van elevando su intensidad hasta golpear con virulencia por la senda del post-rock. Golpeando con virulencia la línea de bajo contrarresta los livianos acordes de la guitarra entre poderosos tambores creando un entorno grandilocuente. En la parte central el sonido se enturbia manteniendo su virulencia y fuerza aflorando insistentes pasajes progresivos  que cambian el tono de una pista que se sustenta en estructuras post rock de alto nivel, pero que ofrece al oyente varientes en un sonido magnético y voluminoso.    

La virulenta ‘WRZL’ sube la intensidad con fornidos riffs que se inclinan a una ladera en la que el metal hace acto de presencia entre efectos cósmicos que parecen salidos de una tormenta de meteoritos en medio del espacio infinito. Con la maquinaria a pleno rendimiento la pista frena su ímpetu para recrearse en hermosos y relajantes pasajes instrumentales bajo una atmósfera ensoñadora.  En ese espacio hacen destacar su carácter heavy-psych entre guitarras ortodoxas y riffs reconocibles, pero con la suficiente identidad como para brillar por sí mismos. Logrando un brillante equilibrio entre la pesadez y la relajación, el corte se contonea creando una serpiente multicolor arropada por elementos psicodélicos perfectamente insertados.  

A través de la personificación de la ira («Zorn»), subrayada por voces habladas por primera vez, las sensaciones opresivas alcanzan su punto máximo, culminando en la comprensión de que estas emociones pueden ser desafiantes y liberadoras. Su carácter atmosférico traslada al oyente una tensión acrecentada por la narración. Explorando un intrigante escenario sonoro, los pasajes pseudo-espaciales se entremezclan con momentos post-rock que acaban inclinándose hacia un espacio más propio del post-metal consiguiendo un relato inquietante. La complejidad de la pista es resuelta con unos cambios de registros se hacen con logradas transiciones haciendo que el relato no pierda su fuerza. Desgarradora por momentos la pista conserva la pesadez en un entorno en el que también tienen cabida hermosas y suaves melodías.

‘Ammoglÿd’ nos enseña que pueden canalizarse a través de la reflexión, la expresión y el procesamiento, y finalmente provocar un pequeño rayo de esperanza («Ammoglÿd»). Plasmando ese pensamiento en melancólicos y delicados acordes en un ambiente oscuro, la canción parece mirar al pasado en busca de respuestas antes de abrirse a la luz con bellos pasajes de una guitarra excelsa y cálida. Un arrullo sonoro iluminado por rayos de luz que la alejan de la umbría inicial. Así trasladan al oyente del melancólico estado de la apertura a un plácido y bucólico espacio en el que la belleza de sus melodías nos conquista irremisiblemente. Una canción sólida en la que la intensidad de la banda desciende a aterciopelados prados rebosantes de belleza con una solvencia digna de admiración. Un perfecto final para un notable álbum.

T F N R S H