SVVAMP.- «SVVAMP 2»

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Muchas expectativas teníamos ante el nuevo trabajo del trio sueco SVVAMP, y las mismas se han visto recompensadas con éste «SVVAMP 2», disponible en RidingEasy Records a partir del 8 de junio y desde ya en la página de bandcamp de la banda.

El prolífico e inagotable manatial sueco sigue haciendo que broten buenas bandas que ejecutan un rock sin complejos. En la escena hay muchas bandas que siguen la ola retro-rock, y otras, que simplemente dejan fluir su música y el resultado son discos como éste. Rock, blues, swamp, ecos sureños, acidez, en un trabajo que emociona y cautiva desde la primera escucha.

Estamos ante uno de los discos más brillantes de lo que va de año, y eso que la cosecha de 2.018 está siendo muy fructífera. 

El disco se abre con una breve intro acústica para sin continuación ejecutar «Queen», un corte en el que los ecos de Led Zeppelin son más que palpables. Ritmos sin estridenciencias con regusto blusero construidos a través de unos riffs efectivos y con voces con mucho groovy. Unos punteos de guitara arropados por una base rítmica efectiva envolvente  llenando reconfortantes atmósferas humeantes.

«The well», un corte más relajado, incide en un blues psicodélico, en la más pura linea FREE. El trio se muestra elegante y profundo. Sentimiento puro que logran transmitir con facilidad. Un tema en el que los medios tiempos no necesitan de más artificios.

A modo de balada «Sunshine street» sigue un camino parecido, inclinándose hacia entornos más rurales, con un bajo pendulante, sin prisas, SVVAMP nos va describiendo reconfortantes entornos. La música sale de Suecia, pero quien no diría que estamos en territorios sureños, con guitarras que evocan el sonido de Allman Bross. en una composición suave y profunda.  Un tema lleno de luz.

Manteniendo esa estética sureña, «How Sweet It Would Be» sigue una linea inspirada en Canned Heat, un blues con tonos boogie, y campiñas a nuestro alrededor creando un clima floral de buen rollo.

El blues rock más ácido está presente en «Hillside». De nuevo bajo el aura de FREE, estamos ante un corte más profundo, las guitarras se afilan y el ritmo sube un nivel su intensidad mostrándose con gran dinamismo.

En una linea similar «Surrender», intoxica los sentidos con una voz aterciopelada bajo una estética más psicodélica en la que los efectos y distorsiones colorean el blues en una combinación de ritmo glamuroso y fluidos lisérgicos.

Definitivamente el aura de Paul Rodgers y el espíritu de Paul Kossof han poseído a los suecos. La frescura de sus temas contrasta con el toque ácido que tienen cortes como «Out of line». impregnado de buenos momentos de guitarra con un bajo majestuosos custodiando en segundo plano el tema.

SVVAMP retoma momentos acústicos en entornos rurales llenos de sensualidad. «Blues inside» nos susurra con húmedos pasajes colmados de ternura con la única herramienta de la guitarra sin electricidad. 

Con mucha más energía, «Alligator» nos traslada a territorios pantanosos, en los que se presta menos atención a las voces, para desarrollar un tema de swamp-rock en el que la tensión la aporta una armónica que se combina con la contundente base rítmica. Un corte chamánico que nos incita a la diversión  en un hechizo más propio de entornos fangosos y calurosos. 

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FRIENDSHIP.- «Ain’t no shame»

friendship-aint-no-shame-black-lp-25-5-18La ola de retro-rock que desde hace un tiempo nos llega a las playas de la escena psicodelica que proviene de finales de los sesenta y primeros setenta, no remite. En esta ocasión nos llega un verdadero tsunami desde tierras noruegas. FRIENDSHIP publica «AIN’T NO SHAME», el próximo 25 de mayo a través de Kozmiz Artifactz/Bilocation records.

FRIENDSHIP es un trío de power groovy de Oslo. La banda se formó en 2010 y hoy en día está formada por Fredrik Skalstad en la batería y la voz, Sander Eriksen Nordahl en la guitarra y Martin Morland en el bajo. El gel que une al trío es su años de experiencia y disciplina en su oficio como músicos. Como resultado, FRIENDSHIP ha forjado un sonido estrecho, maravilloso, dinámico y aventurero; un sonido que es inequívocamente amistoso.

Tomando influencia del ambiente psicodélico de finales de los 60 y del corazón y el alma de principios de los 70, FRIENDSHIP aporta algo revitalizante y fresco a la mesa de las bandas de retro-rock. Estas influencias se hacen aparentes cuando las experimentas de la manera en que deben ser escuchados, en vivo. Alimentando la energía del momento, FRIENDSHIP se eleva sin problemas a través de las jams cósmicos, sin ninguna actuación, demostrando sin esfuerzo su arte y la alegría de la música. 

En 2011, FRIENDSHIP lanzó su primer single. Su debut de larga duración siguió en 2014 recibiendo un abrazo extremadamente positivo de la escena de rock underground europea. 

Cuatro años después, la banda presenta «AIN’T NO SHAME», su muy esperado álbum, grabado y mezclado en Studio Paradiso con Christian Engfelt (Big Bang, Cato Salsa Experience). «AIN’T NO SHAME» es un disco más maduro que su debut, desde el riff inicial puedes sentir el tiempo, el amor y la pasión que se han dedicado a crear este hermoso disco. Los fanáticos FRIENDSHIP no se sentirán decepcionados, y los nuevos tendrán un buen viaje.

Con diseño de Robin Gnista, «Are you ready», abre el disco con riffs retro-rock alimentados por una contundente y nítida linea de bajo que nos resultará familiar a lo largo de todo el disco. Cambios de ritmo y unos coros salpicados de unos brillantes solos de guitarra.

Potente y majestuoso se muestra «Gypsy». Unas nítidas voces, una batería efervescente el citado bajo, son la carta de presentación en forma de single. Sorprendente tema, en el que las voces y coros tienen un gran protagonismo en el matiz que toma el corte. Vivaz, eufórico y efectivo. Si esto no ha despertado tu curiosidad, es que estás muerto.

Mucho más psicodélicos se muestran los noruegos en «Ain’t no same».  Una voz que te atrapa en una tela de araña de la que es complicado salir. Tensión psych con riffs vintage en el que los estribillos siguen la linea marcada por la banda.

Coqueteos bluseros aparecen en «Harmony turns to sound». corte que evoca sonidos con mucho groovy que podrían venir de las costas californianas de finales de los sesenta. Ritmos pegadizos salpicados de algunos pasajes de órgano con efectos de vientos. Unos riffs asesinos que se incrustan en nuestras entrañas, hacen el resto.

La versatilidad de los noruegos, hace que se marquen un tema como «Got me so good». En el ecos sureños que bien podrían venir de bandas como Eagles o Poco, componen un corte de tono soft-rock.

En «AIN’T NO SHAME», no faltan las baladas. «Moments», con una orquestación de fondo, y  una voz cuya calidez rezuma sensibilidad, nos regala momentos de relajación placentera bajo acordes acústicos. Sublime!!!

La energía reaparece en «Fire».  los ecos setenteros hacen acto de presencia de nuevo. Una estructura simple, pero efectiva y emotiva.

Psicotrópica y enigmática, «Alaska night», ondula con calmadas voces que parecen recitar como lo hacía hace años el mismísimo LOU REED, para deflagrar en riffs retro-rock, un bajo candente que viajan por humeantes espacios. Milimétrica la batería, no ceja en su ritmo un solo instante. La bacanal culmina con enigmático  bajo difuso.

FRIENDSHIP se atreve con ritmos de guitarra fuzz, en la más pura linea Santana en un bailable y animado tema como «Live Peacefully». Percusión y órgano apartan del protagonismo a una guitarra que no ceja en su empeño funky.

Siguiendo la estela de una de las bandas pioneras en esto del retro-rock, como es SiIENA ROOT; el disco se cierra con «Truth in your lies», Ralentizando el bajo, con mucho sentimiento blues, y una acidez extrema. Los registros vocales se superan en tensión y emotividad. Ocho minutos de viaje lisérgico a través de un corte setentero, con revisión y características contemporáneas. 

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THE DALTON CORRECTION.- «Beware of Yarara»

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El cuarteto argentino THE DALTON CORRECTION nos presentan su debut «BEWARE OF YARARA». Publicado por Possible Records, en formato vinilo.

Con la siguiente carta de presentación:

Fue necesario atravesar el océano, seguir todos los caminos que conectan Berlin con Argentina para obtener la fórmula exacta de este “Power-Quartet” SudAmericano. En Buenos Aires, más precisamente en el mítico barrio de Flores, fue donde la banda encontró su identidad propia. Las tempranas raíces del Rock Argentino combinadas con altas dosis del más puro ADN Progresivo/Sonico/Psicodélico, además de toques cinematográficos, garaje crudo y hasta country.

El grupo reúne a uno de los bateristas más salvajes del condado de Monte Grande, al “hombre sabio” comandando la nave en las seis cuerdas, a un bajista tan sólido como su propia historia y a un respetado guitarrista experimental, todos ellos trabajando juntos para canalizar el talento del reverenciado Rev Dalton. 

Abriendo con un corte en el que quedan patentes las raices del rock argentino con tonos hard rock con regusto blues. «Traición», un tema vigoroso con el que nos vienen a la cabeza bandas como Pappo Blues

Nada que ver con «Vertiginosa», un corte experimental en el que se crean atmósfericas piscodélicas prescindiendo de registros vocales.

La banda se atreve con versiones de clásicos, como «El parque» de Spinetta, y que estaba incluido en el primer disco de «Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll». Un blues ejecutado con garra y que mantiene el regusto del momento en el que fue creado.

«BEWARE OF YARARA» va torneandose en sus formas. Mucho mas suave, «Venganza». con una tranquila introducción va evolucionando con buenas guitarras, arropadas por un órgano sutil conformando gratificantes momentos. 

Una de los temas más impactantes lo encontramos en «Yarara». Describiendo entornos lisérgicos con sonidos gratificantes llenos de magnetismo. Una repetición de ritmos que se estructuran con pinceladas de guitarra difusa, que por momentos desembocan en una hipnótica paranoia.

Las dulces armonías de «Tregua» parecen seguir la senda de temas como «Venganza».  Ahora, con una letra en español, dulces melodías se acercan al jazz, susurrantes, con la voz recitando, mas que cantando, y unos ténues coros en la lejanía, el tema no pierde el ritmo.

Otro clásico argentino que nos gratifica encontrar en este album es «Quiero ser una luciérnaga». Un original de Kubero Díaz para LA COFRADÍA DE LA FLOR SOLAR, una de las formaciones más influyente de la psicodelia argentina de todos los tiempos. Poco que decir al respecto, de un maravisolloso tema del que consiguen una brillante interpretación capturando la magia con la que se creó.

Ecos country y rock and roll  van evolucionando a oscuros pasajes de psicodelia, que desembocan en un torrente de guitarra ácida y completamente desbocada es el contenido de «Jaqueline»., uno de los mejores momentos del disco. 

El trabajo se cierra en formato acústico con un breve tema con espíritu sureño, «Armería».

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NAMED BY THE SUN.- «Deathcap»

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Con miembros de LANDSKAP entre sus filas, NAMED BY THE SUN inicia una nueva andadura con «DEATHCAP» como carta de presentación. La formación inglesa compuesta por George Pan (guitarra) Chris West (bajo), Pat Casey (guitarra) y Graham Brown (batería).-

Un trabajo grabado por Chris West en Farm Factory Studios, Storm Studios and Scuzzball Studios; mezclado y masterizado por Chris West en Scuzzball Studios y con una portada de Dead Galaxy.

Siguiendo de alguna manera, la linea de estructuras musicales que llevaron en LANDSKAP, nos presentan 18 minutos de instrumentación dividida en tres cortes.

«Dogfight», parte sobre estructuras de hard setentero con un grandísimo trabajo de bajo, aires retro y vibrantes riffs. De manera majestuosa la contundente base rítmica va oscilando, siendo contrapunteada por brillantes solos de guitarra que se van inclinando poco a poco hacia terrenos psicodélicos.

Nuevamente un ritmo candente de hard, con subliminales punteos heavy-psych, hacen que «Solar grain», con una estructura bien definida, vaya bajando la intensisdad  hasta sumergirse en una charca lisérgica de gratificantes aguas. Comfort, belleza, vivacidad, que avanzan majestuosas con todas las piezas encajadas. La conexión entre los instrumentos está perfectamente definida para conseguir esa espiral oscilante emergiendo para volver a sumergirse siempre con intesidad.

NAMED BY THE SUN crea unas atmósferas instrumentales que no necesitan voces para verse elevadas. Los ingleses efectúan un trabajo milimétrico según sus apetencias.

«The mountain and the moon», el corte que cierra «DEATHCAP2, describe en su incio esos riffs retro a los que tanto nos estamos acostumbrando últimamente en tantas bandas. Dinámico, entusiasta, vigoroso, el tema se va moldeando sobre una base rítmica cristalina, con una nitidez digna de destacar, para decaer en narcotizantes atmósferaspsicodélicas. Transparentes desarrollos de guitarra con nítido bajo se van sucediendo de manera repetitiva sin llegar a la montonía.  En la parte final del tema, tras acordes acústicos, solos netamente herederos de Pink Floyd dotan de una belleza y matiz mucho mayor al tema. 

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GREEN DESERT WATER.- «Solar pexus»

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Demasiado tiempo a pasado desde que publicaron su brillante EP homónimo en el año 2.012 hasta el día de hoy en el que publican«SOLAR  PEXUS».

GREEN DESERT WATER son: Kike Sanchís (voz y guitarra), Juan Arias García (bajo) y Javi González (voces y batería), Pablo Martínez Pérez colaboró en las guitarras del tema «The deepest sea».

«SOLAR PEXUS» fue grabado por Pablo Martínez Pérez en Ovni Estudio de Bonielles (Asturias), siendo masterizado por Kike Sanchís en Green Desert Mastering (Oviedo). El diseño de la maravillosa portada del disco corrió a cargo de Hector Castañón (Osobuko).  

Todos los temas fueron compuestos por la banda, corriendo la publicación a cargo del sello Small Stone Records.

Si en su EP homónimo el sonido de la banda se encuadraba en torno a blues psicodélicos, en esta ocasión sus resonancias se muestran muchas más pesadas y compactas, sin olvidarse de esa esencia blusera y lisérgica, siendo más presentes los aires retro en sus composiciones.

«Open your wings» abre con atmósferas retro, con ciertos vientos sureños que nos recuerdan de alguna manera a BLACK CROWES. Bajo un prisma psicodélico, los riffs de Kike van acercando el corte al teritorio stoner a base de ritmos repetitivos que van mutando su esctructura. Sus registros vocales emanan de los clásicos del blues-rock setentero, con acompañamientos en forma de coros. En su parte final el tema se encabrita tomando el protagonismo el bajo de Juan. todo ello sobre una estructura dinámica que va variando huyendo de la montonía.  

La frescura siguiendo la fórmula que les presentó como banda, con ese regusto blusero aparece en «Chaman». Los registros vocales pintan de colores cálidos el ambiente. Como resultado aparece una gran luminosidad que custodia unos acelerados ritmos que van compaginando el trote con el galope de ese caballlo que sirve de montura a la banda para que camine su composición. Desbocado en ritmos stoner que son reprimidos para retornan al blues del establo del que partió.

Los sonidos más vintage se reflejan en «The deepest sea». Hard rock clásico en vena.

La intro de bajo y platillos crea la atmósfera perfecta para la entrada de riffs ácidos sobre esa base pesada con brillantes cadencias vocales. Una estructura medida dota de matices al corte. La locomotora rítmica va frenandose y acelerandose al antojo de la banda consiguiendo un viaje placentero.

«Souls of the woodland» confirma una tensión contenida en los genes blueseros de GREEN DESERT WATER. Para la ocasión, es impregnada de dietilamida 25, lo que lo convierte en un psicotrópico tema que mama de esos origenes empapándose de una acidez que nos narcotiza con sus efectos. Introduciendose en nuestras venas, recorriendo nuestras arterias e invadiendo las neuronas del oyente. La sustancia contenida en sus acordes son saca del letargo para zarandearnos con fvirulencia a través de contundentes riffs. toda una inyección revitalizante en una espiral alucinógena de subidas y bajadas. Sublime!!!. Recomiento su escucha acompañado de alguna sustancia que ayude a percibir todo lo que contiene sus surcos.

Si la banda en este trabajo gusta de los sonidos clásicos, herederos de bandas como MOUNTAIN,  consigue una revitalización de aquellos sonidos. Una actualización comtemporanea con tintes stoner, en la que el blues y el rock más duro se entrelazan con bajo la atenta mirada magnánima del blues-rock (especialmente en las voces). el resultado es «Mother moon». Un corte dinámico e irreductible.

El tema que dá título al disco, «Solar pexus» pone el punto y final al trabajo, con un vibrante y emicionante  sonido sólido. El hard más contundente se reprime ante el protagonismo que toman unas voces que ocupan el espacio amablemente cedido por la instrumentación para brillar con luz propia. Asímismo el ritmo arropa las voces con diabólicos riffs llenos de poderio. La pesadez campa a sus anchas sin perder la vocación heavy-psych que aparece de soslayo intercalandose en una espiral sónica.

Nos llena de satisfacción poder degustar un registro como «SOLAR PEXUS». Parido por una banda española que nada tiene que enviar a formaciones foráneas. Esperemos que la publicación del album por un sello como Small Stone Records, suponga el aldabonazo para que la banda irrumpa en la escenación como se merece. 

Mención aparte merece la portada del disco. No hay mejor envoltorio para una joya.

¡¡¡¡Felicidades GREEN DESERT WATER!!!!

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