Reseña.- MONKEY3.- «Spheres»

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Tres años después de la publicación de su aclamado «ASTRA SYMMETRY», los suizos MONKEY3 publican «SPHERE» vía Napalm Records. El cuarteto suizo nos presenta su particular viaje interestelar en el que la psicodelia espacial y la contundencia stoner están presentes en sus seis temas. Tratando de de reflejar su peculiar visión de los fenómenos de la naturaleza a través de sus formas. Con melodías cristalinas, pasajes herederos de Pink Floyd, y arenosos momentos en los que la banda sube la intensidad con portentosos desarrollos instrumentales. Moldeando todas las aristas, su música fluye de una manera completamente magnética creando atmósferas que nos llevan a espacios que permiten ser visitados desde un prisma mental y sensorial. Un agujero negro en el que nos vemos atrapados por relajantes momentos en los que sus efectos nos envuelven y adormecen, para despertarnos bruscamente con faraónicos paisajes megalíticos. Una paso adelante en su infinita creatividad con una ejecución magistral. Siempre estimulantes, MONKEY3 crean uno de sus mejores trabajos hasta el momento, sino el mejor. Algo a lo que ya nos tienen acostumbrados y que empieza a parecer normal, pero lo cierto es que si en la escena psicodélica no es fácil hacerse un hueco en sus puestos de honor. «SPHERE», es una prueba latente de que estos chicos merecen ese hueco. Sólidos como pocos, tiene la habilidad para construir muralla de sonido irreductibles y a su vez masajear nuestros sentidos hasta hacernos llegar al éxtasis. Sin duda, un álbum que celebrarán sus más fieles seguidores y con el que conseguirán más aceptos con toda seguridad. Si te gusta el sonido floydiano y bandas como My Sleeping Karma,  déjate atrapar por los surcos de «SPHERE», abróchate los cinturones y disfruta del viaje.

Los primeros efectos de «Spiral» nos anuncian de la partida del viaje al que nos invita MONKEY3 en «SPHERE». Describiendo el infinito sideral una introducción de tres minutos en los que los efectos sobrevuelan sobre nuestros cuerpos da paso a ritmos hipnóticos y repetitivos de tintes stoner. Toda una espiral en la que los teclados y sintetizadores sirven de preámbulo a poderosos riffss. El fuzz que sale de la guitarra de Boris juguetea con el estéreo en un ir  y venir. el resultado es un corte de apariencia robusta que guarda en su interior pasajes apacible en los que los suizos descienden a postulados en pura línea Pink Floyd. Inquietante y misterios van describiendo un relato de ciencia ficción. toda una conjunción matemática perfectamente resuelta. Como auténticos cirujanos el cuarteto suizo sabe salir de esa tormentosa odisea sideral, resolviéndola con una fluidez y precisión milimétrica. Onde minutos absolutamente brillantes.

Si la influencia de Pink Floyd en el sonido de MONKEY3 es evidente, «Axis» nos lo corrobora. Solos psicotrópicos que poco a poco van ocupando algún lugar indeterminado entre el stoner instrumental y la psicodelia pesada. En este tema, se alejan un poco de su apuesta espacial para introducirse de lleno en espacios más propios del rock progresivo más lisérgico. Los teclados acompañados por un poderosa base rítmica marcan un tema en el que no faltan a su cita unos efectos que parecen hacen coros en la lejanía. Sólido y eficaz. 

Otro de los puntos angulares de «SPHERE» es «Prism». Retomando la estética espacial, atmósferas ausentes de gravedad con descritas por esas dulces guitarras herederas de David Gilmour. Una estela sinfonica es arrastrada hasta que los poderosos riffs de tintes doom hacen acto de presencia para romper la calma. Una majestuosidad que fusiona elementos típicos de Pink Floyd para enriquecerlos con una sinfonía nitidamente progresiva. La nave nodriza suiza emprende un nuevo transito hacia horizontes desconocidos custodiada por poderosos riffs de matiz oscuro y cuya pesadez haría palidecer a mas de uno. Aquí la vocación stoner que ya habíamos visto en sus anteriores trabajos hace acto de presencia. Un prisma que tiene una sólida base para sostener una aristas que son modeladas con bellas guitarras obteniendo un tema intenso y profundo. 

Curiosamente un tema con el nombre de «Mass», sugiere un contenido algo diferente a su temática interplanetaria. Caminando sobre cenizas psico-progresivos, y con un aura densa, la solidez de la ingeniería suiza queda patente. Sucesión de efectos se introducen entre los densos ritmos desbocados que contiene el tema.   Una guitarra que se desboca en solos mientras una ampulosa instrumentación protege sus solos. Un ritmo frenético que es combinado con momentos Hawkwind de vocación litúrgica en la que el olor a incienso descongestiona nuestros sentidos. 

Una de las cosas que despierta mi atención es que bajo un aspecto espacial y psicodélico, muchas de las estructuras de los temas tienen altas dosis de sonidos procedentes del rock progresivo hábilmente camufladas entre su majestuosidad sonora.

El polvo cósmico arrastrado por los vientos interestelares, es parte del argumento de «Ida». un tema en el que la influencia de los sonidos sinfónicos sobre sutiles acordes van contruyendo un bello tema que por momentos coquetea con postulados post-rock. Es un flirteo sutil y tímido, pero que acaba por conquistarnos.

MONKEY3 deja para cerrar «SPHERE», el que posiblemente se su tema más elaborado. «Elipsis», un corte de casi quince minutos, en el que los pasajes espaciales se visten de hipnotismo. Un caleidoscopio en el que las notas cambian de forma y color en una mutación oscilante y constante. Bajo el mando de una matemática batería de corte kraut, va  observando como las reverberaciones espaciales van coloreándose con un exotismo cada vez más hechizante. Creando un auténtico campo magnético con sus sonido, consiguen atrapar al oyente. Momentos que me recuerdan a alguno ya vivido por My Sleeping Karma. Tornándose más lisérgicos  el trabajo de la batería de Walter, solo consigue ser mitigado por los  incesantes efectos salidos de los teclados. Un transito en el que los ritmos stoner transitan entre estrellas fugaces en su odisea hacia el infinito. Lejanas galaxias cuya oscuridad se pinta de colores gracias a los pedales de la guitarra y los sintetizadores. ¡Sublime!

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Reseña.- CRACKED MACHINE.- «The call of void»

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Originalmente formados en Wiltshire en 2015 por el guitarrista Bill Denton, CRACKED MACHINE es un cuarteto de músicos experimentados, Juntos en una búsqueda por un caos auditivo. En su segundo álbum «THE CALL OF THE VOID», profundizan en lo que ya nos mostraron en su debut «COSMONAUT», publicado en el otoño de 2.017. «Todos venimos de diferentes orígenes musicales», explica Denton“Lo que a veces puede ser una situación complicada, pero hemos desarrollado un estilo y un método de trabajo que abarca las diferencias. Hay mucho atasco involucrado en nuestro proceso creativo y hemos aprendido a ser bastante despiadados con las ideas cuando no funcionan y tampoco pensamos demasiado en las ideas que sí lo hacen. Definitivamente prosperamos en el lado de la improvisación de tocar ”. El contenido son siete largos temas en los que los británicos transitan por esa línea que tantas veces hemos pateado entre el post-rock, la psicodelia pesada y los riffs pesados con guitarras llenas de gancho. Una progresión que da como resultado un sonido más compacto y elaborado. Momentos de oscura psicodelia con ampulosos desarrollos que gravitan por el universo espacial describiendo infnitos entornos en los que poder desarrollarse. Con facilidad para construir el estado de ánimo pretendido y la habilidad para transmitirlo con su música.

En envolventes atmósferas transcurren los seis minutos de «Jormungandr». Un tránsito dinámico por espacios heavy-psych con influencia Causa Sui, en un sin fin de efectos que se recuestan en almohadas post-rock. 

Bellos desarrollos de guitarra encontramos en «Illuvanka» al cobijo de una milimétrica batería, e intercambiando pareceres con efectos de sintetizadores con un vigilante bajo. Un tema que tiene una vocación stoner que no llega a manifestarse, manteniéndose contenido en su hermosura.

Utilizando distintas tácticas para atrapar al oyente, les sirve de igual manera mostrar sus dotes de seducción para enamorarte o sacar a la bestia para someterte.

Bien sea a ritmo hipnótico como en «Kirimu» en el que van serpenteando entre neblinas e inquietantes sonidos de sintetizadores. Distorsiones y pedales entablan una batalla cuyo resultado es la conquista de un territorio en el obtienen una oscuridad sinfónica. El terreno propicio para dejar llevar nuestra mente a los ecos que despide. Un trance en el que la mente se libera.

«Yamata no orocchi» por territorios de psicodelia espacial está envuelto en nebulososas en las que se respira esa calma inquietante. tornándose algo más progresivo, desde la calma va transmitiendo apacibles sensaciones de sosiego.  Todo el clima del tema viene marcado por una pulsante línea de bajo que crea el clímax perfecto para el desarrollo de la trama. Un corte de tonos grises en el que se vislumbra algún momento de melancolía.

Cuanto mas duración tienen los temas, más espacio para desarrollar su creatividad tienen CRACKED MACHINE. «Azi dahakar» un extraño nombre que nos apunta que el contenido puede ser algo exótico. Y si, lo cierto es que aquí la intensidad de la banda adquiere proporciones importantes. Densas estructuras de psicodelia pesada que se moldean a una belleza propia de los excitantes momentos post-rock. Una sutileza que se distribuye en distintos planos para conseguir abarcar más la atención del oyente. Dinámico y pesado, a la vez que sutil y liviano. Algo deben de estar haciendo bien estos chicos…. 

«Typhon», sería la perfecta banda sonora para un thriller de misterio futurista. Sobre insondables espacios crean un clima inquietante, hipnótico y a la vez tántrico. Vuelve a conjugar la belleza con lo tormentoso. Aquí el papel de la batería tiene mucho que ver en un tema que tiene una clara vocación y que no se moldea como el resto de  los que componen «THE CALL OF THE VOID».

Si antes comentaba, que cuanto mayor duración tiene un tema, más espacio para la experimentación tiene el cuarto., «Vritra» vuelve a darme la razón. Cerca de nueve minutos en los que el eclecticismo está presente. Siguiendo una temática similar al resto del álbum, aquí se dejan llevar por la experimentación e incluso la improvisación. Probablemente más densos y menos sutiles, siguen apostando por esa línea entre lo espacial y lo terrenal.  Sintetizadores bajo unos ritmos que crean un estado de ánimo que difiere entre la expectación y la relajación hipnótica sobre sus gruesas distorsiones. 

«THE CALL OF THE VOID»será lanzado en formato digital, vinilo (negro o naranja / transparente edición) y CD a través de PsyKa Records el 12 de abril de 2019.

La banda la componen: Bill Denton (guitarra), Chris Sutton (bajo), Clive Noyes teclados y voces) y Blazej Gradziel (batería).

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https://www.facebook.com/psykarecords/

 

Entrevista.- PYRAMIDAL

Hablamos con los alicantinos PYRAMIDAL que nos dan todos los detalles de su nuevo disco homónimo que verá la luz el próximo lunes 15 de abril vía Surnia Records y vía Lay Bare Recordings

«Este disco se puede entender como la culminación de un proceso de madurez de la banda»

DenpaFuzz: Vuestro tercer disco al margen de splits y directos y su título “Pyramidal”. ¿Qué significado tiene que lo tituléis así? ¿Es el comienzo de una etapa en la banda?
Lluís: El disco recibe este nombre más que por referirse a una nueva etapa por significar para nosotros una culminación. Este álbum es el disco más progresivo que hemos hecho hasta la fecha y su elaboración ha sido más costosa que con el resto.
Consideramos que no ponerle título o llamarlo como la banda es poner un punto y aparte en nuestra trayectoria.
DenpaFuzz: ¿Como se gesta este disco? ¿Estamos ante temas que teníais ya  compuestos? ¿Son composiciones nuevas o reformadas y pulidas?
Lluís: El disco tiene una elaboración diferente a todo lo publicado con anterioridad. Se trata de un disco mucho más rico en matices y de composición más elaborada, por lo que decidimos la técnica de grabar por partes cada instrumento en lugar de grabar en directo como hemos hecho otras veces.

Óscar: Son composiciones nuevas. Es cierto que son temas que tenemos compuestos desde hace tiempo y algunas partes las hemos ido reformando o puliendo conforme las íbamos ensayando o interpretando en directo.
DenpaFuzz: ¿Quién compone los temas en Pyramidal? ¿Es un trabajo en común o partir de alguna de alguno de vosotros?.
Miguel Ángel: Es un trabajo en común donde cada uno va aportando su propio carácter y su forma de entender la música a partir de improvisaciones que surgen en el local de ensayo o ideas que alguno de nosotros ha desarrollado por separado. Desde este punto de inicio todo se va desarrollando hasta que adquiere una forma propia fruto de estos elementos y se convierte en Pyramidal. Todos nos beneficiamos como grupo de las aportaciones individuales.
Miguel: Los temas parten de improvisaciones en el local, lo que no quita que alguna vez alguien venga con alguna idea de casa, pero básicamente tocamos y nos quedamos con los riffs que más nos gustan y los vamos desarrollando.

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DenpaFuzz: Me consta que la grabación la finalizasteis hace ya un tiempo, ¿Cuál ha sido el motivo de hayamos tenido que esperar tanto a que el disco vea la luz?
Miguel: Sí, el disco se grabó hace poco más de un año, pero antes de tenerlo acabado nos surgió la oportunidad de sacar el directo del Psychedelic Network Festival y decidimos esperar un poco más de lo que teníamos pensado para no saturar a la gente con material nuevo. Además esto nos permitió tomarnos con más calma la producción del disco y trabajarlo más a fondo.
DenpaFuzz: Si tuvierais que definir el contenido de “Pyramidal”, ¿Qué le dirás al oyente que puede encontrar en su interior?
Miguel Ángel: Como ha comentado Lluis anteriormente, este disco se puede entender como la culminación de un proceso de madurez de la banda. Esencialmente puedes encontrar todos los ingredientes de Pyramidal, desde space rock y progresivo hasta texturas orientales, que ya estaban presentes en nuestros anteriores trabajos. En mi opinión, la diferencia está fundamentalmente en la solidez de la estructura compositiva y en una mayor atención a los pequeños detalles. A diferencia de discos anteriores, más basados en la improvisación, con “Pyramidal” teníamos una idea clara de cómo queríamos que fuera.

«Este disco lo enfocamos más al progresivo con esos matices de kraut y Canterbury».

DenpaFuzz: Me comentabais que habéis hecho un disco con un sonido más de “estudio”. ¿Como trasladareis esto a vuestros directos?
Lluís: Todo eso es un concepto un poco complicado porque cuando se comenta de “estudio” parece que no es posible desarrollarlo en un directo. Siempre he pensado que es bueno aprovechar todas las oportunidades que ofrece el estudio y también las de directo. Hay cosas que pueden funcionar en un disco grabado, pero en un directo son imperceptibles por el volumen o el contexto. De todas formas, creo que no habría que confundir un disco de “estudio” que sería un disco que sólo es grabado, a otro disco que es más “directo”, referido a ser más conciso y con menos arreglos.

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DenpaFuzz: De alguna manera, y en algún sitio lo he leído, vuestro sonido tiene tres vértices en forma de pirámide como son Sabbath, Hawkwind y Pink Floyd. ¿Es una buena definición de lo que sois?
Miguel: Al final a la gente nos gusta buscar referencias a la hora de describir el sonido de una banda y a Pyramidal siempre nos han catalogado así lo cual para nosotros es un halago. Obviamente son tres de nuestras bandas favoritas las cuales hemos oído un millón de veces y a la hora de componer siempre aparecen, sin embargo yo creo que en este disco hay más que eso. Nuestros gustos musicales se van ampliando y es inevitable que todas esas referencias de una u otra manera acaben reflejadas en nuestro trabajo.
DenpaFuzz: Escuchando vuestro disco, me he encontrado con un ligero cambio en vuestro sonido. Me encuentro a unos Pyramidal menos espaciales y más progresivos. Con momentos en los que intuyo una experimentación en línea King Crimson, e incluso algún eco del sonido Cantenbury o influencias kraut. ¿Es esto así’ ¿En quien os inspiráis, o más bien, quienes son vuestras influencias?
Miguel Ángel: Es cierto, y supongo que es una evolución lógica en nuestro desarrollo porque siempre estamos buscando nuevos elementos que puedan enriquecer nuestra música. Para este disco quizá hayan adquirido un poco más de importancia nuestras influencias de rock progresivo y jazz-rock de bandas como King Crimson, Kraan, Can, Soft Machine o Isotope, por nombrar algunas. Ha sido un reto exigente incorporar estas influencias a nuestras composiciones sin perder nuestra esencia, pero al mismo tiempo también nos ha desarrollado un paso más como músicos y ahora tenemos un espectro mucho más amplio para seguir avanzando.
Lluís: Has dado en el clavo. Cierto que este disco lo enfocamos más al progresivo con esos matices de kraut y Canterbury. Personalmente no me suelo influenciar intencionadamente mientras compongo. Más que alguna banda o artista me influencia algo más genérico como un estilo. Como he comentado antes el progresivo en este disco es el género principal.

«El disco tiene una elaboración diferente a todo lo publicado con anterioridad. Se trata de un disco mucho más rico en matices y de composición más elaborada»

DenpaFuzz: De igual manera, me ha parecido apreciar vientos mediterráneos en temas como “Creatures of the ancient world”. Esos tonos exóticos que aparecen en sus surcos, ¿a que obedecen? ¿Es quizás una influencia de vuestra Alicante?

Miguel Ángel: Nos gusta empaparnos de todo tipo de músicas, incluso las más tradicionales o folclóricas, y no es la primera vez que hacemos algún guiño a este tipo de referencias. En esta ocasión, durante el proceso compositivo, nos pareció que ese toque de inspiración “mediterránea” encajaba perfectamente con algunos pasajes y les daba una sonoridad muy interesante. Después, en el estudio, todo esto se acentuó cuando incorporamos otros instrumentos, lo que da paso a tu siguiente pregunta.

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DenpaFuzz: En el disco aparecen nítidamente sonidos de violines y saxos incluso algún ramalazo de inspiración jazz. ¿Quién es el artífice de estos instrumentos y estos ecos?
Lluís: Los violines corren a cargo de Judit Aliaga, una amiga mía y de Oscar a la que conocemos desde la infancia. Judit es también bajista y toca en varias bandas de Alicante, lleva mucho recorrido y eso se nota, poder grabar con ella fue un gustazo. Los saxos son de Arantxa Marín, otra música impecable, con la que ya hemos colaborado en discos y también en directo. Ellas han sabido darle ese toque más progresivo al disco. Siempre que podemos nos encanta incorporar otros instrumentos en los álbumes, pensamos le dan mucha riqueza y profundidad al sonido.
DenpaFuzz: Lleváis un tiempo en el que no os prodigáis demasiado en directo. La publicación de este nuevo trabajo va a suponer veros encima de los escenarios con más asiduidad. ¿Tenéis prevista alguna gira de presentación?
Miguel: Queremos presentar el disco por distintas ciudades españolas y hacer una pequeña gira por Europa. Es cierto que llevamos un par de años que por motivos laborales y familiares nos está costando poder salir a tocar pero este año la idea es tocar todo lo que se pueda.
DenpaFuzz: El verano pasado participasteis en Volcano Sessions en tierras francesas. ¿Cómo fue la experiencia de tocar en un festival de esas características, con tan poco público en una ubicación como aquella?
Oscar: Pues la localización es espectacular y fue una gran experiencia para nosotros. Festivales como este o como el Duna Jam, que enriquecen la experiencia de la música en directo con el entorno, son muy necesarios. Es de agradecer que promotores se atrevan con estas propuestas a pesar de que no sea algo masificado o con lo que simplemente generar dinero.
DenpaFuzz: Sois una banda que ha tenido experiencia y gran reconocimiento por los festivales europeos. ¿Es el momento del regreso a esos escenarios? Casi os prodigáis más fuera que en España!! (al margen de vuestro entorno más cercano). ¿No hay ofertas de promotores o no os resulta fácil salir a la carretera?
Miguel: Tocamos más fuera que aquí por que es de donde nos llaman. Tener las discográficas que han editado nuestros trabajos en Alemania y Holanda igual hace que nos conozcan más allí que aquí. También puede ser que no tengamos los contactos adecuados en España o simplemente que no encajemos en los festivales que organizan.

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DenpaFuzz: ¿Cómo compagináis vuestro día a día familiar con Pyramidal?
Lluís: En mi caso funciona muy bien, mi pareja también es músico y excepto de alguna cosa me dedico plenamente a este mundo. Tengo un estudio de mezcla y aparte doy clases de batería, así que mi día a día es escuchar golpes de tambor o buscar frecuencias.
Miguel: En mi caso con la familia y el trabajo si que es un poco más complicado que hace unos años, pero en casa saben cual es mi pasión y la verdad que me facilitan poder compaginar todo.
Oscar: Se hace lo que se puede, bien es cierto que podemos quedar menos de lo que nos gustaría, pero hay que saber adaptarse y ser pacientes. Al final los sacrificios siempre se ven recompensados.
DenpaFuzz: Muchas gracias por vuestras palabras y os deseo la mejor de las suertes con vuestro nuevo trabajo. Si queréis decir algo a vuestros seguidores…
Lluís: Esperamos que la gente disfrute mucho con este disco, eso sí, aconsejamos acompañarlo de una lámpara de lava, algo de incienso hindú, alguna sustancia psicotrópica que haga volar y quedarse mirando fijamente el vinilo dar vueltas junto con el regalo que viene dentro.

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Crónica THE PICTUREBOOKS (Sala Wurlitzer Ballroom (Madrid)

En su sexta visita a Madrid, el dúo alemán compuesto por Fynn Claus Grabke y Philipp Mirtschink dejaron claro su poder de convocatoria en el concierto organizado por Holy Cuervo.


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Una peculiar formación que venía con un nuevo disco debajo del brazo y que en la noche del domingo logró congregar a un buen número de seguidores en la Sala Wurlitzer de Madrid. Era la segunda cita de su gira europea, que había comenzado el día anterior en Vitoria con un gran éxito según nos comentaba Fynn.

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Encima, en esta gira, estrenaban una furgoneta de mayor tamaño, lo cual era un punto de confort añadido a su tour, como me comentaba Philipp antes del comienzo del concierto. Evidentemente, ellos ya saben lo que es tocar ante el público español, y la gran acogida y calor que suele ofrecerles. Una larga cola a la entrada de la sala momentos antes de la apertura de puertas, presagiaba una gran noche. Antes del concierto eran innumerables los saludos e intercambio de opiniones del dúo con muchos de sus fans, a los cuales ya conocían de anteriores visitas. Hay un máxima que sucede con estos tipos, la gran mayoría del personal que asiste a uno de sus conciertos repite sin dudarlo y esto quedó patente en su show madrileño. Tenía una cierta expectación de  comprobar como se desarrollarían los temas de su último disco “The hands of Time» en directo.

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Un álbum con menos guitarras en sus temas y muchas más melodías pero un directo de THE PICTUREBOOKS siempre es sinónimo de descarga  de adrenalina y de energía, y así sucedió. La hilera de guitarras situadas con cuidado por Claus Grabke, padre de Fynn y chófer, asistente, etc, del dúo, a la parte izquierda del escenario resolvía mis dudas. Con estos antecedentes, sonaban los primeros acordes de “You can’t let go”, perteneciente a su último trabajo, el cual copó más de la mitad de su show, interpretándolo prácticamente en su totalidad. Saliendo ataviados de un negro casi riguroso comenzaron su show. Presentaciones, saludos y  Fynn empezaba a cantar y a hacer sonar su guitarra con su particular estilo, mientras Philipp, aporreaba su “batería” como sólo él sabe hacer.  Solo fueron necesarios un par de temas para que su cuerpo se impregnara de sudor y el publico se rindiera a sus pies. Temas a caballo entre el blues y el rock con vientos sureños.

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Fynn interactuaba con el público constantemente introduciendo sus temas y contando anécdotas. El algo más de un centenar de personas presentes, coreaban sus canciones, siendo las más aclamadas “Lizard”, o “Howling wolf”, esta última interpretada esta vez con una mandolina dando un toque particular. Si algo se comentaba, era la brutalidad que derrochan por los cuatro costados y la cercanía con un público, que inmediatamente estaba enganchado a su actuación.

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En la parte central del show, Fynn se dedicaba a usar su gran pedalera derrochando múltiples efectos, así como a ponerse de espaldas al público restregando su guitarra contra el amplificador o tocándola con sus dientes en algún momento de su actuación. Con la interpretación de “Home is a Heartache” llegaba otro de los momentos más salvajes, con  un Fynn encaramado en el soporte frontal del escenario acercando su micro al público arengándolo desde aquella atalaya; algo que sucedió en distintos momentos del show.

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Una vez transcurrida la mitad de su actuación, nos sorprendían con una llamada al camerino. De allí salió un acompañante que llevaban , que no conseguí saber quién era, para subir al pequeño escenario del Wurli un piano, con la colaboración del público. Fynn agradecía al personal su ayuda bromeando que aquello era solo para ejecutar un tema. ¡La que habían montado en un momento! Manos a las teclas con su guitarra en bandolera; A continuación, sonaban entre silbidos los acordes de «Rain” uno de los temas más aplaudidos, y que nos trasladó al lejano oeste con sus aires sureños, en otro de los momentos álgidos de la noche.

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 Phillip mientras seguía a lo suyo, haciendo saltar en mil pedazos las piezas de sus baquetas y mazas entre el personal por la virulencia con la que suele golpear sus bombos, cinco en esta ocasión.  Destrozando los soportes de los mismos, sus gestos de dolor delataban que sus manos estaban desgarradas por su ímpetu y entrega. Otro de los momentos a destacar fue la interpretación de  “The rabbit and the Wolf” siendo coreada por la concurrencia en los momentos más vibrantes y enérgicos de la velada.

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La noche había pasado sin que nos dieramos cuenta del transcurso del tiempo, y el dúo anunciaba la llegada de su último tema, y el fin de su show con el tema “Your Kisses Burn Like Fire”, agradeciendo el calor recibido y emplazando al personal a su próxima visita. El show había acabado y nadie queríamos irnos de allí. Pero estos dos grandes tipos volvían al escenario para juntos regalarnos un tema que no figuraba en su set-list.

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Los dos, chorreando de sudor y cantando juntos, con Phillip fuera de su batería haciendo los ritmos de pie en el centro del escenario acompañaba a Fynn en el último tema de la noche. Simplemente: ¡Apoteósicos!. THE PICTUREBOOKS, representan la esencia pura del rock and roll y la carretera.

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Dos tipos afables que, manteniendo toda su profesionalidad y buen hacer, se muestran cercanos y dicharacheros siempre con su público. El dúo emplazaba al personal a una próxima cita, o a continuar la noche tomando cervezas con algunas frases y agradecimientos en castellano. En la noche del pasado sábado, demostraron, una vez más lo grandes que son.