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Reseña: SACRI MONTI.- ‘Retrieval’

SACRI MONTI regresan con un nuevo álbum en el que muestran su faceta más pesada y progresiva. Evolucionado en su sonido hacia espacios mas propios de los dinosaurios del hard-progresivo de los 70’s, el quinteto de San Diego presenta un álbum con la seña de identidad de la banda. A veces solo necesitas escuchar unos segundos de una canción para identificar a la banda que la toca. Esto sucede con SACRI MONTI, una banda que continúa creciendo musicalmente y que conserva intacta su esencia y autenticidad. Elegantes, embriagadores, melódicos, épicos a la vez que ácidos, estos chicos escarban en el pasado con herramientas sonoras del presente, y lo hacen con solvencia y maestría. Así consiguen que sus canciones se nutran de los genes de bandas como Deep Purple, sin perder su esencia lisérgica. Si algo ha caracterizado a SACRI MONTI desde sus inicios ha sido la facilidad que tiene para componer canciones melódicas rebosantes de fuerza. Ese punto fuerte de la banda se amplifica en esta ocasión con un sonido contundente y pesado que contrarresta sus pasajes más balsámicos, proporcionando una cautivadora escucha. Si a esto unes la facilidad con la que se dejar llevar por los efluvios lisérgicos, obtienes un álbum monumental como ‘RETRIEVAL’. Poco más de media hora que nos deja con ganas de más, porque las atmósferas setenteras en las que hacen gravitar sus canciones son sencillamente grandiosas. Seguramente percibirás vibraciones que resulten familiares en cada una de las pistas, pero también serás sorprendido por un sinfín de gratificantes sensaciones que te sacarán de tu sueño, para transportarte a un mundo mágico lleno de belleza. SACRI MONTI lo ha vuelto a hacer, algo que ya de no debe sorprender a nadie, porque su sonido es único y personal, una ‘marca propia’ que nos vuelve a deslumbrar con un álbum sobervio.

SACRI MONTI son:Brenden Dellar (Guitarra y voz), Dylan Donovan (Guitarra), Anthony Meier (Bajo),Evan Wenskay (órgano y sintetizadores) y Thomas Dibenedetto (batería).

RETRIEVAL‘ está disponible vía Tee Pee Records.

Mirando con descaro al hard-progresivo de los 70’s, ‘Maelstrom’ la primera canción que la banda nos desveló de su nuevo álbum. Una pista con un tupido sonido vintage que evoca tiempos pasados a través de una conjunción de elementos psico-progresivos sustentados por el hard rock más auténtico. Arrolladora por momentos, la canción palpita en sus poco mas de tres minutos con melodías que se balancean una y otra vez. Su tono melancólico es contrarrestado por una fuerza descomunal, lo que la hace una pista excelsa y llena de argumentos para conquistarte.

Los de San Diego ya nos han mostrado anteriormente que son una banda con sensibilidad, y que las ‘baladas’ son uno de sus puntos fuertes. Así la belleza brota de cada nota de ‘Desirable Sequel’. Hermosa, y comedida, la canción mantiene el tono vintage entre bellos pasajes instrumentales que se complementan con una voz cautivadora. Siempre dando en clavo, SACRI MONTI, nos demuestran una vez mas que saben componer bellas canciones que te llegan al alma. Órgano, guitarras ácidas, voces acolchadas y un ritmo trepidante son suficientes argumentos como para no resistirse a una propuesta sonora que sabe como llevarnos a territorios progresivos sin perder su esencia a lo largo de siete minutos intensos y rebosantes de belleza.

Con un sonido aparentemente más pesado, la épica de ‘Intermediate Death’ nos sitúa en un espacio hard-progresivo de manual. Una apertura grandilocuente deja paso a un entorno apacible en el que el sonido del órgano en línea Purple va señalando el camino. Una atmósfera retro, y un sonido analógico nos envuelven entre fascinantes melodías. Con un ritmo que va y viene en su intensidad, la banda no abandona su propósito creando otra maravillosa canción.

Los ocho minutos de ‘Brackish/Honeycomb’ suponen una gratificante excursión a territorios hard-prog de los 70’s. Jugando con los teclados y guitarras la pista se adorna con aterciopeladas voces y un aura psicodélica que inunda de color su melancólica melodía. Oscilante y con una amplia gama de matices la pista ondula en su deambular por ese mundo fantástico que nos proponen los californianos. Una de las canciones mas complejas del álbum, lo que no impide que la pista conecte con el oyente llevando a un gratificante y majestuoso viaje sonoro. En su parte final la pista se vuelve mas loca y experimental con impactantes momentos de rock ácido en una auténtica locura sonora.

Por la vía rápida, las revoluciones se bajan con ‘Moon Canyon’. Una bucólica pieza acústica de dos minutos y medio que sirve de bálsamo al frenesí de la canción anterior.

Manteniendo el tono acústico, ‘More Than I’, parte de una apacible introducción para eclosionar en un torrente de vibraciones vintage. Hard-progresivo de manual asediado por guitarras ácidas y un tono épico. Todo un mundo fantástico se abre ante nosotros entre palpitantes pasajes meditativos en los que la psicodelia custodia el ambiente. Un giro argumental en una canción que todavía tiene mucho por ofrecer. Su sinfonismo contrasta con la potencia de una melodía llena de fuerza. De nuevo las guitarras brillan a un altísimo nivel mientras la pista nos sume en inquietantes bosques cubiertos de una densa neblina psicodélica. Otra maravilla sonora con una apariencia monumental que siempre sabe como traspasar el umbral bajo un ambiente nítidamente vintage.

SACRI MONTI

Tee Pee Records

Reseña: THE SONIC DAWN.- ‘Phantom

‘PHANTOM’ es el quinto álbum de los sofisticados abanderados de la psicodelia vintage danesa THE SONIC DAWN. Un caleidoscopio sonoro con canciones que gratifican el alma invitándonos a un viaje a través de diez pistas conmovedoras que absorben las impresiones de un mundo enloquecido. El trio, ahora reconvertido en cuarteto para la ocasión, con la incorporación a los teclados de su antiguo colaborador Erik ‘Errka’ Petersson enriquece su sonido mostrando el que probablemente sea el álbum mas pesado hasta ahora. Unas canciones ricas en texturas en las que la psicodelia vintage se viste con sus mejores galas. Elegantes y sofisticadas pistas que no abandonan las atmósferas psicodélicas, sino que consiguen que estas nos lleven al éxtasis. Fusionando sus influencias de acid rock, blues, rock progresivo y folk logran una hermosa pieza musical de temática oscura pero cautivadora. El exquisito trabajo en el uso de la voces y coros, y un espíritu que siempre transita por acolchados y almibarados pasajes lisérgicos, son suficientes argumentos como no resistirse a este apetecible manjar sonoro. THE SONIC DAWN son una banda particular que desde sus comienzos tenían claro su guion. Esa honesta revisión de los sonidos psicodélicos de los 60’s en los que la tendencia pop estaba muy presente, resulta elocuentemente atractiva al dotarla de buenas dosis de blues, rock y elementos progresivos, siempre transitando por el lado mas amable y elegante de la psicodelia contemporánea. Este híbrido dual en el que lo ‘vintage’ y lo modernista caminan de la noche a la mañana para ir tejiendo un caleidoscópico tapiz sonoro rebosante de belleza. Si, bien podemos decir que THE SONIC DAWN lo han vuelto a hacer, ellos son una fuente inagotable de reverberaciones psicodélicas moduladas con un tono melódico que siempre resulta exitoso.

Reflexionando sobre los temas del álbum, el cantante y guitarrista Emil Bureau señala: “ Cuando cantemos sobre máquinas asesinas en el cielo y el blues del siglo XXI, creo que muchos podrán identificarse. Estamos aquí para decir que la humanidad tiene un futuro en este planeta si así lo queremos. » Él añade, «Cada canción, línea y solo se entrega con intención e intensidad. Espero que la gente lo reciba como lo pretendemos. Es decir, como auténtico rock ácido de una banda con mensaje. »

THE SONIC DAWN son:
Emil Bureau: Guitarras y voz
Jonas Waaben: Batería
Niels Bird: Bajo

Acompañados por Erik ‘Errka’ Petersson – órgano y teclados.

‘PHANTOM’ está disponible vía Heavy Psych Sounds.

Jugando con el nombre de la famosa canción de King Crimson, ‘21st Century Blues’ no sitúa en una cabaña de madera sobre algún humeral sureño. Psicodelia empapada de blues ejecutada a ritmo suave y con unas entrañas rugosas. Sus almibaradas melodías se cubren de guitarras ácidas y un ritmo cambiante. Así consiguen que su relato nos envuelva en una nube lisérgica tras su sonido dual. Una oda a los pioneros de la psicodelia mas psicotrópica.

En un tono mas briosos ‘Iron Bird’ se desarrolla en una atmosfera caleidoscópica. La cautivadora voz y el órgano penetrante marcan la ruta de otra canción psicodélica. Una de esas pistas coloristas a las que nos tiene acostumbrados los daneses y en la que dejas su parte más pesada haciendo que el sonido orgánico fluya libremente. Así consiguen esa sensación vintage que les viene acompañando desde sus inicios.

‘Think It Over’ es un blues suave con delicadas melodías y sencillos acordes que repiten su armonía. Los daneses rompen con voces y ritmos de tintes soul. Así ponen la garra a las almidonadas melodías. Jugando constantemente con cambios, consiguen que la canción se muestra fresa y divertida., sin perder su esencia blusera.

En un tono más girs y melancólico, la sutil ‘Nothing Can Live Here’ sigue bebiendo de la fuente del blues. Y en eso The Sonic Dawn son unos maestros, hacer de la sencillez virtud en hermosas y relajantes canciones que gratifican el alma. En la parte central la canción se vuelve más alocada y aparentemente desestructurada, mutándose así su carácter a un entorno más bucólico. De nuevo las etéreas notas de los teclados aportan un tono especial a un pista que acaba convirtiéndose en un corte de ácido y mas rockero.

De nuevo los ensoñadores pasajes lisérgicos hacen acto de presencia en ‘Dreams of Change . Una visión líquida entre pasajes melancólicos y un persistente zumbido narcótico. Y lo que comenzó como algo mágico se va tornando más hipnótico. Ideal para dejar que tu mente viaje, la pista transmite un efecto balsámico al oyente en su espiral de reverberaciones psicodélicas.

Con un ritmo más bailable y modernista, ‘Pan Am’ conjuga la esencia de la psicodelia de los 60’s y sus tonos casi garageros, con la neo-psicodelia del momento. Con una columna vertebral completamente retro, la pista serpentea con guitarras coloristas y la habitual neblina emanada por el órgano.

Vistiéndose de etiqueta, la sofisticada ‘Transatlantique’ luce sus mejores galas con tonos jazz en un ambiente elitista y relajado. Una serena ejecución hace que la cautivadora pista se la perfecta banda sonora para una noche a la luz de las velas. Hermosa. La elegancia convertida en canción.

En ese ambiente sosegado, ‘Scorpio’, nos mece con delicadeza con sus delicadas y colchadas melodías, enriquecidas con unas gotitas de blues. Creando una cálida atmósfera, la pista va despertando del letargo inicial para esparcir sus esencias psicotrópicas sobre el oyente.

Sumergidos en los sonidos de finales de los 60’s y primeros 70’s ‘Micro Cosmos In A Drp’ borbotea con un ritmo que te invita al baile. La banda sabe cómo poner pimienta a una canción y con está dejan plasmada toda su fuerza y garra. Una canción echa para animar las noches de cualquier garito humeante en una noche de sábado.

Como colofón a este fabuloso y entrañable trabajo ‘Friend’ nos brinda una fusión de elementos Beatles con sofisticados y relajantes pasajes de inclinación jazz. Manteniendo su esencia THE SONIC DAWN tocan la música que les sale del alma, y además esta música es preciosa, como así lo corrobora esta hermosa uy relajada canción.

THE SONIC DAWN:
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HEAVY PSYCH SOUNDS:
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Reseña: NO MAN’S VALLEY.- ‘Chrononaut Cocktailbar’

El nuevo álbum de la banda holandesa Psych Rock / Alternative Rock viene con doble título y doble arte en una sola portada. De esta forma, NO MAN’S VALLEY dejan patente el contraste entre su espíritu post-punk mas propio de bandas como NICK CAVE & THE SEED y la psicodelia de formaciones como THE DOORS. Dividido en dos caras completamente distintas, y con canciones escritas por separado en la época pandémica, la banda nos presenta en la primera mitad del álbum canciones más propias del rock gótico de los ochenta en un ambiente oscuro y melancólico en el que se siente la tristeza. Canciones cortas guiadas por una cálida y cautivadora voz con la que logran transmitir el desasosiego. Mientras, la otra cara del álbum viene ocupada por una pista monumental de dieciocho minutos que se sumerge en un espacio completamente psicodélico en el que los ecos chamánicos se manifiestan con brillantez. Así, NO MAN’S VALLEY encuentran la paz consigo mismos en un álbum dual sin estridencias. Como la propia banda comenta, aquí se reflejan los dos lobos que hay en la banda: a un lobo le gusta escribir canciones con estructura y melodía sólidas, mientras que al otro lobo le gusta volverse completamente loco cuando se trata de creatividad psico-progresiva.

‘CHRONONAUT COCKTAILBAR / FLIGHT OF THE SLOTHS’ está disponible vía Tonzonen.

A modo de breve introducción ‘Chrononaut Cocktailbar’ se desarrolla entre ecos post-punk en una atmósfera oscura y melancólica.

‘Love’ combina ese espíritu gótico del post-punk con momentos de neo-psicodelia guiado por una cálida voz y un predominio de los teclados bajo un ritmo sencillo. Enturbiando su atmósfera la pista baja las revoluciones antes de retomar el punto donde nació. La melodía de los teclados resulta hipnotizante.

Con una mirada a los sonidos del siglo pasado ‘Creepoid Blues’ es un blues suave empapado de chamánica psicodelia. Una especie de vodevil doorsiano que se desarrolla en un entorno sombrío presidido por la calma. Me viene a la cabeza el recuerdo del glorioso álbum debut de PHAMTON DIVINE COMEDY al escuchar su sonido y su vibra blusera.

‘Seeing Things’ no sale de ese entorno oscuro y melancólico. Pausado y con cálidos pasajes envueltos en ligeras nebulosas psicodélicas continúa en el punto donde lo dejo la pista anterior. El carisma de la voz recitando sus desgarradores versos junto a sutil instrumentación lo hace un corte relajante e introspectivo. Con sosegadas melodías salidas de la guitarra la pista adquiere unos tonos vintage en ese marco triste.

En un tono algo más progresivo en ‘Shapeshifter’ las cosas no cambian demasiado. Incorporando coros y voces oscilantes, su instrumentación transita por un espacio suave y psicodélico que enriquece su alma post-punk.

En un viaje a finales de los 80’s ‘Orange Juice’ mantiene la atmósfera lúgubre acompañada de un ritmo contenido y melodías cautivadoras. Su sencilla estructura es suficiente para mostrarse atractiva para el oyente.

El plato fuerte del álbum llega en la cara B. En los dieciocho minutos de ‘Flight of the Sloths’ encontramos a la banda en un ambiente completamente psicodélico en contraste con las pistas anteriores. Aquí el otro lado de la banda aparece para ofrecernos la psicodelia más compleja de los holandeses. Una suave apertura acústica con un aroma vintage nos pone en el camino de un pista compleja y llena de alicientes. Tomándose su tiempo la combinación de susurrantes pasajes nos va llevando un espacio sonoro en el que la psicodelia se manifiesta con un espíritu misterioso. Sin darnos pistas de la dirección que tomará, cultivadores acordes de guitarra acolchado registros vocales ejercen de bálsamo hasta llevarnos a un letárgico entorno en el que relajar nuestros sentidos. Ese espíritu chamánico impulsa el corte a un mundo lisérgico lleno de belleza. La desesperanza se nutre de pasajes ácidos en los que la psicodelia de NO MAN’S VALLEY adopta formas cambiantes con momentos intensos que contrastan con la calma generalizada del corte. Hermosa y oscura la canción acaba por cautivarnos con sus pausados y hermosos pasajes. Un lamento constante preside una pista sólida y absorbente que te llevará al otro lado.

No Man’s Valley

Tonzonen

Reseña: MR. BISON.- ‘Echoes From The Universe’

‘ECHOES FROM THE UNIVERSE’ fascinante nuevo álbum de los rockeros de heavy psico-progresivos de la Toscana, invita al oyente a un viaje prismático que explora la noción de libertad y destino a través de la mitología nórdica y entreteje un majestuoso tapiz sonoro repleto de riffs líquidos, elegante psicodelia, grandeza progresiva y voces vibrantes. Un viaje espacial moderno y gratificante que debería complacer a fanáticos de bandas de la talla de Yes, King Buffalo, Elder, Naxatras y sobre todo Motorpsycho. El peso de los teclados hace que el sonido que hasta ahora conocíamos de ellos se disipe en nuevas rutas en las que expandir sus composiciones. De esta forma la banda emprende un nuevo camino en su creación musical a un espacio sonoro mucho más complejo, alejándose de alguna manera del blues y de los argumentos stoner presentes en sus anteriores discos. Si bien la banda en directo prescinde del bajo, aquí, el bajo y los teclados consiguen que sus canciones se muestren más complejas y ricas en matices como pude comprobar el pasado verano en su actuación en el Dunajam, donde se presentaron con la incorporación de Davide Salvadori. Sin duda una evolución que define la calidad de unos músicos inquietos que no ponen freno a su creatividad. Un giro audaz que nos da unos frutos exquisitos, ya que las siete pistas incluidas en este nuevo álbum, contienen ingredientes suficientes para complacer al oyente mas exigente. Sus viejos fans han de estar de enhorabuena, pero los evocadores paisajes sonoros presentes aquí, harán que amplíen su corte de seguidores a un público nuevo. Puede que alguno se sorprenda por las canciones que contiene el álbum, pero esto, es el reflejo de la madurez de una banda que no quiere estancarse y que decide experimentar y arriesgar. Ya lo hemos visto con anterioridad en bandas como ELDER, NAXATRAS o incluso KADAVAR, una historia que ahora se repite y que dice mucho a favor de MR. BISON, una banda con la capacidad de reinventarse, y hacerlo de una manera sensacional. En palabras de la propia banda. “ECHOES FROM THE UNIVERSE” es el intento, como seres humanos y temporales, de escapar de la idea de una supuesta predeterminación del destino logrando construir el propio camino de vida individual a través de la fuerza de voluntad. Su concepto se basa en el mito nórdico de las Nornas, quienes tejen los hilos del destino universal en un tapiz, en el que toda la existencia, en una mezcla continua de pasado, presente y futuro, se cruzan e influyen entre sí, generando así un vórtice caleidoscópico de posibilidades infinitas e impredecibles. Por esta razón, los hemos utilizado como símbolo de la libertad de elección, que nunca excluye, sino que implica, el elemento del azar”. ‘ECHOES FROM THE UNIVERSE’ es un plato gourmet digno de los más exquisitos comensales de las vibraciones psico-progresivas.

Fue producido por el guitarrista Matteo Barsacchi, mezclado por Nicola Giorgetti en el Indipendente Recording Studio y masterizado por Carl Saff en Saff Mastering en Chicago y está disponible vía Heavy Psych Sounds.

MR.BISON son:
Matteo Barsacchi – Guitarra, Bajo, Sintetizador
Matteo Sciocchetto – Guitarra, Bajo, Voz
Lorenzo Salvadori – Batería
Davide Salvadori – Guitarras acústicas, sintetizador, Hammond, Mellotron, bajo

Esta nueva entrega del trio parte con los sonidos atmosféricos de ‘The child of the night sky’. Una canción que gravita en un escenario psico-progresivo en el que el sonido de bandas como YES, o los contemporáneos MOTORPSYCHO, aparece sin ningún rubor. Complejas estructuras instrumentales y un sonido estratificado en capas son sitúan en un espacio en el que los italianos mantienen su psicodelia, pero ahora sumerguiendose profundamente en ricos desarrollos progresivos. Jugando con voces y coros MR. BISON crean un corte sólido, repleto de matices sonoros con los que atrapar al oyente. El peso de los teclados hace que el sonido que hasta ahora conocíamos de ellos se disipe en nuevas rutas en las que expandir sus creaciones.

Si la pista anterior muestra un sonido diferente al que el ahora cuarteto nos tenía acostumbrados, ‘Collision’ incide en esta nueva vocación progresiva. Con una apertura que conjuga sonidos tradicionales con intricados pasjaes psico-progresivos, la canción se soporta en esa dupla de guitarras maravillosas que ahora se ve elevada con el calor de esos mágicos teclados. Piensa en Motorpsycho con voces más propias de Yes y entenderás de lo que hablo. Un flujo constante y con los tiempos bien marcados estos chiscos nos sitúan en un envolvente y gratificante sonido adornado con voces ensoñadoras. Los pasajes lisérgicos siguen estando presentan, pero de una forma mucho más sutil.

‘Dead in the eye’ se envuelve en un aura de misterio para sumirnos en un relato magnético y penetrante. Hermosos pasajes psicodélicos nos acarician situándonos en un entorno meditativo de gran belleza sonora. Desde la calma, la canción se va tejiendo lentamente atrapando al oyente en un relato que no sabes dónde nos podrá llevar. Las delicadas melodías se suceden siendo enriquecidas con unas mágicas y aterciopeladas voces y un carácter tranquilo. Los largos desarrollos resultan fluidos gracias a los variados matices que incorporan a su armonía. La pista se va tornando más virulenta y desgarradora sin perder su esencia suave y relajante. Sin duda un fiel reflejo de su nuevo estilo.

Con hipnóticos acordes de carácter cósmico ‘Fragments’, son sume en un trance sensorial en el que las guitarras exhuman bellas fragancias sonoras que penetran en nuestros sentidos proporcionando un gratificante estado sensorial. Más cercanos al sonido de los últimos álbumes de King Buffalo, la canción mantiene el tipo con un ritmo incombustible y elegantes pasajes instrumentales que van mutando en su avance hacia ese espacio en el que las balsámicas melodías nos acarician con delicadeza entre golpes de fuerza y un nítido carácter a semejanza del rock progresivo de los 70’s, pero con una fuerza renovada y contemporánea que hace de ella otro plato gourmet gracias a esa inclinación por el sonido que MOTORPSYCHO viene ofreciéndonos.

‘The promise’ nos ofrece un mundo ensoñador a través de cálidas y gratificantes voces custodiadas por una firme y compleja instrumentación. Sin duda, un reflejo del esmero que los italianos han venido haciendo en su proceso compositivo. Creando un sonido atmosférico sustentado en los teclados, los ecos de bandas como Naxatras afloran con elegancia en otra pista compleja y rica en tonalidades sonoras. Su tono melancólico y sus efluvios psicodélicos se ensamblan a la perfección en su talante progresivo de nuevo.

‘The veil’ parece bajar las revoluciones, pero no la complejidad. ya que a través de sencillos acordes la banda va construyendo una canción solvente y rebosante de vibraciones llevándonos a un mundo de ensueño. Calibrando el equilibrio entre lo pesado y lo liviano lograr construir otro corte majestuoso en el que las melodías vocales ocupan un papel fundamental. Esa pausa se refleja en otra canción con elementos psicodélicos y progresivos a partes iguales.

El epílogo del álbum bien de la mano de otra magnética canción. La cautivadora ‘Staring at the sun’ palpita con sus atmosféricos sonidos en un mundo sensorial donde el oyente se puede sentir cómodo a la que que puede experimentar a través de los magníficos pasajes con los que MR. BISON nos trasladan a un mundo repleto de gratificantes sensaciones. Sus tonos exóticos aportan un acento diferente sin salirse del guion previamente establecido. Oscilante y aterciopelada, la pista tiene todos los elementos para seducir al oyente.

MR.BISON

HEAVY PSYCH SOUNDS

Reseña: SONS OF ZÖKU.- ‘Ëndlëss’

SONS OF ZÖKU regresa después de su álbum debut de 2021 ‘SÜN’ para ofrecer lo que promete ser una joya absoluta en su seguimiento ‘ËNDLËSS’. Con un sonido místico, relajante y almibarado, el combo australiano hace gravitar sus nueve mágicas canciones en una atmósfera en la que la neo-psicodelia se nutre de un espíritu estático y devocional. Cercanos en su sonido a bandas como KIKAGAKU MOYO, el álbum contiene una temática lírica en torno a una búsqueda interminable de la iluminación. Así la banda exhibe su creación virtuosa de paisajes sonoros para llevarte a un viaje psicodélico que busca un propósito y una espiritualidad mientras mantiene una conexión con la tierra a través de la naturaleza. SONS OF ZÖKU puede que no sea una banda demasiado familiar para la mayoría de los seguidores de la escena psicodélica, per, a partir de ahora, lo será. La dulzura y belleza de sus composiciones nos sitúa en un espacio colorista y balsámico en el que la pausa y la afabilidad, dominan el ambiente. A caballo entre el acid-folk, y la world-music, su psicodelia toma exóticos elementos tradicionales llegados de oriente, para adornarlos con bellas melodías y unos coros celestiales, consiguiendo cautivadoras canciones que escucharás una y otra vez. Flauta, sitar, tabla, saxo, teclados, percusión, son acoplados con un gran acierto a sus canciones psicodélicas del nuevo milenio. Con todos estos variados y fascinantes elementos, consiguen un sonido innovador que se nutre de los elementos clásicos del género para cocinar esas almidonadas canciones. Un álbum fresco, que se escucha con fluidez y que a buen seguro, si te tomas la calma necesaria, disfrutarás enormemente.

SONS OF ZÖKU son; Ricardo Da Silva (voces y guitarras), Ica Quintela (voces, flauta, teclados, percusión), Jordan Buck (bajo), Oscar Ellery (sitar, guitarras), Hannah Yates (voces). El álbum cuenta como invitados especiales con la presencia de Lovepreet Singh (tabla) y Paul Ellery (saxo), y está disponible vía Copper Feast Records.

Una breve introducción con cantos tribales es el preludio de ‘Moonlight’. Una bucólica canciones de ritmo suave y mágicas atmósferas psicodélicas. Sus aterciopeladas melodías cuentan con un balsámico sonido de flauta y brillantes acordes de guitarra. El cálido bajo y sus pausados tambores crean el escenario perfecto para esas voces empapadas en miel que nos acarician con dulzura. Una hermosa y acogedora canción con una elegante instrumentación y un marcado carácter psicodélico que va evolucionando en entorno más experimental y pesado, siempre sin traspasar el límite.

En un devocional escenario campestre las dulces voces y coros van construyendo ‘Earth chant’. Un aroma exótico se palpa en esta devocional canción con exóticos elementos tradicionales. Vuelve a destacar el trabajo de la flauta en una pista rebosante de un espíritu místico.

En ‘Kuhnno’ se mantiene el tono tribal con hermosos pasajes vocales y unos pasajes instrumentales coloristas que rezuman bellas fragancias sonoras. La multitud de instrumentos agolpados consigue crean una canción cohesionada en la que los ecos folklóricos llenan de color otra mágica y meditativa pista con multitud de elementos orientales.

Con delicados acordes acústicos y voces celestiales ‘Hunters’ mantiene ese tono bucólico y campestre. Acolchados pasajes se van elevando en un gratificante mundo sonoro en el que la luz se abre paso lentamente. ¿Acid-folk? ¿Psicodelia? ¿World music? Cualquiera de estos estilos puede definir una balsámica canción salpicada en almíbar.

‘O saber’ nos ofrece otra visión folclórica del sonido del combo australiano. Otra vez la tradición oriental aparece entre suaves ritmos y melodías empapadas en dulces voces.

‘Yumi’ ofrece al oyente unos divertidos ritmos que invitan a la danza entre esos coros celestiales presentes en cada una de las canciones del álbum. Un tono tropical que se traduce en una canción fresca y colorista que no abandona su carácter místico y en la que encontramos momentos más propios del afro-rock en una fusión que funciona.

Con delicados y aterciopelados acordes acústicos la evocadora ‘Lonesome tale’ pone una nota vintage con sus almibaradas melodías vocales y una instrumentación con ciertos momentos sinfónicos. Una pista suave y algodonosa.

Empapada en neo-psicodelia ‘Nu poeme’ cierra el álbum manteniendo la esencia de los australianos con aterciopelados pasajes envueltos en una atmósfera difusa y envolvente.

SONS OF ZÖKU

Copper Feast Records