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Reseña: ALEPH א.- ‘Kairos’

Después del reconocimiento obtenido con sus dos primeros EP y numerosos conciertos en tiempos anteriores a COVID, los polacos ALEPH א publican su primer álbum de larga duración. ‘KAIROS’ es un viaje increíble a través de diferentes sonidos, capas de existencia y estados de ánimo. Riffs repugnantes, composiciones progresivas, todo envuelto con un agradable toque de una amplia gama de voces grungy. Con sus momentos ásperos, especialmente en esas voces mutantes, que llegan a tornarse incluso guturales, así como sus constantes cambios en el tempo y el estado de ánimo, el álbum nos deja perdidos entre headbanging y contemplativo relato de la naturaleza de humanidad. El tema del álbum es un antiguo motivo del viaje de un protagonista a través de distintas etapas de la vida: desde la iniciación que emerge en la confusión; a través de la muerte, dejando la piel vieja y opresiva y enfrentando la propia sombra; renacimiento, un soplar concienzudamente ,un estrecho caparazón espiritual, hacia otra aventura, que termina la historia y nos deja abiertos a otra iniciación. El título es griego palabra que significa una oportunidad, un momento crucial cuando una acción debe ser tomada. ‘KAIROS’ es pozo en el que van a para aguas post-metal, riffs ásperos, pero sobre es un punto de exploraciones psico-progresivas. Partiendo de la pesadez, el álbum va evolucionando en sus temas hasta guiarnos a bosque experimental de vibraciones progresivas. Una línea entre la reconfortante y lo inquietante que se atraviesa múltiples veces en cada canción, haciendo su escucha bastante reconfortante y amena. Un nuevo ejemplo de la versatilidad de la escena pesada polaca, que cada día continúa ofreciéndonos interesantes propuestas.

ALEPH א son: Jakób Ciszyn (voces y guitarras) Art Salsa (guitarras, samplers y voces) Maciej Janus (bajo y voces) Kuba Grzywacz (batería, percusión y voces)contando con la colaboración de Tomasz Rafalski (teclados y sintetizadores).

‘KAIROS’, está disponible vía Galactic SmokeHouse.

Aunque ALEPH א se formó en 2014, la historia de la banda comenzó a principios de la década de 2000 como una amistad entre pequeños de 10-12 años. Por esa época Artur, Jakób, Kuba y Maciek se cruzaron y empezaron a intercambiar música, experiencias y teorías de la conspiración. Cuando se dieron cuenta de que podían formar una banda en esa alineación, no esperaron demasiado. A lo largo de los años, la banda se convirtió en el tema de interés en el underground debido a su estilo fuertemente distintivo.

“Siempre disfrutamos creando conceptos y mundos imaginarios juntos. Incluso hasta convertirse en parte de nuestro pensamiento hasta tal punto que lo hacemos todo el tiempo , durante actividades simples. Entonces, mientras preparábamos el material del álbum, decidimos que debía tener su tema principal o leitmotiv «, comenta la banda.

La principal sesión de grabación del álbum se llevó a cabo durante una semana en una antigua granja prusiana en medio de un diciembre frío y lleno de niebla. Rafał Serwatka (Ramtamtam Studio) moderó y apoyó a la banda en todo el proceso. A continuación, el material se envió a Michał Chełminacki, quien desató su enfoque cinematográfico, proporcionando capas sónicas adicionales en la forma de misteriosas reverberaciones y muestras de animales.

Una breve intro nos lleva hasta ‘Invert’, un tema de ritmo vibrante que se desarrolla entre potentes ritmos y un aura progresiva. En un escenario más propio del post-metal el tema conjuga melancólicas voces heavy-rock entre constantes ondulaciones. Dos minutos intensos que nos depositan en una atmosfera psico-progresiva llena de un misterio reconfortante. Sin dejar de borbotear la canción.

Mas calmados y progresivos, los polacos repiten acordes en ‘Doubt’ con extrañas voces mientras la instrumentación se sumerge en un escenario netamente progresivo. Pausa y calma soportan un tema que parece ser una especie de interludio en su relato.

‘A Swarm of Dead Insects’ supone una experimentación por un amplio espectro de vibraciones. Voces guturales contrastan con suaves melodías mientras la instrumentación coquetea con ecos del metal. Evolucionando lentamente a un espacio más pesado e inquietante el corte mantiene su aura misteriosa. Los constantes giros en su relato hacen que su escucha resulte muy fluida. Agresivas voces y riffs amortiguan su fuerza con pasajes más melodiosos en los que la banda deja patente su espíritu progresivo. Un escenario inquietante que recibe distintas influencias estilísticas. Sus voces guturales arrastran a la instrumentación a desarrollarse en un entorno de mayor pesadez.

Los polacos cambian el paso en ‘Erode’. Tras los rugosos riffs y las estresantes voces del tema anterior aquí se recuestan en pasajes más melódicos ofreciendo su lado más progresivo. Sosegados acordes y una ambientación más sinfónica construyen un tema melancólico con atractivos ornamentos.

‘Resistance’ nos devuelve a la banda embutida en un traje mucho más psicodélico y experimental. Aquí sacan a relucir la faceta más grunge de la voz entre una cadente atmósfera psico-prog. Un corte oscuro que susurra con variados acordes manteniendo un espíritu. Evolucionando a un marco más vibrante el tema eleva su intensidad dejando patente que los polacos no renuncian a ninguna influencia estilística. La parte final de la canción nos ofrece momentos más ardientes.

El álbum cierra con los 10 minutos de ‘Whale part- II’. Enigmáticos acordes de bajo se entremezclan con bellos pasajes de guitarra entre un manto de efectos envolventes. Calmado y psicodélico a la vez, su inicio parece presagiar algo potente que está por llegar. Con esa premisa el tema se torna hipnótico antes de explorar oscuras atmósferas psico-progresivas. Una calma tensa invade los susurrantes acordes en un auténtico relato de misterio. La larga duración del tema permite que la banda experimente con distintos ritmos y vibraciones. Sin mostrar la pesadez de los primeros temas del álbum y dejándose llevar por una apuesta instrumental, el tema reside en una estancia mucho más progresiva.

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Reseña SHEM.- ‘II’

Desde Stuttgart nos llega el nuevo álbum del quinteto psico-espacial SHEM. ‘II’ es el reflejo de una banda que concibe la música como un espacio de libre creación. Tomando como referente a los grandes del kraut de los 70’s la banda nos ofrece tres larga improvisaciones en las que un motorik añejo comanda unos desarrollos frenéticos en una acertada combinación de pasajes de reverberaciones de guitarra y sintetizadores. Sus momentos drone se alteran con zumbidos constantes que nos acompañan en este viaje a insondables atmósferas siderales. Con una narrativa de ciencia ficción, tejen un tapiz sonoro lleno de texturas psicodélicas sin perder su espíritu improvisado. Lo cierto es que finalmente todas las piezas encajan en un puzle en el que encontramos los alicientes suficientes como para embarcarnos en el ‘viaje’ que nos proponen. Los temas mantienen siempre la tensión a pesar de que también nos ofrecen momentos de placidez para dejarnos llevar por nuestras sensaciones. 40 minutos a los abismos cósmicos, a través de oscuros paisajes nocturnos y a la inmensidad del espacio rodeados de supernovas.
Manteniendo el impulso con un ritmo motorik constante, SHEM explora tanto momentos de calma atmosférica como vorágines distorsionadas de felicidad psicodélica, ofreciendo al oyente una puerta de entrada para descender a su reino de experimentación musical una vez más.
Una vez más queda patente que los sonidos siderales son una fuente inagotable de exploración dejándonos el legado de álbumes tan fascinantes como éste ‘II’. Baja la luz y déjate llevar a esta nueva dimensión sensorial.

‘II’ está disponible vía Clostridium Records, en una edición limitada a 300 copias en vinilos rojo y negro incluyendo un poster y logo

SHEM son: Alexander Gallagher (guitarras), Joel Boye (guitarras) Tobias Brendel (bajo) Alex Meese (sintetizadores) y Benjamin Maier (batería)

El álbum fue grabado entre septiembre de 2017 y febrero de 2018 en Matti’s Space, Stuttgart-Weilimdorf. Mezclado por Alexander Gallagher. Masterizado por Eroc’s Mastering Ranch. Artwork obra de Alexander Gallagher y Benjamin Maier.

Con un motorik cósmico ‘Descencion’ parte cual nave sideral a una exploración de sonidos espaciales con fuerte influencia de ritmos kraut herederos de sus compatriotas de los 70’s. Hipnótico pasajes coloreados con guitarras que exudan psicotrópicos con un ritmo inquebrantable van ondulando en una búsqueda de un insondable espacio en algún lugar indeterminado del cosmos. Incrustaciones de pesados riffs se embarcan en esta tortuosa travesía psicodélica improvisada. Como ondas flotantes la intensidad del tema aumenta y se suavidad según los obstáculos que la nave parce encontrar en su peregrinar. Una narrativa de ciencia ficción con un atrayente groovy reflejando el sonido de la psicodelia espacial contemporánea. Con tormentosos pasajes en los que todo se enturbia, el corte sortea todas las dificultadas sin mirar nunca atrás. Toda una odisea sonora que se vuelve más terrenal, con compases exóticos en su parte final de ritmo contagioso. Una inclinación a sonidos electrónicos con un talante innovador y modernista.

En una atmosfera más oscura e inquietante ‘Night’ es una canción llena de misteriosos pasajes. Acordes de guitarra impregnados de narcóticos y efectos que se suceden van dando cuerpo a un tema plácido. Evolucionando a una dimensión sensorial hace que nuestra mente se deje llevar por su magnética propuesta. Tras una primera parte apacible, el tema intensifica su instrumentación entre envolventes y enigmáticos efectos creando un mundo paralelo alejado de la razón y lo tangible.

Embutidos en su traje espacial los cosmonautas alemanes inician una nueva travesía por la senda del kraut kosmiche en ‘Fall’. El motorik hipnótico de la nave espacial de SHEM vuelve nuevamente por sus fueros para surcar las estrellas. Supernovas y meteoritos son el escenario en el que la maquinaria rítmica de los alemanes se instala confortablemente. Contagiosos ritmos asediados con efectos, sintetizadores y pedales van construyendo esta nueva jam. Una travesía que los lleva durante casi veinte minutos a un espacio ingravitatorio con múltiples alteraciones sónicas. Siempre buscando el perfil más lisérgico del trance, el envoltorio narcótico de sus desarrollos explora nuestras neuronas con aturdidores momentos en contraste con los pasajes más relajantes. Kraut cósmico en estado puro con fuertes dosis de psicodelia sideral para llevarnos en volandas en un hechizo permanente.

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Reseña: PLANKTON WAT.- ‘Future times’

La canciones del músico de Portland Dewey Mahood habitan en constante comunión con la naturaleza. Desde álbumes aclamados con una de las bandas pilares de la psicodelia pesada como son ETERNAL TAPESTRY, hasta sus prolíficas excursiones en solitario, el trabajo de Mahood siempre se ha definido por su espíritu explorador inquieto y reverencia por el medio ambiente. Como PLANKTON WAT, sus composiciones expresionistas exudan una gracia y una paciencia sobrenaturales, reflejando la belleza resplandeciente y la energía mítica de los lugares salvajes de la Costa Oeste. La pieza florece desde un ambiente poco iluminado junto al porche hacia poderosos viajes de cabeza, conduciendo al oyente a través de barrancos de retroalimentación y a lo largo de cálidas corrientes de sintetizador que se desplazan hacia picos de felicidad lisérgica. El magistral y distintivo trabajo de guitarra de Mahood difumina consistentemente los confines del instrumento, a la vez que es rico en texturas y melódicas. Combinando pasajes de psicodelia ensoñadora y a la vez desagarrada y melancólica, con una vocación progresiva, ‘FUTURE TIMES’ eleva los instrumentos lisérgicos de Mahood a nuevos planos. Escrito con el telón de fondo de los disturbios sociales y los incendios provocados por el cambio climático, Mahood presenta un extenso estudio cinematográfico y psicodélico de un planeta en crisis que teje un camino de esperanza a través de la oscuridad.

Grabado en la primavera de 2020, con la mayor parte de los Estados Unidos refugiándose en su lugar, ‘FUTURE TIMES’ comenzó como una meditación sobre los tiempos. Con el optimismo de la primavera y la promesa del verano reemplazada por la ansiedad por el futuro, la música se convirtió en un medio importante para procesar emociones difíciles y conectarse con el mundo exterior. Mahood desarrolló piezas creadas con su socio musical Dustin Dybvig y el ingeniero/productor Victor Nash, transmutando la energía expansiva de las improvisaciones en vivo en composiciones esbeltas para guitarra, bajo y teclados. Luego, las piezas pasaron a Dybvig y Nash, quienes desarrollaron las composiciones iniciales de Mahood con capas brillantes de sintetizador y sutiles efectos de estudio. ‘FUTURE TIMES’ transforma PLANKTON WAT de un proyecto puramente en solitario en un conjunto virtual, en sí mismo un testimonio del poder del arte para trascender las fronteras físicas y sociales.

Los dos lados elípticos del álbum trazan el viaje interior de Mahood desde la ansiedad al optimismo. El lado A emerge de las brasas aún encendidas de los incendios forestales de la costa oeste en «The Burning World». Zumbidos de sintetizador humeantes cargados con el aroma de pino quemado, un vivo retrato de la experiencia del artista de los incendios forestales generalizados, solo para luego usar el fuego como símbolo de renacimiento espiritual. Con un sonido envolvente los acordes psicodélicos nos envuelven en un escenario desolador que refleja la calma del paisaje. Efectos constantes y guitarras crean una oscura atmósfera psicotrópica a modo de introducción.

«Nightfall», parece recoger las cenizas mostrándonos un horizonte nuevo. Calmados pasajes entre persistentes zumbidos van construyendo un tema con el sonido estratificado en capas. Una dualidad de la que parece salir airoso con un sonido esperanzador que parece abrirse a la luz sin perder su carácter hipnótico. Todo un génesis redentor en un inquietante pero gratificante ambiente en el que la psicodelia va adquiriendo distintas formas sonoras sin perder la esencia del músico de Portland.

Con extraños efectos en su apertura, «Modern Ruins» explora insondables espacios bajo un aura sinfónica. Plácido y relajante el tema tiene un tono melancólico entre bellas melodías con mil texturas. La guitarra como protagonista de un tema sencillo pero enriquecido con distintos ornamentos sonoros que se recuestan en pasajes progresivos que reflejan una atmósfera ensoñadora.

Mahood marca el comienzo de la cima agresiva del álbum en «Dark Cities», con agudas puñaladas de Casio mostrando su faceta electrónica las guitarras engrosan el sonido del tema. Una crítica a la violencia policial y la injusticia racial. Tomando elementos espaciales construye un relato que bien pudiera adornar una banda sonora de ciencia ficción.

Retomando un ambiente más terrenal ‘Teenage daydream’ repite sus acordes una y otra vez para llevarnos a un inquietante escenario sonoro que va transformándose poco a poco. Solos hirientes entre el hipnotismo de unos teclados hacen que el tema se muestre más pesado entre sus efluvios lisérgicos.

‘Sanctuary’ nos traslada a un insondable espacio de calmacon guitarras más propias de Pink Floyd en una atmósfera con tonos perturbadores. Sintetizadores flotantes y pausados acordes construyen otro tema plácido y relajante en el que los elementos turbulentos se conjugan con una belleza inquietante.

El tema que da nombra al álbum, ’Future times’ mantiene ese tono de misterio con sus teclados zumbando entre sonidos espaciales e incursiones de guitarra que asedian los hipnóticos pasajes acústicos. Un espacio para la confusión en el que la suavidad de la guitarra se vuelve inquietante arropada por la experimentación constante de unos sintetizadores que no cejan en su perturbadora ambientación. El tema se apaga entre agresivos y profundos solos de guitarra.

‘Defund The Police’ nos devuelve al sinfonismo espacial entre suaves zumbidos y efectos. Un nuevo escenario para la experimentación incorporando elementos de viento en un desolador paisaje casi drone.

El álbum cierra con «Wind Mountain», un espacio para la reflexión en una hábil combinación de acordes acústicos y elementos eléctricos creados por los sintetizadores que evoca a un lugar sagrado de los nativos americanos, así como un popular lugar de senderismo en Washington cerca de la casa de Mahood en Portland. Relajante y susurrante el tema supone un bálsamo gratificante con el aroma del medio oeste reflejado en sus surcos que cantan a los cuatro vientos que hay esperanza.

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Reseña: MT. MOUNTAIN.- ‘Centre’

En cada nuevo álbum, el quinteto australiano MT. MOUNTAIN, nos ofrece un aliciente para amar la psicodelia contemporánea. Con su nuevo álbum ‘CENTRE’ nos ofrecen un LP gourmet, especial para los paladares más exquisitos que hará la delicias de los fans más sibaritas del género. Construyendo sus canciones con cuidadas melodías, nos ofrecen un plácido viaje a la psicodelia de tintes kraut, (seguramente éste sea su álbum más hipnótico), con elementos de los pioneros como CAN o NEU!, pero sobre todo, con algodonadas canciones en línea KIKAGAKU MOYO o MOON DUO. Llevándonos siempre al éxtasis, sus temas nos acarician en un placentero trance místico lleno de magia y espiritualidad reflexiva. Sus guitarras flotantes, sus aterciopeladas melodías, o sus ritmos hipnóticos, nunca pasan la línea de lo ruidoso, ofreciendo todo un gratificante bálsamo para los sentidos. Si la suavidad de su sonido pudiera llevarte a engaño, solo tienes que escuchar sus riffs ácidos y sus embestidas de fuzz, que convierten cada canción en una experiencia gratificante. Manteniendo una línea pausada, sin estridencias, sus temas construyen un apacible relato del que no querrás salir. Un equilibrio perfecto entre unos pasajes casi drone, desarrollándose en atmósferas llenas de espiritualidad y los momentos más pesados y ácidos. Sin perder su vocación de jam, consiguen ensamblar todas las piezas de su particular puzle sonoro. ‘CENTRE’ corrobora una vez más la buena salud de la que goza el volcán psicodélico australiano, y la gran calidad de muchas de sus bandas. Sin duda, MT MOUNTAIN están en el grupo de cabeza de esa atractiva escena psicodélica llegada de las antípodas.

Musicalmente, el sonido de la banda nace de largas improvisaciones, por lo que, naturalmente, gran parte del álbum se grabó en vivo para capturar a la banda en su forma más desenfadada. Stephen Bailey (voz/órgano/flauta), que creció rodeado de religión pero sin ser un seguidor, describe cómo, temáticamente, gran parte de ‘CENTER’ es una disección de la fe, tanto espiritual como secular, y su relación personal, a menudo complicada, con ella. : “El álbum para mí, líricamente, trata principalmente sobre mi experiencia con la religión. Explora estos conceptos y las reglas que me fueron contadas desde la niñez hasta la edad adulta y mis pensamientos sobre mi propia conexión con ellos. Temas similares surgen entre las pistas, ya sea lírica o estructural, tanto un juego de repetición como de simplicidad‘ nos comenta Stephen.

MT MOUNTAIN son: Steve Bailey (voz, órgano, flauta), Thomas Cahill (batería), Brendan Shanley (bajo), Derrick Treatch (guitarra) y Glen Palmer (guitarra, sintetizador )

‘CENTRE’ fue concebido, escrito, y producido por MT MOUNTAIN, grabado y mezclado por Ron Pollard en North Dandalup, entre 2019 y 2020, habiendo sido masterizado por James Plotkin. El arte de la portada es obra de Pete Schulte y está disponible vía Fuzz Club Records.

‘Tassels’ abre el álbum con hipnóticos acordes psicodélicos para embarcarse inmediatamente en ese motorik presente en todo el trabajo. La perfecta combinación entre los sonidos más letárgicos y las ensoñadoras atmósferas psicodélicas. Solo hace falta escuchar los dos primeros minutos para sentirte atrapado por su sonido. Sus aterciopeladas voces shoegaze complementan un tema lleno de magia y ritmo. Buenas guitarras y una instrumentación perfectamente ensamblada hacen que su carta de presentación sea intachable.

El hechizante ritmo de ‘Hands together’ nos lleva hasta un particular jardín del Edén en el cada acorde desprende belleza y placidez. En tonos místicos con vocación oriental, el corte sus nos susurra seduciendo nuestros sentidos. Voces con sabor a miel entre momentos drone que nos llevan a un estado sensorial más allá de lo terrenal. Allí todo resulta gratificante. Estructurando su sonido en distintas capas, siempre hay espacio para bellos desarrollos de guitarra.

Con un carácter al más espacial, ‘Dawn’ entre sus ritmos hipnóticos, deja aflorar bellos pasajes de psicodelia aromatizada. Creando un estado sensorial en el que nuestra mente emprende un viaje catártico hacia insondables espacios. Tras el permanente zumbido, los acordes brotan dulcemente entre angelicales voces llenas de una mística placentera y reconfortante. La dupla de guitarras se contonea grácilmente entre el aturdidor ruido de fondo. La mística al servicio de la psicodelia moderna.

Mas dinámico que el corte anterior, ‘The list’ retoma el caleidoscopio sonoro con esa dualidad entre lo sutilmente aturdidor y la lisérgico. Placidez instrumental con aspecto de jam que funciona a las mil maravillas en ese ambiente kraut lleno de pasajes de ensueño. Aquí las vibraciones de KIKAGAKU MOYO vuelven a aparecer en una canción que refleja la personalidad de los australianos.

‘Two mind’ coquetea con elegantes sonidos de fusión en ese bosque psicodélicos en el que MT MOUNTAIN construyen sus canciones. Sus dulces voces vuelven a ser un gratificante bálsamo para los sentidos. Aromas exóticos aparecen como una suave brisa que nos acaricia.

Dejándose llevar por los dictados del kraut ’Aplomb’ incide en esa fórmula que también les funciona. Voces melodiosas y ritmos cautivadores construyen otro tema con vocación de jam. Un motorik incesante coloreado con ese caleidoscopio lisérgico que tan bien saben construir. Elegantes pasajes que se complementan con las nebulosas psicotrópicas en una composición libre.

Con una apertura algo más sobria ‘Peregrination’ parece mostrarse algo más oscuro que los temas anteriores. Efectos psicotrópicos suavemente ensamblados van evolucionando a un mundo sensorial en el que las texturas se vuelven algo más progresivas en una fusión en la que incluso encontramos elementos jazz. Un complejo tema que muta constantemente con elegantes pasajes sin perder el auténtico sonido que inspira a la banda. Una instrumentación algo más compleja entre insondables espacios psicodélicos con tonos que rozan lo sinfónico completan esta jam.

‘Second home’ mantiene los tonos kraut y las dulces melodías vocales. Con una sencilla estructura en su apertura, el tema juega con las guitarra bajo una mística subyacente. Si bien, lo que más destaca del corte, es si implacable ritmo hipnótico, las pausas silencias unas guitarras que cuando aparecen se muestras llenas de magia. Todo un susurro, en el tema menos sugerente de todo el álbum.

El cierre del álbum viene de la mano de ‘Deluge’. Naciendo entre suaves efectos con tonos drone y una atmósfera espacial, el corte acaba desarrollándose en un ambiente psicodélico con la calma como bandera. Relajante, sus bellos acordes eligen el camino de la sencillez para mostrar toda su belleza.

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Álbum premiere y reseña: THE GREAT RED DRAGON.- ‘The great red dragon’

Presentamos en primicia el debut de THE GREAT RED DRAGON, el proyecto personal de Rolo Riemer, cantante y guitarra de la banda mexicana de Stoner doom RIVERS OF GORE. Un álbum acústico e intimista que se aleja del sonido pesado mostrado por el trio de Ciudad de Mexico. En modo loner-folk, construye sus intimistas canciones con su guitarra acústica, ruidos y reverberaciones, creando un álbum oscuro, sosegado y muy reflexivo. THE GREAT RED DRAGON supone un espacio para la creación, para la fantasía y las historias épicas. La Historia de la Humanidad a través de la mirada de los artistas y del público que colabora en esta aventura crea el nuevo criterio, la nueva visión de quienes somos en este punto de la eternidad. El proyecto está inspirado en la novela de Thomas Harris y la película Dragón Rojo de Brett Ratner que a su vez hace alusión a la obra de William Blake, The Great Red Dragon… Una mirada a los laberintos de la mente, detrás de las acciones y emociones siempre hay una historia que lo explica todo… Encontrar culpables es fácil, encontrar la verdad es un poco más complejo y, por tanto, más valioso… ´´Transformation is the Key… Man-Dragon… He´s his uglyness transformed by power´´. En él, encontramos vibraciones psicodélicas, exóticos aromas orientales en los temas más místicos, el legado de los sonidos del desierto, pero sobre todo unos ecos rurales en los que los sonidos sureños aparecen sobre unas canciones que podríamos denominar como folk. Sin duda es un álbum particular y nadie debería esperar encontrar riffs pesados ni ritmos Stoner. Este trabajo supone una experimentación basada en otro tipo de resonancias e inquietudes en las que cada tema tiene su propio significado. Construyendo los temas con sencillos acordes, en todos aparecen reverberaciones y ruidos en un segundo plano creando una atmósfera aturdidora, algo que no impide mostrar la calma y la delicadeza en alguno de ellos. Por otro lado, sutilmente podemos encontrar ecos west-coast, blues y distintos elementos que con sutileza son incorporados a cada canción. Se trata de unas grabaciones caseras, y por tanto su sonido no es el mejor, pero sin duda, es el fiel reflejo de las inquietudes introspectivas de un músico en su búsqueda interior. El álbum estará disponible en descarga digital y en formato Cd en la página de bandcamp del artista.

El álbum abre con ‘Sunset’ un tema inspirado en los cálidos colores del atardecer como premio de la dura jornada, anunciando el descanso. Nada como un atardecer en la carretera o en el mar o en el campo en que todo se mueve tan despacio y te invita a respirar a ese ritmo. Sutiles acordes con tonos orientales son el resultado de las vibraciones que Rolo percibe de esa bucólica estampa. La guitarra acústica se impregna de extrañas reverberaciones con tonos bucólicos e intimistas con el ocaso como testigo.

‘Slide’ incide en esa búsqueda interior sobre aromas campestres con cierto aire sureño en el que la soledad del desierto impregna las cuerdas de su guitarra. Dice el poema del viejo indecente: Abraza la oscuridad, deslízate. Una invitación al Nihilismo, al Zen, al Vacío, al Nirvana. Con un sonido en el que el sonido slide tiene todo el protagonismo, consigue crear un atmósfera etérea y reflexiva.

Evocando a los ancestros, ‘Native Voices’ supone una mirada al canto de los espíritus del pasado y todas esas almas que en este planeta nos han legado un aprendizaje al que hay que rendir homenaje, es un tributo a los muertos. Aprende de tus antepasados, una mente abierta te abrirá las puertas al Palacio de la Sabiduría. La oscuridad de la noche cubre los acordes sobre una atmósfera más psicodélica y melancólica. Un constante zumbido arropa un susurrante corte.

‘Annihilation’ con su escaso un minuto de duración se muestra como una especie de interludio en una ruptura con el pasado para poder avanzar con esperanza. Su carácter más optimista no reniega de la atmósfera turbia presente en todo el álbum. ‘No está destruyendo, está creando algo nuevo´´ Es así que todo final es un nuevo comienzo, nada es permanente, todo cambia’

Los ecos de oriente se reflejan en ‘Arabic’. Un paseo a través de las dunas de Sahara, tormentas de Arena, espejismos y oasis, la danza de los 7 velos, el mar negro, el mar muerto, las mil y una noches, los profetas. El misticismo y el invaluable legado de la cultura árabe bajo ritmos más dinámicos que contagian la esencia de ese mundo exótico. El tema aprovecha reverberaciones superpuestas sobre una armonía que se repite entre sus bellas melodías. El tema no pierde el tono perturbador que cada lleva canción lleva en su interior.

En un espacio netamente psicodélico, ‘Cosmic Mantra’ se rodea de efectos cubriendo las vibraciones nebulosas de la guitarra principal. Un Mantra es un canto repetitivo que nos hace llegar al trance, al nirvana, al estado de conciencia de la inacción, la vida en la muerte, el efecto psicodélico. Un tributo al Budismo. Somos parte de un universo perfecto, todo es como debe ser, antes de querer cambiarlo debemos saber por qué es como es y quizá podamos desistir de la idea de cambiarlo, la perfección matemática de los planetas y las estrellas, la eternidad de los tiempos cósmicos, los años luz y los millones de años que nos han traído hasta aquí, quizá ene se momento nos adoremos como somos, seres perfectos. Es tiempo de estar en paz. Incorporando un sonido que bebe de la esencia oriental, el tema prescinde de las armonías sencillas de los cortes anteriores mostrándose como una nebulosa narcótica bajo una atmósfera lisérgica de gran misticismo. Es el segundo tema mas largo del álbum, lo que rompe la estructura de la corta duración de la mayoría de las canciones.

‘Birds’ Es un canto a la libertad y a la paz de ser libre.Las aves representan la libertad, la magia de volar, de no pertenecer a ningún lado y de llegar a donde sea. Aquí la calma se refleja en suaves acordes con un aspecto extraño que refleja al músico en modo introspectivo. Un tema calmado, oscuro, susurrante y a la vez algo triste a pesar de la vocación liberadora del mismo.

Con un nombre suficiente revelador de su contenido, ‘Southern of Nowhere’ es un tributo a la música sureña, Johnny Cash y todos los precursores del Rock and Roll, y del Blues, a los bohemios pendencieros de todas las épocas cuya vagancia y libertad han sido motivo de granes envidias y grandes aventuras. a los pioneros soñadores que exploraron el salvaje oeste y murieron llenos de plomo o triunfaron y se forraron de oro. Mama said: Quítate las polvorosas botas y no dejes que la fiebre del oro te consuma. Seguramente una de las canciones más luminosas de este reflexivo álbum experimental. El blues y los ecos southern copan un tema sencillo pero atractivo.

Rompiendo la estructura de las canciones, ‘Thelma’ con sus ocho minutos se inspira en la película del mismo nombre. La magia de la juventud fluye por tus venas, disfruta tu momento y todo llegará a su debido tiempo, lo ilógico cobrará sentido y se desenvolverá ante tus ojos cuando estén listo, mientras tanto ama y absorbe todo lo que te suceda. Es un canto a la juventud que representa la esperanza de la humanidad. Con un sonido propio del desierto, evocando la soledad con acordes y slide, la canción se envuelve en una nebulosa psicodélica. El tema evoluciona lentamente sin cambiar demasiado su fisonomía sonora.

‘Sacred Riddle’ se inspira en el acertijo sagrado de Mefistófeles, la tentación, aquel que si respondes bien te librará de todo sufrimiento, cuya respuesta correcta nadie sabe hasta que toca fondo. Nos vemos en el ahí, cuando recuerdes y te lamentes de todos tus pecados. Cuando veas tus sucios triunfos como vanas obsesiones que te llevaron hasta ahi. Todo crimen tiene su precio, nuestro castigo es el destino, míralo a los ojos y ponle la soga en el cuello a lo que tenga que morir, si no se volverá una carga que te impedirá volar. es ese Mefistófeles que siempre se nos presentará a todos, la tentación de rebasar la barrera de lo permitido en nombre de la libertad, en nombre de no ser al miedo, en nombre de expandir las fronteras de la conciencia y nos hará gozar y al final cobrará un alto precio. No tengas miedo de quedarte solo o de sufrir por buscar lo que quieres. Nadie se salva de sufrir, somos seres humanos y tenemos que vivirlo, es nuestro destino sufrir y gozar. El sonido del tema se circunscribe a los ecos west-coast, con un ritmo más dinámico y colorista. Seguramente el tema menos intimista y colorista. Una combinación de sonidos flower-power, con un aspecto Dylan y un trasfondo grunge. El tema cambia su sonido en la segunda mitad del mismo, retomando la línea sonora del resto del álbum bajo un aura psicodélica.

‘70’s‘ es un homenaje a la juventud de los años 70´s, el pelo largo y pantalones acampanados, los grandes autos. Un tema con sabor añejo en el que el blues aparece entre hirientes acordes de guitarra y la turbia atmósfera que aparece en la mayoría de los temas en un plano inferior. La libertad no es aburrida ni tampoco cara, nada es mas valioso que la felicidad y esa es tan fácil como cantar, como salir a caminar.

Cerrando este debut, encontramos ‘Falling‘. Un tema de tonos sureños que evoca la motivación para no tener miedo a perderlo todo por hacer lo correcto. Hacer lo correcto no es fácil, tu honor es lo único que te vas a llevar a la tumba, imagina que como te comportes hoy te comportarás toda tu vida, si no te comportas valor hoy quizá nunca lo harás. Más vale perder todo que vivir de rodillas. Toda una declaración de intenciones bajo unos acordes evocadores del sonido de los 70’s.

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