Parece que la mayoría de los rockeros de principios del siglo XXI se han vuelto demasiado fascinados e hipnotizados por la tecnología, los sonidos y la producción de hoy en día. En otras palabras … parece que se aleja cada vez más el sonido de una banda tocando juntos en vivo, todos juntos en la misma habitación. Afortunadamente, siempre podemos contar con los muchachos de RADIO MOSCOW para ofrecer verdaderos sonidos de rock clásico, como se escuchó durante su actuación en el Festival Crossroads, que ahora se lanza oficialmente como el CD / DVD, «Crossroads Festival 2015» vía MIG Music.
El 23 de marzo de 2015, el power trio actuó como parte del Festival Crossroads en Bonner Harmonie en el WDR “Rockpalast”. La banda de Stoke City en el estado estadounidense de Iowa trae grandes canciones como “New Beginning”, “Deep Blue Sea” y por supuesto “City Lights” de su segundo álbum “BRAIN CYCLES”. El ambiente en la audiencia es genial, todo el mundo está en la misma onda, Parker Giggs difunde lamidas casuales y vibra flotando en el auditorio inclinado de fans, su voz está en su punto máximo, Marrone y Meier desempacan el martillo de vapor. El aplauso retro de heavy blues rock oficial está garantizado sin caer en ningún cliché. RADIO MOSCOW se muestra en su mejor momento.
Con la participación del cantante y guitarrista Parker Griggs, el bajista Anthony Meier y el baterista Paul Marrone, presenta versiones totalmente ajustadas de todos los clásicos de RADIO MOSCOW que los fanáticos esperan escuchar en el concierto, “I Just Don’t Know,”“250 Miles”“Broke Down”, “Brain Cycles,”“No Good Woman,” etc.
Formada en 2003 por Griggs en Ames, Iowa, la banda tiene su sede en el condado de San Diego, California, desde hace varios años. RADIO MOSCOW ha lanzado cuatro álbumes de estudio hasta la fecha: el debut homónimo de 2007, producido por Dan Auerbach de The Black Keys, quien presentó a la banda a Alive Natural Sound Records, el sello que ha lanzado los siguientes tres álbumes de la banda: “BRAIN CYCLES” (2009),“THE GREAT ESCAPE OF LESLIE MAGNAFUZZ” 2011 y “MAGICAL DIRT”(2014) (álbum que el que el trío estaba presentando en el momento de la grabación de esta actuación). Y en 2017, el grupo ofreció «NEW BEGININGS», el primero para Century Media Records.
RADIO MOSCOWha realizado giras y presentaciones por todo el mundo con artistas como Graveyard, Witchcraft, Joe Bonamassa, Pentagram, The Sheepdogs, Nebula o Bang, por nombrar solo algunos de un largo etcétera. Además de actuar en el Festival Crossroads, han tocado en el Festival Ride, Desert Daze, Electric Funeral, End Hip End It, el festival Psycho California y, como es apropiado, han encabezado espectáculos tanto en San Petersburgo como en Moscú en Rusia así como a lo largo de la geografía europea.
Para experimentar RADIO MOSCOW en todo su esplendor de alta energía, sudoroso y amplificado, MIG Music ha hecho una selección muy acertada. ”Crossroads Festival 2015” es un documento en vivo definitivo, imprescindible del trío californiano que se encuentra disponible en doble CD + DVD con la actuación completa más un par de canciones acústicas a las que hay que sumar una par de entrevistas antes y después del show..
Si eres amante del blues psicodélico, no deberías pasar por alto este fantástico debut. Dicen que quien tiene magia no necesita trucos, y sin ninguna duda estos dos desconocidos la tienen. Uno de mis objetivos cuando comencé mi aventura en DenpaFuzz era el poder descubrir y dar a conocer nuevas bandas y hace unos días me encontré con el primer trabajo de una banda austriaca con el nombre de SAMSARA JOYRIDE, un EP que cumple con esa premisa. Solo fueron necesarios unos minutos para darme cuenta de que estaba ante algo fantástico y lleno de pasión. Este es del tipo de trabajos con los que puedo sentirme más identificado, ya que la música que contienen estos intensos y profundos 37 minutos bien merece ser difundida para el deleite de todo aquel que se atreva darle al play. Seguramente no descubran nada que no se haya hecho antes, pero sus sencillas canciones logran conectar con el oyente, trasladándote a ese entorno imaginario en el que las praderas solitarias del medio oeste parecen ser su fuente de inspiración, y eso, al margen del estilo del que hablemos, es todo un tesoro que cualquiera debería apreciar. Si bien se trata de una grabación casera, la calidad del sonido es sobresaliente, no en vano estos chicos dan prioridad al poder seductor de transmitir sentimientos y sensaciones, prescindiendo de ningún tipo de sobreproducción, aquí todo es pureza. Su contenido son cinco temas de blues psicodélico en los que la dupla de guitarras lleva todo el peso. Si a eso unimos una voz cautivadora, la tormenta perfecta está servida. Sus bellas y suaves melodías toman elementos del medio-oeste, bien sea en momentos acústicos o bien sea en los pasajes eléctricos más ácidos. Una conjunción que bien podría estar a caballo entre J.J. Cale y All Them Witches con los que podemos encontrar numerosas coincidencias estilísticas. Aquí nada resulta impostado, lo que nos lleva apercibir con suma facilidad todos los sentimientos que los austriacos tratan de transmitir. Canciones oscuras y melancólicas en las que no faltan momentos de pesadez gracias a algún aditamento más propio del stoner. Estamos ante una magnifica carta de presentación que espero solo sea el preludio de una exitosa carrera. Buceando por el ciberespacio no he podido encontrar más información al respecto de la banda distinta de la que figura en su página de bandcamp. De allí se deduce que todas las canciones han sido escritas e interpretadas por los austriacos y el álbum grabado en su mismo hogar.
SAMSARA JOYRIDE son: Michael Haumer (guitarra solista, base y coros), Florian Miehe(guitarra rítmica y voz); acompañados a la batería por Jordan Mc Queen y por Laura Fishtenkamm a los coros.
‘16th district’ abre este maravillo debut con unos acordes acústicos predecesores de una experiencia incierta. Sin saber adónde nos van a llevar los alemanes, la duda queda resuelta con la aparición de una cálida voz entre elementos psicodélicos. Sin darnos cuenta aparecemos en un escenario más propio de medio oeste. Una fusión de elementos propios de J.J. Cale con las vibraciones de bandas como All Them Witches nos sitúan en un escenario rural en el que los instrumentos aparecen con elegancia y sutileza. Si bien el tema se soporta en la guitarra acústica, las incursiones eléctricas y un cadente ritmo van construyendo y corte más propio del dark-folk. Cuidadas melodías con un cierto acento blues se superponen. Toda transcurre con suavidad en este susurrante pero cautivador corte. Pasada la mitad del corte la guitarra se muestra esplendorosa con finos y estilistas solos psyco-blues. Una estructura sencilla acaba por crear un tema lleno de belleza que nos acaricia con delicadeza en un ambiente en el que se conjuga la oscuridad la melancolía, pero, por otro lado, también la esperanza. Sus ocho minutos acaban por dejarme relajado y expectante sobre el resto de contenido del trabajo. Con mucho más vigor, pero sin perder ese aroma a 70’s y medio oeste, los punzantes solos de guitarra de ‘Shadow of a man’ siguen bebiendo del blues recubierto de tonos lisérgicos. Sin la pesadez stoner de algunos momentos de la banda de Nashville, el legado de All Them Witches parece continuar presente. Momentos más contundentes se apropian de la canción golpeando una y otra vez en una estructura perfectamente diseñada. En la parte central el tema se decanta por un escenario mucho más psicodélico usando el slide de la guitarra y creando una eclosión sonora mucho más tupida. La voz continúa derramando sentimientos con registros entre desgarradores sin perder su calidez. Distintos giros hacen que el corte acabe encabritándose en su parte final. Una huida hacia adelante con duros riffs que son rasgueados una y otra vez produciendo un efecto cautivador. Nuevamente el blues rural regresa en las cuerdas de la guitarra acústica. ‘Why i play the blues’ es un nombre lo suficientemente evidente como para no tener dudas de su contenido. El blues del Delta aparece en los instrumentos de los alemanes. Suave y profundo cada solo se alarga afilado hasta la extenuación mientras el ritmo parece arrullarnos en un canto gratificante lleno de seducción. Sí, es un blues al uso, pero la habilidad de la guitarra y la sugerente voz hacen que toda mi atención se centre en unos acordes más propio de cualquier bluesmen de plantación sureña. Combinando la sencillez de J.J. Cale, con una guitarra más ácida que la del músico de Oklahoma, el corte se desarrolla sobre una armonía que es coloreada por el virtuosismo y técnica de su guitarrista, auténtico baluarte del sonido de la banda. ‘Stranger’ nos ofrece un cierto giro a un espacio más psicodélico sin perder de vista el blues pesado. Cantos solitarios con la mirada puesta en el horizonte entre efluvios lisérgicos salidos del blues omnipresente. El tema se desarrolla, al igual que el resto de este debut, con una pausa envolvente. Todo se desarrolla sin ninguna prisa, pero siempre bajo un hechizante sonido. La grave voz de Florian Miehe se adereza en esta ocasión con los coros replicantes. Esas fantásticas voces habitan entre desarrollos de guitarra que se ven seducidos por el blues más lisérgico en un arrucho atrayente y de lo más reconfortante. Sus nueve minutos son el espacio perfecto para comprobar todo el potencial compositivo que tienen los austriacos. Susurrante, cálido y mágico el tema consigue hacer partícipe al oyente de su narrativa.
En una línea parecida ‘Safe & sound’ incide en el blues narcótico. EL buen uso con el que se combinan las voces, esta vez con una melodía más pegadiza son complementados con esas notas profundas de la guitarra. Un ritmo algo más vivaz no es obstáculo para que el tema genere un clima de relajación y confort como pocos. Puro sentimiento y punteos bien encajados son acompañados de una batería siempre plácida y contenida. Relax y momentos para la introspección sugieren una escucha con luz tenue para percibir todo el sentimiento que contiene la canción.
Cada día nos encontramos con proyectos unipersonales en los que la calidad de las composiciones es digna de cualquier banda al uso. En esta ocasión el ex –FUZZ FORWARD, Jordi Vaquerolibera el segundo trabajo con su alter ego BOVEDA DEL SOL. Cuatro años han pasado desde que publicara ‘TERRA FIRMA’, un trabajo en el que el doom predominaba en unos temas de vocación espacial con aditamentos drone. En esta ocasión ‘TRAVELER BETWEEN WORLDS’ con sus quince minutos divididos en dos temas, sin alejarse de esa propuesta, incide más en la psicodelia pesada y los sonidos espaciales con la conjunción de la guitarra y los sintetizadores fundamentalmente. Dos temas gestados a lo largo del presente año con la intención de tener una formación de músicos con la que llevar el proyecto a los escenarios, y poder así presentarlo como es debido. Como todos sabemos la pandemia ha hecho que eso no fuera posible, por lo que Jordi decidió pausar la finalización de lo que iba a ser un nuevo LP (que por otro lado está prácticamente escrito y grabado) y publicar este EP digital y gratuito para resarcirse de las ganas de publicar nueva música. Lo que supone un avance del camino que está transitando con una creación más espontánea que se aleja de la experimentación drone ambiental. Haciendo que los temas surjan de una forma más espontánea. Precisamente de esas improvisaciones nacen estas canciones. Unos temas instalados en un ‘Empirical space doom’ como lo llama el propio Jordi con influencias tan dispares como Opeth, Bongripper o Oresund Space Collective. El resultado es quince extasiantes minutos en los que atravesamos esa barrera sensorial que muchas veces nos proporciona la música para alejarnos a un mundo lleno de sensaciones.
En una aromatizada atmósfera psicodélica ‘Traveler Between Worlds’ cuenta con los elementos doom que encontrábamos en su debut y voces salidas de alguna sima tenebrosa para encontrar un mundo con elementos progresivos y exóticas resonancias psicodélicas. Creando un clima lleno de misticismo los graves tambores rituales golpean entre la densa bruma instrumental. Con ciertos tonos rituales, sintetizadores y guitarra van ornamentando un corte de apariencia apacible y ensoñadores pero que en su interior contiene una pesadez abrumadora. Ciertos elementos espaciales creados por los sintetizadores son atravesados por pasajes heavy-psych custodiados por una excelsa línea de bajo. Resulta de lo mas atractiva la combinación de los exóticos vientos traídos por los sintetizadores con la robustez de su cadente y pesado ritmo. Envolvente y hechizante el corte ensambla bien todos sus elementos para mostrarse cohesionado y atractivo.
Emergiendo de un entorno sideral, ‘Zero-G Elevator Music’ fluye en un lento génesis al que Jordi va incorporando distintos elementos sonoros. Desarrollándose entre una neblina narcótica todo se desarrolla en un paisaje onírico lento y paciente. Un capullo que tiene su pausada Metamorfosis para ofrecer una estancia apacible y psicodélica en la que se prescinde de los momentos doom del corte anterior. Heavy-psych de muchos kilates que deambula en misteriosos entornos, pero avanzando con paso firme. Encontrando el equilibrio perfecto entre guitarra y sintetizadores navega entre insondables espacios hasta disiparse en un particular cosmos sonoro en el que irremediablemente nos sentidos atrapados.
SAMSARA BLUES EXPERIMENT lleva diez años en lo más alto de la escena heavy-psych contemporánea, y una retirada como la anunciada, merecía una despedida por todo lo alto. Eso es precisamente su nuevo álbum y probablemente el último, Resulta de lo más gratificante ver al trio en plenitud creativa con un álbum inconmensurable que perdurará en el tiempo como uno de los mejores ofrecidos por la banda. Es como una vuelta a sus orígenes, como si a pesar de su despedida, quisieran congraciarse con sus fans más fieles mostrando toda su frescura y calidad. Aquellos que nos sentimos hechizados con el sonido de sus inicios ahora tenemos la oportunidad de deleitarnos con éste nuevo álbum que bien podría recordar sus comienzos. Sus siete temas han sido compuestos en los últimos tres años y en ellos queda reflejada la esencia de la banda. Pasajes sinfónicos, riffs stoner, momentos acústicos, neblinas psicodélicas, desarrollos progresivos, hard rock de los 70’s, algún ritmo latino ¿Se puede pedir más? Sin duda la respuesta es NO. ‘END OF FOREVER’ puede que sea el mejor álbum de SAMSARA BLUES EXPRIMENT, y esto es mucho decir, ya que su discografía nos ha dado muchas alegrías. Buenas melodías dotadas de su mística característica se fusionan con momentos de hard 70’s en línea Jethro Tull o incluso Pink Floyd, con momentos rurales que chocan con la multitud de giros inesperados en cada canción. La belleza de los desarrollos de guitarra es otro de los grandes avales de este maravilloso trabajo de despedida en el que también encontrados las fragancias orientales que invaden unos temas bien construidos. Cualquier expectativa que puedas tener en este álbum, será cumplida sin remido, ya que, desde el primero hasta el último de los temas, el trío berlinés no baja el pistón, y la calidad de los mismos rebosa de unos surcos impregnados en psicodelia, hard y desarrollos progresivos con la brillante combinación de guitarras y sintetizadores, algo que enriquece aún más cada canción. Con solo echar un vistazo a la maravillosa portada de Jessica Rassi, podemos intuir en su interior hay algo fantástico. Si bien todos los temas parten de ideas y riffs creados por Christian, éstos se complementan lo la contundente base rítmica, y unas líneas ´cálidas y contundentes líneas de bajo. Todo enlazado con esmero, sin estridencias SAMSARA logra crear un “todo” en cada canción. ‘END OF FOREVER’ es un título muy evidente del lo que significa este álbum en la trayectoria de SAMSARA BLUES EXPERIMENT, una despedida a lo grande. Solo nos queda disfrutar de esta pequeña obra maestra de la psicodelia pesada y decirles a Christian, Hans y Thomas, GRACIAS por todo lo que nos habéis dado en estos años.
SAMSARA BLUES EXPERIMENT son Christian Peters (guitarras, voz, sintetizadores y teclados),Hans Eiselt (bajo y voces) y Thomas Vedder(batería y percusión). La portada de ‘END OF FOREVER’ es obra de Jessica Rassi, correspondiendo a Richard Behrens la grabación y mezcla en Big Snuff Studio, habiendo sido masterizado por Role en Tonmeisterei Oldenburg. El ábum está disponible para formatos físicos vía Electric Magic Records.
. El álbum abre sin contemplaciones, ‘Second birth’ nos hechiza desde sus primeros riffs para atraparnos en sus once minutos de “viaje”. Un torbellino sonoro a través de un grueso bajo, tambores marciales y los devaneos de la guitarra de Peter exhumando ácido. Un tema grueso, con gran ritmo y pesadez en su parte inicial repitiendo la melodía. Una parte central en la que los sintetizadores hacen acto de presencia para embriagarnos con exóticos sonidos de gran mística y su vez épica. Dotando de sinfonismo al corte, crean un ambiente palaciego ornamentándolo con bellos pasajes de psicodelia fragante. Heavy-psych de altos vuelos con un sonido cristalino pero poderoso con momentos floydianos. Embriagadores pasajes que van evolucionando a un entorno más tenso engrosando su sonido con crujidos de bajo y efectos sin que la melodía cese. Esta neblina psicotrópica va enturbiando un tema que sabe vivir en la oscuridad y en el misterio.
Después de este primer shock, ‘Massive pasive’, es un espacio para la conjunción de guitarra acústica y eléctrica. Moldeando, estirando y encogiendo en sus exóticos solos Peter nos embarca en gratificante un viaje sonoro. Nuevamente los pesados riffs violentan el reposo para llevarnos a un escenario psico-progresivo más propio de los primeros Jethro Tull. Un giro inesperado, pero lo de lo más efectivo que me deja sin palabras. SAMSARA me golpea por segunda vez. Jugando con las melodías vocales y entre acordes acústicos el tema nos lleva a un escenario brumoso con una ambientación campestre. La epopeya sigue construyéndose con estribillos pegadizos y llenos de magnetismo. El aroma de los setenta se apodera de los berlineses sin que eso signifique renunciar a momentos stoner en los que el sonido se engrosa. La dualidad entre los elementos acústicos y los eléctricos consigue enriquecer un tema con unos cimientos sólidos, pero con un aspecto más frágil. Una fragilidad aparente ya que el bajo de Hans sigue golpeando con fuerza.
Una introducción entre los vivaces tambores de Thomas y una magnética línea de bajo nos introduce en ‘Southern sunset’ un tema con reminiscencias Santana en el que el ritmo inicial y los teclados nos va acercando a una atmósfera más progresiva. Sonido vintage que es coloreado por brillantes solos de guitarra de Peter. Todo un bosque lleno de luces y sombras con momentos hard-rock más propios de los 70’s, pero rezumando buenas vibraciones. Un tema que te engancha a tu narrativa y que según se desarrolla augura un final feliz. Hard progresivo en estado puro con las suficientes dosis de acidez como para el resultado sea completamente cautivador. Tras el magnífico trabajo de Peter en guitarra y voz se esconde una base rítmica que hace que el tema adquiera gran efectividad, sobre todo con ese toque latino de la batería.
‘Lovage leaves’ nos trae a los berlineses en su lado más sensual y delicado. Bellos acordes se envuelven en un manto sinfónico para crear un tema en el que el bucolismo está presente. Sus acordes acústicos y sus atractivos pasajes producen un efecto terapéutico. El lado más relajado de una banda que sabe imprimir carácter a sus temas, pero también seducirnos con bellas melodías. En esta ocasión la sencillez de la guitarra contrasta con una mayor presencia de los teclados creando un corte aromático en el que las fragancias exóticas nos embriagan relajando nuestros sentidos.
Si por algo SAMSARAatesora la reputación que tiene, es por su capacidad para desarrollas su psicodelia pesada entre atmósferas místicas en las que los aromas exóticos están presentes, ‘End of forever’ el tema que da nombre álbum, es un claro ejemplo de ello. El particular y profundo registro vocal de Christian flota entre pesados riffs y melodías más reconfortantes. Un regalo para los amantes de la banda y de un género en el que SAMSARA ocupa un puesto de honor. Aquí la banda parece regresar a sus orígenes, como si a pesar de su despedida, quisieran congraciarse con sus fans más fieles. Aquellos que nos sentimos hechizados con el sonido de sus inicios y que ahora tenemos la oportunidad de disfrutar con éste nuevo álbum. Efectos, sintetizadores perfectamente encajados en la narrativa del tema, y sobre todo esa poderosa base rítmica hacen de este tema, una pequeña obra maestra de la psicodelia pesada contemporánea. Esa épica que hemos visto en ocasiones en bandas como Colour Haze, Rotor o los mismos SAMSARA, Pasajes ensoñadores que nos trasladan a un mundo mágico en el que las buenas vibraciones nos hacen olvidarnos de todo. Incisivos solos de guitarra se salpican entre el poderoso sonido de un bajo siempre excelso y los abrumadores tambores de Thomas. Como un buen tema heavy-psych encontramos esos guiños stoner que separan la fina frontera de una de las laderas del género con la psicodelia más psicotrópica. ‘Orchid Annie’ resulta ser un bálsamo tras la embestida anterior. Sus primeros solos de guitarra nos invitan a un nuevo paseo por la psicodelia más brillante. Hermosos pasajes entre cadentes y pausados ritmos dejan espacio al desarrollo de la guitarra. Adornado con elementos vintage gracias al sonido de los ocasionales teclados de su comienzo, el tema parece desarrollarse sobre los estándares del hard-progresivo clásico, pero siempre enriquecidos con la creatividad de la banda. Sosegado y lleno de sentimiento, el tema fluye bien, tejiendo poco a poco un tema con distintas texturas que reflejan todos sus matices. Se percibe que la banda está dejándose en alma en cada composición. Sus ondulaciones se producen con una naturalidad que nos hace visitar distintos escenarios sonoros sin que podamos darnos cuenta del cambio de sonido realizado. Una gran conjunción de rock clásico, hard-progresivo y psicodelia. La mesura con la que se incorporan los sintetizadores a su sonido, no resta un ápice de la fuerza y originalidad de la banda, ya que esa incorporación no va en detrimento de la guitarra o de la pesadez, sino que se limita a apartar. Bajo un sonido más acelerado, ‘Jumbo mumbo jumbo’ insiste en los pasajes de psicodelia pesada y stoner. Una arrancada inicial llena de fuerza con ciertos tonos exóticos deja paso a momentos más atmosféricos en los que la psicodelia fluye en un hechizo reconfortante. El tema se muestra sólido, pero a su vez con la suficiente capacidad como para tocar nuestros sentidos. Entre los atronadores tambores y la densidad del bajo la guitarra se contonea en solos ácidos que crean una bacanal lisérgica antes del descenso a pasajes más apacibles. El corte resulta arrollador por toda la intensidad que los berlineses imprimen a su sonido. Sin perder un ápice de fuerza y gracias al sinfonismo que incorporan, la canción va reposando en un espacio netamente psicodélico en el que los desarrollos se vuelven más misteriosos y en cierta medida, mágicos.
Lee aquí la entrevista que hicimos a Christian Peters hace unos días, en la que nos contaba los detalles del álbum y del final de la banda:
El dúo tejano STONE MACHINE ELECTRIC publica ‘INEXPLICABLE VIBRATIONS OF FRECUENCIES WITHIN THE COSMIC NETHERWORLD’, un trabajo con tres largas jams que nos sumergen en un oscuro espacio psicodélico en el que los narcóticos desarrollos nos hacen atravesar la barrera a un mundo sensorial dominado por magnéticos e intrigantes pasajes instrumentales. Cualquiera que no conozca a esta pareja, difícilmente podrá creer que estamos ante un dúo, desde luego, escuchando los temas sería muy difícil llegar a esa conclusión, lo cual es todo un aval y una invitación para descubrir su fascinante sonido. Sus jams instrumentales salen del abismo para gravitar en una órbita oscura cercana a Earthless con una carga de misterio y un misticismo tenebroso. Con una vocación atmosférica su psicodelia pesada recibe algunas vibraciones jazz para ampliar más si cabe las fronteras del género. Entre humo cannabico, esta pareja de jammers ejecutan sus tres temas desde una pausa chamánica que acaba por envolvernos atrapándonos en su hechizante sonido expansivo. Heavy-psych, Stoner, guiños doom, sutiles ornamentos jazz e incluso pasajes floydianos, conforman un trabajo que debería elevar a los tejanos a altas cotas de popularidad. Siempre dotando a los temas de un carácter narrativo nos invitan a un viaje a las profundidades de la psicodelia con melódicos zumbidos narcotizantes sin renunciar a la pesadez. ‘INEXPLICABLE VIBRATIONS OF FRECUENCIES WITHIN THE COSMIC NETHERWORLD’ puede resultar un nombre largo y enigmático, pero cualquiera que bucee entre sus surcos logrará entender la profundidad del particular universo de los tejanos, ya que este evocador nombre hace honor al contenido de sus temas.. Aquí a pesar de su autodenominado estilo ‘doom jazz’ posiblemente no encontremos tanto esas vibraciones, pero sin duda si, un gran trabajo de psicodelia que nos ofrecerá un mántrico ‘viaje’ a lo largo de sus cuarenta y cinco bestiales minutos de humeantes jams psicotrópicas.
STONE MACHINE ELECTRIC son William “Dub” Irvin, guitarra y Mark Kitchens a la batería. ‘INEXPLICABLE VIBRATIONS OF FRECUENCIES WITHIN THE COSMIC NETHERWORLD’ fue masterizado por Kent Stump (WO FAT) en sus estudios Crystal Clear Sound en Fort Worth. La obra de arte de la portada y el diseño fueron realizados por Joshua Mathus , con fotografías de Lynda Kitchens, y está disponible vía Desert Records.
‘Journey on the nile’ parte con una instrumentación atmosférica entre efectos creando un clima de misterio. Efectos que se sucede bajo un lúgubre espacio sonoro que poco a poco se va abriendo. Desde la pausa van construyendo un oscuro relato que paulatinamente evoluciona repitiendo sus acordes para ofrecernos un entorno en el que la psicodelia se desarrolla sin complejos ofreciendo su faceta más calmada. Ese hábitat supone un perfecto caldo de cultivo para el desarrollo de la propuesta heavy-psych del dúo. Un caleidoscopio en el que todo sucede con la pausa suficiente para ir absorbiéndonos en su narrativa. Un enigmático entorno que nos invita a la relajación mental abriendo nuestros sentidos a nuevas sensaciones. Si bien juegan con la misma armonía sus veinte minutos nos descubren un mundo paralelo que evoluciona en un lento génesis con buenos solos de guitarra tomando elementos stoner. Sin duda el género heavy-psych tiene muchos predicadores, pero STONE MACHINE ELECTRIC aportan un punto medio entre los dictados de la psicodelia pesada y la frontera de géneros cercanos al doom. Un cálido y grueso sonido que no resulta estridente, sino robusto. En cualquier caso, con la capacidad para describir atmósferas más gratificantes sin renunciar a la oscuridad. El corte supone un gratificante viaje a los confines de la psicodelia profunda y sombría en el que con sutileza aparecen algunos momentos más propios de Pink Floyd en el papel de banda pesada. Un gran trabajo creativo que juega con elementos sencillos logrando construir un corte atractivo y lleno de magnetismo. Bien podríamos decir que se cumple la máxima de que a veces, menos, es más, ya que el tema no resulta reiterativo y sin brillo como muchas de las propuestas que se muestran cortadas por el mismo patrón. Tras el apacible y misterioso viaje anterior, ‘At cristal lake’ continúa la exploración por insondables espacios sonoros. Con una inquietante introducción más espacial, los efectos atmosféricos van creando un nuevo espacio narcótico en el que desarrollar toda su creatividad. Con toda la pausa del mundo el dúo parece susurrarnos en insondables espacios ambientales dotando el tema de plácidos acordes. Psicodelia espacial en los confines del universo gravitando sobre el oyente y consiguiendo hacerle partícipe. No es hasta pasados siete minutos cuando el tema vuelve a engrosar su sonido con momentos que coquetean con el doom sin perder su aura psicodélica. Aquí juegan con la repetición de riffs, alargándolos y moldeándolos para todo parezca cálido y protector. Un gratificante masaje sonoro que aplaca nuestros sentidos hasta llevarnos a un estado sensorial en el que todo fluye desde la calma. Un espacio drone en el que los efectos sobrevuelan creando un manto acogedor y sanativo que nos aleja de lo terrenal. ‘Free thought’ sigue describiendo maravillosos y calmados entornos con esa sutil instrumentación que nos arrulla con pausa entre bellas y cálidas melodías. Un ritmo lento y cadente coquetea con algún eco jazz entre su espesura psicodélica. Todo un espacio mágico y relajante con elegantes pasajes de guitarra entre cadentes y contenidos tambores. Si en los dos temas precedentes la oscura domina sus largos desarrollos, aquí vemos al dúo ofreciendo en vivo momentos hermosos y seductores que acaban por relajar cualquier tensión emocional para ofrecer un estado de relax e introspección que juega con los silencios y los susurros mostrando su lado más amable y placentero. Evidentemente los riffs pesados aparecen a lo largo de una composición que parece elevarse para salir de los sueños y explorar terrenos más tortuosos sin perder su atractivo.
DenpaFuzz 