psychedelic-rock – Página 25

Reseña: MARS RED SKY.- ‘Dawn of the dusk’.

El quinto álbum de MARS RED SKY, ‘DAWN OF THE DUSK’ es un trabajo conceptual en el que a través de ocho fascinantes canciones hábilmente diseñados, el trio francés nos invita a un viaje a través de atmósferas cambiantes, impredecibles en un universo sonoro que es un auténtico tour de forcé. Un territorio en el que la psicodelia que viene ofreciendo desde hace años con completa maestría se adorna con momentos de post-metal y pasajes que se inclinan a lo progresivo. Una esfera creativa única y cautivadora enriquecida de hermosas melodías como solo ellos saben hacer. Porque MARS RED SKY son una de esas bandas que son fácilmente identificables tras escuchar unos pocos acordes de cada una de sus canciones. La distintiva voz de Julien se va acompañada por las voces de su bajista Jimmy en una de las canciones, así como las aterciopeladas de Helen Ferguson en otra de las pistas recuperada de su anterior EP ‘MARS RED SKY & QUEEN OF THE MEADOW’ (reseña aquí). Esa languidez vocal es una de las señas de identidad de una banda especial que no renuncia a ritmos atronadores que son aderezado con drones y varios efectos de kraut y post-metal. Las atmósferas y los escenarios están finamente elaborados y unidos por la voz de Julien aportando esa deliciosa postración mas propia de una banda de pop. Ese uso de la melodía hace que la exuberante y contundencia de sus riffs, así como sus nebulosas atmosféricas, se vean enriquecidas una vez más para ofrecer al oyente bellas canciones pesadas y etéreas a partes iguales. Quizás encontremos más elementos progresivos de los habituales, lo que refleja un cierto cambio de rumbo en busca de nuevos alicientes para hacer que su música sea más rica en matices. ‘DAWN OF THE DUSK’ mantiene el ambiente melancólico de la banda, pero lo hace de una manera especial, y por momentos diferente, lo que no implica renunciar a su esencia, porque este nuevo álbum sigue siendo un álbum 100 % MARS RED SKY, pero también es un álbum que se abre a nuevas y estimulantes dimensiones sonoras.

MARS RED SKY son:
Julien Pras: voz, guitarra
Jimmy Kinast: bajo
Matgaz: batería

‘DAWN OF THE DUSK’ está disponible vía Mrs Red Sound Records y Vicious Circle Records.

Los golpes de riffs heavy-psych con vocación doom habituales en el trio francés se manifiestan a las primeras de cambio en ‘Break Even’. La etérea voz de Julien pone la dulzura en una pista rugosa y cruda que mantiene el poder lisérgico de MARS RED SKY. Todo un mundo ensoñador con cautivadoras melodías y unos riffs que se quiebran aportando su fuerza habitual. Una hermosa canción que cualquiera podría identificar como propia de una banda peculiar y claramente reconocible. El corte cuenta con elaborados pasajes psico-progresivos que definen el carácter de los galos.

Con delicados acordes en su introducción ‘Maps Of Inferno’ evoca el sonido que ha hecho característico al trio de Burdeos. Una fuerte base rítmica ejecutada lentamente y los devaneos de la guitarra de Julien nos sumen en un trance en el que la psicodelia aromatizada colorea cada acorde. Desarrollan la canción sobre una melancólica los golpes de pesadez doom van manifestándose sin premura. La dulce y seductora voz de Helen pone el contrapunto a la rugosidad del sonido creando un espacio de romanticismo y oscuridad sumamente fascinante. En ese espacio los elementos progresivos aparecen entre pasajes de dark-folk, bajo un tono suave y sugerente. En la pista encontramos una persistente penumbra psicodélica que hace que el corte transmita esa sensación de melancolía.

‘The Final Round’ mantiene el tipo con robustos y crujientes riffs de vocación doom. Situándonos en un escenario lleno de épica, la guitarra y el descomunal bajo van construyendo un relato misterioso y con gran tensión. En esta ocasión, la voz de su bajista Jimmy Kinast aporta un matiz nuevo en esta nueva exploración psico-progresiva. Sus pasajes sinfónicos asoman de una densa neblina en un fascinante viaje con tinte cinematográficos en el que el trio plasma su más profundo carácter modulándolo con elementos innovadores sin que por ello, se aparten de su verdadera esencia. La banda mantiene esa atmósfera melancólica habitual en sus canciones. El corte demuestra que la banda sabe cómo sorprender con un suntuoso viaje Bowiesque

El psycho-doom más ortodoxo aparece sin rubor en ‘A Choir of Ghosts’. Los riffs monumentales son ejecutados con una pasmosa lentitud y pesadez creando un entorno sonoro aturdidor e inquietante a partes iguales. Efectos y pedales complementan esta sólida y contundente pista en la que la psicodelia pesada mantiene su presencia y en la encontramos algún hueco para el post-metal entre su narcótico neblina cósmica.

‘Carnival Man’ es otra de esas canciones en las que el peculiar sonido de los franceses se manifiesta en todo su esplendor. La lánguida y aterciopelada voz de Julien nos acaricia con toda su dulzura entre sus inquietantes pasajes lisérgicos y sus golpes de pesadez. Melódico y plomizo, el corte avanza sin mirar atrás en su exploración por esos insondables entornos sonoros tan habituales en la banda. En su parte central la pista desciende a plácidos pasajes instrumentales en los que el sinfonismo progresivo aparece en medio de sus monumentales riffs.

A modo de interludio, ‘Trap Door’ esa una breve pista acústica de menos de un minuto de duración, que sirve como extraña introducción al siguiente corte.

Las hostilidades se desatan con la majestuosidad de ‘Slow Attack’. El doom, el post-metal y la psicodelia cósmica se alían entre efectos y drones. Manteniendo el equilibrio entre la dulzura vocal y la rugosidad de sus riffs, el relato de la banda se manifiesta en otra canción impactante y melancólica en la que las fascinantes melodías adornan un entorno siempre turbador y amenazante. Esto hace que el oyente pueda navegar en diferentes aguas para llegar sano y salvo a puerto. No faltan los brillantes desarrollos de la guitarra mágica de Julien, bien acompañada por sus compañeros de travesía en otra canción turbia y mágica.

Enlazada desde la canción anterior, el cierre del álbum nos ofrece la suave ‘Heavenly Bodies’. El final de este tortuoso y onírico relato se decanta por lo celestial con coros etéreos y una instrumentación rica en matices progresivos. No busques aquí riffs monolíticos ni golpes de post-metal, ya que la dinámica del corte varía ostensiblemente para mostrar una atmósfera paradisiaca a lo largo de tres minutos que concluyen con un zumbido aturdidor que se desvanece en el cosmos infinito.

Mars Red Sky

Mrs Red Sound

Vicious Circle Records

Reseña: EDENA GARDENS.- ‘Dens’

Cuando unos magníficos músicos se juntan para disfrutar tocando, dejándose llevar por su creatividad y espontaneidad, el resultado son álbumes mágicos como este ‘DENS’. El proyecto del guitarra de PAPIR, Niklas Sorensen, el batería de CAUSA SUI, Jakob Scott y el bajista Martin Rude, tras la publicación de su álbum homónimo ‘EDENA GARDENS’ (reseña aquí) y ‘AGAR’ (reseña aquí), parecía haber culminado con las exploraciones jazzeras de ‘LIVE MOMENTUM’, ahora llega el capítulo final de la trilogía. ¿El último álbum de este magnífico supergrupo? Supongo que el tiempo nos dará la respuesta, pero por las palabras de la banda, puede que este sea su final. Porque estos músicos viven el presente y en él se centran para plasmar su creatividad con las sensaciones que brotan en cada momento sin pensar en el futuro. EDENA GARDENS es una banda que vive del presente, pero que perdurará en el futuro, porque estos tres álbumes tiene la calidad suficiente como para ser recordados en el tiempo. Sumergiéndonos ya en su contenido, en ‘DENS’ deletrea acertadamente el último tercio del nombre del grupo. Y fiel a su estilo, la banda gira hacia adentro en lugar de hacia afuera, recurriendo a profundos matices de ambient, slowcore y el fantasma de Mark Hollis. Mientras mantiene su toque psicodélico, el trío teje las líneas entre géneros de una manera que se está convirtiendo en su propia firma. Siempre desde la pausa, el trio se mueve hacia distintos lugares sonoros sin perder el rumbo de lo que significa el proyecto EDENA GARDENS. El álbum reúne horas de improvisación libre en un tamaño coherente. Las ediciones impecables y la magia del estudio mejoran la sensación de naturaleza casi narrativa a medida que avanza el álbum. Invocando cualquier cosa, desde una fogata crepitante, huesos crujientes y el canto de las dunas de arena sus bellos sonidos ambientales nacidos de la improvisación son impulsados por el bajo y la batería, sentando una base sólida pero fugaz. Allí las relucientes líneas de guitarra de Nicklas nunca se sintieron más libres y exploratorias, lo que hace de ‘DENS’ una nueva experiencia sensorial que nos lleva en volandas de manos esa guitarra mágica, unos ritmos cadentes, contenidos e hipnóticos. Sonidos expansivos y ambientales que lentamente van sumiéndonos en un nirvana sonoro sumamente estimulante. El antídoto perfecto tras un duro día de trabajo en el que el cuerpo y la mente necesitan desconectar. Y, ¿hay me forma de hacerlo que dejarte llevar por un mundo mágico en el que todo es belleza? La respuesta es NO, porque EDENA GARDENS son capaces de componer canciones terapéuticas ideales para reconfortarnos del estrés y de los malos rollos cotidianos. Ponte cómodo y disfruta de este trance sonoro, porque, quién sabe si será el último.

‘Wald’ nos introduce en el álbum con elegantes y reconfortantes acordes de guitarra en un ambiente relajado y completamente cautivador. La canción es un gratificante bálsamo sensorial para expandir nuestra mente en un espacio de descanso. Estructurada en capas, la lenta batería y una ambientación envolvente nos sitúan en un particular jardín del Edén. La pista repite su armonía modulándola en un placentero viejo sonoro.

Ahora en un escenario sonoro de oscuridad la meditativa ‘Dusted’ juega con la libertad creativa manteniendo la esencia atmosférica del trio. Sin forzar la máquina, el corte se envuelve en efectos y un ritmo pausado combinando elegantes pasajes guitarra a los que insertan sutiles elementos jazz. Otra canción hermosa que no necesita de poderosos riffs para cautivar al oyente.

‘Vini’s lament’ es un tributo a THE DURRUTI COLUMN. La canción se envuelve en una atmósfera impregnada de nostalgia mientras el trio explora sin complejos su creatividad para situarnos en un entorno onírico bajo relajantes pasajes ambientales. Nuevamente aflorar levemente los tonos jazz en una pista que se deja llevar por un flujo ambiental con un nítido carácter psicodélico.

Con algo más de nueve minutos ‘Morgensol’ mantiene el tipo en el mismo escenario en el que se han desarrollado las pistas anteriores. Sus tonos grises y los hermosos acordes de guitarra evolucionan lentamente en un fascinante paseo por bellos entornos sonoros. Con su cálido sonido la canción penetra en nuestros corazones para transmitir esa sensación de paz presente en todo el álbum. En esta ocasión con un carácter más experimental la pista no pierde la cara y se muestra fragante y balsámica.

Con ‘An Uaimh Bhinn’, el trio da un paso adelante para sumergirse en un entorno de efluvios psicodélicos sin perder su esencia ambiental. Las prisas no existen en este cautivador álbum en el que estos músicos expanden su sonido a oníricos entornos sonoros llenos de magia. El contenido ritmo se ve coloreado con una guitarra siempre ensoñadora para ofrecer un rico tapiz sonoro creado desde la sencillez. Un claro ejemplo de que menos, es más, solo la espontaneidad es suficiente para crear bellas canciones instrumentales.

‘Sienita’, con sus 14 minutos de improvisación vertiginosa y plenamente formada, que abandona cualquier engaño de estudio, además de un órgano con un solo doblaje, que sube y baja como la marea. Como he dicho tantas veces, las pistas de larga duración son el espacio perfecto para que los músicos desarrollen todo su potencial e inquietudes, y esta, es un claro ejemplo de ello. Estratificando el sonido en capas, EDENA GARDENS crea otra maravilla instrumental adornada con hermosos pasajes que habitan en un espacio melancólico, pero sumamente gratificante. El suave inicio del corte se ve alterado por pasajes mas complejos y experimentales en su parte central, antes de retomar la senda de calma y volver a los orígenes en esta hermosa improvisación.

Sin darnos cuenta llegamos al final de este cautivador transito por hermosos entornos sonoros con ‘Dawn Daydreamers’. Otra bella canción creada desde improvisaciones en las que la banda muestra su cara más sosegada y relajante. En un álbum en el que no hay episodios distorsionadores de su trance sonoro, esta canción mantiene el tipo sin salirse del guion pero fluyendo con libertad por ese entorno sombrío que aquí se abre a la luz con pasajes más elaborados si cabe que gran parte, que el reto de canciones.

Edena Gardens

El Paraiso Records

Reseña: JOSIAH.- ‘rehctaW’

JOSIAH es un power trio psych post-apocalíptico británico, encabezado por el cantante y guitarrista Mathew Bethancourt. Formado originalmente en 2000, el sonido de JOSIAH es una combinación de golpes de un proto metal lisérgico llegados de los albores de los 70’s, para colorear el mundo distópico de nuestros días. Esta banda sonora apocalíptica resucitaba en 2022 con el álbum ‘WE LAY ON COLD STONE’ y tenía la continuación en el proyecto personal de Mathew, MATHEW’S HIDDEN MUSEUM (reseña aquí) a primeros de este año. Ahora nos llegan cuatro canciones que contienen el sonido que puedes esperar de JOSIAH. Golpes de proto-metal primitivo empapados en psicotrópicos consiguiendo esa atmósfera oscura en la que le gusta desarrollar sus canciones. Cuatro pistas con identidad propia, cada una con un carácter diferente, pero con nexos de unión y en las que la identidad de JOSIAH aparece reflejada fielmente. Siempre es agradable recibir material nuevo de una banda que te ha enamorado en el pasado y que el paso del tiempo parecía enterrarla en el olvido. Ahora con este regreso, al menos tenemos una pincelada de la nueva producción de una banda que sorprendió años atrás con un sonido anticipado a su tiempo y que sigue viva dos décadas después. Siempre con la sombra de Sabbath mirando de reojo, JOSIAH nos recuerda que todavía están vivos, y que pueden seguir dándonos alegrías a todos aquellos que amamos las vibraciones de los pioneros de la música pesada y psicodélica. Con el extraño nombre de ‘REHCTAW’ (que por cierto no sé lo que significa) los británicos nos hacen albergar esperanzas de que la historia de JOSIAH continúe. El tiempo tendrá la respuesta, pero mientras tanto, disfrutemos de este crudo artefacto sonoro más propio del siglo XX.

‘Rehctaw’ se recrea en las oscuras atmósferas Sabbathicas para ofrecernos una visión apocalíptica a base de riffs pegadizos y ganchos de proto-metal. Una canción cruda y con un sonido primitivo que Mathew ejecuta con espíritu vintage propio de los primeros pasos de la música pesada de los 70’s. Ese grueso y viejo sonido sigue vivo con bandas como JOSIAH. Ellos mantienen esa esencia a la perfección en pleno siglo XXI. La pista contiene buenos pasajes ácidos en el marco de esa oscuridad innata.

En un ambiente lisérgico ‘By My Left Hand’ ofrece un sonido turbio con un espíritu lisérgico que ya hemos visto en la banda con anterioridad. Prescindiendo de las voces en esta ocasión, JOSIAH construyen una inquietante canción con golpes de Stoner contenidos y bellos pasajes psicotrópicos. Su grave sonido se ve complementado por una melodía atractiva que no duda en incorporar ciertos pasajes progresivos que potencian su lado mágico y misterioso. Una canción diferente, pero muy interesante, en la que la fuerza deje espacio a los elaborados desarrollos instrumentales. La pista va de menos a más en una intensidad que nos lleva aúna espiral psicotrópica.

El llanto de un bebé y una inquietante ambientación nos ponen en la ruta en ‘Become’. Oscuros momentos pastorales con una extraña instrumentación crean un enigmático espacio sonoro en el que la banda experimenta sin rubor.

‘Black Annis (the evocation of)’ es otra canción psicodélica que transita en un insondable escenario. Coros y estribillos en su apertura que nos ponen en la ruta con el sonido más auténtico de los británicos. Guitarras ácidas y una base rítmica sólida y pesada crean este tapiz sonoro en el que la psicodelia pesada, el blues y el proto-metal viven en armonía. Un corte pesado, crudo y sobre todo ácido, lo que puedes esperar de estos tipos que se adelantaron a su tiempo y que dos décadas después todavía tienen argumentos para conquistar al oyente con un sonido pesado más propio de décadas pasadas y de los comienzos de la música rock pesada.

Josiah

nterstellar Smoke Records

Reseña: MOS EISLEY SPACEPORT.- ‘Further’

El agujero de gusano que ya usaron en ‘THE BEST OF THEIR EARLY YEAR’ (reseña aquí) sigue siendo utilizado por los alemanes MOS EISLEY SPACEPORT en su nuevo álbum ‘FURTHER’. Con algún cambio en su formación, el proyecto mantiene el espíritu vintage que mostraron en su debut. Estos chicos llegados del planeta de Tatooine saben cómo cocinar las vibraciones hard-progresivas de los 70’s en canciones resultonas y con mucho gancho. Una magnífica colección compuesta por nueva fascinantes canciones que nos recuerdan el legado del pasado modulándolo a los nuevos tiempos. Un sonido reconocible en el que los ecos de Deep Purple se asoman en pistas guiadas por un impactante órgano retro y melodías con mucho gancho. Pero no solo de ello vive el cuarteto, sino que el blues, la psicodelia y el hard rock son ingredientes siempre apetecibles para unirse a esta fiesta retro. Una visión aventurera con un estilo único en canciones de fácil escucha y con las que rápidamente conquistarán nuevos fieles. Porque el rock de siempre sigue vivió, y si lo hace con ingredientes más contemporáneos, el resultado puede ser completamente motivador. La fácil escucha de ‘FURTHER’ esconde en su interior los suficientes elementos como para que nada resulte superfluo, esto hace del álbum un plato muy apetecible para los fans de los sonidos vintage llegados de los 70’s. Esa imaginaria ciudad futurista que da nombre a la banda, mantiene la vida intacta, lo cual es muy de agradecer para aquellos (entre los que me encuentro) que nos vimos sorprendidos por su propuesta sonora hace tres años, cuando vió la luz su primer trabajo. La aventura continúa.

En un entorno psico-progresivo de manual ‘Ashes to Ashes’ gravita en una orbita vintage en la que alguna pincelada blues aparece entre su propuesta de rock añejo. Ejecutado con suavidad, el corte camina lentamente en busca de un entorno más contundente. Con elaborados desarrollos progresivos la banda alemana nos recuerda esas vibraciones setenteras tan apetecibles. Funcionando como un conjunto, destacan especialmente los pasajes en los que el órgano retro evoca momentos mas propios de bandas como DEEP PURPLE sin que su sonido en conjunto sea similar. Aquí encontramos constante meandros que enriquecen una canción larga pero con mucho atractivo.

‘Drop Out’ contrasta del corte anterior por el dinamismo de unos riffs y unas melodías que sin rubor se zambullen en las aguas del rock retro de los 70’s. Manteniendo ese espíritu intacto, la canción es guiada por el efectivo sonido del órgano custodiado por buenas melodías vocales y un ritmo efectivo y solvente. La fiesta de sonidos vintage se desata sin complejos una vez mas.

Retomando las canciones de diez minutos, ‘Space Shift’a pesar de tener más elementos experimentales, nos presenta una bacanal de vibraciones retro. El poder de ese órgano diabólico vuela mi cabeza una vez más. Purpleliano en sus entrañas, el vibrante corte parece escorarse a sonidos más contemporáneos en una combinación siempre agradable y resultona. En la segunda mitad la canción desciende a un fascinante entorno psico-progresivo en el que el sonido de la guitarra pone el perfecto contrapunto a los pasajes del órgano, auténtico motor de la banda.

En un tono más oscuro y pesado ‘Raised by a Lioness’ coquetea con el blues y el boogie rock con una propuesta atractiva y cautivadora que rápidamente invitará al oyente al desenfreno y el baile. Alejado de convencionalismo, estos chicos tienen su propia fórmula para cautivarnos sin caer en los convencionalismos de las bandas retro.

‘Cocaine Blues’ mantiene el tipo a base de golpes de riffs solventes y un ritmo divertido en el que el blues-rock se fusiona con el hard progresivo de los 70’s. Su pegadiza melodía y una fornida instrumentación hacen el resto en otro corte de innato carácter vintage.

Casi como continuación de la canción anterior ‘Laika’ mantiene la esencia hard-prog de los alemanes con golpes de Stoner y constantes guiños a las vibraciones vintage del siglo pasado. Una pista divertida que es ejecutada con un frenesí aturdidor. El juego de los estribillos hace que la pista resulte fluida en su transitar por este escenario psico-prog en el que poco a poco van sumiéndose cada una de las canciones.

Sin cambiar sustancialmente el guion en ‘Scattle Cat’ parece que la banda se deja llevar por el fuzz y los vibrantes sonidos proto-stoner. Turbio dinámico y con el suficiente gancho como para rendirse a sus pies, la canción se sale de alguna manera del resto de cortes con un sonido más contemporáneo. A pesar de ello sus entrañas contiene ese elixir mágico que hace que las canciones de MOS EISLEY AIRPORT suenen como compuestas décadas atrás. Aquí los elementos cósmicos brotan más nítidamente hasta sumirnos en un caos sónico aturdidor.

Si la mayor parte del álbum está compuesto por canciones de larga duración, ‘Laika II’ supone el contrapunto con sus tres minutos. Un suspiro de sonidos casi devocionales que contrastan con la mayor parte de las canciones. Coros celestiales y una instrumentación atmosférica son los argumentos en esta ocasión en un corte que de alguna manera, se decanta por el sinfonismo.

‘ I’m a Robot Dancer’ pone la calma a un álbum vibrante y divertido con tonos más coloristas y florales. Un tempo suave y una melodía vocal que va aumentando el tono, construyen otra canción vintage que supone un soplo de aire fresco a un álbum notable.

Mos Eisley Spaceport

Reseña: IAH.- ‘V’

Los argentinos IAH son una de las bandas más sólidas de la escena del cono sur latinoamericano. Con cuatro alabados álbumes a sus espaldas, habían ofrecido hermosos trabajos en los que predominaba post-rock con un fuerte carácter psicodélico, pero ahora con su quinta entrega, muestran su lado más pesado y experimental. Una faceta no mostrada hasta ahora con tanta contundencia con la que construyen toda una travesía sonora que transita por escarpados y rocosos espacios en los que el post-metal más monumental se presenta en canciones que giran argumentalmente para dar sacar al oyente del hastío. Pasajes ambientales de vocación espacial que son enriquecidos con monumentales y faraónicos desarrollos post-rock son el antídoto que IAH utiliza para equilibrar la desmesura de sus rugosos riffs. Con sutiles soplos shoegaze hacen que los fangosos riffs se conviertan en algo liviano y elegante. Presidido por la melancolía, el álbum contiene elementos suficientes para tanto para despertar al oyente del letargo, como para sumirlo en un gratificante sueño en el que los bellos pasajes de una guitarra rebosante de hermosas texturas acaban por conquistarnos. La inspiración de los argentinos queda plasmada en majestuosas canciones que habitan en un espacio oscuro e intimista creado en un laboratorio en el que versátiles estilos se fusionan en un magnífico, sorprendente y contundente álbum. Conteniendo canciones en línea de bandas como RUSSIAN CIRCLES, las impactantes pistas son construidas para crear un entorno cinemático con una narrativa fluida. Lo cierto es que IAH son una banda con un sonido personal, pero eso no supone un obstáculo para explorar nuevas rutas con las que enriquecer el mismo sin que éste, pierda su esencia. Con su nuevo álbum ‘V’, lo han conseguido. Enhorabuena, prueba superada.

‘V’ fue grabado en Gran Rosa Estudio por Mario Carnerero, mezclado y masterizado en Plutonio Estudio por Mario Carnerero. Asistentes de grabación: Santiago Ludueña y Matías Ruda. Drum Doctor: Fernando Caballero. Guitar Doctor: Mario Carnerero. Asistente: José Bazán. Foto de portada: Feed de plume. Arte: Mauricio Condon. Producido por Mario Carnerero e IAH. Disponible a primeros de año vía Kozmik Artifatcz.

IAH son: Juan Pablo Lucco Borlera (bajo), Mauricio Condon (guitarras y sintetizadores) y José Landín (batería).

El trio nos sumerge lentamente en ‘Kutno’ con una introducción atmosférica de tonos espaciales que tras dos minutos nos sitúa en un entorno en el que los golpes de post-metal hacen crujir el ambiente. Impulsados por unos tambores que redoblan una y otra vez, el grueso sonido de sus densos riffs nos ofrece una versión fornida de los argentinos. Tenemos que esperar a pasar la primera mitad de la canción para encontrarnos esas delicadas melodías a las que nos tienen acostumbrados estos chicos. Ahí, el post-rock mas hermoso aflora en un génesis cubierto por una atmósfera oscura que nos recuerda sus primeros pasos. Una dualidad que refleja las dos caras de IAH tiene en la actualidad. La pista culmina con un torrente de riffs rugosos y pesados que acaban construyendo monumentales espacios sonoros.

Dejando patente que no son una banda que se encasilla en un género, ‘Madre de los suspiros’ presenta algunos momentos shoegaze que hacen evolucionar la pista a un precipicio doomgaze y post-metal en el que todo parece volverse más abrupto. Es allí donde despliegan todo su arsenal de hermosos desarrollos instrumentales entre muros de riffs rugosos. Una canción épica y cinematográfica que culmina con brillantes momentos de guitarra con un aroma exótico.

Los sosegados e hipnóticos acordes de ‘Yaldabaoth’ sirven para explorar boscosos espacios heavy-psych. Efectos, riffs gruesos y un marcado carácter post-metal, violentan el relato. Todo un crisol de estilos dispuestos para sorprender al oyente con un sonido crudo y pesado, pero por momentos mágico y ensoñador. Golpes de doom, momentos sludge, y una psicodelia que se mestiza con el post-rock para presentar al oyente un amplio abanico sonoro. Una ondulante travesía con sus momentos de calma en contraste con otros, verdaderamente tormentosos.

‘Sono io!’ es un breve interludio de menos de dos minutos con cautivadores y pausados acordes en pura línea post-rock.

Retomando los crujientes riffs ‘Sentado en el borde de una pregunta’ navega entre contundentes riffs y unos abrasadores tambores en aguas sludge, post-metal en su primera mitad, para descender a profundidades post rock en un giro absoluto.

Cerrando el álbum la inquietante ‘Las palabras y el mar’, parece retomar los orígenes de la banda a través de un fascinante escenario psicodélico. Evolucionando lentamente, los acordes se suceden entre una sutil nebulosa de efectos bajo un clima de melancolía. Una canción gris que, al igual que las precedentes, cambia completamente su aspecto pasados tres minutos. Allí el trio retoma la virulencia de sus crujientes y fornidos riffs, para sumirnos en las tinieblas. Manteniendo un ritmo vibrante, el corte serpentea con logrados pasajes de guitarra entre la brumosa base rítmica. Oníricos pasajes post-rock nos sitúan en un plácido entorno sonoro en el que la belleza aflora en cada nota.

IAH

Kozmik Artifactz