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Reseña: KANAAN / ÆVESTADEN.- ‘Langt, langt vekk’

Los noruegos KANAAN son una banda que parece no tener límites a su creatividad. En esta ocasión nos presentan un proyecto verdaderamente encantador y único junto a la banda de folk noruega ÆVESTADEN. El intimismo y la suavidad de la tradición se encuentra con una psicodelia instrumental propulsiva con un resultado ciertamente embriagador. Jóvenes, aunque sobradamente preparados, estos chicos se mueven como pez en el agua entre pasajes sonoros en los que el folk es enriquecido con complejos desarrollos en pulidas y cautivadoras canciones. Valiente, meditativo y progresivo, el álbum es una nueva y emocionante joya en las coronas de estas dos bandas galardonadas.  Con ‘LANGT, LANGT VEKK’ (traducido como lejos, muy lejos ) las dos bandas han creado un álbum singular. La música folclórica tradicional noruega y el rock se han combinado varias veces antes, pero nada suena como esto. Kanaan  aporta el trasfondo de jazz/psicodelia de sus miembros, arraigado en la improvisación y el jamming.  La folktrónica moderna de ÆVESTADEN utiliza varios instrumentos tradicionales antiguos, además de la incorporación de música folclórica tradicional sueca. El resultado es algo verdaderamente innovador, en el que brillan las identidades de ambas bandas. Una mágica combinación en la que lo innovador se integra en la tradición. Viejos salmos y tradiciones reelaboradas junto con grandes composiciones nuevas. El álbum es impresionantemente coherente, dados los antecedentes musicales tremendamente diferentes de las dos bandas. Violines, cuerno de vaca, lira kravik, arpa de boca, sintetizadores, armonías, guitarras pesadas y una sección rítmica atronadora: musicalmente, es impresionantemente versátil, además de consistentemente de buen gusto. LANGT, LANGT VEKK’ probablemente sea un álbum difícil para los amantes de los sonidos más pesados, pero si consigues salir de tu zona de confort, la experiencia puede ser sumamente gratificante y sorprendente. KANAAN suma y sigue, ¿Qué será lo próximo?

 Venerando el legado de la música tradicional, ‘Ganglåt bortåt’ es una canción folclórica en la que destaca el sonido del violín entre otros instrumentos tradicionales. Completamente instrumental, su sencillez es suficiente para provocar un efecto balsámico sobre el oyente bajo tonos casi medievales en los que lo sinfónico está presente. 

Con un tono más festivo ‘Habbor og Signe’ y combinando elementos tradicionales con una licuefacción de rock psico-progresivo estalla en una explosión de folk nutrido de pasajes de rock contundente. Una fusión que fusiona impulsada por un vibrante ritmo en una estratificación de lo folclórico con el rock más explosivo. La pista nos ofrece mágicos pasajes de guitarra en su serpenteante desarrollo con esa acertada alternancia entre lo tradicional y lo contemporáneo.

Mas experimental, ‘Fiskaren’ nos brinda ritmos casi kraut con un sonido denso en el que se hace hueco lo folclórico y asoma la versión electrónica a partes iguales. Una atrevida combinación que es ejecutada con acierto, sin sobresaltos ni incoherencias.

En ‘Langt, langt vekk’ encontramos otra fusión de ritmos kraut con elementos tradicionales en una pista dinámica y psicodélica a la vez. Su afanoso ritmo tribal unido a unas cautivadoras voces, lo convierte en una de las canciones más destacadas del álbum.

‘Farvel’ nos devuelve la experimentación más audaz. Un lento ceremonial de tambores nos lleva ante el cautivador relato de su cantante. Un susurro reconfortante que lentamente auspicia el resto de los instrumentos hasta crear una hermosa canción en la que lo tradicional se adorna con suaves pasajes musicales.

Desarrollándose en una atmósfera nebulosa ‘Vallåt efter CG Färje’ es impulsado por un dinámico ritmo sobre el que las voces ensoñadoras nos susurran en un canto mágico auspiciado por bellos e inquietantes desarrollos psicodélicos. Insertando sutilmente algunos elementos progresivos la pista gravita en un entorno lisérgico sin perder su esencia folk.  La parte central nos ofrece elaborados pasajes instrumentales con instrumentos que se arremolinan hasta conseguir una pista compleja y llena de ornamentos.

‘Hva har min Jesus gjort for meg’ es un breve interludio pastoral con voces corales y un tono litúrgico.

Un suave exotismo palaciego aflora en ‘Dalebu Jonsson’. Una canción tradicional con voces que se superponen sobre una instrumentación electroacústica. Un claro ejemplo de la fusión de estos jóvenes músicos noruegos creando una pista oscura en la que las pinceladas de free-jazz alborotan su plácido caminar.

Fusionando con acierto elementos psicodélicos con los tonos folk ‘Vardtjenn’ nos sitúa en un fantástico mundo sensorial. Con suaves pasajes y cautivadoras melodías, la pista gravita en un entorno mágico en su inicio para avanzar en la experimentación y licuefacción de estilos. El resultado es una canción repleta de alicientes y elementos cambiantes que hacen que según avance se torne más completa y fascinante.

Kanaan – Band

Ævestaden

Jansen Records

Reseña: VITSKÄR SÜDEN.- ‘Vessel’

Los californianos VITSKÄR SÜDEN son una de las bandas que vengo siguiendo desde que su maravillosa música llegó a mis oídos con su debut en 2020. Si ya con su anterior álbum ‘THE FACELESSS KING’ (reseña aquí) me conquistaron, ahora rompen mi corazón con un álbum majestuoso y evocador en el que contemplan la fragilidad de la vida humana en forma de una ficción extraña… Desde bosques post-apocalípticos empapados de lluvia y ciudades lovecraftianas hundidas hasta mares turbulentos y campos de batalla pantanosos, guían a los oyentes a un mundo sensorial en el que la melancolía domina la atmósfera. Sustentados en unas inigualables melodías vocales, sus canciones exploran más profundamente si cabe, los territorios propios del rock progresivo. Susurrantes, sinfónicos, insinuantes, y con una amplia gama de recursos compositivos, crean canciones hermosas en las que las texturas se multiplican bajo un manto de tristeza y soledad sumiéndonos en un mundo introspectivo. Incorporando sintetizadores, piano y elementos de cuerda, crean un escenario musical en el que el romanticismo más sofisticado, envuelve unas canciones rebosantes de belleza. Si bien el alma de ‘VESSEL’ es progresivo, la banda no tiene ningún reparo en dotar a sus canciones de emocionantes pasajes psicodélicos con alguna pincelada de pesadez, siempre en tono contenido. Porque la verdadera esencia está en esa magistral tendencia a un sinfonismo oscuro, suave, aterciopelado, a la vez que hermoso y singular. Las apariciones especiales del violonchelista Max Mueller, la violinista Emily Moore y el pianista Rich Martin, así como las vocalistas Kristi Merideth e Isabel Beyoso añaden un plus de emotividad a unas pistas, que ya por si mismas resultan majestuosas. En solo cuatro años de carrera musical VITSKÄR SÜDEN se han ganado el derecho a estar el el Olimpo de las bandas del momento con un álbum que es la confirmación del enorme crecimiento y madurez de unos músicos solventes y con una creatividad digna del mayor de los halagos. Recordad este nombre: ‘VESSEL’, un álbum del que escuchareis elogios y alabanzas según la gente vaya descubriendo el tesoro que esconden sus surcos.  

‘VITSKÄR SÜDEN’ son:
 Martin Garner – Bajo/Voz
 Julian Goldberger – Guitarra/Sintetizadores
 Christopher Martín – Batería
 TJ Webber – Guitarra

Con una cálida voz y una melodía que se inclina por el sinfonismo ‘Vengeance speaks’ es un perfecto termómetro de lo que nos puede deparar ‘VESSEL’. Desde su aparente sencillez la pista nos sume en un romántico espacio melancólica adornado por magníficos y serenos arreglos progresivos. Teclados y sintetizadores arropan las hermosas estrofas vocales con una sutileza que no se ve alterada en ningún momento. Ese ambiente sinfónico se complementa con cautivadores coros en una pista que casi parece un boceto de una canción por su extremada sencillez. Ese es su gran aval, transmitir sin necesitad de complejos desarrollos.  

Impulsada por unos tambores y un ritmo que se inclina sutilmente por lo cósmico ‘R´lyeh’ muestra la faceta más experimental y sideral de los californianos. Suave en su melodía vocal la pista incluye capas superpuestas acopladas con destreza para crear un ente cohesionado y futurista en el que los genes progresivos son acompañados de algunos pasajes atmosféricos en los que la psicodelia aflora con sutileza.

‘Through tunnels they move’ borbotea suavemente en un espacio invadido por la melancolía. Allí la banda desplega todo su seductor arsenal melódico. Un entorno en el que la banda se siente cómodo y eso queda reflejado en una canción hermosa, vigorosa y repleta de matices. Este tapiza sonoro con un propósito claro, no se ciñe a convencionalismos ya que la banda siempre sabe cómo hacer que su música brille. Bien sea como en esta ocasión en una atmósfera gris y misteriosa pero sumamente gratificante. La cálida línea de baja, los elegantes pasajes de guitarra y una cautivadora voz son argumentos suficientes como para no resistirse a su belleza sonora.

Si en sus anteriores álbumes encontrábamos pasajes en los que el folk más bucólico asomaba, en ‘Hidden by the day’ retoman esos delicados y bellos acordes más propios del dark folk en una canción llena de sentimiento. Una de esas pistas que reconfortan al oyente transmitiendo un estado de añoranza y sosiego. Un canto de romanticismo en el que la serena elegancia se va plasmando en pasajes ensoñadores que nos hacen encontrarnos con nosotros mismos desde una mirada serena y hermosa. En esta pista hallamos los mejores pasajes de guitarra llenando un espacio en el que lo progresivo adquiere un nivel magistral. Rock sinfónico a la vieja usanza en una pausa necesaria entre tan música pesada.

‘Tattered sails’ es otra canción oscura e intrigante por momentos en la que lo progresivo se nutre de elementos psicodélicos bajo una atmósfera introspectiva y melancólica. De esta forma la banda transmite al oyente un estado anímico triste que es compensado con una magnífica composición que cada vez explora más una sensación de sosiego y añoranza. El inquietante entorno sonoro es ejecutado con la pausa suficiente como para acariciar los sentidos del oyente con cada desgarradora estrofa. El romanticismo sinfónico se traduce en una composición ejecutada con la pausa suficiente para conquistar al oyente haciéndole partícipe de un relato triste y personal. La penumbra como cobijo del alma.

Sin alejarse del ambiente persistente en la mayor parte de las canciones, la pausa reconfortante prosigue con ‘Everyone, all alone’. Otro canto desgarrador que pone los pelos de punta con la fuerza de esa cautivadora y cálida voz ejerciendo de perfecta sonora para momentos de soledad. Una canción con unos sencillos pero hermosos arreglos incidiendo en esa faceta sinfónica y psico-progresiva con la que tan bien se manejan estos chicos. La penumbra y la soledad como elementos para dejar brotar todo el talento y creatividad de una banda especial.

‘Elegy’ es una nueva oda de romanticismo elegante y pausado que nos lleva a un mundo sensorial en el que todo sucede con lánguidos pero reconfortantes pasajes. Con la belleza como bandera, Vitskär Süden vuelven a crear una obra maestra de canción que alentará tus instintos interiores en un canto de añoranza que se convierte en esperanza desde una mirada serena. Musicalmente la combinación de los omnipresentes elementos progresivos es adornada con pinceladas psicodélicas acopladas con la destreza de un orfebre.

Vitskär Süden:
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Ripple Music:
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Reseña: MARAGDA.- ‘Tyrants’

En esta nueva entrega discográfica, MARAGDA nos sumerge en un viaje introspectivo a través de una amalgama de temas que abarcan desde las limitaciones auto-impuestas hasta la lucha por los valores, el amor, la esperanza y las despedidas. Todo ello se desarrolla en un hipotético universo de fantasía, donde la psicodelia y el rock progresivo se funden constantemente añadiendo matices de otros estilos como el garage, los sonidos alternativos así como rugosos golpes de stoner, ingredientes estos envuelto en un tupido manto de fuzz. Cabría hacerse la pregunta: ¿Son MARAGDA Una banda con alma psicodélica atrapada en un cuerpo Stoner? O por el contrario, son una banda con alma Stoner dentro de un cuerpo psicodélico? No sé si este viaje creativo te sacará de dudas, pero lo que si es cierto es que te llevará a gratificantes espacios sonoros en los dejar volar tu mente, las etiquetas son lo de menos. ‘TYRANTS’ es el reflejo de que estos chicos no dejan de experimentar, y los resultados son elocuentes, ya que tienen la frescura y audacia suficientes como para lanzarse sin salvavidas a aguas musicales turbulentas y salir airosos del reto. Porque MARAGDA no se ponen límites a su creatividad, y el resultado son canciones perfectamente elaboradas y llenas de matices con un alto atractivo. Un crisol sonoro que gravita en un espacio cósmico en el que su psicodelia se nutre de elementos progresivos bajo un carácter alternativo sin renunciar a la pesadez. Sus hipnóticos ritmos kraut son un propulsor esencial en esta travesía por los territorios psicodélicos del nuevo milenio. Guitarras acidas y corrosivas, junto a un elocuente dominio de las melodías vocales, acompañados de una instrumentación tupida, son la fórmula mágica de los barceloneses. Una banda diferente que no se ponen límites a su creatividad compositiva como nos demuestras las ocho fascinantes canciones de este viaje a lo desconocido. Una travesía que por su complejidad, se aprecia con mayor profundidad en repetidas escuchas, así captaras todos los matices, que son muchos, de estas maravillosas canciones.

Para la creación de ‘TYRANTS’, MARAGDA se embarcaron en un viaje creativo que los llevó a los Big Snuff Studios de Alemania, donde se pusieron a los mandos del productor Richard Behrens, conocido por su trabajo con bandas como Kadavar y Elder. Posteriormente, la masterización estuvo a cargo del aclamado ingeniero Peter Deimel (habitual de bandas como Motorpsycho) en los Black Box Studios de Francia, consolidando así una colaboración exitosa que comenzó ya con su álbum debut. En el apartado visual, la banda ha vuelto a asociarse con el estudio Error! Design (Explosions In The Sky, Russian Circles, Mastodon) para el diseño gráfico del álbum. Disponible vía Spinda Records.

Una inquietante y grandilocuente introducción nos augura la monumentalidad de ‘Tyrants’. En esta primera canción podemos percibir la inclinación progresiva que se da en gran parte de las canciones del álbum. Impulsado por un hipnótico ritmo kraut la pista atraviesa pantanosos espacios lisérgicos en una conjunción estilística que da sus frutos. Cruzando un amplio abanico de géneros, los barceloneses crean una canción multicolor con una identidad propia en la que la nueva psicodelia adquiere un sinfín de matices.

En un tono más alocado y sideral ‘Skirmish’ gravita a la velocidad de la luz en un mundo distópico en un ambiente futurista empapado en psicodelia colorista y un ritmo inquebrantable. Buenos solos de guitarra ácida contrastan con embestidas de gruesos riffs entre su dinámica cósmica.

Si alguien tenía duda de si estos chicos son capaces de tocar canciones pensadas, ‘Endless’ le dará la respuesta. Riffs arenosos empujados por un ritmo atronador y un sonido turbio. Con una instrumentación exuberante la banda parece emular a Viaje a 800 con estribillos pegadizos con los que conquistar al oyente en esta tormenta de riffs. La pista va mutando ofreciéndonos desarrollos psico-progresivos en su peregrinar.

Por si faltaran ingredientes en este suculento guiso sonoro. Los tonos del rock clásico aparecen en ‘My only link’. El legado del rock de los 70’s aderezado con momentos más propios de Motorpsycho.

En un espacio más ambiental ‘Sunset room’ gravita entre pasajes psico-progresivos con una estructura sólida y elementos diferenciadores. Otra pista psicodélica con un espíritu alternativo y mil meandros en su ondulante cauce musical.

 El eclecticismo de MARAGDA se refleja en canciones como la potente ‘The singing mountain’. Un torbellino sonoro con un ritmo incesante que camina sobre estilos contrapuestos creando un ‘todo’ con sentido. El reflejo de que estos chicos no dejan de experimentar, y los resultados son elocuentes. Me resulta difícil definir su estilo, así que lo mejores es que lo descubras por ti mismo.

Las cosas no parecen cambiar demasiado en ‘Godspeed’ Los pasajes psico-progresivos persisten en su gravitación cósmica. De nuevo esas melodías vocales a caballo entre Yes y Motorpsycho y los incisivos solos de guitarra picante en una atmósfera psico-espacial de tonos futuristas. Un motorik imparable que se enriquece con cautivadores registros vocales, así como una pesadez ácida.

En un tono más folclórico, la progresiva ‘Loose’ pone la pausa con bucólicos pasajes en su parte inicial, para emprender un tortuoso viaje por territorios agrestes en los que los riffs contundentes nos abren la puerta a un mágico mundo psicodélico en el que la belleza aflora en cada nota.  La pista se enturbia en una bacanal psicotrópica en la que ofrecen su mejor versión heavy-psych. Un colofón perfecto a un álbum exuberante, y sumamente cautivador.

Maragda

Spinda Records

Reseña: DATCHA MANDALA.- ‘Koda’

Con si fuera el comienzo de un nuevo capítulo en el sonido de la banda francesa, su nuevo y tercer álbum con su álbum ‘KODA’, DATCHA MANDALA emprende nuevas rutas sonoras que se alejan de alguna manera de lo que nos habían mostrado en capítulos anteriores. Esas vibraciones vintage en las que el blues, la psicodelia y los elementos orientales mutan a un espacio más versátil en el que tiene cobijo los pesados ritmos Stoner, el pop británico, los vibrantes sonidos alternativos e incluso las incursiones progresivas y el soft-rock. Sustentando sus canciones en unas estructuras sencillas, las mismas, se enriquecen con un sobresaliente trabajo en las voces. Siempre con alternancia y coros subyacentes, las melodías marcan el devenir de cada pista. Impregnando sus composiciones de una cierta modernidad en contraste con el espíritu retro de su anterior álbum, ‘KODA’ se postula como un giro hacia una nueva etapa. DÁTCHA MANDALA nos ofrecen un álbum profundo, robusto, maduro y poderoso, con una consistencia inigualable hasta el momento. Puede este nuevo punto de partida haga que algunos de sus fieles no sean capaz de asimilar este viraje musical, pero también es la oportunidad de encontrar nuevos adeptos a su causa. Por esto, ‘KODA’ se convierte en un reto sobre el público dictará su veredicto, lo que no significa que sus canciones no sean completamente disfrutables, que lo son, ya que ellas la contundencia, las guitarras chirriantes y los ritmos pesados, existen y siempre consiguen sorprender a un oyente. Este sorprendente y ecléctico trabajo incide en la consolidación de la banda y en su propósito. Porque sus riffs siguen inspirándose en la efervescencia musical de los años setenta, pero sobre todo en el dinamismo de las escenas actuales del rock y el metal. ¿Puede esto significar que debemos eliminar la etiqueta de ‘banda vintage’?. Solo el tiempo nos dará la respuesta.

DÄTCHA MANDALA son: Nicolas Sauvey – voz y bajo | Jérémy Saigne – guitarra y coros | Jean-Baptiste Mallet – batería y coros.

‘KODA’ está disponible vía Discos Macarras, DM Prod y Take It Easy,

Con un sonido turbio y poderoso ‘She Said’ gravita entre ecos de hard-rock y un enfoque heavy-progresivo. La dulce voz dulce a la vez que firme. Su sencilla estructura se complementa con variados elementos que van desde el pop-rock al Stoner más rugoso.

Con un sonido noventero y con coros y melodías cautivadoras, ‘Koda’ aúna momentos de dulzura con un espíritu pesado. Su potente sonido y unos cuidados arreglos hacen de la canción una candidata a convertirse en un himno. Una pista fresca y dinámica que refleja en cambio de rumbo de los franceses.

Con un giro inesperado, ‘The Wanderer’ mira al pop-rock de finales de siglo entre voces y coros pegadizos. La pista va evolucionando a un sonido mas pesado sin perder su aura volátil y almidonada.

Es evidente que este álbum no hay momentos para la monotonía. Así ‘Om Namah Shivaya’ es coloreado con pinceladas de blues, de soul y de hard rock contundente y áspero.

A modo de vibrante interludio ‘Syndrome of Laborious Optimism’ con algo menos de un minuto, es un verso suelto dentro del álbum y sirve de lucimiento para su batería.  

‘Wild Fire’ se sustenta en un sonido vintage, y una cortina nublosa bajo un ritmo implacable. Los coros y voces amortiguan una pista suave en la que las melodías vocales juegan un papel protagonista. Pero también en la canción encontramos acertados solos de guitarra incorporando un sonido más pesado.

Enfundados en un entorno a caballo entre el soft-rock y un universo más alternativo, ‘Love Myself’ controla sus tiempos e intensidad para mostrarse como una pista luminosa y fresca.

La agresividad de la banda aflora en ‘Thousand Pieces’. Una pista pesada y con un espíritu indómito ejecutado con una actitud punk. Otro giro de guion de una banda que no se amedrenta ante ningún estilo y que aquí parece seguir los paso de RATM.

Haciendo un guiño a los Stones en el título, ‘It’s not only rock’n’roll (and we don’t like it)’, gravita en un entorno en el que el stoner se nutre de ecos alternativos bañados con pequeñas dosis de metal. Otra curiosa canción que acaba por funcionar.  

En ‘KODA’ también hay espacio para la ternura. Muestra de ello ‘ Julietta’. Una balada semiacuática con un derroche vocal que transmite un torrente de sentimientos aderezado con unas gotas de soul. Una pista hermosa y dulce.  

Si en el resto de canciones hemos encontrado momentos de pesadez. ‘Homeland’ para erigirse en tema con fuerza y garra. Su lento pero pesado ritmo y el buen dominio de las melodías vocales la convierten en un torpedo a la línea de flotación del oyente. No te resistirás.

Dätcha Mandala

Discos Macarras Records

Take It Easy Agency

Reseña: OAKFARM.- ‘Oakfarm’

Saca tus pantalones de campana, ponte las botas camperas, viste con tu chaqueta de flecos, mueve la melena al viento y prepárate para una auténtica fiesta de rock vintage. Ese rock de antaño que tantos buenos momentos nos dio en el pasado y que con bandas como OAKFARM, sigue vigente en nuestros días. Tal y como describía la promo del álbum, este debut bien podría compararse con uno de esos vinilos olvidados de los 70’s que ha permanecido olvidado durante años en una vieja choza de madera de la que nunca has oído hablar. El trio alemán nos ofrece un soberbio álbum de rock vintage en el que el blues, la psicodelia y las melodías pegadizas cubren unas canciones que rebosar autenticidad. Si eres amante de bandas como Graveyard o Rival Sons, aquí tienes un tesoro por descubrir. Un álbum fresco y colorista que se recrea en los sonidos analógicos del pasado para ofrecer al oyente una experiencia única. Ocho canciones sencillas, sin artificios, y que van directas al corazón del oyente para hacerte el día mas agradable. Sin duda estamos ante uno de esos debut, que me hace presagiar un gran futuro para una banda que a pesar de recrear los sonidos de los 70’s, lo hace con honestidad y brillo. Un álbum con mucho blues, con hard-rock, con psicodelia, pero también con gratificantes momentos progresivos y con arrevatos de boogie contagioso.

‘OAKFARM’ está disponible vía Pink Tank Records.

OAKFARM son: Tobias LEMBERGER , guitarra y voz (también en SONS & PREEACHERS),  Dennis OELZE (batería) y  Arne DÖPPER , bajo (también en BONE MAN).

‘ What If’ brota entre acordes acústicos con una innata vocación vintage para convertirse en una canción colorista en la que los tonos retro se tiñen de pasajes progresivos y dulces voces que nos acarician con suavidad.  Evocando un entorno bucólico la pista transita por la senda del rock clásico sin estridencias y un con un riff principal que engancha al oyente con facilidad.

En un espacio ya transitado previamente por bandas como Graveyard, el blues y el hard rock de los 70’s son los genes de ‘Reason’. Un sonido retro con buenos pasajes de guitarra y una estructura oscilante que parece rescatar el legado de Zeppelin. El corte avanza entre paradas y arrancadas en una atmósfera ligeramente salpicada por tonos psicodélicos y un espíritu más propio de otros tiempos.

‘ The Way’ mantiene la esencia rockera en una pista vibrante que no traspasa la barrera,  pero que nos brinda buenos momentos de rock sin complejos. Ondulante en su desarrollo, la canción conjuga todos los elementos del rock de los 70’s. Guitarras asesinas, un bajo magnético, unidos a un ritmo contagioso y una voz con el suficiente carisma para seducirte. En la pista encontramos algunos elementos progresivos que le dota de sobriedad.

Bajando las revoluciones ‘Sombre Vita’ se nutre de acordes electroacústicos y una cautivadora melodía vocal. En un entorno gris, la pista se arma sin prisa para llevarnos a un espacio acogedor entre armonías oscilantes y golpes de hard-rock vintage. La canción también contiene buenos solos de guitarra que le dan cuerpo a sus tiempos medios.

La aterciopelada ‘Carry On’ contiene una cuidada melodía que inevitablemente nos recuerda tiempos pasados. Con una vibra entre el pop y el rock de finales de los 60’s y reminiscencias de The Beatles, la canción contiene unos magníficos arreglos con los que los alemanes consigas que se muestre como imponente y cautivadora.

Con un ritmo boogie rock ‘Friends’ es una invitación a la fiesta y al baile. Ecos west-coast y un espíritu hippie empapan de color esta canción campestre. La sencillez de su estructura es uno de sus avales. No se necesitan artificios para componer canciones que funcionen. Aquí tenemos un claro ejemplo con un corte aireado por vientos sureños, ecos de blues y un ritmo contagioso.

‘Let It Breathe’ es otra canción que bien pudiera haberse compuesto en los 70’s. Con una vibra más propia de bandas como The Who, se eleva con su espíritu libre por la senda del rock clásico. Otra canción que rezuma honestidad, sin poses, simplemente rock a secas, sin más. Con toda la energía los alemanes aumentan la intensidad incorporando afiladas guitarras que acompañan a su dinámico ritmo.

Recordándome nuevamente a Graveyard, ‘The Melody’ es una canción en la que el blues y las dulces melodías conviven en armonía. Evolucionando hacia un espacio más rockero, el corte se eleva prudentemente para mostrarse esplendoroso. La furia de desata en otra celebración colorista del rock clásico, ese rock que nunca muere y que seguirá con nosotros durante mucho tiempo.

Oakfarm

Pink Tank Records