progressive-rock – Página 10

Reseña: ELDOVAR.- ‘A Story of Darkness & Light’

¿Un álbum creado por los miembros de dos de los estandartes de la escena pesada undergroung? Nada puede salir mal. Eso es ELDOVAR, el resultado de la unión de KADAVAR y ELDER. Un proyecto que surge en Berlín durante el periodo del confinamiento y la imposibilidad de tocar en directo para unos músicos que disfrutan tocando ante el público. Reflejando esos oscuros momentos ELDOVAR se dejan llevar por sus instintos para crean un álbum diferente, pero en el que podemos encontrar elementos de ambas bandas. Como ya hemos comprobado en sus más recientes trabajos, la evolución del sonido de ambas formaciones se decanta por una senda progresiva, y ese parece ser el leit-motiv musical aquí. Las canciones de ‘A STORY OF DARKNESS & LIGHT’ nacen de la tristeza y la melancolía. No había agenda y lo que se puede escuchar en el disco refleja la espontaneidad y el momento. Sin presiones de dentro ni de fuera, este disco se basa en la determinación de crear algo y dar rienda suelta a las ideas. Esto resultó en canciones que son emotivas e impactantes, ya que los sentimientos se transportan de manera auténtica. Sin elementos externos que les distraigas, ELDOVAR consiguen que el sonido fluya y se transforme en canciones intimistas y oscuras, con un sonido versátil y sorprendente. En el álbum se pueden reconocer el sonido de ambas bandas entrelazados por una causa común.

‘A STORY OF DARKNESS & LIGHT’ fue grabado entre marzo y junio de 2021 en Robotor Studios (Berlín) y en él participan Tiger Bartelt, Lupus Lindemann y Simon Bouteloup de KADAVAR, así como Michael Risberg, Nick DiSalvo y Georg Edert de ELDER (menos el bajista Jack Donovan, a quien no se le permitió viajar desde Estados Unidos) El álbum está disponible vía Robotor Records.

Con una apertura en la que los acordes borboteantes no introducen en un espacio gris en el que la melancolía aflora, ‘From Deep Within’ nos muestra de alguna manera, que es lo que vamos a encontrar en el resto del álbum. La canción se desarrolla entre suaves pasajes progresivos y cálidas voces. Arropado por un manto lánguido, el tema da un pequeño giro con riffs mas reconocibles engrosando su sonido. Largos solos de guitarra y gruesos desarrollos van haciendo mutar el tema a un escenario más propio del hard-progresivo. Instalados en esa atmósfera oscura, inquietantes pasajes crean una tensión entre briosos tambores. Todo parece desbocarse hacia un precipicio gran velocidad. La tragedia se masca. Un nuevo giro nos devuelve a un espacio de relajación en el que bellas melodías parecen evocar el pasado de los grandes dinosaurios del género de los 70’s. Si en la primera parte, el sonido de KADAVAR parece estar más presente, los ecos de ELDER afloran en la parte final con coros superpuestos y una atmósfera nebulosa.

‘In The Way’ abre con acordes acústicos de guitarra, mientras la voz de Lupus crea un espacio balsámico lleno de bucolismo. Desde la sencillez, los elementos sinfónicos crean una atmósfera apacible y ensoñadora. Suave en sus melodías, la canción parece poner algo de luz a un álbum oscuro en su conjunto. Las voces superpuestas elevan el tema a un espacio volátil. Ahí de nuevo, los elementos progresivos aparecen con fuerza. El tema cambia su fisonomía pare seguir la senda hard-rock, con algunos elementos prog.

Uno de los adelantos que la banda nos ofreció como presentación del álbum fue el sencillo ‘El Matador’. Una canción que versa sobre el baile del torero con el toro en la arena. Desde el momento en que se convierten en uno en el movimiento y llenos de dedicación se olvidan de todo a su alrededor. Y aun así termina quitando la vida porque la fama y el honor significan más para él que el amor y cariño de su frente y porque siempre ha sido así. Por eso el toro sabe lo que el destino le tiene preparado. En delicados tonos floydianos, el tema refleja la tragedia de la muerte en el coso. Sutiles coros celestiales de la propia esposa de Lupus aparecen en un tema que se inclina por los acordes acústicos y que refleja la tragedia.

‘Rebirth Of The Twins’ es un corte envolvente y atmosférico que parece describir esos duros momentos del confinamiento. Tres minutos instrumentales a modo de interludio o introducción para la siguiente canción sin muchos más alicientes.

Enlazado desde el tema anterior, ‘Raspletin’ se desarrolla en una atmósfera psico-progresiva con efectos envolventes y una calmada instrumentación. Borboteos, efectos y contenidos tambores crean un espacio lisérgico sin darnos pistas de a donde nos dirigimos. En ese entorno psicotrópicos de tintes casi espaciales, las guitarras aparecen con largos solos ácidos. El tema se diluye en el infinito sideral, esta vez sin voces. El tema más espacial del álbum nos deposita en un insondable espacio en el que el vacío el rey.

‘Blood Moon Night’ se convierte en el tema más largo del álbum con sus mas de 11 minutos. En esta ocasión los músicos se dejan llevar por pasajes hard-progresivos con riffs más pesados. Un sonido que por momentos parece ser más reconocible y que no difiere del ofrecido por KADAVAR en su último álbum. Con muchas reminiscencias del progresivo de los 70’s, el tema ofrece pausadas melodías. Intercambio de voces genuinas, y una atmósfera casi sinfónica, van construyendo una canción con reminiscencias sutiles de Pink Floyd en alguno de sus pasajes. Tras la calma inicial, el tema explota por una inquietante senda Stoner para frenarse en seco y dejar paso a unos tambores que sirven de preludio a densos y pesados pasajes de tintes monumentales. Desesperación y tragedia son percibidas en unos inquietantes desarrollos llenos de fuerza. Una contundencia que consigue ser equilibrada con momentos de calma. Envuelto en esa atmósfera oscura, el corte pasa por distintos estados reflejando que cada acorde fluye con naturalidad.

Para cerrar el álbum, ‘Cherry Trees’ parece optar por la suavidad con aterciopeladas melodías vocales. Una balada rebosante de belleza y melancolía que es toda una mirada hacia el interior con una repetición de acordes adornados con elementos atmosféricos para poner el broche final a un álbum sorprendente y melancólico.

KADAVAR

Elder

Robotor Records

Reseña: FEVER DOG.- ‘Alpha waves’

Siete años esperando un Lp de los californianos FEVER DOG, y la espera, por fin ha terminado con su fascinante nuevo álbum ‘ALPHA WAVES’. Un crisol de sonidos de los 70’s que nos hace bailar a ritmo de glam-rock, emulando a THE SWEET. Vibrar con los coloristas aromas sureños herederos de MARSHALL TUCKER BAND o de THE OUTLAWS. Vestirnos de negro para travestirnos en una mutación de RAINBOW y ALICE COOPER o lucir las melenas al viento en modo DEEP PURPLE para sgitar los pantalones de campana como LED ZEPPELIN. Pero no solo eso, porque ‘ALPHA WAVES’ también nos ofrece cruces de caminos entre David Gilmour y Ray Manzarek en una chamánica conjunción astral en la que por momentos Pink Floyd se cruzan con The Doors. Y por si faltara poco, T. REX derrochando sensualidad y chulería en contraste con la sobriedad y melodía de Phil Collins. La lista de referencias podría ser interminable en este logrado catálogo de canciones vintage. ¿Se puede pedir más?. Pero no nos engañemos, FEVER DOG han vuelto a la actualidad diciendo: ¿Querías música nuestra? Pues aquí la tenéis bastardos. Sin miedo a sumergirse en atmósferas psico-progresivas, y tampoco a caminar por duros desiertos sonoros; su enérgico hard-rock primitivo, no teme emparejarse con nadie, y si hay que tomar elementos de distintos estilos, se toman sin complejos. Aún así no pierden su esencia, porque ‘APHA WAVES’ es una auténtica fiesta del rock vintage, directo y sin artificios, hecha desde frescura y la honestidad. Un álbum que refleja a una banda apasionada y que contiene emocionantes canciones con una mayor elaboración, pero que funcionan como auténticos ganchos para el oyente. Una gran noticia el regreso de los californianos a la actualidad.

‘Frewhelin’’ nos sitúan a las primeras de cambio en una fiesta de rock sureño en clara línea Marshall Tucker Band. Colorista y lleno de vitalidad, el corte danza entre vibrantes ritmos de rock and roll clásico con un inequívoco aroma vintage. Coros y estribillos pegadizos así como un aire glam, acompañan esta impactante apertura con aroma del sur. Toda una bacanal de órgano y guitarra entre vigorosos tambores.

Mas cadente y con aires de psicodelia 60’s ‘Solid ground’ profundiza en sonidos del pasadoahora con carácter más progresivo. El control de los mandos por parte de los teclados es algo que marca el devenir de la canción. Un caleidoscopio colorista con un carácter amable.

Casi ocho minutos necesita FEVER DOG para desarrollar todo su potencial en la canción que da nombre al álbum. ‘Alpha waves’ y sus ondas expansivas nos impregnan de hard rock 70’s una especie de Led Zeppelin con vocación glam. Efectos, solos ácidos y la superposición de voces y coros conforman un espacio versátil en el que caben distintas vibraciones, sin perder su vocación retro. Con una parte central en las que las vibraciones cósmicas llegan de mano del teclados y sintetizadores, consiguen narcotizarnos en una espiral de hipnóticos sonido con un carácter floydiano. El aquelarre culmina con un lento amerizaje en una acolchada plataforma lisérgica.

‘Hold on you’ se precipita en unos surcos que rezuman hard-rock crudo y directo. Con guiños Rainbow, el tema se deja seducir por una aparición de Alice Cooper. Esas incursiones glam, vienen de la mano de riffs crudos de puro rock pesado, algo con lo que se manejan a la perfección los californianos. Subiendo la intensidad, llegan a un escenario más propio del heavy-rock más arcaico arrollándonos con sus riffs.

Con un nombre tan evocador ‘Star power’, un insondable universo cósmico, se abre ante nuestros sentidos con cálidos y sosegados pasajes psico-progresivos. Entre teclados doorsianos, y suaves melodías, el tema fluye entre nebulosos pasajes de pausada psicodelia. Guiados por las armonías salidas de los teclados, la ácida guitarra aparece en la parte central evocando a los mismísimos Pink Floyd en una conjunción astral con los jinetes de la tormenta, esta vez, guiados por el espíritu de Ray Manzarek. El registro vocal me suena familiar, pero no soy capaz de identificar de donde viene esa cadencia. Lo cierto es que estanos ante uno de los temas más mágicos del álbum.

quitándose la careta psicodélica y pintándose la cara con estrellas, ‘Bruiser!’ emula con descaro el legado de T. Rex, vistiendo a FEVER DOG de pura glam-rock entre luces de neón y esferas multicolores. Adornando el tema con una capa cósmica, los efetos se suceden entre ritmos oscilantes. Glam del siglo XXI ejecutado de manera fiel a los pioneros. La canción te invita al baile.

Los tonos pastorales abren ‘The demon’. El órgano ceremonial es el argumento para sumergirnos en un oscuro bosque del que escapan a toda prisa. Golpes de blues proto-metal nos golpean entre voces ecualizadas y un frenesí de solos y tambores. Una ceremonia pagana que exorciza nuestros demonios con una sensacional banda sonora. Toda una danza macabra y ácida envuelta en tonos retro más propia de los primeros Deep Purple. Todo un golpe de efecto en este crisol de canciones más propias de los 70’s.

Aplastante y cósmico, ‘The King of the street’ retoma los contagiosos ritmos de raw & roll ahora vistiéndose de The Sweet. Si los británicos armaban jaleo en el salón de baile, FEVER DOG toman las calles con un frenesí de rock and roll con lentejuelas y amplios pantalones de campana. Esto suena genial, y además es imposible escapar de su seductor y contagioso ritmo. ¿Te unes a la fiesta?

‘Mystics of Zanadu’ se desboca en una especie de boogie cósmico que se ejecuta a la velocidad de la luz. De nuevo la herencia de Deep Purple se conjuga con momentos de hard-progresivo alegre y colorista. Siete minutos de torbellino sónico que nos lleva a lejanos entornos siderales en los que el vacío se muestra ante nuestros ojos y nuestros sentidos. Un cambio radical en el guión que nos deja gravita en un mundo cósmico con agradables impulsos sensoriales. El corte acaba en un descenso majestuoso a un gratificante lugar que parece evocar un reino lleno de color y gratificantes sensaciones.

FEVER DOG vuelven a dar una vuelta de tuerca a su sonido con ‘In my hands’. En un espacio de soft-rock, el sonido de los ochenta de formaciones como Genesis o de melódicas bandas AOR. Aquí se despojan de su crudeza para componer una suave canción en la que la melodía es su principal aval.

Fever Dog

Reseña: PIEDRA ROJA.-‘Mar en el desierto’

Una banda novel, que se nota que está dando los primeros pasos de su carrera, pero que tiene unos argumentos sólidos para que esos pasos sean firmes. Con su debut, los sevillanos PIEDRA ROJA nos ofrecen un álbum prometedor nacido de una banda con ganas de mostrar al mundo sus emotivas creaciones sonoras, algo que comprobamos en la presentación en vivo que la banda hizo semanas atrás, en Madrid, donde hicieron la puesta de largo de este prometedor álbum. Una banda arriesgada que parece no querer renunciar a la música que han mamado, pero que pretende ampliar su espectro sonoro hacia otras vibraciones. ¿Arriesgado? Sin duda, pero el resultado ofrecido en este debut me hace augurar un futuro prometedor una vez que consigan centrarse en su sonido propio y donde realmente puedan hacer brillar sus mejores cualidades. Estamos ante un álbum conceptual con un sonido envolvente a la vez que pesado, en el que las raíces del rock andaluz y los ritmos tribales nos invitan a un ritual chamánico. Irreverentes y cuidando plenamente su imagen ( en sus actuaciones en directo aparecen con sus cuerpos pintados con colores rituales) no tienen problema en mostrarse descarados y atrevidos en su sonido, algo que les aporta originalidad en su ecléctica propuesta. Todo un estimulante para los sentidos que nos golpea con pasajes progresivos con letras cargadas de mística y misterio. Hard-rock y mucha esencia de su Andalucía natal, unido a pesados riffs Stoner y altas dosis de psicodelia trascendental, hacen de `MAR EN EL DESIERTO’, un álbum peculiar, sorprendente y fascinante a su vez. La vida, la muerte, el tiempo, la memoria o las gestas románticas arropadas por la Madre Tierra, son el argumento de un álbum que no te dejará indiferente.

Los componentes de la banda se presentan al mundo como Cazador a la guitarra rítmica, Explorador en la guitarra solista, Guerrero a la batería, Gran Jefe al bajo y Chamán a las voces, teclados y programaciones. crean la atmósfera perfecta para atraer la atención del espectador e hipnotizarle con su impecable puesta en escena. Las atmósferas son más envolventes y las partes contundentes suenan compactas y directas, creando una comunión perfecta entre la banda y el público.

El disco ha sido coeditado entre la banda y los sellos Ruidoteka Records y Nooirax Producciones. La edición limitada del LP en vinilo rojo puede reservarse desde el bandcamp de la banda.

‘Ritual’ nos introduce en el mágico mundo de los sevillanos PIEDRA ROJA. Una banda ecléctica que no reniega de incorporar a sus canciones tanto elementos progresivos como psicodélicos. Aquí los chamánicos cantos se complementan con una inquietante instrumentación a modo de preludio para lo que nos espera con los siguientes temas.

Desatando las hostilidades con un paisaje heavy-psych impregnado de psicotrópicos. ‘Si algún día’ con un tono trascendental en unas voces que recitan casi más que cantar, la banda crea un tema lleno de magia y misterio. Buenos acordes de guitarra y un relato oscuro van construyendo el tema desde la calma. Con reminiscencias de los pioneros andaluces de los 70’s y con pinceladas progresivas, conjugan las vibraciones más pausadas con golpes de riffs stonerizados con un resultado realmente fascinante.

Inmersos en ese insondable entorno trascendental, ‘Que me lleve la locura’ recupera las vibraciones de su Andalucía natal en otro relato dual en el que la suavidad de sus melodías se enriquece con una fuerte y pesada instrumentación. Susurrante por momentos, el tema gravita en un espacio nebuloso bajo sus místicos y trascendentales pasajes vocales. Cualquier amante del rock andaluz, percibirá las raíces de una banda que no reniega de la tradición con exóticos pasajes de guitarra acoplados a una tupida base rítmica. La conjunción de lo liviano con lo pesado alcanza aquí cotas de alto nivel. El tema nos proporciona un gratificante estado sensorial con sus múltiples efectos y ornamentos heavy-psych y sus tonos andaluces.

La colorista y rítmica ‘El tiempo dirá’ con sus ecos 70’s nos saca del trance para ofrecernos una pieza de rock sólido y pesado en la que la psicodelia se inserta con esmero. Con esa cadencia andaluza, el tema, construido sobre un riff que se repite, ondula por una senda de rock clásico entre elementos progresivos y psicodélicos, toda una constante de este atractivo álbum debut. Los sevillanos dejan patente su buen hacer en los entornos Stoner, sin renegar a su esencia psicodélica y de puro hard & heavy rock.

Ahora en tonos más atmosféricos y progresivos, ‘Mar en el desierto’ cambia el registro para ofrecernos intrincados pasajes envolventes y penetrantes. Los teclados toman las riendas del tema para ir moldeándolo sin prisa y sin salir del entorno oscuro y trascendental. Todo un entorno experimental que sirve como pausa a su relato.

‘Bailaré’ índice en una fórmula que a PIEDRA ROJA le funciona. Oscuras melodías vocales se custodian con riffs ásperos en contraste con el verdadero espíritu psico progresivo de la canción. Sin renunciar a sus gens andaluces, construyen un tema psico-progresivo con fuertes dosis de pesadez. Algo que queda patente en la descomunal estampida de pesadez que el corte nos ofrece en su parte central. Como en cada canción, nada es lineal en este debut, el tema serpentea en distintos entornos sonoros rozando las fronteras de la psicodelia pesada y el hard-progresivo, en esta ocasión con unas entrañas más plomizas.

Cuando una banda compone un tema de larga duración, siempre se prepara un espacio para desarrollar todo su potencial. Ese es el caso de ‘Suplicándole a la muerte’. Oscura poesía y una mirada al pasado se palpan en una canción que mantiene la dualidad entre lo pesado y lo ensoñador. El carácter trascendental del relato flota entre acordes más propios de los post-rock estratificados en un nivel inferior a sus solos ácidos y pesados. Todo un espacio para el lucimiento de una banda novel, pero con muy buenos argumentos. Contundentes, pero con el suficiente arte como para ofrecer salidas diferentes a cada canción manteniéndose fieles a su esencia.

Con otro tema largo de ocho minutos, ponen el cierre a un trabajo prometedor. Los cantos ancestrales de ‘Respira’, son sumergen en un entorno chamánico. Pinceladas post-rock y un manto de psicodelia oscura y humeante van tejiendo el verdadero sonido de la canción. Profundos pasajes trascendentales y una delicada e inquietante ambientación instrumental, nos lleva a un espacio redentor. La rudimentaria voz trata de transmitir todo su desasosiego entre una ambientación lisérgica en la que los elementos progresivos no fallan a su cita. El protagonismo del relato vocal en la primera parte del tema da paso a desarrollos psico-progresivos de alto nivel. El tema se dota de épica en su parte final, dejándonos la sensación de que la historia continuará….

Piedra Roja

Nooirax Producciones

Ruidoteka Records

Reseña: MONOLORD.- ‘Your time to shine’

Un álbum para dejar los complejos de lado y entender que las bandas pueden evolucionar en su sonido sin necesidad de renunciar a su esencia. Durante un tiempo MONOLORD me pareció una banda demasiado repetitiva en sus canciones, pero cada día que pasa me demuestran que su capacidad compositiva va mas allá. A pesar de ser una de las bandas estandartes del doom contemporáneo, MONOLORD lleva tiempo sabiendo evolucionar, pero siguen siendo reconocibles. Con la mente abierta a explorar nuevas rutas sonoros, el trio de Goteborg, aporta mucha mas melodía a sus canciones, algo, que queda patente con el registro de la voz de Thomas en muchas de ellas. A su vez, las embestidas de riffs con los que han creado la ‘escuela MONOLORD‘, siguen apareciendo, incluso con una mayor virulencia. Ese sonido característico sigue presente en unas canciones que se abren a un universo más oscuro, más progresivo e incluso más psicodélico. ¿Pérdida de fuerza? ¿Renegar de la pesadez? Cualquiera que escuche ‘YOUR TIME TO SHINE’ con atención, se dará cuenta de que no es así, sino que la banda amplía su espectro sonoro para componer canciones mucho más ricas en texturas y matices. Si aquí encontramos a la banda en su faceta más atmosférica, también encontramos al trío más agresivo, con guiños al death metal de la vieja escuela incluso. Aunque la mayoría de las canciones se dejan llevar por suaves y envolventes desarrollos, en ellas siempre hay una grieta por la que sacar esos crujidos que te golpean el cerebro y que te recuerdan que los suecos son una banda de doom. ‘YOUR TIME TO SHINE’ es uno de esos álbumes que hay que escuchar con la mente abierta (como la mayoría de los álbumes, por otro lado) para poder disfrutar de todos sus matices y nuevos alicientes, si lo haces así, te parecerá un álbum maravilloso, pero si solo buscas pesadez, podrá decepcionarte. Lo cierto es que es un álbum completo y notable que hace que un género como el doom, demasiadas veces anquilosado, amplíe su territorio sonoro. MONOLORD lo hacen, como antes lo han hecho bandas como ELDER o los mismísimos KADAVAR, y esto es una muestra palpable de la madurez que tienen como banda.

MONOLORD son: Thomas V. Jagger (guitarra y voz), Mika Häkki (bajo) y Esben Willians (batería). ‘YOUR TIME TO SHINE’ está disponible vía Relapse Records.

El álbum abre con un sonido tan crujiente que pareciera que los altavoces fueran a reventar, doom en estado puro para noquear al oyente durante casi un minuto, pero ‘The weary’ no tarda en tomar un camino diferente en su sonido. Con unas delicadas melodías vocales y una instrumentación que se inclina a territorios progresivos, la guitarra construye una bella melodía entre los rasgueos del inquebrantable bajo de Mika. Con un subyacente espíritu a 70’s, el tema se dispone en dos niveles en los que las melodías coexisten sobre los pesados y plomizos riffs.

‘The each their own’’ es un tema que abre con un sonido difuso y pesado en el que los pasajes psico-progresivos afloran para cambiar radicalmente su fisonomía. Con reminiscencias del sonido hard-progresivo de los 70’s el corte ondula entre embestidas de riffs monolíticos y una armonía calmada y suave. Un claro ejemplo de la nueva ruta que sigue el sonido de los suecos en este nuevo álbum. Acolchadas voces y guitarra como protagonistas de los momentos más sosegados. Lento en su desarrollo, mantiene la esencia de la banda en este peregrinar por nuevos espacios sonoros. Doomy y atmosférico el corte logra conjugar las distintas referencias estilísticas con las que nace.

‘I’ll be damned’ el segundo sencillo que el trio sueco presentó como adelanto de este nuevo álbum. Fieles a la pesadez que les caracteriza, el tema parte de plomizos riffs que van remitiendo en su intensidad hasta generar una atmósfera densa y psicotrópica. Con unas voces casi en tonos rituales, el corte avanza firmemente dejando un rastro de desolación a su paso. Sumergiéndonos en un oscuro bosque psicodélico, sus misteriosos pasajes toman tintes casi ocultistas custodiados por hordas de riffs que protegen los devaneos de una guitarra que explora entornos heavy-psych. El corte, vuelve a la casilla de salida para morir a monos de monolíticos riffs Stoner-doom a los que nos tienen acostumbrados.

Naciendo de una atmósfera inquietante, ‘Your time to shine’ se desarrolla a paso lento en una ambientación en la que MONOLORD vuelve a explorar espacios psico-progresivos. Con una atractiva melodía el tema sigue el camino que bandas como ELDER o los mismísimos KADAVAR exploran en sus últimos álbumes. Las etéreas voces flotan entre los habituales riffs monolíticos a los que la banda nos tiene acostumbrados. Dando un matiz diferente, la melodía ocupa un espacio de mayor protagonismo sobre su habitual apuesta doom. Pareciera que estemos ante una banda diferente, pero sin duda, este paso adelante solo refuerza su potencial. La belleza de las melodías de guitarra y el matiz de las voces, hace que el tema adquiera tintes monumentales.

En la apertura de ‘’The siren of Yersin’ encontramos a los MONOLORD más reconocibles. Sus poderosos riffs golpean con fuerza antes de abrir una puerta a un mundo mágico en el que todo se muestra liviano y sutil. Nuevamente explorando atmósferas psico-progresivas la banda pone pausa a un tema bien construido con momentos de gran belleza sonora. Con reminiscencias de algunos de los dinosaurios de los 70’s, el trio pone la pausa con delicadas melodías que son asediadas con embestidas de pesadez. Esa conjunción entre lo inquietante y lo ensoñador, entre la pesadez y la calma, resulta lo suficientemente atrayente para caer rendido a esta nueva propuesta. El resultado es un relato lleno de épica con dulces voces riffs gruesos y desarrollos progresivos de alto nivel. El tema consigue aturdirnos y narcotizarnos a partes iguales, un equilibrio fruto de un gran trabajo compositivo.

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Reseña: MARAGDA.- ‘Maragda’

Sin saber claro ni ellos mismos como definir realmente su sonido, el trío barcelonés MARAGDA grababa su álbum debut, ahora ese bebé llega al mundo para fascinarnos con su versatilidad y creatividad. Todo un arco iris sonoro que abarca momento verdaderos momentos psicotrópicos envueltos en boscosas neblinas progresivas. Son muchas las vibraciones que contienen unas canciones en las que las algodonadas melodías contrastan con embestidas de riffs que nacen de la cantera del stoner- metal. No tenemos muchas bandas en España que experimenten con sonidos más propios de Motorpsycho y a su vez nos ofrezcan espirales lisérgicas en línea Earthless o Slift. Su eclecticismo llega a retomar momentos más propios del rock de los 70’s para mestizarlo con vibraciones neo-psicodélicas. El trio sin duda, se maneja bien en estas lides, ya que, desde el magnetismo de su bajista, los poderosos e infatigables ritmos de su batería, hasta las bacanales psicotrópicas de su guitarrista, consiguen que el oyente disfrute de un fascinante viaje. Si a esto unimos, las cuidadas melodías de sus canciones, podemos decir, sin temor a equivocarnos, que estamos ante uno de los trabajos españoles más fascinantes de los últimos tiempos. Teniendo en cuenta que MARAGDA son una banda novel, su irrupción en la escena no podía hacerse de mejor manera. En este álbum no encontrar canciones lineales, por el contrario, los giros en la trama de cada una de ellas, es precisamente su mayor aval. Si quieres salir de los convencionalismos y explorar nuevas rutas sonoras, no deberías perderte este magnífico álbum.

El álbum debut del trío cuenta la historia de Maragda, una antigua civilización que tras el Gran Desastre se vio forzada a buscar refugio en el subsuelo… Con el transcurrir de los años, los recuerdos de la vida en superficie eran eso, solo vagos recuerdos. El pueblo finalmente se acostumbró a vivir bajo la opresión de un gobierno totalitario conocido como The Core. Sin embargo, todo cambió el día en que la gente comenzó a escuchar la llamada de sus voces interiores… Un grupo de rebeldes armados de valor comenzaron una expedición por La Oscuridad, dispuestos a descubrir todos los secretos que escondía Maragda.»
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Para este debut han contado con Edgard Beltri (La Atlántida Estudio) en la producción, grabación y mezcla; y Peter Deimel (Black Box Studio) en la masterización; además de Error! Design en el apartado gráfico. ‘MARAGDA’, estará disponible el 15 de octubre en formatos digital, streaming y compact disc, además de una edición en vinilo ultra-limitada a 300 copias exclusivamente gracias a una co-edición hispano-americana entre Spinda Records, Nafra Records y Necio Records.

MARAGDA son:
Marçal Itarte: bajo y voces
Guilem Tora: guitarra
Xavi Pasqual: bateria

‘The core as the whole’ abre golpeando directo a la yugular con poderoso riffs para ir moldeándose para ofrecernos un sonido colorista. Esta impactante apertura deja paso a desarrollos progresivos con melódicos pasajes y un aroma psicodélico más propio de los 70’s. Describiendo un entorno mágico sus acordes nos susurran proporcionándonos un estado balsámico. Hipnótico y repetitivo en su armonía, pero con el suficiente gancho para atraparnos en su narrativa. El tema cuenta con un magnífico trabajo de guitarra y una composición ciertamente creativa. Todo un viaje de ida y vuelta con un trayecto fascinante que acaba apagándose lentamente.

Sumidos en ese espacio de experimentación, ‘The calling’ se muestra plácido en sus melodías desarrollándose en una atmósfera psico-progresiva con atractivos ornamentos sonoros. Ritmos acelerados y voces melódicas cohabitan con solos asesinos junto a una cadente y magnética línea de bajo. Si bien su base rítmica es implacable, el corte serpentea en un apacible escenario sonoro sin perder por un momento su dinamismo. La riqueza compositiva y un sonido cristalino hacen el resto en otro tema con unas entrañas robustas.

La pulsante línea de bajo de ‘Orb of delusion’ da paso a lánguidas voces que nos sumergen en un caleidoscopio lisérgico con un sonido estratificado pero que logran entrelazar en una narrativa única. Nuevamente encontramos esos solos de guitarra que se estiran hasta el infinito custodiados por el poderoso y cadente bajo. Siempre retorciendo sus temas, MARAGDA se aleja de los convencionalismos para ofrecer alicientes al oyente con su sonido.

Oscuro y lento, ‘Crystal pasage’ toma prestados elementos místicos para seducirnos a un meditativo entorno lleno de magia. Relajante y magnético, el corte prescinde de las voces para invitarnos a expandir nuestros sentidos con su cálido y reconfortante sonido.

En la apertura de ‘Beyond the ruins,’ MARAGDA nos enseña su lado más pesado. Frenéticos riffs pesados nos sitúan en un nuevo escenario sonoro. Custodiados por ese monolítico y penetrante bajo la banda juega con distintos elementos creando un espiral diabólica de sonidos que nunca sabes a donde te van a llevar, ahí, precisamente reside su encanto. El lado más Stoner de la banda hace acto de presencia en contraposición con atmosféricos pasajes psico-progresivos. Una frenética escapada hacia adelante en una exploración de insondables y versátiles escenarios sonoros que por momentos miran al pasado.

Sin darnos cuenta, llegamos al último corte del álbum. ‘The blue ceiling’ retoma la narrativa psico-progresiva con ecos de los 70’s en otro tema con multitud de matices sonoros. Dinámico y siempre con la vista puesta al frente, la canción no reniega de distintas influencias sonoras, a pesar de su espíritu progresivo. Incorporando sintetizadores consiguen crear una atmósfera ensoñadora a modo de pentagrama sobre el que van insertando sus notas en un impostado caos que finalmente resulta con sentido. Ecos sureños incluso afloran entre sus armonías, lo que nos da muestra de que estos chicos tiene un amplio abanico de influencias. Nuevamente la guitarra se extenúa en solos infinitos hasta desaparecer en la lejanía en lo que parece más una jam, o un tema cuyo final no está aún escrito.