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Reseña: CAVERN DEEP.- ‘Part III – The Bodiless’

Los exploradores suecos del doom/psych CAVERN DEEP regresan con el capítulo final de su épica trilogía de álbumes conceptuales. Titulado ‘PART III – THE BODILESS’ marcando la conclusión de una historia que ha llevado a los oyentes a un viaje oscuro y sobrenatural desde el debut homónimo de la banda en 2021. El álbum es el álbum más grandioso y expansivo de la serie hasta ahora. Oscuro, denso, aplastante, inquietante, y rebosante de gran dramatismo, el álbum sirve de herramienta para construir una turbadora narrativa con el doom como protagonista. La historia del arqueólogo adquiere tintes trágicos con estas canciones que reflejan la desesperación entre atmosféricos pasajes heavy-psych y unas entrañas de puro doom. Este descenso a las profundidades ofrece al oyente los característicos riffs lentos e hipnóticos de la banda y sus atmósferas cavernosas, a la vez que teje un capítulo final que explora temas de trascendencia, transformación y lo desconocido. La narrativa llegada del inframundo lleva los límites de la banda a otro nivel gracias a unos inquietantes sonidos expansivos que parecen salidos de las entrañas de alguna criatura terrorífica. Con una incursión en territorios melódicos inusuales, CAVERN DEEP rompe los moldes del doom tradicional creando un nuevo álbum monumental en el que la épica de este trágico relato que sirve como argumento de la trilogía no te dejará indiferente sumiéndote en un estado depresivo del que puede sacarse muchas lecturas. La musicalidad y el carácter de estas canciones las hacen únicas dentro de las fronteras del género. ¿Estás preparado para esta odisea sonora de tintes monumentales? Tranquilo, el viaje a las profundidades viene acompañado de detalles que te sorprenderán. Disfruta.

CAVERN DEEP son:

Kenny-Oswald Duvfenberg (guitarras y voz),
Max Malmer (bajo y voz),
Dennis Sjödin (batería y coros),
Johannes Behndig ( teclados).

«PART III – THE BODILESS’ está disponible vía Bonebag Records y  Majestic Mountain Records 

La sinopsis del concepto es la siguiente:

A golpe de doom ortodoxo, entramos en la oscuridad cavernícola de los suecos con ‘The Bodiless’. La canción cuenta con la participación de Marty, cantante de Slomatics. ‘La transformación es completa. Entra en el reino impío a través del pulso, ahora sin forma física. Una imagen brillante de nervios, energía y rabia vibrante se mueve a través del espacio sin estrellas. Lo incorpóreo es recibido por las hordas interminables de seres sin forma, despertados con el único propósito de terminar su viaje. Todos perecerán’. . Ensoñadoras voces etéreas expanden sus cancos de sirena envueltas en una neblina melancólica. Su lento ritmo ceremonial y el carácter mustio y desgarrador de su relato aportan un tono trascendental en el que la tristeza invade el inquietante ambiente. Un desgarrador relato que corrobora la capacidad de los suecos en transmitir su propuesta sonoro, creando el espacio perfecto para que el oyente se sienta partícipe del mismo. Una lúgubre canción con algún interesante solo de guitarra y un oscuro magnetismo.Voces rituales y solos extenuantes se suceden entre el abrigo de la densidad de sus gruesos riffs empapados en cannabinoides.  antes de perderse en la distancia con distorsiones infinitas.

En el siguiente capítulo de esta aterradora narrativa, ‘Queen Womb’ describe lo siguiente: ‘Viajando entre nodos de paso, cubriendo las vastas distancias del vacío, la reina se eleva. Sus hijos se desintegraron, ahora ella misma en descomposición. Enfrentando a lo incorpóreo con la desesperación de una madre afligida, desata una ola de odio puro. Es inútil. La lucha es corta. Todo lo que queda es una cáscara vacía. Una masa muerta flotante. Centinela Pútrido Entra el vigilante amenazante de los bordes exteriores, el pútrido. Otorgador de un dolor insondable. El comandante de un millón de secuaces sin forma ahora desaparecidos. Extiende su energía oscura y sofocante a través de la inmensidad, como un poderoso bramido. Quiere consumirlo todo. Lo incorpóreo se filtra en sus venas como una promesa letal, pronto haciendo que su capa mortal sea perforada e inútil, destrozada en todo el espacio muerto’. La monumentales y las tinieblas se tiñen de lentos y atrayentes pasajes psicodélicos en una calma tensa que parece el preludio de algo terrible. La grave y aguardentosa voz inicia su inquietante relato acompañada de un pausado ritmo que se acelera y sube intensidad mascándose la tragedia. Bien estructurado y cumpliendo su cometido los elementos dark se suceden entre sus humeantes y plomizos riffs.

Entra el amenazante vigilante de los confines exteriores, el pútrido. Otorgante de un dolor insondable. El comandante de un millón de secuaces informes, ahora desaparecidos. Extiende su energía oscura y sofocante por la inmensidad, como un bramido imponente. Quiere consumirlo todo. Lo incorpóreo se filtra en sus venas como una promesa letal, dejando pronto su capa mortal perforada e inútil, destrozada por el espacio muerto. Esto es ‘Putrid Sentry’ otra desoladora canción que se resquebraja en su dolorosa narrativa con quejidos más propios del flamenco. Una oda llena de épica y nostalgia como sentimiento musical de este aromático relato teñido de un sinfonismo trágico.

 Lo incorpóreo se desliza lentamente hacia las fauces de la vorágine. Casi agotado. Casi agotado. Pronto su propósito se cumple. Esta es la cuna del mal primordial. A medida que la antigua masa arremolinada comienza a roer cada terminación nerviosa etérea de lo incorpóreo, su ofrenda final se libera en todo su esplendor: la última luz. Ardiendo. Consumiendo. El control de todo el reino se desvanece mientras el gran remolino ruge en una agonía moribunda. En ‘Moskstraumen ‘encontramos pasajes aromatizados sobrevolando los golpes de sus monolíticos riffs. El colorista saxo de Martin Ludl lleva la canción a un escenario sonoro en el que la psicodelia pesada copa el protagonismo en otro canto lánguido y atormentado. Su cansino deambular por las profundidades lúgubres se adorna con un tono sinfónico desgarrador. El resultado es una pista dual que transforma su carácter sin perder la esencia de la banda.

Mientras las heridas supurantes de materia impía se desangran y se desvanecen, el espacio mismo comienza a desmoronarse. Chocando violentamente consigo mismo, abriendo grietas en el tejido mismo de la existencia. Lo incorpóreo es atraído hacia el centro negro y muerto de todo. El ojo de la tormenta. Dejándose llevar por el sueño. En paz. Parpadeando como una linterna moribunda. Círculo completo . ‘Galaxies Collide’ resume la tortuosa travesía entre golpes de post-metal atmosférico y una densa neblina lisérgica. Sus emotivos y oscuros pasajes descienden a un entorno espiritual en los atormentados pasajes nos sumen en la tristeza. Algo que a estas alturas no debería sorprendernos, pero CAVERN DEEP también se maneja a la perfección creando estas angustiosas atmósferas teñidas de lúgubres pasajes.

El mecanismo de seguridad. La maldición. El testamento. Lo incorpóreo es absorbido por las profundidades en el centro de la caótica realidad que lo rodea. Está tratando de respirar. Se está convirtiendo. Las imágenes regresan como una inundación imparable. Hay carne… Un arqueólogo y 49 hombres valientes se encuentran a las puertas, contemplando las entrañas de la montaña. Es hora de comenzar el descenso y’ Full Circle’ pone el epílogo a este acongojante relato de desesperación y angustia con solos asesinos y un ritmo épico en el que la monumentalidad convive con oscuros pasajes atmosféricos cerrando la trilogía de los suecos. ¿Qué nos esperará en la próxima ocasión?

caverndeep

Bonebag Records

Majestic Mountain Records

Reseña: ICARUS BURNS.- ‘Icarus Burns’

El cuarteto instrumental berlinés ICARUS BURNS presenta su álbum debut homónimo. Un trabajo compuesto por seis largas canciones instrumentales que transitan por una combinación de elementos de psicodelia pesada en línea MY SLEEPING KARMA o NAXATRAS con una inclinación hacia territorios del metal. Combinando elementos Heavy-psych, post-metal, stoner y progresivos consiguen composiciones que exploran la dinámica entre lo limpio y lo pesado, la melodía y el riff, dando finalmente espacio para que cada instrumento sea su propia voz, al tiempo que crea una huella sonora que es un sello de identidad de la banda. Sus crujientes riffs de vocación metálica son alternados con fragantes de psicodelia aromatizada, en un estilo que me recuerda a sus paisanos ROTOR. Con un flujo constante, y siempre mostrando su faceta mas inquietante, la banda sabe como sumir al oyente en un trance hipnótico en el permitiendo dejarse llevar por sus sentidos. Un crisol de sensaciones alternadas con embestidas de pesadez en un crujido aterrador, son argumento que se repite en cada una de sus bellas e impactantes canciones. También me viene a la mente un sonido familiar al de los holandeses BISMUT, con momentos de monumentalidad en alternancia con pasajes balsámicos y meditativos. Todos estos elementos hacen que el álbum fluya de una manera fluida ya que sus canciones, a pesar de ser instrumentales, siempre tienen algo que contar. Esto transmite al oyente un relato a caballo entre lo exótico y la inquietante, lo que evita cualquier monotonía. Un nuevo reto para aquellos que recelan de las bandas instrumentales.  

El álbum se grabó a fines de septiembre de 2024 en un pequeño estudio local de Berlín, Wave Studios. En estilo DIY, fue coproducido por la banda, se lanzará en el sello DIY de la banda «Feather & Wax Records»

Icarus Burns tiene la intención de tocar en Alemania (y Europa) a lo largo de 2025, con conciertos programados con DOMARAMA (FR) y ABANAMAT (DE) ya confirmados, con más anuncios que se harán en las próximas semanas y meses.

Originalmente formada en 2020 como una banda de psicodelia pesada más tradicional con voces, la banda se reinventó a mediados de 2024 con un cambio de formación y un cambio a instrumental (¡y afinaciones más bajas!)

ICARUS BURNS son: Tim Corden (guitarra), Jens Gehrke (guitarra), Axel Kalteiß (bajo), Cristobal Cuadra Bravo (batería).

Abriendo esta odisea sónica, ‘Minotaur’ fluye lentamente con suaves acordes psicodélicos tomándose si tiempo para llegar a su clímax. Dos minutos iniciales que dan paso a riffs ortodoxos a caballo entre el stoner y la psicodelia pesada. En una senda similar a bandas como Rotor, los solos de guitarra nos traen bellos y exóticos aromas orientales. Esto no hace que la pesadez descienda, sino que se fusionen en un atractivo cóctel sonoro. La pista conjuga con acierto la crudeza de sus riffs con la hermosura de su fragante psicodelia.

‘Die werft’ sume al oyente en un mundo de fantasía presidido por bellas fragancias. Una estructura perfectamente diseñada recrea melodías en soñadoras junto a golpes stoner más virulentos tienen una clara vocación de metal. Está conjunción hace que la pista resulte cruda y mágica a partes iguales. 

‘Melancholia’ es un bálsamo que describe misteriosos paisajes sonoros, esta vez desde la calma. Inquietante por momentos y desarrollándose en una atmósfera presidida por la oscuridad, los crudos red metálicos golpean una y otra vez creando un espacio perturbador que contrasta con los hermosos paisajes sonoros vistos en las pistas anteriores. 

Un ejercicio compositivo sumamente particular en el que el metal parece tener el punto de partida, pero todo ello sin renunciar a cautivadores momentos psicodélicos. La canción nos ofrece monumentales pasajes en los que el post metal reivindica su espacio.  

‘Slash (A distance)’ gravita en ese espacio psicodélico que los alemanes adornan con esos persistentes riffs con sabor a post-metal. En esta ocasión, la banda ofrece un sonido que se asemeja al de los griegos Naxatras en sus últimos álbumes, incluyendo algunos guiños post- rock, y algún que otro devaneo progresivo. 

Efervescente y embriagadora ‘Tränen der sonnen’ se desarrolla en una apacible atmósfera psicodélica de la que emanan hermosas melodías que van evolucionando a un territorio mas oscuro sin perder su espíritu psicodélico. Desde ahí la pista serpentea con cambios y pardas en su deambular por esos lisérgicos parajes. Su fluida narrativa se adorna con sutiles toques progresivos. Susurrante en algunos momentos, la canción engrosa su sonido con embestidas de monumentales riffs metálicos. Toda una montaña rusa en la que la banda plasma todas sus inquietudes estilísticas.

Con ‘100 days’ el álbum pone su punto final llevándonos por un suave espacio psicodélico. En sus casi 12 minutos el cuarteto se deja llevar por sonidos atmosféricos creando un clima intrigante como preludio que de algo va a suceder. Entre elementos espaciales las notas se alargan en una ejecución lenta sumiéndonos en un trance narcótico. Introduciéndonos con el hipnotismo de sus acordes, ICARUS BURNS nos tiene preparada una nueva odisea que acaba de eclosionar en su parte central. Desde ese punto medio la banda navega en fragantes aguas psicotrópicas dejando la contundencia para el final de la travesía.  

Icarus Burns 

Reseña: THUS LIVE HUMANS.- ‘Art Déco’

Tras tres años de ausencia, el duo francés THUS LIVE HUMANS regresa con un nuevo álbum centrado en el rock y el metal progresivo, ofreciendo su particular interpretación musical del movimiento Art Déco. En un atrevido salto al vacío, el álbum se separa del espíritu de su anterior álbum ‘LIGHT OF ANCIENTE TIMES’ (reseña aquí) invitándonos a reflexionar sobre la expresión de las emociones y la abstracción de la realidad. Recuperando esa estética vintage de comienzos del siglo pasado THUS LIVE HUMANS incorporan a sus oscuras canciones un amplio crisol de influencias estilísticas que van desde el metal progresivo y el post-metal hasta el art-rock dotándolas de una atmósfera melancólica que nos invita a mirar al interior de nuestro pasado. Reflexivos y con la suficiente contundencia temporal, el duo explora la expresión de las emociones y la abstracción de la realidad haciéndonos reflexionar sobre nuestra existencia. Todo una experiencia inmersiva que nos hace salir de la zona de confort para adentrarnos en mundos por explorar.

TLH son: Jérémy Payan: Guitarras, teclados, bajo, batería y Lucas Serra: Guitarras, voz.

‘Motionless’ son casi cinco minutos de música atmosférica a modo de introducción con envolventes atmósferas de las que con sorpresa aparecen pausados y hermosos acordes de guitarra con un nítido carácter floydiano. Entre teclados y guitarra la pista murmura creando un balsámico espacio ideal para la relajación. 

Sin variar demasiado el carácter, ‘Postmodern deconstruction’ repite la estructura de la pista precedente con pausadas notas y una ambientación envolvente. Con quince minutos de duración, la pista nos ofrece una emotiva exploración progresiva enriquecida con golpes de post-metal y momentos asediados por la melancolía. Pero el dúo sabe como sacarnos de la monotonía y lo hacen con una extraña pero atractiva fusión de elementos psicodélicos llegados del siglo pasado y crudas embestidas de metal entre sus genes progresivos. Sus pinceladas jazz se sumergen en es leitmotiv art déco en una espacio triste y apacible.

‘Colours os consciousness’ mantiene la estética con sombrías melodías que se recrean en ese entorno vintage en el que desarrollan su exploración sonora. Dotando la pista de una gran frescura ejecutan una dualidad sónica que gravita en suaves pasajes instrumentales y pausadas melodías de un nítido espíritu progresivo. Una fusión que finalmente resulta de lo mas convincente.

El dúo no se sale del guion en ‘Dreams and lies’. Otra dulce canción progresiva con solventes melodías vocales y una tenue instrumentación. La canción nace de la sencillez para ir tornándose más compleja gracias a unos logrados arreglos y a transiciones efectivas. En ella aparece el lado más asequible del sonido de los franceses.

‘The vertical screens’ es otra pista que sirve para incidir en la fórmula que motiva este curioso trabajo. Sobrios y sofisticados por momentos la minimalistas instrumentación resulta suficiente para que la canción adquiere cuerpo. Con un cierto aroma vintage, el sonido parece engrosarse para situar al oyente en un entorno intrigante y amenazador.

Instalados en la estética progresiva ‘Incoherence’ se desarrolla en un escenario de oscuridad y pesadez mas propia de una banda de metal oscuro e inquietante. La narrativa descriptiva del corte hace que el oyente se sienta partícipe de este confabulador relato

‘About the seaside’ cierra el álbum con balsámicos pasajes instrumentales que sirven de contrapunto a la ferocidad del corte anterior llevándonos a un estado meditativo y minimalista en el que las cosas suceden con una calma inusitada.

TLH – Thus Live Humans

Reseña: TFNRSH.- ‘Book of Circles’

El trío instrumental TFNRSH nos invita a una expedición a través del universo sonoro atmosférico con su fusión única de sonidos hipnóticos, ritmos complejos y melodías cautivadoras. Con su estilo musical poco convencional y libre de clichés, TFNRSH evoca una amplia gama de emociones, permaneciendo siempre multidimensional e impredecible, al tiempo que rinde homenaje a sus principales influencias como Elder, Slift, Tool y Russian Circles. Entre pasajes psicodélicos de una gran belleza y la monumentalidad de complejas estructuras post-rock, sus cuatro largas canciones nos sumen en un atractivo relato instrumental. Hipnótico y meditativos por momentos, los alemanes hacen que sus canciones no se ciñan a ninguna estructura consiguiendo sorprener y guiar al oyente a su particular mundo sonoro. Un espacio que no sabe de convencionalismos y que beb de distintos manantiales estilísticos con un fascinador resultado. Tras el lanzamiento de su exitoso álbum debut «TIEFENRAUSCH» en julio de 2023, su secuela, ‘BOOK OF CIRCLES’ continúa con las explosiones energéticas y el carácter sonoro distintivo de la banda del primer trabajo, al tiempo que lo eleva al siguiente nivel con ira y una energía cruda y visceral. El álbum es una exploración de la agitación interna y las emociones oscuras: en marcado contraste con su predecesor melancólico y esperanzador «TIEFENRAUSCH», que se caracterizaba por sonidos suaves y armoniosos, esta obra se centra en sentimientos más crudos y los pone en primer plano. Refleja tanto la lucha con los conflictos internos como la presión del mundo exterior que influye en esta confrontación continua, alentando a los oyentes a involucrarse con sus propias emociones. Los tres músicos de Tubinga han estado combinando su amor por el rock psicodélico y progresivo junto con sus influencias individuales desde principios de la década de 2020, creando una síntesis vibrante de estos estilos que trasciende los límites.

TFNSRSH son: Sasan Bahreini (Guitarras y Sintetizadores), Julius Watzl (batería) y Stefan Wettengl (bajo y sintetizadores).

La canción de apertura «Zemestån» («Invierno» en farsi) se conecta temáticamente con «Muerte o libertad (Ya Marg Ya Azadi)» del álbum debut ‘TIEFENRAUSCH’ y aborda las protestas en Irán tras la muerte de Mahsa Amini en septiembre de 2022. Después de la violenta represión de las protestas del pueblo iraní, la opresión continúa sin problemas, lo que da como resultado un «invierno» aparentemente eterno que debe ser soportado. El álbum anima a sus oyentes a enfrentar su propia ira y los motiva a usar esa ira como una fuerza impulsora para el cambio, en lugar de sucumbir a la pasividad.

A pesar de la crudeza predominante que refleja la ira y la rabia, ocasionalmente se destacan pasajes armoniosos más pequeños que expresan las raíces de estos sentimientos. Musicalmente la pista palpita lentamente con una hipnótica introducción que lleva lentamente al oyente a un espacio en el que poder expandir la mente libremente. Un cadente ritmo y elemento psicodélicos nos susurran bajo tonos meditativos que van elevando su intensidad hasta golpear con virulencia por la senda del post-rock. Golpeando con virulencia la línea de bajo contrarresta los livianos acordes de la guitarra entre poderosos tambores creando un entorno grandilocuente. En la parte central el sonido se enturbia manteniendo su virulencia y fuerza aflorando insistentes pasajes progresivos  que cambian el tono de una pista que se sustenta en estructuras post rock de alto nivel, pero que ofrece al oyente varientes en un sonido magnético y voluminoso.    

La virulenta ‘WRZL’ sube la intensidad con fornidos riffs que se inclinan a una ladera en la que el metal hace acto de presencia entre efectos cósmicos que parecen salidos de una tormenta de meteoritos en medio del espacio infinito. Con la maquinaria a pleno rendimiento la pista frena su ímpetu para recrearse en hermosos y relajantes pasajes instrumentales bajo una atmósfera ensoñadora.  En ese espacio hacen destacar su carácter heavy-psych entre guitarras ortodoxas y riffs reconocibles, pero con la suficiente identidad como para brillar por sí mismos. Logrando un brillante equilibrio entre la pesadez y la relajación, el corte se contonea creando una serpiente multicolor arropada por elementos psicodélicos perfectamente insertados.  

A través de la personificación de la ira («Zorn»), subrayada por voces habladas por primera vez, las sensaciones opresivas alcanzan su punto máximo, culminando en la comprensión de que estas emociones pueden ser desafiantes y liberadoras. Su carácter atmosférico traslada al oyente una tensión acrecentada por la narración. Explorando un intrigante escenario sonoro, los pasajes pseudo-espaciales se entremezclan con momentos post-rock que acaban inclinándose hacia un espacio más propio del post-metal consiguiendo un relato inquietante. La complejidad de la pista es resuelta con unos cambios de registros se hacen con logradas transiciones haciendo que el relato no pierda su fuerza. Desgarradora por momentos la pista conserva la pesadez en un entorno en el que también tienen cabida hermosas y suaves melodías.

‘Ammoglÿd’ nos enseña que pueden canalizarse a través de la reflexión, la expresión y el procesamiento, y finalmente provocar un pequeño rayo de esperanza («Ammoglÿd»). Plasmando ese pensamiento en melancólicos y delicados acordes en un ambiente oscuro, la canción parece mirar al pasado en busca de respuestas antes de abrirse a la luz con bellos pasajes de una guitarra excelsa y cálida. Un arrullo sonoro iluminado por rayos de luz que la alejan de la umbría inicial. Así trasladan al oyente del melancólico estado de la apertura a un plácido y bucólico espacio en el que la belleza de sus melodías nos conquista irremisiblemente. Una canción sólida en la que la intensidad de la banda desciende a aterciopelados prados rebosantes de belleza con una solvencia digna de admiración. Un perfecto final para un notable álbum.

T F N R S H