Etiqueta: folk

Reseña: ABSTRACCIÓN.- «Abstracción»

a3243324305_10

«ABSTRACCIÓN» es la ópera prima de esta joven banda que explora los sonidos de la psicodelia de finales de los años 60 y principios de los 70. El rock, el folk y las influencias de la música progresiva así como pinceladas soul o jazz se entrelazan bajo la capa lisérgica que domina estas composiciones llenas de color y un aroma místico lleno de exotismo. El álbum es un collage de emociones, pensamientos y recuerdos, un vórtice de colores y sonidos que se van tejiendo con delicadeza y maestría para convertirse en la esencia de la banda. Sus temas son toda una invitación a la estimulación de los sentidos y sensaciones con dulces y mágicas melodías sobre sencillas y apacibles estructuras que inciden en los dictados de la psicodelia más aromática y el rock progresivo más reconfortante. Las siete canciones que contiene el álbum son una oportunidad para sacar nuestros demonios y dejar que aflore en nosotros nuestro lado más sensual y humano. Un mundo de ensueño donde todo fluye con la calma necesaria para entrar en ese mundo paralelo alejado de lo cotidiano, y sumergirte en el mantra que cada tema nos ofrece. Estimulante, sensorial, dulce y placentero, este debut nos ofrece veinticinco minutos mágicos en los que los aromas orientales se funden con el folk medieval, en flotantes atmósferas de psicodelia en las que los elementos jazz, soul, west-coast y fundamentalmente el rock progresvivo están muy presentes.  

Existe un viaje cuyo punto de partida es el «ahora» y el «aquí» y puede llevar al  individuo hasta la mismísima singularidad de la existencia. Un viaje que redefine la concepción que las personas tenemos del universo, que va más allá de lo que las leyes físicas, nuestros sentidos y nuestro raciocinio nos pueden mostrar.
A este viaje la banda lo llama «ABSTRACCIÓN». 

ABSTRACCIÓN cobra vida en 2018 de la mano del guitarrista madrileño Luis Monge y la vocalista argentina Catalina Requena, residente en Mallorca. La formación la completan el teclista y productor onubense Pablo Bermejo, el multiinstrumentista madrileño Pablo Abarca a la flauta travesera, y los músicos cordobeses José Gálvez, al sitar, la guitarra acústica y la percusión; Rafa «Chico Jr.» Paredes, al bajo y Paco García, a la batería y percusión.

«Abstracción» dando nombre al álbum, es solo un breve tema instrumental con místicos pasajes de psicodelia en tonos exóticos bajo un aura vintage que nos indica por donde va el contenido del resto del álbum. 

Sin apartarse ni un momento de ese deambular por atmósferas psicodélicas, «Asinergia» conjuga vibraciones progresivas en las que el penetrante sonido del órgano se  complementa con la dulce y seductora voz de Catalina. A caballo entre el folk y el sonido west-coast. La flauta toma sus cotas de protagonismo en este tema lleno de matices y estilos incrustados en sus surcos. Todo un apacible y gratificante paseo psico-progresivo por reconfortables espacios que toman elementos del Siglo XX para mostrarse con un sonido contemporáneo y alternativo a pesar de su cuerpo «vintage».

«Sueños de colores» nos acaricia con el mágico y místico sonido del sitar  para embarcarnos en un gratificante viaje a un mundo de ensueño sobre atmosféricas de psicodelia aromática y gratificante. Todo un calidoscopio de sonidos con delicadas melodías que nos arrullan para hacernos flotar en un mundo lleno de color. Distintas texturas con la flauta levitando entre brillantes y reconfortantes solos de guitarra ácida que convien entre el penetrante sonido de los teclados. Una canción plácida y fresca, en la que la banda experimenta con distintos sonidos para crear un tapiz multicolor. Llena de sensualidad, el tema podría resumir el mestizaje de estilos al que la banda no parece querer renunciar. Seis minutos mágicos que por sí mismos hacen que este álbum merezca la pena. 

En unos tonos más lánguidos, «Nudos ciegos», sin abandonar los escenarios psico-progresivos se apartar de los coloridos temas anteriores para transitar por estancias algo más lúgubres. Con una vocación más progresiva los elementos étnicos aparecen entre sonidos de sitar y flauta en una conjunción de lo más atractiva. Con esta ocasión con unos ritmos algo más inquietantes,el tema habita en oscuros espacios en los que el órgano vintage revolotea entre enigmáticos pasajes vocales. 

Con suaves y delicados acordes a modo de introducción en «Sendero de vuelta» encontramos otro apacible paseo sonoro con acarameladas melodías que juegan con elementos progresivos en otro serpenteante  caminar entre distintas influencias en un contraste entre lo liviano y susurrante con momentos más intensos.  

Con las guitarras como protagonistas «Caleidoscopio» combina los acordes acústicos con solos eléctricos entre la bruma de esos hechizantes teclados de la que aflora el dulce sonido de la flauta.  Mas instalados en un espacio más propio del folk progresivo la banda alcanza altas cotas de calidad con esa flauta de tonos medievales y su órgano pastoral.

El álbum cierra con un tema sin nombre en el que el misticismo reconfortante recibe el sonido del sitar para hacernos flotar junto a esa voces angelicales que sobrevuelan nuestras almas como si de espectros se trataran para arrullarnos con sus mágicos cantos creando todo un karma sensorial. 

https://www.facebook.com/AbstraccionBanda

https://www.facebook.com/nooirax.producciones/

 

 

Reseña: GAUPA.- «Feberdröm»

a3563892766_10

GAUPA continúa abriendo nuevos caminos con su mezcla única de doom, psicodelia, folk y metal. Tras su reverenciado debut homónimo, su nuevo álbum «FEBERDRÖM» mantiene la fórmula usada. Ocho sólidas canciones que se desarrollan en oscuras atmósferas y que nos ofrecen épicos paisajes sonoros. Con su cantante Emma Näslund llevando el protagonismo con su maravillosa voz, sobre unos temas que toman elementos de metal progresivo y vientos folk en sus acordes. En algún lugar leí una definición que suscribo completamente: «Es como si Björk hubiera sucumbido a los sonidos de metal» (o algo así).  Esta frase podría definir a la perfección el contenido de unos temas en los que la lírica y sensual voz de Emma, se conjuga con un bajo crudo y crujiente (¡¡que bajo!!) sobre complejas estructuras más propias del post-metal en una mirada hacia el pasado a través de los ecos progresivos. Esos ecos de la escena sueca que se reflejan en esa vocación progg innata en la banda en este relato de cuentos de hadas y de las tinieblas más profundas. Una penumbra de la que sale ese rayo de esperanza a través de las sugerentes y delicadas melodías vocales para que el resultado sea completamente brillante y apetecible.  La melancolía como inspiración para desarrollar oscuros temas en sus atmósferas psico-progresivas que ya vimos en su debut. Los fans de bandas como Hällas tiene aquí un lugar en el que experimentar.

‘FEBERDRÖM» está disponible vía Kozmik Artifatz, y GAUPA está formado por Emma Näslund (Voz), David Rosberg (Guitarras), Daniel Nygren (Guitarras), Erik Jerka Sävström  (bajo) y Jimmy Hurtig  (Batería).

«Vakuum» se muestra áspero y difuso en comienzo para pasar a un estado en el que psicodelia envolvente y las mágicas guitarras nos seducen entre coros y nebulosas de las que sale la majestuosa voz de Emma Näslund, todo un prodigo que va a marcar el devenir de todo el álbum. Registro entre el heavy-rock y el blues con altas dosis líricas se ejecutan con mesura en los imponentes y narcóticos ritmos. Haciéndose dueña del tema la banda hace un buen ejercicio compositivo al incorporar sutiles y y angelicales coros. Siempre en el momento oportuno. Un parón nos marca un descenso a pasajes de psicodelia atractiva antes de concluir con pasajes stoner de gran fuerza y épica.

Entre riffs stoner y tonalidades retro progresivas, «Where Emperors Grow» se adereza con exóticos aromas orientales entre otro derroche vocal. El poderos bajo y su dinámico e hipnótico ritmo contrasta con la fuerzas de las melodías en esos tonos pseudo-orientales. Con tambores que retumban y la densa instrumentación los pasajes vocales se llenas de épica en un ejercicio lírico que relata mágicos cuentos del pasado, para mostrarse esplendoroso. 

Dulces y delicados acordes abren «Hjulet». entre efectos una explosión de luz emerge de las tinieblas. El magnético bajo de Erik Jerka Sävström acompaña la sensual voz bajo leves acordes de guitarra. La dulzura roba protagonismo a la pesadez en esas atmósferas psico-progresivas que se construyen bajo una gran producción. EL corte parece contenerse constantemente, como si quisiera explotar, pero sin llegar a hacerlo nunca (o casi nunca). Esta es una de las características que se repite en algunos de los temas, una estructura que apunta hacia arriba pero que no termina de eclosionar como apunta. El corte es una perfecto escenario para el lucimiento de las habilidades de su bajista y de esa voz llena de lírica que constantemente nos seduce con su hechizante registro. La sucesión de pasajes de metal melódico se van intercalando con algún tonos folk en un tema mágico y misterio. 

En tonos narrativos, el cuarteto sueco, con una atmosférica introducción, nos abren las puertas de «Grycksbo Gånglåt». Un tema hard-progresivo que deja espacios para la calma. Allí la acaramelada y seductora voz encuentra el espacio para su lucimiento. Ondulando en esas tenues  atmósferas con reminiscencias folk y mucho progg, las armonías ondulan entre sostenidos nítidamente folkies. Desde la lírica el tema emerge evolucionando a majestuosos post-metal en los que las virtuosas  guitarra afloran adornando la fornida y monolítica base rítmica. 

Esa narrativa de cuentos y leyendas para ser la llama que prende los temas de GAUPA.

Debatiéndose entre la lúgubre psicodelia y los desarrollos progresivos «Mjölksyra» eclosiona en espesos riffs pseudo-doom antes de retomar la lírica con sus delicadas melodías. Aunando diferentes estilos, el tema nos ofrece delicados paisajes llenos de belleza y poesía cercanos a postulados post-rock, para eclosionar con la contundencia doom y post-metal. Una atractiva combinación de belleza y fuerza hace que sus textura cambien de sedosas o rugosas con gran habilidad. 

Perturbador y dulce a su vez, «Alfahonan (Shooting Blanks)», se desgarra entre plomizos riffs y la, en esta ocasión,  atormentada voz de Emma. Crudo, crujiente y seductor a su vez el tema se desarrolla en oscuras atmósferas llenas de épica. Fornido y poderoso, sigue conjugan la contundencia con la pausa. Una narrativa de relato de misterio sirve de argumento a corte de metal, menos melódico en el que el bajo vuelve a golpearnos con toda su fuerza en momentos en los que las vibraciones metálicas se adueñan del tema. Si no estuvieran bastante, los tambores de Jimmy Hurtig son aporreados con virulencia logrando que tema adquiera un aspecto musculoso. 

«Totemdjur» saca a relucir el lado más pesado y metálico de los suecos. Dinamismo y fuerza por la senda heavy-rock con pegadizos riffs y un frenesí de ritmos que hacen encajar el arriesgado contraste entre el stoner y la lírica de su vocalista. Vertiginoso y perturbador la tormenta se cierne sobre nosotros con voces y coros que adquieren tonos ocultistas. El corte habita entre tinieblas perfectamente construidas.

El tema mas largo de todo el álbum, «Klarvaken» abre con susurrantes acordes psicodélicos de la que aflora esa mágica  y cálida voz. Un espacio de completa calma que se eleva cadenciosamente. Sus coros nos hechizan entre bellos acordes en desarrollos con un aura progresiva  que arropa y protege los coros celestiales. Coqueteos post-rock marcan el regreso del poderoso y crujiente bajo que va marcando el camino por el que se va a desarrollar el corte. EL tema posee una gran riqueza compositiva que se refleja en pasajes sinfónicos en ese espacio de oscuridad en el que «FEBERDRÖM» se desarrolla.  Con dos niveles distintos, las guitarras y efectos y la atormentada voz crean un ambiente de tensión de grandes proporciones. 

https://www.facebook.com/gaupaband

https://www.facebook.com/kozmikartifactz/

Reseña: THE THIRD MIND.- «The Third mind»

84283006_172009007573173_8926557133474889728_n

THE THIRD MIND es el proyecto de dos veteranos músicos de la escena californiana como Dave Alvin (THE BLASTER, X) y el multinstrumentista Victor Krummenacher (CAMPER VAN BEETHOVEN, CRACKER, MONKS OF DOOM) a los que se unieron David Immergluck (CAMPER VAN BEETHOVEN, COUNTING CROWS, MONKS OF DOOM) y Michael Jerome (RICHARD THOMPSON, BETTER THAN EZRA). para crear esta maravilla de debut que ve la luz vía Yep Roc Records. Un álbum hecho con la máxima de «Juntémonos y hagámoslo» y que refleja la frescura de unos grandes músicos dejándose llevar por su libertad creativa recuperando la banda sonora de su adolescencia y que se criaron a la estela de los sonidos west-coast, algo que queda completamente patente en los cinco temas del álbum. Jams psicodélicas hechas con ternura y espontaneidad sobre versiones de músicos tan dispares como la cantante de jazz Alice Coltrane, el músico folk Fred Neil, o la maravillosa folky canadiense Bonnie Dobson, BUTTERFIELD BLUES BAND, Roky Erickson y sus 13TH FLOOR ELEVATORS, y la esencia de las versiones que de alguno de ellos hicieron GRATEFUL DEAD o IT’S A BEAUTIFUL DAY manteniendo el espíritu del verano del amor. Con Hendrix como referente y la libertad de ejecutar las canciones sin ataduras, ofrecen su particular visión lisérgica de estos temas, tiñéndola con pinceladas jazz o folk. Una alocada idea con un resultado exquisito. Las palabras para describirlo sobran, ya que estamos ante un álbum sencillamente MARAVILLOSO que lo que pide es escucharlo con atención y empaparse de toda la sensibilidad y calidad que contiene.

«Journey in Satchidananda», Con momentos drone de pausada psicodelia teñida con borboteantes efectos a modo de introducción se va construyendo un tema en el que el cadente bajo camina lentamente entre una psicotrópica neblina. Con el jazz como argumento, la banda transforma el tema en un espacio para la experimentación lisérgica. Esto es una constante en todo el álbum. Los acordes se van sucediendo con una parsimonia completamente narcotizante.

Con esa misma vocación psicodélica, se atreven desde e un reconfortante sosiego a versionar «The Dolphins», tema de Fred Neil, versioneado previamente por  músicos de la calidad de Tim Buckley. Linda Ronstadt, o It’s a Beautiful day. Embarcándose en un viaje que recupera los bucólicos sonidos west-coast de los californianos con cálidos y reconfortantes registros vocales. Entre delicados coros angelicales, el manto psicodélico envuelve un tema de inequívoco carácter folk. Menos luminoso que la versión original, aquí los tonos grises predominan entre pinceladas coloristas. Lo cierto es que, aun manteniendo la esencia del original, consiguen transformarlo en un plácido paseo por la psicodelia más florida.

El siguiente tema, «Claudia Cardinale», original de la banda, mantiene la línea de los cortes precedentes. Con ecos de guitarra clásica evocadores del Concierto de Aranjuez y una guitarra con un sonido que me evoca a Carlos Santana en modo sinfónico, consiguen mantener el halo lisérgico entre pasajes sinfónicos. El corte supone un magnifico escenario en el que su guitarrista puede desarrollar toda su técnica entre tenues atmósferas.

Ahora tomando como referente a Grateful Dead, «Morning dew», el tema original de Bonnie Dobson. se viste de cálidas voces en vena folk para generan un susurro placentero con medidos acordes interpretados desde la pausa. Nuevamente el bucolismo más reconfortante nos acaricia con sus sedosas texturas. Una voz que no tiene nada que envidiar a grandes del folk como Joni Mitchel, o la misma Bonnie Dobson nos masajea con delicadeza entre brillantes solos de guitarra que vuelven a certificar el buen hacer de su guitarra. La belleza en estado puro sobre aterciopelados pasajes vocales. Ciertamente, al margen de la particularidad de la voz, el tema mantiene con acierto la esencia de los Grateful Dead en su dorada época del verano de amor con sus hecHizantes y mágicas voces y un crescendo que evoluciona con sosiego, sin prisa.

Con un aparente giro en su propuesta, Butterfield Blues Band son homenajeados con «East West». Dieciséis minutos en los que el blues se une a la fórmula psicotrópica que con tanto acierto ejecutan. Tomando el formato de una jam ácida la improvisación hace acto de presencia sobre cadenciosos y efusivos ritmos. La larga duración del tema deja espacio al desarrollo de una bacanal de alucionóigenos en la que los lisérgicos pasajes se adornan con el sonido de la armónica. Evidentemente estamos ante un tema de blues, y ese elemento no podía faltar aquí al ser una de las señas de identidad que dio gloria a Paul Butterfield en aquella aventura junto a Mike Bloofield. Este pequeño giro no es un obstáculo para que mantengan el listón en una ejecución rítmica implacable a la que nada le frena. Manteniendo esa vocación west-coast, el corte fluye entre las aguas del blues que su funden con corrientes psicodélicas muy en la línea de Grateful Dead.

Dando un nuevo salto al vacío, «Reveberation», el tema de 13th Floor Elevators«adquiere una dimensión más pesada. Con el blues en el horizonte se alejan del bucolismo mostrado en los temas anteriores para ofrecer un tema mucho más corrosivo. Sucios sonidos que nos intoxican en esa línea garaje-rock que mostraron los de Texas en sus tiempos de gloria.

https://www.facebook.com/thethirdmindband/

https://www.facebook.com/yeproc/

 

TESOROS DEL SIGLO XX: STONE HARBOUR.- «Emerges»

a2466375452_10

El incansable sello Guerssen recupera una nueva joya escondida publicando esta semana «EMERGES», el único álbum del dúo de Ohio STONE HARBOUR.

Editado originalmente en un prensaje privado en 1974 es uno de esos álbumes que siempre ha sido codiciado y valorado en el mercado del coleccionismo. Ahora tenemos la ocasión de disfrutarlo. Psicodelia llena de melancolía con unas guitarras ácidas que se desangran en profundos lamentos con cálidas voces que nos arropan en cada acorde. Oscuros y underground, sus temas fluyen de las profundidades del sótano en el que fue creado entre tenues. Ecos de garage y sencillo rock and roll que por momentos recuerda 13th Floor Elevators . Los jóvenes Ric Ballas y Dave McCarty plasmaban sus sueños y sus inquietudes en diez temas cuya sencillez se convierte en su mayor virtud. Psicodelia y folk unidos en una causa común en la que ensoñadores voces suponen un gratificante arrullo. Entre esos apacibles pasajes de folk psych, sorprenden algunos momentos en los que sin salirse de esa propuesta toman prestados elementos más propios de Hawkwind. lo cierto es que el sonido de los británicos Tractor parece adecuarse más a la definición de su propuesta musical, especialmente en los momentos acústicos de temas como «Summer magic is gone», toda una belleza de canción que nos susurra placenteramente generándo un estado de bienestar terapéutico y reconfortante,  o «Stone’s trow», en la que las guitarras acústicas conviven con ácidos pasajes eléctricos en un segundo plano. El título del álbum es ciertamente premonitorio, ya que los temas emergen con gran naturalidad.

En definitiva, un trabajo introspectivo, tenue pero lleno de una magia intrínseca que contiene muchos matices ocultos en cada surco. Psicodelia de baja fidelidad que se viste de rock and roll hilarante y psicotrópico en cortes como «Still Like That Rock & Roll» o «Rock and roll puzzle». ácidos en «Grainds of sand» y folkies en cortes como «Dying to love you».

El álbum cierra con «Working for the queen», un tema sucio en el que las distorsiones  cabalgan entre el garage punk y los dictados de Hawkwind a bajas revoluciones.

 

https://www.facebook.com/Guerssen-208748665808164/

Reseña.- GALAVERNA.- «Dodsdans»

a1360778263_10

El debut de los italianos GALAVERNA es una de estas sorpresas que de cuando en cuando te encuentras de casualidad. La banda del integrante de SLAP GURÚ, Willy Goattin, en la que explora de una manera sosegada vibraciones folk en temas acústicos que rememoran momentos setenteros de ese estilo. Con temas soportados en guitarras acústicas  y que suponen un apacible y magnético paseo por el campo. Canciones llenas de sensibilidad en una línea parecida a los también italianos The Pilgrim. Tras tanto tiempo escuchando sonidos pesados, trabajos así son un soplo de aire fresco muy apetecible. Con vibraciones que me recuerdan a Jethro Tull en su faceta más campestre y con ciertos aromas medievales, el sinfonismo roba el protagonismo a los riffs para deleite de los más atrevidos. La propia banda define así su álbum: «Un camino acústico, lleno de imaginación visual y recuerda a las dimensiones de un sueño salvaje. Esta gente tiene como objetivo crear un tamaño único y consistente, inspirado en un mundo frío y antiguo. Aquí se exalta la belleza, la magia del desierto, de la madre naturaleza, tan cruel como increíblemente fascinante en su pureza. El objetivo es guiar al oyente en un viaje musical que puede ser lo más evocador posible», y ciertamente mis palabras no podrían mejorar esa definición. A veces la sencillez es una virtud, y ese es el espíritu de «DODSDANS». Un álbum que adorna sus melodías con los sonidos del sitar, la flauta o la viola dotándolos de un espíritu tradicional.

La breve «Dods…», nos indica el camino que vamos a recorrer en este disco. Acústicos acordes que fluyen lentamente y una cálida y sugerente voz nos traslada al folk clásico británico de los años setenta.  A pesar de la sencillez, en la lejanía se intuyen efectos envolventes que logran crean el entorno perfecto para el desarrollo del corte. 

A la sencillos de los acordes de guitarra, en «…dans» como continuación del tema anterior, la banda adorna el tema con un sonido de flauta y unas voces evocadores de los Jethro Tull mas campestres. Un tema rico en matices a pesar de su sencilla estructura. Haciendo de la sencilles virtud, los acordes se repiten creando un tema atractivo y fresco. El folclore con aire medievales aparece entre elementos de viento.

Instalado en esos entornos folk «Cerberus» aporta un aura psicodélico antes de retomar la estructura folk. La repetición de acordes es un denominador común en casi todos los temas. De nuevo usando los vientos, crean un sinfonismo que se complementa con las cálidos registros vocales. una mística que nos lleva a los momentos más brillantes del folk británico. entre violines y sutiles guitarras ácidas el tema se presenta luminosos y florido. Una oscilación bien ornamentada que mantiene el magnetismo de la voz.

«Sweet annika» mantiene la ternura a base de arpégios y una calma y profunda voz que se erigue como protagonista del tema. Dulces susurros llenos de sensibilidad que son trasmitidos con una naturalidad digna de halago. Volvemos a encontrar el sonido del violín dándo cuerpo a una canción que acaba elevándose en su intensidad.

Describiendo melancólicos momentos bajo tonos grises «Smell of ember» vuelve a ser un escenario perfecto para el lucimiento de un sosegado relato. En cada tema encontramos algúne elemento que aporta, y aquí la batería se une a los espacios sinfónicos creado por los violines mientras las voces se replican.   Todo con una calma gratificante. con algún pasaje de guitarra eléctrica añaden un nuevo matiz a otro tema bien construido.

Otro apacible paseo lleno de sensibilidad encontramos en «Burning ashes». Leve y sutiles acordes eléctricos vuelven a enriquecer  el tema. Se intuye un aire psycodélico entre la evidente vocación folk.  si bien aquí suben la intensidad y la profundiad de las voces, no llegan a estados de estridencia. Una especie de lamento que se eleva y se evaparopa para dejar espacio a la belleza. Siempre sugerentes, consiguen transmitir sentimientos.

Inmersos en el folk progresivo de corte medieval, «Mother’s leaving» añaden más complejidad. incidiendo y explorando escenarios sinfónicos van construyendo un relato melancólico con aires bucólicos más propio de otros tiempos. Alejados de los stándares de la música underground contemporánea nos invitan a un viaje en el tiempo a momentos en los que la música se creaba desde la sencillez.

Debatiéndose entre las luces y las sombras los sonidos medievales de «Uppvaknande» suponen una nueva regresión en el folk progresivo setentero.  En tonos más sinfónicos generados por el sonido del violín se va construyendo el corte más largo del álbum. Casi nuevo minutos que ofrecen una mayor complejidad respecto al resto de temas, en los que la band se devate entre la luz y las sombras.

GALAVERNA lo componen Valerio Willy Goattin (voces, guitarras y sitar) Michele Nicoli (batería y percusiones) Giulio De Boni (flauta, percusión y xilófono),  Stefano Masotto (bajo y voces) Lorenzo Boninsegna (viola)

https://www.facebook.com/galaverna.music/