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Reseña: PARALYZED.- ‘Rumble & Roar’

Desde DenpaFuzz venimos siguiendo a los alemanes PARALYZED desde la publicación de su álbum homónimo (reseña aquí), habiendo comprobado su evolución en su álbum de 2022 ‘HEAVY ROAD’ (reseña aquí), por lo que la publicación des este, su tercer álbum ‘RUMBLE & ROAR’ es una noticia que nos llena de satisfacción. Un álbum que vibrante, con olor a gasolina , y con sabor a cerveza y aroma humeantes clubs de carretera. Fieles al sonido que llevan ofreciéndonos desde sus inicios, esta nueva entrega descarga su energía de puro hard rock stonerizado y heavy blues en la cara A del álbum, para regalarnos las pistas más suaves en su lado B. sus crudas y salvajes canciones se desarrollan venerando el legado de bandas clásicas de los 70’s como Zeppelin, Cactus, The Doors, pero sobre todo , si cierras los ojos escuchando su música, es difícil no imaginarte a STEPPENWOLF, una banda de la beben para hidratar su creatividad. Sin duda, PARALYZED saben canalizar su energía balanceándose entre duros riffs Stoner y el hard rock y el heavy blues lisérgico de la década dorada del rock and roll. Con momentos ensoñadores, buenos arreglos y un espíritu lírico y soñador excepcional, estos chicos se las apañan para ofrecer un trabajo que cuando menos, está a la altura de sus dos álbumes anteriores. Ideal para los viejos rockeros, pero fascinante para las nuevas generaciones que nacieron al calor del Stoner rock. Rock sin complejos, a la vieja usanza, irreverente, con ese lado canalla y divertido, pero también sabiendo como sumirnos en trances sonoros a través de pseudo-baladas de blues psicodélico.  Sin duda toda una apisonadora sónica que acabará por arrollarte con canciones salidas del alma, y sin poses. Su combinación de vibras retro con energía moderna, nos ofrece una dosis de puro rock’n’roll, contundente y lleno de groove. Su cantante y guitarrista Michael Binder lidera la carga con su voz áspera con un registro vocal semejanza de John Kay y solos de blues psicodélico con wah-wah, mientras que Philipp Engelbrecht establece líneas de bajo atronadoras y contundentes. Para completar la mezcla, Caterina Böhner ofrece acordes potentes y crujientes y ganchos melódicos en la guitarra rítmica y el órgano, mientras que la potente batería de Florian Thiele impulsa el explosivo sonido de la banda.

¡Suban el volumen: este es el heavy rock de la época dorada de los 70 en su máxima expresión!, y Ripple Music, lo sabe.

PARALYZED son:
Michael Binder – voz y guitarra principal, Caterina Böhner – órgano y guitarra, rítmica, Philipp Engelbrecht – bajo y Florian Thiele – batería

‘Machine With A Soul’ se toma su tiempo para eclosionar con una larga introducción psicodélica previa a que la pista eclosione conjugando la fuerza del Stoner rock con el legado del rock de los 70’s. Esa vibración más propia de bandas como STEPPENWOLF con una infusión de blues, junto con los golpes de Stoner desértico resulta sumamente atractiva.

Es algo evidente, pero el amor de los alemanes por sonidos vintage resulta un argumento convincente para conquistar al oyente, y ‘Railroad’ así lo hace. Con un riff pegadizo más propio de The Rolling Stones, y sus ataques de hard rock crudo, siempre resultan una apuesta ganadora. Pero si a eso añades pasajes chamánicos de tonos doorsianos, la cosa se pone aún mas sería.

El heavy-blues es un argumento al que siempre regresar PARALYZED. La contundente ‘Rosies Town’ recupera ese sonido envolviéndolo con arrebatos de desert-rock. Como si STEPPENWOLF irrumpieran en los desiertos californianos a finales de los 90’s para traer su esencia a esos nuevos riffs arenosos nacidos allí. Pesado, blusero, pero también psicodélico, el vibrante corte resulta emocionante y crudo a partes iguales.

Cabalgando a lomos de un cordel de hard-rock-rock, blues y stoner ‘Heavy Blues’ destila olor a garito de carretera con su esencia desert-rock y el omnipresente blues ácido en sus riffs. Este sonido clásico adornado con ornamentos contemporáneos bien podría definir el ADN de la banda. Ideal para los viejos rockeros, pero fascinante para los seguidores del desert-rock contemporáneo.

Cambiando el guion, la suave y dulce ‘The Myth of Love’ parece acariciarnos con sus acordes acústicos a caballo entre el dark-folk y folk progresivo.

La perfecta banda sonora para conducir tu motocicleta por las largs rectas de las carreteras americanas es ‘White Paper’. Un ‘Easy Rider’ particular que PARALYZED ejecuta con la energía que el reto requiere. La innegable vibra a John Kay de su cantante y esa música ruda y psicodélica situaría su sonido en loa albores de los años 70’s. Aprieta el acelerador y sube el volumen.

A golpe de blues psicodélico ‘Leave You’ se convierte en una conmovedora balada con unas extrañas llenas de garra a pesar de su comedido ritmo. Lentamente los solos de guitarra colorean esa atmósfera humeante sin romper la magia de la pista, sino todo lo contrario.

Paralyzed

Ripple Music

Reseña: THE RIVEN: ‘Visions of Tomorrow’

Después de unos discos en los que definían su sonido y la ruta a seguir, THE RIVEN encuentran su esencia en el heavy rock de los 80’s con un álbum con canciones para corear en grandes estadios. Frescura y energía con las aristas bien pulidas y en las que el rock de masas se llena de frescura y buenas vibraciones. Sus canciones invitan a la fiesta y el ‘buen rollo’ con un derroche de energía que se amortigua con las acertadas melodías vocales poniendo el contrapunto a la fiereza de sus riffs, más afilados que nunca. Porque ‘VISIONS OF TOMORROW’ refleja a la banda en estado puro, que THE RIVEN continúan siendo una banda incendiaria, como cualquiera que haya asistido a sus shows habrá podido comprobar. Un disco colosal, tanto en sonido como en composición, que hace que sus incendiarias canciones nos atrapen en un espectáculo de rock a la vieja usanza marcado por el torrente vocal de su cantante Totta, todo un prodigio no al alcance de cualquiera. Un buen ejemplo de rock ‘n’ roll tocado en su máxima expresión, y como dice la propia banda: es honesto, es urgente, te llama y te hará sacudir el puño y golpear la cabeza, todo mientras piensas en dónde estamos y hacia dónde vamos. De nuevo aquellos que aseguran que ya no se hace música como antes, deberían de guardar silencio después de escuchar ‘VISIONS OF TOMORROW’, la perfecta banda sonora para que atruenen los estadios.

THE RIVEN son:
Totta Ekebergh – Voz
Joakim Sandegård – Guitarra
Arnau Díaz – Guitarra
Max Ternebring – Bajo
Elias Jonsson – Batería

‘Far away from home’ es una vuelta al corazón de los 80’s. Heavy-rock y A.O.R. con una cuidada producción y ganchos melódicos como para no resistirse. Con la impactante voz de Totta y una estructura bien diseñada la pista refleja el espíritu de estos chicos y su amor por el heavy-rock clásico.

Dando otra vuelta de tuerca a los sonidos de mediados de los años 80’s, ‘Killing machine’ se muestra como una canción de rock amable y de fácil digestión. Su ritmo contenido y las incursiones de la guitarra aporta músculo a los devaneos vocales de su cantante. Alternado la fuerza con la melodía, los coros y estribillos aportan frescura a una canción que contiene pasajes psicodélicos en los que la intensidad se desmorona por momentos.

‘Set my heart on fire’ transita por la senda del heavy rock en vena con ‘Thin Lizzy’ en el horizonte. Fresca y colorista la pista se erige como un corte para interpretar en grandes estadios con el público coreando sus estribillos. Rock de alto nivel con todos los elementos característicos del género.

El camino de los suecos está claro escuchando el carácter retro de sus canciones. Como refleja ‘Travelling great distance’ y sus armonías de rock clásico y sus medios tiempos.

Con un sonido crudo pero contenido a la vez ‘Crystals’ es otra canción ochentera que funciona entre desgarradoras melodías vocales antes de adentrarse en un espacio de misteriosa psicodelia instrumental. Ese sonido atmosférico corta el ímpetu de la banda ofreciendo su lado más dulce y envolvente como preludio a un torrente de NWOBHM emotivo.

Los tonos épicos del heavy-metal nos arrollan en ‘On my mind (tonight)’. Otra canción en la que el cuidado de las melodías hace que la pista se presente esplendorosa. Una especie de soft rock con alteraciones rítmicas y un torrente de frescura.

Tirando de fuzz y atronadores ritmos, ‘Visions of tomorrow’ es una pista diabólica reflejando el lado más crudo de THE RIVEN, una banda que siempre sabe como colorear sus canciones con cautivadoras melodías vocales rebosantes de garra.

La vibrante y ondulante ‘Seen it all ’ golpea con ritmos optimistas y una energía arrolladora por la senda del rock de siempre incorporando un toque de la mala leche a su carácter heavy metal.

La poderosa ‘En dag som aldrig föör’ con voces en sueco revitaliza el heavy-rock de antaño dotándolo de un carácter más amable persistiendo en lo indómito del género. Con una base rítmica potente, la pista se balance grácil en melodías sosegadas y un groovy cadente acompañado por buenos solos ortodoxos de heavy-metal

‘We love you’ es un derroche de energía con estribillos pegadizos y un ritmo trepidante que te invita al baile en una ejecución por la vía directa.

Cerrando el vibrante álbum ‘Follow you’ es un pedazo de rock clásico con unos arreglos cuidados y sus aristas pulidas para mostrarse luminoso ante sus fans. La banda no escatima esfuerzos y los solos asesinos se unen a esta fiesta del rock and roll.  

The Riven 

Dying Victims Productions

Reseña: DEAD SHRINE.- ‘Cydonia Mensa’

El multi-instrumentista y visionario músico neozelandés Craig Williamson, recupera su proyecto en el que explora los sonidos más crudos de los 70’s aderezándolos con turbios y crujientes riffs Stoner-doom bajo sus habituales ambientaciones psicodélicas. Reconocido por sus proyectos ARC OF ASCENT, DATURA y sobre todo LAMP OF THE UNIVERSE, presenta el segundo álbum de su electrizante proyecto personal DEAD SHRINE. Combinando la energía cruda del stoner rock psicodélico y pesado con la esencia saturada del hard rock y el rock ácido del siglo pasado, está nueva entrega ofrece a sus fans un sonido más potente, mas distorsionado que en el resto de sus bandas. Con el fuzz como protagonista, sus cegadoras canciones consiguen atraer la atención del oyente en un viaje inmersivo a través de riffs trascendentales, atmósferas caleidoscópicas y aventuras auditivas ilimitadas. Alejado de alguna maner de los pasajes meditativos, el acercamiento a las vibraciones que nos presentó en los álbumes de DATURA es evidentes en este turbio y psicotrópico álbum de sonidos pesados. Con el fuzz como principal herramienta, las sutilezas brillan por ausencia en esta ocasión, solo apareciendo en alguna canción meditativa en contraste con la fiereza de la mayoría de ellas. Una vez más queda patente de CRAIG no necesita acompañamiento de nadie para crear álbumes notables, ya que él solo se basta para llevarnos a escenarios sonoros en los que la psicodelia pesada más turbia es la protagonista como sello de su personalidad y carácter.

Con un sonido rudo y pesado ‘Serpents Of The Sun’ gravita en una órbita en la que el hard-rock setentero se engruesa con riffs de vocación Stoner-doom bajo una atmósfera difusa, algo habitual en el músico neozelandés. Este rugoso corte explora a su vez un espacio rockero al que se añaden voces y estribillos mas propios de otros tiempos empapados en fuzz .

Sonando todavía más vintage si cabe ‘Cydonia Mensa’ cruje envuelto en un manto psicodélico con una estructura sencilla que se repite a lo largo de toda la pista.

Los tonos retro son más evidentes en ‘Scared Light’, donde la potencia sigue intacta con esos ásperos riffs y una base rítmica ciertamente contundente. Pero esta contundencia se amortigua con un relato vocal desgarrador en otra pista impregnada de fuzz aportando ese aire trascendental que suele incluir en sus canciones.

Fusionando la psicodelia pesad con el Stoner doom ‘Monuments’ se muestra como la pista más trascendental de un álbum lleno de aristas. La neblina lisérgica con la que envuelve sus melodías es mas evidente en otra pista turbia en la que los sintetizadores aportan un importante grano de arena. Una pista aturdidora y narcótica que te cegará.

Con golpes de puro stoner arenoso ‘Temple Of Saturn’ mantiene el tipo a través de sus desgarradoras melodías y sus riffs crujientes. Esa monumentalidad de la base rítmica es el denominador común de la mayor parte de canciones del álbum, pero los momentos liberadores le aportan una frescura mayor a su hipnótico ritmo psicodélico., siempre empapado de fuzz intoxicante.

‘Redeemer’ es otra pista musculosa en la que se unen el rock de los 70’s con los sonidos desérticos más contundentes y pesados. Este equilibrio se traduce en un buen uso de la melodía en contraste con la repetición de la estructura rítmica de la canción. Así consigue sumir al oyente en una espiral psicotrópica de grandes proporciones y un sonido sólido y ardiente.

Solo Destacando como un verso suelto ‘Evolution Garden’ nos devuelve al carácter místico de la mayor parte de la producción musical de Craig. Pasajes ensoñadores de psicodelia con olor a incienso y susurrantes melodías vocales conforman la canción más pausada y quimérica del álbum. Un trance lisérgico para relajar la mente en un mundo lleno de belleza.

‘Illumination Through Knowledge’ siendo la pista más larga del álbum con sus casi ocho minutos, es un espacio para el desarrollo e las ideas del músico neozelandés. Un corte repleto de efectos distorsiones y riffs plomizos adoptando un aturdidor tono cósmico. Plasmando en la canción elementos psico-trascendentales ya visto en el resto de sus proyectos, el carácter hipnótico destaca una vez mas gracias a esas hordas de fuzz que siempre aparecen en sus canciones.

Dead Shrine

Kozmik Artifactz

TEMPLE FANG.- ‘Lifted From The Wind’

‘LIFTED FROM THE WIND’ el nuevo álbum de los psycho-jammers TEMPLE FANG es un trance espiritual con el que atrapan al oyente en una ceremonia cósmica ideal para expandir tu mente. Un auténtico ritual en el que la banda crea la música que les sale del corazón sin mirar más allá. Sus meditativos pasajes instrumentales y las ocasionales voces hacen de este álbum un Santo Grial para cualquier amante de la psicodelia contemplativa. Esa música que penetra en las terminaciones nerviosas del oyente estimulándolas con fascinantes sensaciones en forma de largas canciones. El rock puede ser energía, pero también puede ser un vehículo para liberar tus sentimientos más profundos, dejando que estos se liberen para revolotear por el mundo. Esto precisamente es lo que hacen TEMPLE FANG, una banda honesta, espiritual, que no se pone límites a su creatividad para ofrecer a sus fans tesoros como este ‘LIFTED FROM THE WIND’, lo que la banda define como el primer ‘álbum real’ de la formación. Una auténtica liturgia en la que los alquimistas holandeses plasman su esencia con esa música terapéutica capaz de sacarte del pozo más profundo. Deshaciéndose de los problemas el cuarteto consiguió centrarse en componer nuevas canciones con un talante más sereno, superando las adversidades para conseguir su propósito, capturar en un álbum de estudio las vibraciones que consiguen transmitir en sus emocionantes conciertos. Esa tormenta aparentemente perfecta que golpeó sus vidas personales: problemas de salud, rupturas sentimentales, falta de vivienda, etc., todo lo cual contribuyó a que la banda se desmoronara una vez más e hizo prácticamente imposible la idea de producir un álbum ha quedado superada con un trabajo soberbio. Su indomable sonido en directo queda reflejado con sumo acierto en un álbum hermoso, pausado, pero sobre todo un álbum místico que define a la perfección la esencia de TEMPLE FANG, una banda especial que siempre ofrece su mejor versión y que se erige como abanderada de la libertad mística llevada a la música psicodélica.  

TEMPLE FANG son: Dennis Duijnhouwer: Voz, bajo, Jevin de Groot: Voz, Guitarra, Ivy van der Veer: Voz, Guitarra y Daan Wopereis: batería.

‘LIFTED FROM THE WIND’ está disponible vía Stickman Records

El álbum abre con ‘The River ‘, 18 minutos en los que la banda se encauza en un río como camino a seguir, corazones y mentes en constante cambio, en busca de un propósito común: salvar un vínculo en tiempos apocalípticos, hacer un pacto. Así, la pista se va gestando entre efectos y unos briosos tambores a modo de introducción para sumirnos en un entorno psicodélico con los genes que la banda ha acreditado durante sus años de carrera. Manteniendo su carácter de jam, los músicos se muestran como un ‘todo’ para crear una canción con numerosos elementos progresivos con una sensación balsámica y melancólica. Un espacio perfecto para dejarse llegar y expandir nuestra mente en el un entorno lleno de emocionantes sensaciones y vestigios floydianos. Un auténtico buque insignia que nos da pistas del tono general del álbum, largos desarrollos lisérgicos, voces emotivas y una sensación de espiritualidad sobrevolando una canción repleta de matices y detalles que siempre resultan efectivos. Pero tras la tempestad desatada en la parte inicial, el corte reposa en su parte central en un glamuroso Jardín del Edén con delicadas melodías y un carácter apacible en el que los elementos progresivos adquieren un protagonismo como no lo habíamos visto hasta ahora.

Subiendo la apuesta con una canción de más de veinte minutos, ‘Once’ borbotea con una larga introducción atmosférica tejida por efectos envolventes en un espacio tenue y misterioso. Ese lento génesis va adentrándose en un territorio sonoro en el que el monstruo lisérgico que llevan dentro rompe sus cadenas para mostrarse en su plenitud. Con tonos espaciales la psicodelia pesada de TEMPLE FANG eclosiona en otra majestuosa odisea psicotrópica elevándose con fuerza y descendiendo para dejarse llevar por la espiritualidad y los pasajes contemplativos. La pista refleja la tranquilidad que los holandeses plasman en sus canciones para transmitir al oyente un torrente de sensaciones. Consiguiendo que te dejes llevar por su mágica música, tanto en los momentos imaginativos como en los más aturdidores. Con una evolución fluida la pista va mutando sin que nos demos cuenta de que estos chicos son han situado en un espacio diferente al que transitábamos momentos antes. Este es uno de los grandes talentos que TEMPLE FANG atesoran, su capacidad para llevar al oyente al punto en el que ellos desean, haciéndonos partícipes de sus particulares viajes musicales.

Entre pasajes espaciales y momentos floydianos la ceremonia continúa con ‘Harvest Angel’. Inclinándose hacia un escenario progresivo, la magia humea en cada nota construyendo otra pista sólida, ensoñadora y rebosante de encanto. La canción es un perfecto termómetro de las inquietudes de la banda a estas alturas de su carrera. Más maduros, sin perder su esencia, TEMPLE FANG, se toman las cosas con calma (como siempre) para que todo resulte hermoso y mágico en una canción en la que los detalles se presentan perfectamente pulidos. Dulce, delicada, y rebosante de espiritualidad, la canción permite explorar nuevos territorios sonoros que acaban por enriquecer su propuesta psicodélica.

‘The Radiant’ define el carácter psico-progresivo del álbum en una pista con cuidados arreglos y un aroma vintage traducido en voces y pasajes instrumentales que van más allá del espacio habitual de la banda. Incorporando ritmos hipnóticos de vocación kraut, el sonido hard-progresivo de los 70’s aparece para dar un aire nuevo al sonido del cuarteto.

Cerrando el álbum, otra canción de largo minutaje. ‘Josephine’ se erige en un nuevo trance sonoro que impulsa al oyente a descubrir un mundo nuevo. Con la suavidad de las melodías vocales la pista se toma su tiempo para llevar al momento álgido. Susurrante en sus inicios, la pista se nutre de calmados y melancólicos pasajes progresivos en los que el refinamiento y la elegancia serena colorean sus delicadas armonías. Quince minutos de belleza y giros inesperados en los que la banda se muestra en todo su esplendor en una atmósfera oscura rebosante de sentimientos, belleza y sensibilidad.

Temple Fang

Stickman Records

Reseña: GREY CZAR.- ‘Euarthropodia’

‘EUARTHROPODIA’, es un manifiesto sobre la naturaleza explotadora del hombre; en el que GREY CZAR invita al oyente a un viaje musical a partir del concepto de una joya deslucida, abandonada por sus antiguos habitantes y Preocupada por una especie de insecto para cumplir con una atrofia predestinada. Un concepto complejo que se traduce en canciones con una gran base de rock progresivo sobre las que se combinan riffs heavy-rock con melodías cautivadoras. Esto refleja una evolución de la banda respecto a su anterior álbum ‘BOONDOGLE’ (reseña aquí) en su particular fusión de esas melodías con elementos Stoner en los que plasman la pesadez de su música. Su dinámico sonido se inclina hacia una épica más propia de los grandes del hard-progresivo de los 70’s sin anquilosarse en un sonido demasiado trillado, lo que hace que el álbum resulte completamente fluido en su narrativa, algo que agradecerán los fanáticos del género, y que sorprenderá a los que gustan de música más pesada y rugosa. La rica fusión conseguida a través de sus dos guitarras, sus teclados vintage, y sus tres vocalistas resulta absolutamente apetecible, proporcionando una agradable escucha. Quizás resulte algo atrevida esta fusión de estilos, pero GREY CZAR la solventan con acierto haciendo ondular sus canciones entre los mundos complejos del rock progresivo la rugosidad del Stoner-metal que aflora sutilmente entre sus surcos, y sobre todo la gran capacidad para crear hermosas canciones melódicas .  

‘EUARTHROPODIA’ está disponible vía Octopus Rising / Argonauta Records

‘Eschaton’ golpea entre ecos de hard-progresivo en una combinación que va y viene entre siglos. Contundente en su base rítmica la pista se muestra solida a la vez que creativa. Sus continuos cambios hacen que su escucha fluya con facilidad sirviendo de termómetro para la aventura que nos espera en el resto del álbum.

Envuelta en una atmósfera psico-progresiva, en ‘Withered World ‘ los austriacos hacen un ejercicio reflexivo con una canción melancólica adornada con comedidos elementos progresivos y golpes de pesadez que evidencia su querencia a los sonidos Stoner. El restado es una pista dual en la que la complejidad de sus armonías contrasta con las atractivas melodías. Entre estos espacios la guitarra aparece sigilosa aportando su propia magia.  

El definido carácter de la banda por los sonidos progresivos se manifiesta en ‘Insects Took Over’. Controlando la intensidad la banda se centra en ofrecer al oyente una experiencia vital y dinámica en la que la que los ecos de los 70’s nos recuerdan la gloria de ese prolífico periodo. Ese sonido vintage es dotado de la fuerza innata de los austriacos para obtener una pieza con aroma a un pasado glorioso que ya parece algo lejano. El buen trabajo del órgano enriquece los matices del corte corroborando su capacidad para crear canciones solventes bajo una narrativa efectiva. 

‘Trooping For Euarthropodia’ índice en su carácter hard-progresivo impulsado por un ritmo repetitivo, melodías acolchadas y una fuerza intrínseca que siempre ofrece su lado pesado equilibrando el carácter dócil de sus melodías vintage con su espíritu heavy-rock.

Haciendo descender la intensidad la suave ‘Ballad Of Propellerheads’ se deja llevar por un tono mustio arropado por sencillos acordes acústicos. Coqueteando con momentos folk, los pasajes progresivos caminan por la senda más pausada elevando a un escenario sonor más complejo, pesado y virulento en el que las guitarras se extenúan arropadas por cuidadas melodías un ritmo implacable.

‘Queens Of The New World’ mantiene el tipo con sus atmósferas psico-progresivas de carácter retro. Con una mayor incidencia en los pasajes progresivos, estos son alternados con embestidas de pesadez Stoner y alternancia de voces. Inquietante y grandilocuente por momentos.

Acordes clásicos nos introducen en ‘Nurtitional Protocol’. Una contundente canción que alterna pasajes oníricos con una vocación pesada en una montaña rusa de emociones que van surgiendo y evaporándose entre hermosas melodías. La alternancia de sus guitarras y el soporte rítmico van llevando en volandas una canción que se eleva majestuosa en constantes interacciones con las que consiguen que nada resulte monótono.

‘Arthrobotic Liberty’ muestra una épica progresiva de manual sustentada en un ritmo lento y pesado sobre el que colorean epopeya narrativa amortiguada por suaves melodías y un tono melancólico sobre el que aportan pinceladas psicodélicas haciendo que la pista resulte conmovedora. Si bien los moldes en los que se cocina la canción son ortodoxos, los austriacos se las apañan para aportar su granito de arena creando una canción rica en matices gracias a su compleja instrumentación

En un tono más colorista ‘Aeon conjuga los elementos vintage que la banda utiliza para componer sus canciones. Así crean una pieza progresiva dinámica y colorista sobre la que expandir pinceladas de rock clásico con un innegable aroma al hard-rock progresivo que tanta gloria tuvo en los años 70’s. El órgano adquiere altas dosis de protagonismo desde un lugar discreto dentro de la composición, algo que estos chicos saben manejar a la perfección.

Grey Czar

Argonauta Records