Categoría: RESEÑAS

Reseña: CACTUS FLOWERS.- ‘Solace EP’

Inspirados por bandas texanas como 13th Floor Elevators, The Moving Sidewalks y moviéndose hacia los riffs fuzz de ZZ Top con los ecos de SAM GOPAL, el trio de Houston CACTUS FLOWERS publica su trabajo más pesado hasta la fecha. Cuatro canciones con olor a desierto, pero también con aroma a blues sureño. Temas directos que se desarrollan en una persistente tormenta de fuzz de la que emergen la voz llena de garra de Jessica Murillo, el faro que les ilumina. Jessica lleva un peso fundamental en el sonido de una banda que golpea con crujientes riffs enturbiándolo todo, pero que también sabe recuperar un legado del puro hard-rock. Un sonido primitivo y sólido, lleno de pasión que la propia banda denomina psychedelic-fuzz. No seré yo el que cuestione tal calificativo, porque lo cierto es que entre las hordas de fuzz nebuloso, encontramos muchos efluvios psicodélicos. ‘SOLACE’ fue escrito para brindar consuelo a través de narraciones y melodías. Combinando exuberantes tonos fuzz con historias de angustia y fantasías lejanas, la banda quiere ser tu próxima banda sonora favorita tanto en días buenos como malos. Ya sabemos de la calidad y garra que gastan las bandas texanas desde finales de los 60’s, ese legado sigue vigente con formaciones como CACTUS FLOWERS. Un nombre que es toda una revelación de su objetivo, y supone una dualidad que funciona bien entre lo punzante y lo sutil, algo que reflejan con nitidez en sus canciones.

CACTUS FLOWERS son: Jessica Murillo (voz y guitarra), Mark Carcamo (bateria) y Chris Dunaway (bajo).

Grabado durante un período de estancamiento global provocado por la pandemia de COVID, y después de dejar de lado los planes para una gira de primavera de 2020, la banda se refugió con el productor John Griffin (Wild Moccasins, The Ton Tons, Television Personalities) para capturar un compuesto más pesado se estilo psicodélico, gallardía lírica y todo un puntal de rock duro.

‘SOLACE‘ ha sido masterizado por Heba Kadry (Battles, Blonde Redhead, Slowdive), con llamativas ilustraciones de Jaime Zuverza (Sugar Candy Mountain, Golden Dawn Arkestra) y con Paul Chavez de Baby Birds / Funeral Horse reemplazando a Dunaway en funciones en vivo,  Solace  es increíblemente impresionante capítulo en el viaje en curso de la banda. El EP verá la luz vía People.Parties.Places en cassete verde neón y vinilo de 10 ” el 12 de marzo de 2021.

Razor blade’. Se desarrolla en un ambiente desert-rock en el que los efectos revolotean. Con un carácter alternativo y algún eco blues, la voz de Jessica A.M nos seduce entre ritmos pegadizos y una cortina de fuzz. Conjugando los ritmos difusos con los ocasionales efectos flotantes el tema mantiene un groovy contagioso. Una forma audaz de salir de propuestas repetitivas que toman el stoner rock como un calco unas de otras. Melodías sutiles aparecen discretamente aportando riqueza al tema. Un corte pesado pero lo suficientemente versátil como mostrarse con un gran gancho para el oyente. Sus elementos psicodélicos se unen a las nebulosas sonoras con un tono vintage mientras sus riffs adoptan un cierto tono retro. Sin duda, el tema contiene los suficientes alicientes como para engancharnos a su sonido.
Crujiendo con una cadencia rítmica de puro hard rock, ‘Dirty double’ es comandado por una unos riffs que parece que se fueran a quebrar. La distorsión llevada al extremo, en otra canción cegadora. Usando el particular registro de su vocalista nos sacan de la monotonía con un groovy vacilón y desafiante. Fuzz intoxicante, así como un tempo oscilante y pegadizo van conjugando una canción entre nebulosas arenosas y el legado del hard-rock del siglo pasado. Una cadente y bien trabajada línea de bajo hace que tema adquiere un aspecto más apetecible y atrayente. Sin abandonar la cortina nebulosa en todo el tema, van coloreándolo, gracias especialmente, a la portentosa voz y esos registros más propios del siglo pasado.

‘Swiming trough the sea of mercury’ arranca con poderosos riffs difusos invitándonos a un paseo por arenosos entornos vigilados por el blues. Pesadez, y mucha garra cohabitan en una atmósfera turbia y envolvente. El constante rugido de los riffs, se adorna con acordes más nítidos que no entran en batalla. Ondulante y repitiendo su armonía, los tambores explotan en un ritual tribal mostrando su crudeza. Esto hace que el tema te absorba en sus arenas movedizas atrapándote sin remisión.

El blues, tan presente en los temas precedentes, parece tomar más fuerza en ‘Dirty double’ vision’ la canción que cierra el EP. Entre la horda de riffs crujientes y arenosos, consiguen aportar un fantástico groovy sureño a un tema crudo, pero moldeable. Buscando ese equilibrio entre lo pesado y lo fluido, los tejanos consiguen su objetivo. Su sucio y primitivo sonido a pioneros del desierto resulta atractivo por ese fantástico ritmo que le imprimen.  

CACTUS FLOWERS:

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Reseña: BETTY BENEDEADLY.-‘From the Mesa’

“FROM THE MESA” es el primero de los EP’s que BETTY BENEDEADLY publicará con el sello Desert Records. Tres canciones grabadas en el estudio Earthship en Taos durante la pandemia de 2020 que reflejan a la perfección la fisonomía del lejano oeste con canciones que invocan el espíritu de la tierra del norte de Nuevo México con ritmos rituales pisando fuerte y motivos de guitarra que se inspiran en el spaghetti western, el surf y el roots rock de Ennio Morricone. Cálidas, llenas de sensibilidad, sus canciones son el resultado de un estado introspectivo que aprovechó para hacer aflorar toda su creatividad desde la introspección y la meditación. La mejor descripción para este apacible EP son las propias palabras de la cantante y guitarrista: “Me estaba adaptando lentamente al estilo de vida en cuarentena, pero después de sentir el aguijón del gas lacrimógeno y presenciar el asombroso nivel de brutalidad policial desatada contra los pacíficos manifestantes Black Lives Matter en Austin, rompí. La violencia inherente de nuestro sistema quedó al descubierto, no podía dejar de verlo, y cada célula de mi cuerpo conspiró para alejarme de la civilización y llevarme al desierto ”, dice Benedeadly. Sin un indicio de un plan de juego, la guitarrista de Austin encontró su camino hacia los amplios espacios abiertos del norte de Nuevo México, donde varios meses de vida en furgoneta y campamentos en la carretera de servicio comenzaron a hacer su magia. ‘Dejé la ciudad sintiéndome como el caparazón de un humano. Volví a la vida en el desierto’.

“La soledad en el desierto era mi medicina. Todas esas noches llenas de aullidos de coyotes bajo la vía láctea calmaron mi mente llena de ansiedad. En lugar de obsesionarme con los horrores del número de muertos de COVID o el régimen fascista actual, me moví lentamente hacia ese espacio más allá de las palabras ”, prosigue Benedeadly. “Estaba aprendiendo a escuchar a los elementos no humanos que me rodeaban, a estar en comunión con la tierra, a recibir su sabiduría más profunda. Eventualmente, el trauma resultante de los eventos del año pasado comenzó a desaparecer y supe que estaba de nuevo en mi camino cuando nuevas canciones comenzaron a fluir a través de mí nuevamente «.

Benedeadly también es cofundadora y guitarrista de SHERVERB, una banda de rock & roll psicodélico dirigida por mujeres y dirigida colectivamente con sede en Austin, TX. Armados con sus instrumentos, esta tribu está dispuesta a desafiar nuestra comprensión del romántico salvaje oeste con su sonido infundido por el surf y alimentado por el desierto. El núcleo de este colectivo está formado por Betty Benedeadly, Xina Ocasio, Lainey Smith, James Mescall y Braden Guess, que unen el tañido de guitarra del spaghetti westerns, los ritmos impulsores del krautrock y la estética panorámica de la gran pantalla. 

‘FROM THE MESA’ está disponible vía Desert Records y el 10% de las ganancias de las ventas del álbum se donará a una organización de administración de tierras en Nuevo México.

‘Mescaline prayer song’ nos traslada directamente a las praderas del lejano oeste entre acordes de banda sonora de spaggethi-western. Una cálida guitarra repite una contagiosa armonía ante la atenta mirada de los cactus. Incluyendo pasajes con cierto exotismo cada nota refleja el espíritu que ilumina las composiciones de Betty. Como si fuéramos en un corcel al trote, los elementos psicodélicos van uniéndose a este relato de sombreros monturas y botas camperas.

En un ambiente más melancólico ‘Coyote’s fever dream’ incide en esos sonidos del desierto. Ahora con una atmósfera más calmada, cada nota se impregnada de un aroma chamánico entre la cálida brisa de la pradera. Sin duda una forma de ver su propia visión del desierto entre tonos meditativos.  Un apacible tema que conjuga lo acústico con los aderezos eléctricos ofreciendo sus dosis de narcótica psicodelia en este viaje por vastas llanuras bajo el cegador sol. Un tema para ser tocado sentado en el porque con los peroos tumbados a nuestro lado. Un evocador corte lleno de magia.

Algo más nebuloso, ‘Down the George’ mantiene la fórmula del western, esta vez con una instrumentación más versátil y unos impostados coros. Delicados acordes que mantienen un tempo constante y sosegado. Poniendo el énfasis en cada nota, la guitarrista enriquece la canción con esas texturas psicodélicas dándole un aspecto más espiritual. Si bien el tema se soporta en una composición surf, el gran trabajo de guitarra compuesto desde la sencillez, nos ofrece un resultado más que notable.

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Reseña: ALEPH א.- ‘Kairos’

Después del reconocimiento obtenido con sus dos primeros EP y numerosos conciertos en tiempos anteriores a COVID, los polacos ALEPH א publican su primer álbum de larga duración. ‘KAIROS’ es un viaje increíble a través de diferentes sonidos, capas de existencia y estados de ánimo. Riffs repugnantes, composiciones progresivas, todo envuelto con un agradable toque de una amplia gama de voces grungy. Con sus momentos ásperos, especialmente en esas voces mutantes, que llegan a tornarse incluso guturales, así como sus constantes cambios en el tempo y el estado de ánimo, el álbum nos deja perdidos entre headbanging y contemplativo relato de la naturaleza de humanidad. El tema del álbum es un antiguo motivo del viaje de un protagonista a través de distintas etapas de la vida: desde la iniciación que emerge en la confusión; a través de la muerte, dejando la piel vieja y opresiva y enfrentando la propia sombra; renacimiento, un soplar concienzudamente ,un estrecho caparazón espiritual, hacia otra aventura, que termina la historia y nos deja abiertos a otra iniciación. El título es griego palabra que significa una oportunidad, un momento crucial cuando una acción debe ser tomada. ‘KAIROS’ es pozo en el que van a para aguas post-metal, riffs ásperos, pero sobre es un punto de exploraciones psico-progresivas. Partiendo de la pesadez, el álbum va evolucionando en sus temas hasta guiarnos a bosque experimental de vibraciones progresivas. Una línea entre la reconfortante y lo inquietante que se atraviesa múltiples veces en cada canción, haciendo su escucha bastante reconfortante y amena. Un nuevo ejemplo de la versatilidad de la escena pesada polaca, que cada día continúa ofreciéndonos interesantes propuestas.

ALEPH א son: Jakób Ciszyn (voces y guitarras) Art Salsa (guitarras, samplers y voces) Maciej Janus (bajo y voces) Kuba Grzywacz (batería, percusión y voces)contando con la colaboración de Tomasz Rafalski (teclados y sintetizadores).

‘KAIROS’, está disponible vía  Galactic SmokeHouse.

Aunque ALEPH א se formó en 2014, la historia de la banda comenzó a principios de la década de 2000 como una amistad entre pequeños de 10-12 años. Por esa época Artur, Jakób, Kuba y Maciek se cruzaron y empezaron a intercambiar música, experiencias y teorías de la conspiración. Cuando se dieron cuenta de que podían formar una banda en esa alineación, no esperaron demasiado. A lo largo de los años, la banda se convirtió en el tema de interés en el underground debido a su estilo fuertemente distintivo.

“Siempre disfrutamos creando conceptos y mundos imaginarios juntos. Incluso hasta convertirse en parte de nuestro pensamiento hasta tal punto que lo hacemos todo el tiempo , durante actividades simples. Entonces, mientras preparábamos el material del álbum, decidimos que debía tener su tema principal o leitmotiv «, comenta la banda.

La principal sesión de grabación del álbum se llevó a cabo durante una semana en una antigua granja prusiana en medio de un diciembre frío y lleno de niebla. Rafał Serwatka (Ramtamtam Studio) moderó y apoyó a la banda en todo el proceso. A continuación, el material se envió a Michał Chełminacki, quien desató su enfoque cinematográfico, proporcionando capas sónicas adicionales en la forma de misteriosas reverberaciones y muestras de animales.

Una breve intro nos lleva hasta ‘Invert’, un tema de ritmo vibrante que se desarrolla entre potentes ritmos y un aura progresiva. En un escenario más propio del post-metal el tema conjuga melancólicas voces heavy-rock entre constantes ondulaciones. Dos minutos intensos que nos depositan en una atmosfera psico-progresiva llena de un misterio reconfortante. Sin dejar de borbotear la canción.

Mas calmados y progresivos, los polacos repiten acordes en ‘Doubt’ con extrañas voces mientras la instrumentación se sumerge en un escenario netamente progresivo. Pausa y calma soportan un tema que parece ser una especie de interludio en su relato.

‘A Swarm of Dead Insects’ supone una experimentación por un amplio espectro de vibraciones. Voces guturales contrastan con suaves melodías mientras la instrumentación coquetea con ecos del metal. Evolucionando lentamente a un espacio más pesado e inquietante el corte mantiene su aura misteriosa. Los constantes giros en su relato hacen que su escucha resulte muy fluida. Agresivas voces y riffs amortiguan su fuerza con pasajes más melodiosos en los que la banda deja patente su espíritu progresivo. Un escenario inquietante que recibe distintas influencias estilísticas. Sus voces guturales arrastran a la instrumentación a desarrollarse en un entorno de mayor pesadez.

Los polacos cambian el paso en ‘Erode’. Tras los rugosos riffs y las estresantes voces del tema anterior aquí se recuestan en pasajes más melódicos ofreciendo su lado más progresivo. Sosegados acordes y una ambientación más sinfónica construyen un tema melancólico con atractivos ornamentos.

‘Resistance’ nos devuelve a la banda embutida en un traje mucho más psicodélico y experimental. Aquí sacan a relucir la faceta más grunge de la voz entre una cadente atmósfera psico-prog. Un corte oscuro que susurra con variados acordes manteniendo un espíritu. Evolucionando a un marco más vibrante el tema eleva su intensidad dejando patente que los polacos no renuncian a ninguna influencia estilística. La parte final de la canción nos ofrece momentos más ardientes.

El álbum cierra con los 10 minutos de ‘Whale part- II’. Enigmáticos acordes de bajo se entremezclan con bellos pasajes de guitarra entre un manto de efectos envolventes. Calmado y psicodélico a la vez, su inicio parece presagiar algo potente que está por llegar. Con esa premisa el tema se torna hipnótico antes de explorar oscuras atmósferas psico-progresivas. Una calma tensa invade los susurrantes acordes en un auténtico relato de misterio. La larga duración del tema permite que la banda experimente con distintos ritmos y vibraciones. Sin mostrar la pesadez de los primeros temas del álbum y dejándose llevar por una apuesta instrumental, el tema reside en una estancia mucho más progresiva.

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Reseña SHEM.- ‘II’

Desde Stuttgart nos llega el nuevo álbum del quinteto psico-espacial SHEM. ‘II’ es el reflejo de una banda que concibe la música como un espacio de libre creación. Tomando como referente a los grandes del kraut de los 70’s la banda nos ofrece tres larga improvisaciones en las que un motorik añejo comanda unos desarrollos frenéticos en una acertada combinación de pasajes de reverberaciones de guitarra y sintetizadores. Sus momentos drone se alteran con zumbidos constantes que nos acompañan en este viaje a insondables atmósferas siderales. Con una narrativa de ciencia ficción, tejen un tapiz sonoro lleno de texturas psicodélicas sin perder su espíritu improvisado. Lo cierto es que finalmente todas las piezas encajan en un puzle en el que encontramos los alicientes suficientes como para embarcarnos en el ‘viaje’ que nos proponen. Los temas mantienen siempre la tensión a pesar de que también nos ofrecen momentos de placidez para dejarnos llevar por nuestras sensaciones.  40 minutos a los abismos cósmicos, a través de oscuros paisajes nocturnos y a la inmensidad del espacio rodeados de supernovas.
Manteniendo el impulso con un ritmo motorik constante, SHEM explora tanto momentos de calma atmosférica como vorágines distorsionadas de felicidad psicodélica, ofreciendo al oyente una puerta de entrada para descender a su reino de experimentación musical una vez más.
Una vez más queda patente que los sonidos siderales son una fuente inagotable de exploración dejándonos el legado de álbumes tan fascinantes como éste ‘II’. Baja la luz y déjate llevar a esta nueva dimensión sensorial.

‘II’ está disponible vía Clostridium Records, en una edición limitada a 300 copias en vinilos rojo y negro incluyendo un poster y logo

SHEM son:  Alexander Gallagher (guitarras), Joel Boye (guitarras) Tobias Brendel (bajo) Alex Meese (sintetizadores) y Benjamin Maier (batería)

El álbum fue grabado entre septiembre de 2017 y febrero de 2018 en Matti’s Space, Stuttgart-Weilimdorf. Mezclado por Alexander Gallagher. Masterizado por Eroc’s Mastering Ranch. Artwork obra de Alexander Gallagher y Benjamin Maier.

Con un motorik cósmico ‘Descencion’ parte cual nave sideral a una exploración de sonidos espaciales con fuerte influencia de ritmos kraut herederos de sus compatriotas de los 70’s. Hipnótico pasajes coloreados con guitarras que exudan psicotrópicos con un ritmo inquebrantable van ondulando en una búsqueda de un insondable espacio en algún lugar indeterminado del cosmos. Incrustaciones de pesados riffs se embarcan en esta tortuosa travesía psicodélica improvisada. Como ondas flotantes la intensidad del tema aumenta y se suavidad según los obstáculos que la nave parce encontrar en su peregrinar. Una narrativa de ciencia ficción con un atrayente groovy reflejando el sonido de la psicodelia espacial contemporánea. Con tormentosos pasajes en los que todo se enturbia, el corte sortea todas las dificultadas sin mirar nunca atrás. Toda una odisea sonora que se vuelve más terrenal, con compases exóticos en su parte final de ritmo contagioso. Una inclinación a sonidos electrónicos con un talante innovador y modernista.

En una atmosfera más oscura e inquietante ‘Night’ es una canción llena de misteriosos pasajes. Acordes de guitarra impregnados de narcóticos y efectos que se suceden van dando cuerpo a un tema plácido. Evolucionando a una dimensión sensorial hace que nuestra mente se deje llevar por su magnética propuesta. Tras una primera parte apacible, el tema intensifica su instrumentación entre envolventes y enigmáticos efectos creando un mundo paralelo alejado de la razón y lo tangible.

Embutidos en su traje espacial los cosmonautas alemanes inician una nueva travesía por la senda del kraut kosmiche en ‘Fall’. El motorik hipnótico de la nave espacial de SHEM vuelve nuevamente por sus fueros para surcar las estrellas. Supernovas y meteoritos son el escenario en el que la maquinaria rítmica de los alemanes se instala confortablemente. Contagiosos ritmos asediados con efectos, sintetizadores y pedales van construyendo esta nueva jam.  Una travesía que los lleva durante casi veinte minutos a un espacio ingravitatorio con múltiples alteraciones sónicas. Siempre buscando el perfil más lisérgico del trance, el envoltorio narcótico de sus desarrollos explora nuestras neuronas con aturdidores momentos en contraste con los pasajes más relajantes. Kraut cósmico en estado puro con fuertes dosis de psicodelia sideral para llevarnos en volandas en un hechizo permanente.

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Reseña: ACID MAMMOTH.- ‘Caravan’

Ármate para la batalla contra bestias gigantescas ya que una vez más, el dúo de padre e hijo a las guitarras ofrecen al oyente una horda de riffs de Iommi aplastantes y difusos, mientras el bajo gigantesco derriba todo a su paso con sus pezuñas ácidas. A su vez, los griegos ACID MAMMOTH nos traen tambores que retumban con ritmos sobrenaturales en una angustiosa oscuridad, mientras que sus fascinantes voces logran hechizarnos con sus lamentos llenos de un dolor que sale de lo más profundo de sus entrañas. Transmitiendo desesperación, logran encontrar el equilibrio entre la pesadez y la acidez para crean un tétrico relato cuya narrativa resulta muy fluida. ‘CARAVAN’ es un claro ejemplo de la evolución de una banda que habita en la oscuridad, pero que también saber ofrecernos otros alicientes más luminosos. Sus dosis de psicodelia pesada y los desarrollos progresivos que encontramos en la parte final del álbum, hacen que su escucha resulte fascinante. Si atendemos a sus influencias, podríamos pensar en Sabbath (evidentemente), pero también en el legado que en los últimos tiempos nos ofrecen bandas como UNCLE ACID & THE DEADBEATS u otros grandes del género, como los mismísimos ELECTRIC WIZARD. ‘CARAVAN’ consigue derribar muros con sus colmillos llenos de acidez, voces angustiadas y afligidas así como sus efluvios lisérgicos. Seguramente estemos ante el álbum más pesado de la banda, pero a su vez el más polifacético. Es un álbum de brujas para oídos de brujas, una obra plomiza y turbia, que ha surgido directamente del abismo más profundo y que llega para mostrar al mundo todo el poder del mamut acido. Un poder que está destinado a derribarte hasta el último suspiro.

‘CARAVAN’ es el tercer álbum de larga duración de la banda. Es el sucesor directo de «UNDER ACID HOOF’ del año pasado y el cuarto lanzamiento de la banda con Heavy Psych Sounds Records. Fue concebido, grabado y producido durante un estado de bloqueo total debido a Covid-19, por lo tanto, refleja en gran medida ese estado de ánimo durante estos tiempos oscuros. Es un viaje pesado, sublime y oscuro como la boca del lobo hacia lo vasto y desconocido. Como todos los trabajos anteriores de la banda, ‘CARAVAN’ fue grabado, mezclado y masterizado con Dionysis Dimitrakos en Descent Studio en Atenas, mientras que la batería se grabó en Ignite Studio. La obra de arte fue realizada una vez más por Branca Studio. 

ACID MAMMOTH son: Chris Babalis Jr. (guitarras y voces), Chris Babalis Sr. (guitarra), Dimosthenis Varikos (bajo) y Marios Louvaris (batería).

Una risa sarcástica abre las hostilidades en ‘Berseker’. Desde el primer momento el tema golpea con sus hordas doom. Riffs difusos con incrustaciones psicodélicas atraen a voces rituales que guardan tributo a lo oculto. El legado Sabbath hace acto de presencia entre ese sonido difuso y pesado del que tanto gustan los griegos. Con un aspecto proto-doom, las voces se vuelven melodiosas entre la tormenta de fuzz. Lento, plomizo y con un sonido turbio, en él hay espacio para solo ácidos que se estiran hasta la estuación. Con gran habilidad construyen una atmósfera, densa que parece rendir tributo a las tinieblas. Lo cierto es que el eso de las voces hace que el tema tenga un carácter propio sin renunciar a los efluvios lisérgicos.

Con aires épicos, ‘Psychedelic wasteland’ nos sume en nebulosos bosques bajo inquietantes y misteriosos acordes. Usando una narrativa descriptiva, cada riff ruge turbio y crujiente creando una cortina sónica intoxicante. Con un evidente carácter Sabbath, la desesperación queda reflejada entre la brumosa instrumentación. Nuevamente me sorprende (aunque a estas alturas no debería) lo atractivo de esos registros vocales, agudos y lánguidos dando un carácter particular a cada canción. Si le nebulosa de riff difuso no cesa, consiguen con habilidad ofrecernos pasajes de guitarra ácidas que nos sacan de la monotonía. Sin duda, los griegos tienen claro lo que quieren ser, y su sonido, a pesar de sus genes ocultistas, resulta de lo mas atractivo para el oyente con esas dosis de psicodelia pesada que imprimen a sus temas.

La apertura tenebrosa de ‘Ivory towers’ nos hace augurar otra embestida del paquidermo acido. La inmensidad de la monolítica línea del bajo se equilibra con esos solos lisérgicos. Embutidos en el sonido proto-doom más tenebroso, la herencia Sabbath vuelve a resurgir, si es que en algún momento se ha ido. Poderosos tambores dirigen el caminar del Mammoth a esas lúgubres cavernas en las que guarda todo su poder. Con tonos de esperanza las voces me recuerdan a momentos Uncle Acid. Incesante y potentes sonidos que caminan con lentitud entre los boscosos entornos inexplorados y tenebrosos. Leves pinceladas progresivas aparecen con pequeñas vetas del rocoso sonido del cuarteto. Aturdidor y plomizo, el desarrollo del tema tiene un carácter cansino, pero con él consiguen su objetivo en esa excursión a lo desconocido. 

Efectos envolven y unos rifs que parecen atascarse abren ‘Caravan’ Un tema pesado como un paquidermo que camina lento y poderoso. Intrigante, el tema, Con una instrumentación que coquetea con espacios progresivos transitados previamente por bandas como Elder, el trio crea un monumental corte de doom en línea Electric Wizard con lánguidas voces entre densas y oscuras atmósferas psycho-doom. Toda una monstruosidad hipnótica y absorbente que mantiene vivo el legado de. Uno de esos temas que se te clava en el corazón de los amantes del doom más tenebrista. Déjate aplastar por la acidez Un corte aplastante que imprime acidez al elefante prehistórico griego.

Las hostilidades pesadas persisten en ‘Black dust’. Con sus monolíticos riffs el paquidermo griego sigue avanzando en su peregrinar por la senda del proto-doom ocultista. Lánguidas voces, un muro de sonido y solos incesantes colorean un tema psycho-doom al uso. Sobre algún tono progresivo la canción desfallece en una senda pausada a pesar de su sonido doomy. Sin estridencias consiguen conjugar la pesadez con brillantes momentos melódicos a lo largo de sus nueve minutos. Fieles a su estilo la parte central nos ofrece monumentales pasajes llenos de misterio de los que salen con esos momentos en los que el legado Sabbath hace acto de presencia. Sin duda, consiguen crear un corte atractivo e impactante en el que logran un equilibrio entre la densidad sonoro con los elementos psicodélicos aportados.

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