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Album premiere, reseña y ‘Track by Track por la banda: SNOWY DUNES.- ‘Sastrugi’

Os presentamos en exclusiva ‘SASTRUGI’, el nuevo álbum del cuarteto sueco SNOWY DUNES. La banda nos explica sus impresiones sobre cada canción en un ‘TRACK BY TRACK’ de este magnífico álbum que devuelve al cuarteto de Estocolmo a la actualidad.

Un fantástico trabajo en el que las canciones evolucionan en sus formas y en sus influencias sonoras, ofreciendo al oyente diferentes alicientes y estados de ánimo. Las ondulaciones que encontramos en la estructura de cada canción, es una de las señas de identidad de ‘SASTRUGI’. El álbum es una aventura completamente estimulante para el oyente, ya que cada giro en la trama nos sitúa en un escenario distinto. ‘SASTRUGI’ es el álbum más suave de SNOWY DUNES hasta ahora, pero esto no significa que no tenga ganchos capaces de hacerte volar. Fascinante, hechizante y emotivo, el álbum ofrece momentos desgarradores en los que la voz se quiebra, exhumando atormentados pasajes que parecen beber del legado de The Doors en una conjunción astral con Zeppelin en un viaje de ácido que nos traslada a gratificantes estados sensoriales. Pero precisamente eso hace que los suecos, y su devoción por la psicodelia, acabe siempre en desarrollos heavy-psych de gran monumentalidad y magnetismo.  Como los grandes álbumes, ‘SASTRUGI’ es de esos trabajos que ganan con cada nueva escucha. Si, quizás sea un álbum diferente a lo que nos tiene acostumbrados, con menos riffs Stoner, y una mayor complejidad compositiva, algo, que por otro lado ya nos habían mostrado con anterioridad en alguna de sus canciones.  Pero que el oyente no se lleve a engaño, no es su álbum mas pesado, pero tampoco es un álbum flojo, ya que cada canción tiene unas entrañas robustas que hacen que su sonido oscile de la calma al frenesí psicotrópico. Todo un paseo por los 70’s con atmósferas vintage en las que el blues y la psicodelia adquieren cotas superlativas. ‘SASTRUGI’ es un álbum imprescindible para los fans del blues psicodélico y SNOWY DUNES es una banda que no te debes perder.

‘SASTRUGI‘ ha sido producido por SNOWY DUNES y Anders Oredson. Grabado, mezclado y masterizado por Anders Oredson: la portada es obra de Tobias Kingstedt y estará disponible en formato físico vía Ozium Records.’

SNOWY DUNES son:

Niklas Eisen – voz solista, percusión, y guitarra acústica.
Christoffer Kingstedt – guitarras
Carl Oredson – Bajo, teclados y mellotron
Jonathan Wårdsäter – Batería y percusión.

Músicos invitados:
Alex Gatica: teclados, guitarra acústica y coros en ‘Let’s save dreams’
Adele Friberg: voces en ‘Let’s save dreams’

TRACK BY TRACK

DenpaFuzz: Un nuevo álbum y un nuevo carril en la autopista del estilo de la banda. Con «SASTRUGI» parece que amplías aún más tu espectro de sonido al utilizar algún elemento cercano al progresivo. El nombre del disco refleja perfectamente su sonido, el viento erosiona el glaciar creando una especie de dunas que le dan un nuevo aspecto y tú moldeas tus canciones con diferentes estilos, ¿es eso? ¿Estamos ante el disco más versátil y menos pesado de SNOWY DUNES?

SNOWY DUNES: (Carl): Podrías verlo así. Nuestro último álbum, Atlantis, fue más un álbum conceptual en el que queríamos ver si podíamos escribir canciones que tuvieran un tema en todas ellas, tanto líricamente como melódicamente. Esta vez no teníamos un plan real para el álbum, sino que pensamos que escribiríamos canciones y veríamos cómo resultaban. Estoy muy contento de cómo terminó todo. También hemos experimentado con algunos otros instrumentos como teclados y mellotron.

DenpaFuzz: La primera canción del álbum ‘Sastrugi’, es una canción abrumadora. Blues, funk, wah wah y puro hard rock de los 70. Es ideal para enganchar al oyente y la canción más reconocible del sonido que hay en tus álbumes anteriores, ¿no?

SNOWY DUNES: (Carl): Sastrugi es solo una buena canción de rock contundente, en nuestra opinión, así que queríamos que fuera lo primero que la gente escuchara. Después de eso, estarás más preparado para adentrarte en el lado más experimental del álbum.

DenpaFuzz: ‘Let’s Save Dreams’ fue la primera canción que desvelaste del álbum hace dos años. ¿Por qué fue este el tema elegido? Su atmósfera vintage se ve reforzada por el sonido de los teclados, invitándonos a un viaje a los años 70. Melodías suaves con cierto tono melancólico y buenos momentos psico-progresivos. ¿Es un canto de esperanza o de anhelo?

SNOWY DUNES: (Carl): Cuando escribimos y grabamos ‘Let’s Save Dreams‘, acabábamos de añadir dos nuevos miembros a la banda y escribimos lo que nos vino naturalmente con el instrumento añadido del órgano. Se grabó solo para ser un sencillo, pero pensamos que la canción en sí era demasiado buena para dejarla como un sencillo, por eso decidimos incluirla en el nuevo álbum también.

DenpaFuzz: ‘Great divide’ tiene un suave comienzo de blues para luego volverse nublado y desgarrador, incluso un poco progresivo. Esto es una constante en vuestras canciones, momentos de calma en contraste con explosiones de intensidad, ¿está completamente premeditado? ¿Cómo nació esta canción?

SNOWY DUNES: (Niklas): Definitivamente es premeditado. El aspecto dinámico es siempre una parte importante en la composición de canciones para nosotros y se utiliza como una herramienta para llevar al oyente a lo largo del viaje. Temáticamente en el caso de esta canción. Es muy personal para mí. Se trata de una ruptura muy dura por la que pasé. Esta canción fue una forma de lidiar con los sentimientos que surgen en ese momento de la vida.

DenpaFuzz: ‘Medicinmannen’ es la primera canción que cantais en sueco. En el tema aparece un crisol de sonidos de los años 70; desde suaves tonos jazzísticos hasta marcados elementos progresivos que se integran con blues psicodélicos. Lo cierto es que las voces en sueco le dan un aire más vintage si cabe a la canción. ¿Qué nos puedes contar al respecto?

SNOWY DUNES: (Niklas): Medicinmannen significa The Medicine Man y musicalmente esta canción es un guiño definitivo a la escena progresista sueca de los años 60 y 70. Es una canción sobre problemas psicológicos y cómo alguien puede ser tratado y percibido por el establecimiento médico en lo que respecta a la salud mental. Es un tema que nos preocupa mucho.

DenpaFuzz: ‘Helios’ tiene lugar en medio de vibraciones de blues psicodélico pantanoso. Desde que te escuché por primera vez, percibí vuestro amor por el sonido más chamánico de The Doors, aquí, de nuevo siento esas vibraciones junto con otros matices….

SNOWY DUNES: (Christoffer): Para nosotros esta es una de esas canciones que lleva mucho tiempo sin terminar. Creo que se me ocurrió la parte del riff en 2013 o 2014, pero nunca pudimos averiguar cómo materializar lo que sentimos internamente que era la vibra deseada del resto de la canción. En otras palabras, esta canción ha sido escrita y reescrita un montón de veces. Al final, decidimos mantenerlo bastante atascado y abierto. Creo que tienes razón cuando lo llamas un ambiente de Doorsiano: cuando nosotros en la banda simplemente improvisamos, creo que a menudo logramos algo parecido The Doors, y eso es lo que pensamos. Gasté mucho tiempo en esta pista en particular. Luego definitivamente hay otras influencias brillando, personalmente en cuanto a la guitarra, estaba conjurando cosas como The Smashing Pumpkins y Quicksilver Messenger Service.

RESEÑA

‘Sastrugi’ nos arrolla con momentos de blues ácido, wah wah y tambores poderosos. La desgarrada voz de Niklas Heisen pone el resto para completar un corte ardiente con sabor a 70’s. Con arrancadas en las que las guitarras se retuercen entre ritmos casi funky el tema nos lleva en volandas. Un corte lleno de fuerza en la línea de los álbumes precedentes de los suecos. Tras el torbellino inicial, la canción baja la intensidad para recorrer brumosos paisajes psicodélicos. Con un tempo lento y con pasajes vocales más melodiosos, va tornándose más ácido con esa conjunción de guitarras y sus solos afilados entre una base rítmica que se va inclinando por el blues.

Después de un comienzo tan impactante, los ritmos tribales de ‘Let’s save dreams’ nos sitúan en un entorno netamente vintage. La aparición de teclados y los pegadizos estribillos nos toda una fiesta colorista de camisas de colores y pantalones de campana. Una canción más elaborada y menos cruda, que nos marca un poco el espíritu de este nuevo trabajo. Melodías flotantes en un caleidoscopio sonoro multicolor que inevitablemente nos traslada a décadas pasadas. Si bien no es un tema pesado, tiene el suficiente gancho para mantenernos con un espíritu positivo. La canción transmite buen rollo sin necesidad de sonidos estruendosos. El tema se torna más alocado en su parte final con aturdidores pasajes psico-progresivos.

Asentados en un espacio de calma ‘Great divide’ nos acaricia con dulzura a base de blues psicodélico. Relajadas melodías nos van conduciendo a un entorno en el que todo se torna más crudo y ácido. Desgarrados pasajes vocales elevan el corte para descender nuevamente a un entorno plácido y susurrante. Esas ondulaciones en cada canción son una de las señas de identidad del álbum. En nuevo giro, los tonos hard-progresivos se adueñan por momentos del tema en una conjugación psicodélica que va mutando sus formas hasta volverse mucho más ácido y psicotrópico. Un viaje realmente estimulante. Que tiene un epílogo en el que la atmósfera retro se muestra exuberante y poderosa.  

Utilizando por primera vez el idioma sueco, ‘Medicinmannen’ con una base rítmica de inclinación jazz, transita por una atmósfera retro entre suaves melodías. Los elementos llegados de los 70’s afloran en el tema mientras se eleva engrosando su sonido. Una evolución que nos eleva a intensos momentos sonoros. Con cuidados ornamentos, la banda hace que el corte, sin perder su rumbo, se cimbree incorporando elementos sonoros que no le hacen perder su esencia. Una montaña rusa con laderas suaves que la banda libra con destreza entre solos afilados que sacan el lado más ácido de SNOWY DUNES. A lo largo de sus diez minutos la banda hace un repaso por las distintas vibraciones de los 70’s para zambullirse en un entorno psicodélico en su parte central. Aquí una instrumentación envolvente y la garra de las voces arrastran el corte a territorios más tortuosos. Aquí los riffs pesados, los efectos y los atronadores tambores conviven con sustancias psicotrópicas produciendo un efecto aturdidor y narcótico a la vez. No nos hemos dado cuenta y el corte a mutado su fisonomía. Esto, dice mucho de la capacidad compositiva del cuarteto, atreviéndose con pasajes de hard-progresivo completamente salvajes.

Sin darnos cuenta, llegamos al último tema del álbum. ‘Helios’ parte de chamánicos momentos de blues psicodélico con tonos pantanosos. Una cadencia Doorsiana se siente en cada estrofa. Con explosiones de intensidad con los diabólicos teclados en un segundo plano, el corte serpentea entre ciénagas humeantes. Blues impregnado en humo cannabico transmitiendo sensaciones en cada nota. Sus momentos turbios, contrastan con los relajados y sigilosos pasajes en los que el corte parece ir de puntillas, sin hacer ruido. Estos momentos hipnóticos consiguen narcotizar al oyente con todo su poder psicotrópico. Aquí aparecen más sonidos sureños en una inclinación a un entorno casi swamp rock, en el que los momentos psicodélicos adquieren todo el protagonismo. El tema cuenta también con pasajes de guitarra acústica haciendo que se me muestre más versátil y atractivo. Sus épicos momentos nos van dirigiendo a ese insondable escenario en el que la psicodelia ácida borbote en cada nota, pero siempre con consistencia.

Snowy Dunes

Ozium Records

Reseña: SCARLET PIMPERNEL.- ‘Scarlet Pimpernel’

No recuerdo haber reseñado nunca un álbum de una banda de Malta, pero el debut homónimo del dúo SCARLET PIMPERNEL tiene todos los alicientes para ser el primero. Con un sonido clásico del blues y rock de los 70’s, el matrimonio compuesto por el guitarrista Chris Grech y la vocalista Jessica Grech, consiguen crean un álbum emotivo y seductor.  Este primer Lp contiene nueve canciones que gravitan en la órbita de los sonidos vintage de los 70’s con el blues como protagonista. Suaves canciones con elementos de hard-rock, algunas pinceladas psicodélicas y un cierto carácter stoner. Sustentados en la dulce voz de Jessica, los temas flotan en una atmósfera propia de bandas como Blues Pills, evocando los sonidos de la década dorada del rock. Un interesante álbum para los fans de los sonidos clásicos con una vibración vintage que fluye en ondulantes canciones, desde la nota inicial hasta los rasgueos finales. El versátil timbre de las cuerdas vocales de Jessica, así como de los atractivos arreglos musicales, energizan esta colección dinámica de canciones que se inspiran en una variedad de temas, desde la belleza natural escénica, los cuentos populares del Norte de Europa, aspectos sociales y psicológicos e incluso historia, esta última en particular centrándose sobre la invasión otomana de Gozo en 1551. Las canciones también sugieren un sutil conflicto de luz y oscuridad en juego que fluye y refluye a través de las notas y los versos. Un agradable soplo de aire fresco que espera ser experimentado por cualquier persona con un gusto por el auténtico rock clásico con grandes momentos de guitarra y seductoras melodías vocales llenas de lírica.

‘March of the trolls’ abre con riffs vintage a caballo entre Thin Lizzy y Led Zeppelin y una oscura cadencia psicodélica. La pesadez de sus riffs se amortigua en la particular voz ondulante de Jessica Grech y su registro en línea Ellin Larson (Blues Pills).

Con una vibra contagiosa en sus ritmos, ‘Embracing the unknown’ se deja llevar por el blues para decaer en sosegados espacios lisérgicos de los que resurge con un sonido pesado coloreado con esa portentosa voz casi lírica.

Contrastando con los cortes anteriores ‘1551’nos invade de dulzura y sensibilidad con bellos y suaves pasajes. Un tema de ida y vuelta en el que su parte central se engrosa hacia un escenario de hard rock clásico, para recostarse en su parte final en pausadas melodías llenas de magia.

Slashing the blue’ muestra al dúo instalado en el blues vintage más ortodoxo. Sonidos retro con mucho gancho en un tema con atractivos momentos que amagan con elevarse, pero se quedan a medio camino, conteniendo su energía.  

Con un inminente espíritu calmado, ‘Dancing with the wind’ nos susurra en una tenue atmósfera melancólica en la que el romanticismo clásico aparece ante nosotros.

Elevando las revoluciones ‘Koliba’ golpea con riffs pesados y una sensual voz guardando el equilibrio y mostrando la dualidad con la que Chris y Jessica crean sus canciones. Un tema dulce pero de gran consistencia y belleza.

Manteniéndose en las suaves atmósferas, ‘Could be sweeter’ camina por acolchados prados aportándonos una brisa cálida. El tema es el perfecto escaparte para demostrar todo su talento, tanto en las melodías vocales, como en los atrayentes solos de guitarra, dejando espacio de lucimiento para ambos.

‘Breaking the spell’ se reviste de blues y hard-rock vintage con un nuevo ejercicio de buenas voces y pasajes de guitarra que se inclinan por la psicodelia con un resultado con el suficiente gancho par el oyente. Ondulante y serpenteante, la canción se contonea ante nosotros mostrando todas sus armas de seducción.

Para cerrar, ‘Leaves of ore’ se muestro sólido y pesado, pero también liviano y duce. Un ejemplo del sonido de SCARLET PIMPERNEL. Blues, psicodelia y rock clásico, unidos en otro tema de aspecto frágil pero de entrañas sólidas.  

Scarlet Pimpernel
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Reseña: CRIPTA BLUE.- ‘Cripta blue’

Desde Ravenna (Italia) nos llega un artefacto sonoro que parece llegado de comienzos de los 70’s en una capsula del tiempo, solo hay que ver su lisérgica portada para intuir el contenido de sus surcos. El trio CRIPTA BLUE, dejan patente su devoción por los ecos proto-metal y heavy-blues de comienzo de la década dorada, en su álbum debut homónimo. Con músicos de bandas como Desert Wizard, Thrash act Rising Dark y Talismanstone que se manejan bien con esos sonidos del pasado, crean un álbum crudo, pesado y psicotrópico. Un trabajo ácido, bluesero, tosco y con alma de doom primitivo. Mirando al pasado más oscuro del rock, pero sin letras ocultistas, sino metáforas distorsionadas y horribles de lo que significa saborear la vida y vivirla hundiéndose profundamente, rodeada de muertos vivientes. Sus turbias pero magnéticas canciones son capaces de despertar a los viejos rockeros de sus tumbas para unirse al aquelarre chamánico de CRIPTA BLUE. Un auténtica pleitesía al legado de bandas como los eternos Sabbath, Pentagram, Sir Lord Baltimore, Josefus, Blue Cheer, Toad o Captain Beyond, pero enriquecido con altas dosis de psicodelia pesada y unas pinceladas de grueso sonido stoner. ‘CRIPTA BLUE’ es un álbum demoledor, un álbum que suena honesto y auténtico, y cuyo sonido se mete en las entrañas del oyente. Su penetrante grueso e hipnótico bajo, su ritmo incansable, ese peculiar y profundo registro vocal, junto a esa guitarra que parece bañada en un barril de LSD, rezumando solos ácidos, hacen que no puedas resistirte a su poder.

CRIPTA BLUE son: Andrea Giuliani (voces y bajo) Federico Bocchini (guitarra) Silvio Dalla Valle (batería), acompañados del vocalista invitado Ricky Dal Pane, cantante de Witchwood. ‘CRIPTA BLUE’ está disponible vía Argonauta Records, y está llamado a ser uno de los álbumes del año en el género de la música pesada de genes 70’s.

Dejándose llevar por el doom, ‘Tombstone’ cuenta con la voz de Ricky Dal Pane, cantante de Witchwood. Musicalmente el tema se desarrolla entre ecos proto-metal que evocan el legado de Sabbath y con el sonido Saint Vitus muy presente.  Siguiendo una estructura similar, la parte final se llena de oscuras nebulosas psicodélicas antes de morir en el cementerio del proto-doom más oscuro.

‘Creepy Eyes’ borbotea entre riffs ondulantes a caballo entre el heavy-rock y el blues. Con un carácter chamánico, el tema exhuma fuzz narcótico y riffs pesados. El bosque mágico se llena de oscuridad entre vibraciones psicodélicas y blues pesado. Con olor a 70’s la canción se presenta con un sonido rugoso y nebuloso. Si bien su mayor parte tiene a la guitarra como protagonista, el tema reposa en unos acordes de bajo antes de emprender su huida hasta el precipicio final.

Por una senda aparentemente diferente, ‘Spectral Highway’ emerge de un suave trance psicodélico. En una atmósfera misteriosa y humeante, el blues regresa a u cita con los alucinógenos acordes de los italianos. El tema transita por esa senda tranquila y narcótica, con embestidas puntuales de oscuros y pesados riffs proto-doom. Sin embargo, en ningún momento pierde su espíritu psicotrópico.

‘Death Wheelers’, se desarrolla en un oscuro relato proto-doom de guitarras humeantes. Lento y pesado, el corte serpentea por la senda del blues y los ecos 70’s. Su espíritu Sabbathico se complementa con altas dosis de psicodelia chamánica. Viscoso, pantanoso y nebuloso, el tema suena añejo y contiene solos asesinos que le dotan de un mayor poder narcótico. El trabajo del bajo en un segundo plano hace que la canción adquiera un poder hipnótico que pasa con sutileza ante el oyente.

Cerrando este debut, ‘A Space Tale’ el tema mas largo del álbum con sus mas de siete minutos, parte de pasajes de psicodelia calmada y susurrante. Con efectos sobrevolando la armonía el corte borbotea entre riffs pesados y graves y solos ácidos para llevarnos a un entorno misterioso de gran magnetismo. Estratificando su sonido en dos planos diferentes, avanza con fuerza combinado pasajes ácidos con momentos más tortuosos. La parte final rinde nuevamente pleitesía a Sabbath con un final oscuro y psicotrópico.

Cripta Blue

Argonauta Records

Reseña: LAND MAMMAL.- ‘Slow your mind’

El primer larga duración del dúo de Texas nos confirma las buenas sensaciones que nos dejó su EP debut. Will Weise (fundador de Gypsy Sun Revival) es un escritor de riffs, guitarrista y sitarista que crea composiciones con la ayuda de Kinsley August, un talentoso vocalista, líder, letrista y animador, que sabe cómo atraer y proporcionar una actuación dramática para una multitud. Los dos músicos encontraron una química natural en la composición de canciones que queda reflejado en este gran álbum de rock clásico. Si bien LAND MAMMAL son un dúo, aquí cuentan con distintas colaboraciones entre las que destaca la presencia de Isaiah Mitchel (Earthless). El sonido del álbum se sustenta en el legado de las canciones más campestres y suaves de Led Zeppelin. Un álbum ecléctico y en el que un amplio espectro de oyentes puede encontrar su particular filón. Manteniendo un espíritu pesado en sus composiciones, el bucolismo y los ecos rurales aparecen en unas canciones frescas y luminosas que aportan una fresca brisa al oyente. Destacando las cuidadas melodías vocales, LAND MAMMAL se las arregla para incrustar buenos solos de guitarra y sutiles pinceladas de órgano que aportan un tono vintage a sus canciones. La sinceridad lírica, la inteligencia y las melodías vocales pegadizas, respaldadas por una interpretación apasionada, lo convierten en un álbum memorable en el que cada pista tiene su propio valor. Si te gusta el rock clásico de calidad, este es tu álbum.

LAND MAMMAL son:
Kinsley August (voz y letras)
Will Weise (guitarra y sitar)

Con la colaboración de:
Toby Wilson (Mandolina y dobro) Isaiah Mitchell (Solo de guitarra en ‘Psychedelic Hand’), teclados por Jake Dexter excepto en ‘Psychedelic Hand’, obra de True Turner y ‘One Woman to Love’ por Adam Pickrell, Batería en ‘One Woman to Love’ por Taylor Young, Cuerdas en ‘Full Ascension’ por Maria Grigoryeva , Bajo en ‘One Woman to Love’, ‘Grow’, desde el principio y Better Days’ Uriah Stake Jake Dexter (teclados) ‘True Turner’ and ‘One Woman to Love’ por Adam Pickrell, batería en ‘One Woman to Love’: Taylor Young, Cuerda en ‘Full Ascension’: Maria Grigoryeva, Bajo en ‘One Woman to Love’, ‘Grow’, ‘Right From The Start’ y ‘Better Days’ por Uriah Stake.

‘SLOW YOUR MIND’ está producido por LAND MAMMAL, y Bryan David. Grabado y mezclado por Bryan David en Anthem Recording. Masterizado por Richard Dodd. Arte de portada por Robin Gnista. Disponible vía Kozmik Artifactz.

El álbum abre con ‘Psychedelic hand’. Una canción que marca de alguna manera el devenir del álbum. Un sonido heredero de Led Zeppelin construye un tema en el que el blues y algún elemento stoner dan solidez a la composición. Con la colaboración de Isaiah Mitchell a la guitarra, el tema cuenta con voces desgarradoras y una atmósfera vintage, junto a rugosos riffs.  

‘Ring the bell’ muestra al dúo más calmado. Aquí las melodías vocales se adornan con elementos psicodélicos y una cadencia más propia del rock de los 70’s. Una estructura sencilla, pero que resulta efectiva y en la que encontramos subidas y bajadas de intensidad que no violentan su angustiosa esencia.  

En tonos retro, ‘Fuzzy purple to love’ retoma los dictados Zeppelin. Un ritmo cansino pero pegadizo lleva en volandas un tema colorista con buenas melodías y algunos solos atractivos. Los medios tiempos dominando una canción optimista que irradia luz y color bajo tonos funk..  

‘One woman to love’ nos impregna de aromas florales con un sonido el que encontramos elementos sureños y melodías zeppelinianas. Un corte fresco y radiante con buenas guitarras y unos ritmos contagiosos.

Sin perder la esencia Zeppelin, ‘Grow’ camina por espacios sosegados en los que el órgano cubre de tonos vintage otra canción fresca y luminosa. Con las melodías vocales como protagonistas, los elementos son acoplados con sencillez, con lo que consiguen un tema que acaricia al oyente con dulzura.

Por la senda acústica, ‘Slow your mind’ baja las revoluciones evocando paisajes ensoñadores creando una estampa bucólica de gran belleza. Finas guitarras sureñas aportan su granito de arena ubicar al oyente en el lugar en el que parece desarrollarse la canción. Casi a modo de balada, la canción contiene sólidos ritmos y pinceladas diversas que lo hacen resultón.  

Con una melodía evocadora de espacios más campestres, ‘Right from the start’ índice en una fórmula que funciona. Una sencilla armonía se enriquece con un buen trabajo vocal por la senda del rock clásico.

‘Full ascension’ endurece su sonido con riffs gruesos y unas voces más ásperasen contraste con aterciopelados pasajes. Incorporando pasajes de sitar crean una dualidad que nos lleva a una montaña rusa de emociones.  

‘Sing me a song’ se siente seducida por el legado del Hendrix más suave en su apertura. A modo casi de balada, la canción se desarrolla en una atmósfera colorista evocadora del sonido west-coast. Sus bellas melodías nos sumen van tornándose más melancólicas. Aquí el sonido del órgano aporta calidez a la canción.

Este fascinante trabajo cierra con ‘Better days (acoustic)’ una canción acústica con la voz como protagonista. Profundo y lleno de sentimiento, Kinsley August se las basta con leves acordes de guitarra que vuelven a describir un plácido espacio rural.

Land Mammal

Kozmik Artifactz

Reseña: SOLARIUS.- ‘Universal trial’

Siempre es un placer para un fan de una banda, cuando aparecen grabaciones escondidas de ella. En esta ocasión los fans de Graveyard pueden estar de enhorabuena, ‘UNIVERSAL TRIAL’ recupera unas grabaciones perdidas de 2006, que han estado ocultas durante 15 años y que el sello Heavy Psych Sounds saca ahora a luz. Se trata del emocionante proyecto de rock sueco SOLARIUS, fundado y liderado por el guitarrista de Graveyard, Jonatan Ramm. Bien podemos decir que se trata del germen que luego brotó en el clásico sonido de Graveyard. Este EP es una pequeña pieza de coleccionista que contiene cuatro canciones (una lástima que no sean más) en las que los sonidos analógicos de los 70’s nos sumergen en un groovy vintage de blues, hard-rock y psicodelia. Sonidos retro llenos de vitalidad con momentos rugosos, pero también con pasajes suaves, con los que el oyente caerá rendido.  Capturándonos con su magia, SOLARIUS componen cuatro fascinantes canciones en las que podemos encontrar vibraciones propias de pioneros como Leafhound, Samuel Prody o May Bitz, así como parte del sonido que luego encontramos en los álbumes más gloriosos de Graveyard. Todo un regalo para los paladares gourmet de los difusos sonidos hard-blues retro, en un viaje en el tiempo al comienzo de los 70’s. ¿Dejará algún día de sorprendernos la escena retro sueca? Confiemos que no sea así, porque esa fuente inagotable de bandas vintage sigue dándonos múltiples alegrías como esta.

‘UNIVERSAL TRIAL’ se grabó en 2006 en los estudios Don Pierre en Gotemburgo y fue producido por Don Alsterberg (Graveyard, Blues Pills), con un sonido 100% analógico. Estas cintas fueron olvidadas en algún lugar, estando ocultas hasta ahora.

SOLARIUS son:

Jonatan Ramm – Guitarra y voz
Mattias Ohde – Bajo y voz
Fredrik Aghem – Batería
Johan Grettve – teclados

‘Universal trial’ la canción que nombre al EP explora los sonidos ácidos del hard blues de los 70’s. Su torbellino de riff retro y esa voz desagarrada que vomita cada estrofa nos llevan al principio de la década dorada del rock. Su atmósfera vintage se llena de humo cannabico mientras la guitarra se desangra en riffs ardientes. Su contagioso ritmo nos invita a una fiesta desenfrenada de hard-rock primitivo entre neblinas narcóticas. Tras la embestida inicial el tema reposa en un espacio más psicodélico antes de emerger como el Ave Fénix sobre salvajes riffs de crudo rock.

Sustentada en un riff de inminente carácter retro, ‘Sky of Mine’ se balancea entre contagiosos ritmos funk. Aquí se pueden encontrar todos los ingredientes que usaban los pioneros de los 70’s. Blues, rock y hasta un alma soul, se perciben en unos vibrantes riffs que rápidamente te contagian el ritmo. Vacilón, chulesco e infeccioso, el tema se toma su momento de pausa para reposar entre psicotrópicos proporcionando momentos más suaves.  

En tonos más misteriosos y psicodélicos ‘Into the sun’ se deja llevar por los efluvios lisérgicos en una apertura chamánica que suavemente nos susurra. Una gratificante calma balsámica que inevitablemente recuerda el sonido que desarrollarían Graveyard tiempos después. Una cálida voz nos susurra recitando sus estrofas mientras la canción va tomando forma. Con momentos que me recuerda a la cadencia vocal de Greenleaf, el tema se toma su tiempo hasta la deflagración de riffs hilarantes. Aquí el tema se encabrita en una espiral que nos arrolla con toda su fuerza. Los extenuantes solos de guitarra se ven custodiados por una base rítmica endiablada antes del ocaso final, en el que el tema vuelve a la calma.

Con una apertura de arpegios acústicos ‘Mother nature mind’ evoluciona lentamente por una atmosfera suave y acogedora. Pasajes de gran belleza acompañados de una dulce voz, logran un efecto balsámico sobre el oyente. Sosegado y con genes blues, la canción arranca arrastrada por los acordes de un órgano vintage que hace que la temperatura suba. Poco a poco el tema va adquiriendo tintes épicos sin desdeñar la belleza de sus melodías. Una canción impactante que me deja el regusto a ser uno de esos temas en crudo, sin pulir, y del cual, seguramente se podría sacar un rendimiento mucho mayor. A pesar de este apunte, el corte es magistral.

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