psychedelic-rock – DenpaFuzz

Reseña: SYKOFANT.- ‘Leaves EP’

Casi un año después de la publicación de su EP ‘RED SUN’, (reseña aquí), los noruegos SYKOFANT vuelven con la segunda parte de lo que supone su segundo álbum ‘RED SUN LEAVES’. ‘En esta ocasión ‘LEAVES’ se centra en bosques frondosos a través de la reflexión, el movimiento y la transformación, profundizando en ese enfoque progresivo y sin olvidarse del sonido orgánico de tonos vintage impulsan sus canciones con una inmediatez para el oyente gracias a su fluida narrativa y a arreglos complejos que se ejecutan con la destreza necesaria, haciendo que el oyente se sienta parte del relato. Con evidentes vestigios de bandas como CAMEL o PINK FLOYD (solo por citar alguna), la paleta cromática de la banda se expande por variados territorios sonoros logrando una escucha reconocible de unas canciones con una esmerada composición. Esta evolución adquiere su culmen con la última pista del álbum, en la que, en dieciséis minutos excelsos, logran poner el broche de oro a su cautivador relato. Con una profundidad de elementos y con unas voces aterciopeladas huyen del ruido en beneficio de la melodía y la pureza de unas hermosas canciones. Con pasajes de rock pastoral, con comedidas excursiones psicodélicas y algún momento heavy-rock, el rock progresivo de los noruegos ha evolucionado manteniendo la esencia de los pioneros de mediados de los 70’s, y lo hacen sin vivir del pasado sino mirando al futuro, un horizonte que debería darles grandes alegrías, porque de calidad, van sobrados. Su música es un campo de juego para lo inesperado, impulsada por líneas de bajo con groove, un trabajo de guitarra expansivo y angular, baterías polirítmicas y voces evocadoras y cambiantes. La interacción entre estos elementos da como resultado composiciones que se sienten a la vez cuidadosamente construidas y peligrosamente desquiciadas, un delicado equilibrio de precisión y emoción cruda y sin filtros. Su enfoque compositivo es tan poco convencional como su sonido. En lugar de adherirse a las estructuras tradicionales de estrofa y estribillo, sus composiciones se despliegan en movimientos, y cada sección revela nuevas dimensiones y estados de ánimo. Las canciones pueden comenzar en una neblina introspectiva, para luego estallar en riffs irregulares y tempos cambiantes momentos después. Esta imprevisibilidad es lo que hace que la música de Sykofant sea tan cautivadora: invita a los oyentes a embarcarse en un viaje sin destino seguro, pero cada giro merece la pena.

SYKOFANT comenzó como un espacio creativo para los guitarristas Emil Moen y Per Semb, un espacio donde las convenciones del género podían modificarse, romperse y reconstruirse de maneras nuevas e inesperadas. Lo que comenzó como improvisaciones nocturnas espontáneas en un sótano de ensayo en el centro de Oslo evolucionó gradualmente a algo mucho más grande: una odisea de rock progresivo que tomaría forma a lo largo de 3 o 4 años. Para cuando su álbum debut homónimo llegó en 2024, SYKOFANT había forjado un sonido tan impredecible como inmersivo. Los 55 minutos de duración del álbum debut se despliegan como un sueño febril, entrelazando a la perfección composiciones progresivas extensas, grandeza cinematográfica y energía pura y sin filtros. La crítica elogió sus ricas texturas sonoras, su narrativa dinámica y su experimentación audaz, comparándolos tanto con los clásicos gigantes del progresivo de los 70 como con las corrientes más vanguardistas del rock moderno. La música oscila entre baladas delicadas y melancólicas y estallidos de funk angular, entre conmovedores motivos de blues y eufóricos coros pop, todo ello sin perder en ningún momento su sentido de cohesión ni profundidad narrativa. ‘LEAVES’ se erige como una continuación y una conclusión, una contraparte natural de ‘RED SUN’ que cierra el círculo del proyecto con más elementos acústicos que los experimentados anteriormente. Destaca el compromiso de SYKOFANT con la narrativa extensa y la composición detallada.

Tras el eclecticismo se esconde una visión artística más profunda. En esencia, SYKOFANT se centra en la narración, no solo a través de las letras, sino a través del sonido mismo. La banda crea intrincados mundos sonoros donde los cambios de compás y las progresiones de acordes poco convencionales evocan emociones que las palabras por sí solas no pueden capturar. Su música no se limita a seguir una estructura; se retuerce, gira y evoluciona, creando una experiencia tan cerebral como visceral.

SYKOFNT está formada por Emil Moen (guitarra, voz), Melvin Treider (batería), Per Semb (guitarra) y Sindre Haugen (bajo).

‘Roots and canopy’ es una cautivadora canción que te traslada a un lugar reflexivo en el que la música fluye exhalando hermosas melodías de rock progresivo vintage. Voces acogedoras, guitarras elegantes y un ritmo pausado solo alterado por la embestida final que nos lleva la siguiente canción.

Con un inequívoco acento floydiano ‘Mycelium march’ se vuelve más oscura e inquietante con una estructura más elaborada y experimental. A diferencia de la pausada canción anterior las cosas se vuelven más rugosas y empíricas.

La tercera canción, ‘Heart of the Woods’, es una pista de más de dieciséis minutos en los que podemos encontrar, desde acordes acústicos de folk-progresivo, pasajes psico-progresivos completamente reconocibles en los que los noruegos parecen venerar a bandas como CAMEL con algodonadas melodías y elementos más pesados en un flujo constante de música vintage llena de encanto. Solos asesinos que coquetean incluso con un ambiente heavy-rock, elevan la apuesta en una pista llena de matices, cambiante, y siempre sorprendente. Con muchas reminiscencias del pasado, SYKOFANT consiguen equilibrar lo vintage con un orgánico sonido contemporáneo haciendo que la pista se presente como majestuosa hata con un final ceremonial guiado por coros celestiales y una temática pastoral con sutiles acordes acústicos. Una buena forma de cerrar este capítulo doble.

La banda ha puesto en su página de bandcamp el Ep completo en una sola pista para poder gozar de una experiencia más global.

Para celebrar la finalización de este lanzamiento en dos partes, ambos EP —Red Sun y Leaves— se lanzarán juntos como un álbum en formato físico . El lanzamiento combinado estará disponible en vinilo y CD (la preventa comienza el 23 de enero y los envíos están previstos para los próximos meses). Esta edición física presenta el proyecto tal como se concibió originalmente: una experiencia de álbum unificada, diseñada tanto para la escucha inmersiva como para coleccionistas.

Sykofant

Reseña: ROSTRO DEL SOL.- ‘Universo 25’

Llevo siguiendo a los mexicanos ROSTRO DEL SOL desde que me sorprendieron con su álbum debut homónimo (reseña aquí) en 2021. En 2023 con su EP ‘BLUE STORM’ (reseña aquí) corroboraron que la calidad de su primer trabajo no fue un espejismo, y ahora, con su nuevo álbum vuelven a demostrar que ROSTRO DEL SOL son una fantástica banda llamada a tener mucha más repercusión y respeto de la audiencia. La banda ha compuesto un álbum conceptual combina rock progresivo sinfónico, jazz rock, blues, psicodelia pesada y finos pasajes de improvisación, construyendo una narrativa sonora inspirada en experimentos con animales reales, creando una historia llamada Universo 25. Actualmente compuesta por Mitch, Joel, Jorge, Miguel, Cassiel y Alejandro, la banda busca transmitir diferentes sentimientos y sensaciones al oyente a través de sus ritmos y melodías aí como una experimentación no vista ahora. El resultado son diez canciones en las que los elementos progresivos de manual y el jazz-rock se agolpan con estructuras complejas. Esta evolución hace que los elementos de rock clásicos y el blues dejen un espacio a intrincados pasajes sinfónicos en los que el órgano vintage y el piano toman las riendas de sus canciones. En algún espacio entre el sonido de la escena Cantenbury, y del hard progresivo de bandas como Yes, Jethro Tull o Camel, ROSTRO DEL SOL sabe como colorear este tapiz sonoro con una psicodelia que por momento se torna ácida, mientras que en otros venera el legado Santana con ritmos más coloristas. Esta equilibrada dualidad guitarra-teclados se manifiesta en la mayoría de las canciones haciendo que éstas siempre nos sorprendan. Una apuesta arriesgada que da unos frutos excelentes y que aúpa los mexicanos como una banda madura que sabe a lo que juega. ‘UNIVERSO 25’ es un trabajo que hará las delicias de los fans más ortodoxos del rock progresivo, y que a su vez ofrece la oportunidad a otros para adentrarse en un mundo musicalmente complejo, pero sumamente cautivador en el que la improvisación y pasajes de free-jazz también tienen cabida gracias a la espontaneidad con la que la banda ejecuta sus canciones.

El álbum fue grabado, mezclado y masterizado en Rec-On Studio por Jorge Trejo entre 2024 y 2025 con colaboraciones de Max Mountain, Alain Bravo y Carlos Greco en «Argonne». ‘UNIVERSO 25’ está disponible vía ECHODELIC RECORDS, CLOSTRIDIUM RECORDS , STONERS DEALER RECORDS, SMOGLES RECORDS. Arte de portada: Elena Ibáñez (España).

Los ecos de bandas como Jethro Tull aparecen a las primeras cambio en ‘Universe’. Fuertes vibraciones progresivas y tonos mas propios de la música de Bach nos envuelven en un viaje al pasado. Clasicismo, aromas jazz y golpes de hard progresivo componen una pieza excelsa y con unos magníficos arreglos que le aportan un sinfonismo clásico. En la mitad del corte la guitarra se extenúa en solos ácido dando un toque enérgico a ese cambiante tema que muere en un Jardín de Eden con un sonido algodonado y celestial.

Sin salirse de esa estancia clásica, ‘Predicator’ es una pista sustentada en el sonido del piano con un tono oscuro y dramático. Como si se mascara la tragedia, ROSTRO DEL SOL componen una pieza clásica en formato rock.

En una línea similar la diabólica ‘Bicéphalus’ se sumerge en un escenario sonoro de jazz-rock a la vieja usanza. El sonido del saxo se balancea sobre un ritmo hipnótico y repetitivo en una especie de free-jazz vanguardista. Taladrando las neuronas del oyente con una experimentación desmedida hasta la llegada de la guitarra de Mitch esparciendo su hechizo en solos psicodélicos. Esta dualidad es uno de los elementos característicos de este nuevo álbum de los mexicanos como se demuestra en el solo de órgano vintage que aparece en la parte final del corte.

‘Atomic ark’ mantiene el tipo sobre una base sólida de jazz progresivo. De nuevo los ecos del rock vintage se ensamblan en otra hermosa canción con una cuidada melodía y unos arreglos bien manejados. Imagina a Santana como solista de una banda de hard-progresivo y encontrarás su esencia sonora.

Envuelta en una intrigante atmósfera ‘Beyond and the smoke’ nos susurra con la cautela del que no quiere ser descubierto. Esta banda sonora de film de suspense incide en apoyarse en esos teclados que tan bien les funcionan. En esta ocasión el jazz se viste de etiqueta para ofrecernos una corte elegante y sofisticado a la vez que algo más ortodoxo si cabe.

La progresiva ‘Collapse’ me recuerda por momentos algunas bandas españolas de finales de los 70’s y primeros 80’s nacidas en Andalucía. Incidiendo en la misma estructura de acordes repitiéndolos una y otra vez, la banda entra en bucle con una pieza cuasi clásica en la que las raíces progresivas están latentes.

Esa locura transitoria del corte anterior nos lleva a una pieza colorista como es ‘Paragon’. Sobre una base progresiva los mexicanos incorporan elementos jazz bajo la atenta mirada de ese órgano vintage tan presente en todo el álbum. Una pieza compleja por momentos que brota esplendorosa con el magnífico trabajo de guitarra en una conversación de instrumentos tocados con gran creatividad y talento. Cambiante, el corte mas largo del álbum deja espacio para la experimentación sin perder su esencia.

En un tono melancólico ‘Isolated head’ se recrea en paisajes románticos que sirven para el lucimiento de esa guitarra con reminiscencias de Santana que ya habían mostrado con anterioridad. Una bella canción con la que consiguen llegar al alma del oyente proporcionando un estado de relajación presidido por la belleza.

En una atmósfera con reminiscencias del sonido Canterbury ‘Mother of illusion’ nos sumerge en una espiral progresiva que golpea sobre nuestras neuronas. Esta claro que la banda ha compuesto el álbum más complejo hasta la fecha y esta canción es un evidente ejemplo de ello.

Para cerrar ‘Argonne’ aparece como magnífica pieza progresiva en la que el sinfonismo y los coqueteos jazz cobran un gran protagonismo. Ondulante y cambiante la canción evoca momentos más propios de Yes en una combinación sumamente sugerente. Todo un viaje al corazón del hard progresivo que brillaba a mediados de lo 70’. Un corte de manual con logrados arreglos y una narrativa fluida.

Rostro Del Sol

Echodelick Records

clostridiumrecords

Stoners Dealer Records

Reseña: VOODOO QUEEN.- ‘Violet Crown’

Nacida de un encuentro casual y una pasión compartida por el rock y el stoner, VOODOO QUEEN ofrece en su álbum debut ‘VIOLET CROWN’ espiritualidad, introspección y autotrascendencia combinando riffs potentes, ritmos contundentes y pasajes etéreos empapados de psicodelia y blues. Los riffs monolíticos se amortiguan con una vocalista cautivadora, así como con interludios melódicos creando canciones intensas, a veces oníricas, siempre conmovedoras, donde la energía pura se fusiona con una genuina sensibilidad musical en la que los ecos de rock de los 70’s tiene su espacio. Impulsadas por letras personales, sus composiciones invitan a la introspección, al cuestionamiento ante ciertas dificultades y a la búsqueda del crecimiento personal. Estas emociones aparecen en cada canción actuando como un reflejo de las emociones humanas, entre dudas, esperanzas y revelaciones, donde se entrelazan la espiritualidad y la voluntad de mantenerse firme en las propias convicciones. Con buena dosis de fuzz y con la crudeza del heavy rock de antaño, la banda adorna sus canciones con elementos modernos haciendo que las mismas resulten siempre ganadoras. Las siete pistas de ‘VIOLET CROWN’ marcan el amanecer de un primer capítulo, un viaje donde la luz mística se entrelaza con los matices más enigmáticos de nuestro universo sonoro entre serenas atmósferas, casi silenciosas por momentos creando un entorno de misterios con enigmáticos pero cautivadores pasajes. Presentado con una magnífica portada, tratando de reflejar su propio universo. Algo rocoso, místico, con una sensación real de poder y misterio, para devolver una imagen icónica del proyecto. La Reina está aquí, frente a la enormidad de una nueva búsqueda, avanzando hacia el agua hacia este gigantesco y casi sagrado árbol. A su alrededor, un paisaje con pantanos, árboles imponentes, y a lo lejos, un cielo que permite a cada uno ver su propio paso, un cielo suspendido entre el final y el principio, mostrando una corona morada y la aurora boreal. Sin duda una grata sorpresa para cualquier amante de la psicodelia, el blues y por supuesto de los pesados sonidos stoner.

Hipnótica y psicodélica en su apertura ‘Morning Sun’ nos invita a un trance chamánico gracias a sus guitarras volátiles y a su psicodélica atmósfera. Una ilusión inicial que se transforma por momentos en un monstruo de riffs crujientes y pasajes heavy-psych sumamente atrayentes. Siendo en su mayor parte instrumental, la voz aparece la mágica voz de Fabiola Thoreau

Con incisivos golpes Stoner cósmico ‘Bright Cage’ galopa como búfalo en estampida por praderas desérticas. Alternando el fuzz con el hipnotismo pasajes de rock setentero nos inundan de blues. Una combinación bien ejecutada en un serpenteante transitar sin mirar a atrás. Una canción asesina que te noquea con sutileza.

Navegando entre riffs ruidosos y delicados pasajes de blues nebuloso ‘Sad Attitude’ es otra canción en la que su vocalista xxx exige su talento con desgarrados pasajes que se tornan sugerentes. Arropada por un muro de sonido la pista desciende a seductores pasajes en los que la psicodelia y el blues se unen en un rito vintage.

‘Free way Out’ se desarrolla en un magnético escenario sonoro presidido por la una estimulante psicodelia. Creando su propia seña de identidad la belleza de sus melodías nos insufla relajantes momentos de introspección. Con un notable trabajo de guitarra la pista se muestra cohesionada y solvente.

Sensual y cautivadora ‘Between my troubles’ baja la intensidad con un sonido poderoso que gravita en un espacio psicodélico en el que el blues, el heavy-rock y rock arenoso confluyen en un punto en común. La calmada pista pone freno al ímpetu mostrado en los cortes previos.

Una desgarradora canción rebosante de sentimiento como ‘I’ define el puro sonido de los franceses. Melodía y contundencia en una ondulante narrativa en la que faltan buenas dosis de lisergia. Narcótica por momentos, sus solos de guitarras consiguen llegar al alma, una compañía perfecta para una voz que brilla con luz propia pero que también permite el lucimiento del resto de la banda. Cohesionada y fluida.

Entre tonos vintage y un ritmo poderoso ‘Shine of my Soul’ se siente como una banda sonora de un relato legendario. Ecos del heavy-rock, aderezados con una gotitas de blues y melodías épicas hacen que la pista se eleve sin perder el rumbo hasta llevarnos a un cautivador entorno psicodélico. Antes del final el caos se desata con una deflagración de pesadez antes de un lento epílogo final.

Voodoo Queen

Reseña: ((C.ROSS)).- ‘Future site of C.Ross’

Al confeccionar la lista con los mejores álbumes del año y ocupando el puesto 10 del TOP 50 (mira aquí) recordé que por algún motivo había dejado a medias de escribir esta reseña del nuevo álbum de C.ROSS, el músico canadiense miembro de bandas como QUEST FOR FIRE o COMET CONTROL. Si en su anterior álbum ‘SKULL CREATOR’ se centraba más en el folk, en esta nueva entrega C.ROSS hace aflorar su lado más psicodélico en un hermoso álbum intimista que hará las delicias de cualquier fan de PINK FLOYD. El álbum perfecto para hacer una pausa y deleitarse con unos viajes sonoros llenos de emoción y bellas melodías. Ross profundiza en su mezcla única de psicodrama folk difuso y rock cósmico, combinando una composición cruda con una producción expansiva. Con ecos de Judee Sill, Duke Garwood, Syd Barrett o DEAD MEADOW, ‘FUTURE SITE OF C. ROSS’ es a la vez realista y cósmico, equilibrando riffs distorsionados, texturas de pedal steel y una acústica delicada, pero de una voz cálida y reconfortante que acaba por conquistarte en un trance narcótico. Sus floydianas camones beben del folk más oscuro pero sobre todo de la psicodelia deconfiteria. Un dulce exquisito para cualquier paladar psicodélico. Con canciones bien estructuradas con los arreglos precisos C ROSS consigue un álbum compacto, cuya narrativa siempre parece tener sentido. Lánguido y melancólico peros completamente psicodelico, sus canciones se derriten al calor de sus bellas melodías. Tras demasiado tiempo posponiendo esta reseña, ahora me quedo satisfecho, ya que C. ROSS ha compuesto un álbum mágico y terapéutico que me ha acompañado en numerosos momentos durante los últimos meses. Gracias.

El álbum fue grabado por Josh Wells en The Mango Pit (Chicago) con una grabación adicional de C. Ross en Muskoka, Ontario, y está disponible vía Echodelick Records.

C.ROSS: Guitarras, voz, bajo teclados y producción, Josh Wells: batería, percusión, teclados y producción. Eiyin Sof (voz en ‘Hcanorff’ y Aaron Goldstein (pedal steel en ‘Hcanorff’)

A ritmo lento y con elementos folk ‘Love until you’re free’ nos sume en un entorno balsámico con melodías aterciopeladas y un flujo instrumental pausado. Su languidez se va tornando más psicodélica con hermosos pasajes de guitarra y ese ritmo cadente que te atrapa. Una ceremonia catártica que no abandonará en el resto de las canciones.

A caballo entre el folk más interno y el legado de la época de Syd Barret en Pink Floyd, ‘Plant your eyes’ se va construyendo con la pausa necesaria para disfrutarlo intensamente. Eel tema avanza emulando a David Gilmour, el contraste de su melancólica melodía se alterna con un espíritu folk que se colorea con distintos elementos y todos sumamente efectivos. Si vuelta a tras el viaje nos va llevando por preciosos escenarios de fluidos cambiantes y voces acarameladas. Si escarbamos un poco más encontramos la destreza compositiva de una canción repleta de matices con los que consigue el éxito pleno. Cautivadora y balsámica, la pista muestra al músico sonando como una auténtica banda.

El bucolismo de la west Coast aparece en los acústicos acordes de la aterciopelada ‘Hash cash ash (no one rides for free)’. Delicados pasajes de slide guitarra y la vibra floydiana acaban por atraparnos en un sueño cósmico en el que la liviana psicodelia parece susurrarnos. Una combinación efectiva que muestra la evolución del músico en su segundo álbum. Una nueva ruta que parte del mismo punto de partida pero que nos lleva a extasiantes lugares sonoros.

‘Rider destroyer’ nos hechiza con sus delicados acordes acústicos. Con algodonadas voces en la misma línea de la pista anterior me viene a la cabeza algún tema de The Wall. Esa oscuridad melancólica se adorna con un sonido de violines (¿) creando una atmósfera macilenta en forma sinfónica. La placidez presidiendo su desarrollo solo se altera con hermosas melodías que se elevan a la luz antes de apagarse lentamente.

Sin dejar los acordes folk, ‘Lu’ repite la forma del sinfonismo unido con lo acústico en otra canción sosegada.

‘Faster tan the light’ sacude sus tambores cambiando el registro e impulsando el sonido a un espacio en algún lugar entre la americana y la psicodelia. Con guitarras ácidas serpenteando bajo un ritmo implacable en sus nebulosos pasajes alcanza un magnetismo endiablado.

Poniendo el epílogo, ‘Unnatural light’ se nutre de efectos y reverberaciones en un trance letárgico. Sus cautivadoras melodías habitan en un silencio solo roto por una guitarra lisérgica tocada en una atmósfera difusa que ya a estas alturas resulta familiar, ya que es una de las claves de este notable álbum.

C.ROSS

Echodelick Records

Reseña: BOGWIFE.- ‘From Ashes’

Tras cuatro años en el desierto, resurgiendo de las turbias profundidades del folclore escandinavo y el heavy underground de Aalborg, Dinamarca, BOGWIFE regresan a la actualidad con su mejor álbum hasta el momento. ‘FROM THE ASHES’ consigue el equilibrio entre la pesadez y lo narcótico con ocho majestuosas canciones del blues lisérgico, Stoner-doom con algunos elementos grunge y leves pinceladas folk. Riffs poderosos, una batería atronadora y sus lánguidos paisajes psicodélicos nos invitan a una inmersión en pantanosos escenarios heavy-psych del más alto nivel. Esta versatilidad les aleja de ser una propuesta estereotipada en este nuevo capítulo que marca una audaz evolución en el sonido de BOGWIFE: una continuación de su exploración de la luz dentro de la oscuridad y la reverencia por todo, desde los organismos más diminutos hasta la inmensidad de las montañas y los mares. Resurgiendo de las cenizas, la música de la banda sigue siendo una poderosa búsqueda de los pequeños rayos de luz que inevitablemente emanan incluso de los rincones más oscuros. Estamos ante un álbum que puede conquistar a públicos diferentes ya que estos chicos, bebiendo del legado de bandas como SLEEP o KYUSS, son capaces de combinar estos mimbres con vibraciones propias de bandas como ELDER o ALL THE WITCHES. tejiendo ritmos blueseros, tonos de guitarra distorsionados con voces potentes y melodías inquietantes que perduran mucho después de la nota final. Así componer canciones que canalizan ese misticismo inquietante y natural en su música, creando atmósferas tan oscuras y turbias como trascendentes y cósmicas con unos cuidados arreglos melódicos. BOGWIFE, esa criatura mitológica que ronda los pantanos del norte de Europa sale de su letargo para demostrar al mundo su talento con un álbum soberbio.

BOGWIFE son: Jonathan Tex Rønne Hansen (bajo), Jonathan Rosendahl Iversen (batería), Morten Nielsen (guitarra) y Mikkel Munk Iversen (voces y guitarra).

Mostrando sus cartas desde el primer momento ‘From Ashes’ nos arrollan con riffs contundentes y melodías pegadizas alternando su intensidad arenosa con pasajes psicodélicos empapados de fuzz. Fresca y contundente a partes iguales, la canción fluye con solvencia aunando influencias manteniendo un gran dinamismo en todo momento.

‘Shivering’ es un himno épico sobre estar al borde de perder la esperanza y rendirse. Habitando en una neblina psicodélica la pista gravita en un espacio fronterizo entre el heavy-rock y el Stoner doom psicodélico. Una invitación a convencerte a ti mismo de que hay un futuro mejor. Entre riffs grandilocuentes la banda desata el caos sonoro con un groovy cautivador.

El sonido de los daneses se ha caracterizado desde sus inicios por su veneración por el blues y ‘No Church’ es la muestra. Lento y cálido el corte pone la guinda blusera entre sus pasajes psicodélicos llevándonos a una cueva narcótica en la que la guitarra destila una tensa acidez acompasada por embestidas de su característico doom rebosante de fuzz. La serpenteante pista ofrece brillantes momentos de una emocionante psicodelia pesada. Brillante.

‘Light Of Day’ es otro himno pesado con aroma grunge y su habitual contundencia coloreada con atractivas melodías y solos de guitarra que se superponen creando otra pista ganadora de heavy rock moderno con alguna pincelada folk.

De un pantano humeante emerge la narcótica ‘Heavy Burden Blues’. Piensa en All Them Witches y ese carácter chamánico de sus canciones y encontrarás la respuesta de esta joya de de blues psicodélico a la altura de los grandes nombres del género. Posiblemente la mejor canción del álbum, una pista que te atrapa en un placentero viaje presidido por nebulosas narcóticas repletas de pasión.

Con un ritmo pegadizo ‘Ages’ con sus poco más de dos minutos es un corte de Stoner vibrante que te invita a la fiesta por la senda más clásica del género. Una canción que usa la vía rápida para conquistar al oyente.

‘Agony’ se sustenta en una línea de bajo gloriosa para llevarnos al Stoner doom más y oscuro y desgarrador. Otra pista sólida con el sello de identidad de BOGWIFE.

Para el final, la banda nos reserva la canción de mayor duración, ‘Chrysalis’ con sus casi ocho minutos se desarrolla entre bellos pasajes de psicodelia en su parte inicial pera sumergirse en las cenagosas aguas del blues narcótico. Sus solos virtuosos, su contundente ritmo y los devaneos psicodélicos la hacen merecedora de toda la atención. Con el registro vocal cercano a algunos momentos Elder, estos chicos tiene claro su propósito, y lo demuestran con otra canción monumental en la que el blues, la psicodelia y la música pesada unen fuerzas una vez más. Un perfecto cierre para un sensacional álbum.

Bogwife

Majestic Mountain Records