Etiqueta: progressive-rock

Reseña: JAKETHEHAWK.- ‘Hinterlands’

El cuarteto pesado, progresivo y autoproclamado «Appalachian Rock» de  Pittsburgh, JAKETHEHAWK, desata la belleza en este mundo con su nuevo y cautivador álbum ‘HINTERLANDS’, (disponible vía Ripple Music). Seis temas extasiante que conjugan la fuerza y rugosidad de los riffs Stoner con unas cuidadas melodías en un transitar por parajes en los que los ríos, los bosques y un cielo azul se encuentran con los sonidos desérticos. Siempre ofreciendo un aliciente para el oyente las oscilaciones y atmósferas en las que habitan sus temas nacen de un espíritu progresivo y unos genes stoner. Hábiles creadores de atmósferas psico-progresivas cuentan con un aliciente del que carecen muchas bandas, las melodías vocales juegan aquí un papel primordial, pero no solo eso, esas guitarras ácidas que se incrustan en sus atmosféricos pasajes instrumentales hacen que el álbum ofrezca un nuevo horizonte. Seguramente es lo que propia banda denomina ‘Appalachian rock’, ese rock que nace de las montañas pero que no reniega del desierto. Herederos de las expansivas exploraciones psicodélicas de bandas como  KING BUFFALO, HOWLING GIANT o los últimos trabajos de ELDER, fusionan el sonido clásico centrado en riffs de los pioneros del proto-metal con las texturas del rock psicodélico y el rock progresivo. También se basan fuertes influencias de la frondosa arbolada valle del río que llaman hogar y su rica tradición música popular que abarca el apodo oximorónico. Atmosférico pero pesado, el álbum sorprenderá a aquellos que piensas que los sonidos pesados Stoner se están anquilosando ya que ‘HINTERLANDS’ abre una nueva vía para escapar de la rutina con sus bellas y fornidas canciones.

Formados  en 2016,  JAKETHEHAWK Siempre ha buscado sintetizar el sonido clásico centrado en el riff de los pioneros del proto-metal con las texturas del rock psicodélico y el rock progresivo. Además, se extrae una gran influencia del territorio de la banda, tanto del exuberante y boscoso valle del río como de la rica tradición de la música folclórica que aún florece aquí. Realmente, sería falso que una banda de este lugar se llamara a sí misma “rock del desierto”; Así como el paisaje y la cultura dieron forma a la música de la escena de Palm Desert a principios de los 90, JAKETHEHAWK también acepta la influencia de su tierra natal. La banda adopta su apodo oximorónico, dado a sí mismo, «Appalachian Desert Rock» porque sienten que resume estas cosas; pero lo que es más importante, les gusta.

JAKETHEHAWK son:
John Huxley – Voz, Guitarra, Teclados
Jordan Lober – Batería
Justin Lober – Bajo, Voz
Josh Emery – Guitarra, Voz

‘Conunting’ abre con susurrantes acordes de inspiración dream pop antes de estallar con sus pesados riffs. Yuxtaponiendo los estilos el tema golpea con fuerza en una acertada combinación de melodías algodonadas y voces limpias, con la crudeza de sus rifs Stoner. En una atmósfera casi psico-progresiva en el tema pesa más el cuidado en las apacibles melodías, pero sabiendo dotar de fuerza a unos poderosos riffs. Un atractivo resultado que fluye con soltura. Líricamente la canción trata sobre la fórmula para encontrar la paz haciendo referencia a un espíritu social que nos moldea.

Con un mayor dinamismo ‘Ochre and umber’ nos invita a un apacible paseo en bosques que dejan pasar la luz en una combinación de poderos riffs y pasajes ambientales, algo que es una constante en todo el álbum. Riffs divertidos, momentos acústicos y un fiel reflejo del sonido equilibrado de la banda. Ondulando constantemente entre delicados pasajes y crujientes rifss el corte tiene un groovy que conjuga elementos psico-progresivos con momentos mucho más pesados y rugosos. Unos buenos solos de guitarra completan un corte rico en matices que muestra un aspecto bien trabajado.

Un mundo frio y desolador, prácticamente sin esperanza se refleja en ‘Interzone mantra’. Misterioso y atmosférico en su apertura, el tema habita en un escenario más oscuro. El protagonismo de los teclados hace que se compense sus momentos mas doom. Entre nebulosas psicódelicas la banda combina elementos de rock-progresivo con unos genes doom y Stoner entre sus efluvios lisérgicos. Seguramente su tema más oscuro y tenebroso.

En tonos más campestres, los acordes acústicos de ‘Still life’ nos trasladan a un escenario apacible que parece alejarse de la pesadez stoner.  El tema se envuelve en un manto progresivo aportado por los sutiles teclados. Con elementos melódicos incrustado entre sus crujientes riffs consiguen crean un sonido que se respeta. Esto hace que el tema nos acaricie con sus limpias guitarras sin olvidar las embestidas pesada que van y vienen.

En un escenario más desértico ‘Uncanny valley’ el bajo difuso nos aturde en su primera parte con riffs que crujen y se expanden entre flotantes guitarras atmosféricas. Siempre con sus delicadas melodías vocales que tratan sobre un viaje al mas allá. Con la sensación de road movie desde el desierto hasta parajes en los que las montañas y los bosques son el escenario por el que el tema recorre a modo de vehículo en una autopista descriptiva en este curioso viaje descriptivo lleno de dinamismo.

El álbum cierra con ‘June’ retomando la pesadez de unos riffs que afloran en una atmósfera psico-progresiva llena de alicientes. Stoner ortodoxo que comparte escenario con melodías casi pop entre una rica y prieta instrumentación que se balancea entre ásperos momentos y bellos pasajes progresivos aportando un talante sosegado y gratificante. En ambos entornos el ritmo de la batería nunca pierde su objetivo. Implacable.

RIPPLE MUSIC :
Sitio web ⎪ Facebook ⎪ Bandcamp ⎪ Inst agram
JAKETHEHAWK:
Facebook  | Bandcamp ⎪ Instagram

Reseña: MATHER.- ‘This is the underground’

El debut de los griegos MATHER es uno de esos álbumes que de vez en cuando se me quedan estancados en la bandeja de entrada. Pero en una primera escucha hace meses, fue un trabajo que me llegó profundamente. Tras un tiempo olvidado en la carpeta de pendientes la edición en formato vinilo por parte del sello Violence in The Veins, hace que retome con gusto esa tarea pendiente. Pocos álbumes en los últimos tiempos ha podido ofrecerme una variedad de registros como éste. Desde sus trances liberadores de los sentidos, los chamánicos espacios llenos de un misticismo inquietante, o la aspereza de sus pesados riffs, son todo un aliciente para descubrir a otra nueva banda salida de la fértil escena pesada griega.  

Canciones ricas en texturas que siempre encuentran una salida con la que sorprendernos. Unas cuidadas composiciones que toman elementos de distintos estilos para crear un ‘todo’ diferente en cada tema, haciendo que cada canción sea una experiencia única. Sería difícil definir el sonido predominante en ‘THIS IS THE UNDERGROUND’, pero sin duda las reverberaciones psicodélicas, los cuidados desarrollos progresivos (seguramente soporte de todo) y la crudeza de sus riffs, hacen que estemos ante uno de los álbumes más interesantes de los últimos meses. Coqueteando con momentos COLOUR HAZE, con pasajes más propios de PINK FLOYD, con momentos PORCUPINE TREE, eN espacios del medio oeste en línea ALL THEM WITCHES, con sus chamánicos rituales doorsianos o con sus crujientes riffs Stoner-doom más propios de 1.000 MODS, MATHER consigue que sus temas funcionen y nos enganchen sin remisión en sus surcos. Unos surcos que reflejan la gran calidad que tienen estos chicos y la maestría a sus instrumentos, haciendo que todas las piezas encajen en el complejo puzle sonoro que es este álbum. Seguramente me quedaría con calificativo de progresivo para definir en una palabra su sonido, pero, sin duda no se queda solo en eso, de ahí su grandeza. Letras que versan tanto de temas existenciales como la religión y el paso del tiempo, hasta cuestiones de la vida cotidiana como pueden ser las relaciones humanas o incluso el arte y la pintura.

MATHER es un cuarteto de Patras, Grecia, formado en 2017, que rápidamente generó gran revuelo por su dinamismo en directo. MATHER comenzó como proyecto cuando John (guitarra, voz), Leon (bajo) y Aizen (batería) empezaron a tocar juntos a finales de 2017. Unos meses después, la banda ya estaba participando en numerosos festivales locales. En el invierno de 2018, MoonLoop (sintetizadores, voces) se unió a la banda y los cuatro comenzaron a trabajar en su álbum debut mientras seguían tocando en festivales. Después de muchas reuniones y jams, ediciones, partes y canciones recién compuestas, la banda finalizó las pistas y estaba lista para grabar su álbum debut, ‘THIS IS THE UNDERGROUND’. En enero de 2020 comenzaron el proceso de grabación en NoiseBox Studio con el ingeniero de sonido Sakis Bastas tras la mesa. En abril del mismo  año se completó el álbum. La banda estaba ansiosa por tocar y promocionarlo en vivo, pero desafortunadamente las numerosas restricciones provocadas por la pandemia del Covid cambiaron sus planes.

Tras la breve introducción de ‘Om’ en la que nos llevan a un mágico escenario de psicodelia desértica, con sus magnéticos acordes envolventes, ‘Recoil’ se desarrolla en una fusión en la que parecen juntarse en una encrucijada Colour Haze, Pink Floyd y The Doors. Un bello tema con arropado por un órgano vintage y una chamánica voz que acaba por hechizarnos. Pausa y psicodelia reconfortante van creando una atmósfera lisérgica en un insondable espacio en el que la fuerza de los riffs nos seduce bajo una rica instrumentación. Un tema bien construido que se eleva majestuosos para internarse en un bosque mágico en el que la psicodelia el espacio ideal para desarrollarse de la mejor manera posible. Solos ácidos en un entorno con distintas texturas sonoras que muta según avanza. Una canción que por sí misma hace que este álbum ya merezca la pena.  Todo un trance narcótico liberador de nuestros sentidos.

Bajo una atmósfera más propia del medio oeste, los acordes acústicos de ‘A Night To Remember, a day to Forget’ cambian el aspecto del sonido de los griegos. El tema evoluciona desde su aspecto casi folk con su cálida voz, para volverse más luminoso y rítmico Engrosando su sonido, las voces y coros se yuxtaponen mientras todo se trasforma para llevarnos a un espacio de Stoner arenoso. No estamos ante un corte de sonido convencional, ya que, a pesar de tener elementos ortodoxos, se adorna con ese mágico órgano que hace que su aspecto cambie, mostrándonos distintos sonidos. En su parte central el tema reposa en suaves acordes que van describiendo un espacio apacible en el que la psicodelia se inclina a un espacio más progresivo. Con solo dos temas, se puede apreciar el abanico de registros que utilizan MATHER para dar cuerpo y versatilidad a su sonido. Silencioso y susurrante, la canción flota en narcóticos pasajes que suavizan nuestros sentidos creando una sensación de relajación y bienestar. Así, su parte final nos sorprender con ensoñadoras melodías con coros celestiales antes de una explosión de fuerza con riffs mas pesados. Aquí todo se acelera en una fusión de psicodelia, Stoner e incluso post-rock, creando un monumental y épico epílogo.

Después de los casi diez minutos anteriores, el folk con tonos de americana baja las revoluciones en ‘Give in’. Perturbadores pasajes con esa cálida y penetrante voz que se clava en nuestros sentidos. Un tema acústico en el que una sencilla armonía acompaña a la voz, como verdadera protagonista, y Que me evoca a algunos momentos All Them Witches.

‘Sympathy For The Gods’ parte de melancolía con voces que se superponen entre si bajo una tenue luz transmitiendo una sensación de desasosiego. Evolucionando hacia una atmosfera más turbia, los efectos de los sintetizadores y la repetición de estrofas intercaladas transmiten una sensación perturbadora y oscura. A modo de tragedia griega el tema nos sume en un espacio gris con un sonido que se va tornando más difuso y pesado con un final explosivo que tiene a postulados casi doom antes de despeñarse por un torrente de crujientes riffs.

Con sus casi trece minutos y postulándose como el tema mas largo del álbum, ‘Co​-​Lapse’ parte de un escenario post-rock con suaves acordes de teclado que se van difuminando para dejar espacio a la guitarra. Casi en tonos pastorales, la cálida voz y los angelicales coros se van mezclando con un espacio más propio de Pink Floyd en una atractiva combinación que conjuga el misticismo con una atmósfera psico-progresiva. Tras la calma inicial una explosión sónica se eleva aupada por el penetrante sonido de su idílico órgano. Aquí nos vemos inmersos en un jardín progresivo mucho más ortodoxos con aterciopelados pasajes entre registro vocales mucho más dulces. Leves pinceladas jazz aparecen entre los cadentes y acogedores acordes para crean un marco sinfónico de gran belleza. Una vez mas se repite la máxima de que cuando más largo es un tema, más oportunidades le ofrece a la banda de mostrar su verdadero potencial. Sin tiempo para el aburrimiento el corte atraviesa mil meandros con constantes giros en su trama y sonido. Tanto envolventes riffs creando monumentales pantallas de sonido, un bajo hipnótico e incisivo y la guitarra llenándose de color. Tonos funky, pasajes folk, y un sinfín de influencias sonoras se ven reflejadas en otro maravilloso corte de los griegos. La canción se diluye en su parte final a un escenario más psicodélico, sin perder su esencia progresiva.

‘Engine’ cierra el álbum entre sonidos experimentales y ácidos solos de guitarra. ‘THIS IS THE UNDERGROUND’ nos ha dejado patente que el cuarteto se desenvuelve bien tanto en la psicodelia pesada, como en el Stoner, lo progresivo e incluso en el dark-folk. Aquí su grueso sonido juega sin voces a combinar su lado más tosco sin desdeñar los efectos de los psicotrópicos. Sus oscuros pasajes se adornan con un exotismo misterioso e inquietante. Una leve concesión en un tema que vuelve a crujir con ásperos riffs  Stoner-doom.

https://www.facebook.com/matherofficial

https://www.facebook.com/violenceintheveins

Reseña: ROSTRO DEL SOL.-‘Rostro del Sol’

¿OBRA MAESTRA?. Cuando en el mes de septiembre el quinteto mexicano publicaba su single ‘Cynical mind’ mi instinto me decía que podíamos estar ante algo grandioso. La publicación de su álbum homónimo confirma esa afirmación. ROSTRO DEL SOL ha creado uno de los álbumes más sorprendes e interesantes de los últimos tiempos. De todos es sabido que la cantera mexicana era un territorio fértil del que siempre han salido buenas bandas, pero lo de estos chicos es impresionante. Buenas melodías y una perfecta ejecución de unos temas ricos en matices y texturas. Un gran aval que hace que todo fluya con una naturalidad sombrosa, sin complejos. Cinco hijos de Moctezuma que, con su debut, son merecedores de conquistar el mundo. Media hora mágica en la que el rock progresivo, la psicodelia más ácida, el jazz-rock y los ritmos funk, se visten de tonos vintage al más puro estilo de los 70’s. Imagina una fiesta por todo lo alto con Hendrix y Alvin Lee como anfitriones y con Colloseum, Traffic, Deep Purple, Earthless, Santana, Zappa o Siena Root como invitados. Solos hirientes, mucho Wah, wah, y unos teclados envolventes se salpimientan con el siempre seductor sonido del saxo, uno de los alicientes de este álbum instrumental. Un trabajo impresionante del primero al último tema. Estos músicos noveles tocan como auténticos veteranos, tanto por su destreza, como por su capacidad compositiva llevándonos siempre por el camino correcto. Estamos ante un álbum camaleónico que muta sus formas constantemente ofreciéndonos siempre un aliciente que nos deja extasiados. A veces no se necesitan psicotrópicos para tener un ‘viaje’, ROSTRO DEL SOL nos embriagan con su música de una manera placentera y hechizante. Los álbumes instrumentales siempre tienen algún detractor, pero a éstos, yo les invitaría a dejarse llevar por este monumental trabajo instrumental que no te dejará indiferente. Toda una orgia de sonidos vintage que te llevará al orgasmo en uno de los mejores álbumes de los últimos tiempos.

‘ROSTO DEL SOL’ está disponible vía LSDR Records, y fue grabado entre 2019 y 2020 en Rec-on Estudios en Ciudad de Mexico, por Jorge Trejo, siendo mezclado por Juan Puget, correspondiendo el arte de la portada a Elena Ibañez.

ROSTO DEL SOL son: Mitch Bálänt (Guitarra), Demian Burgos (Batería), Baruch Hernandez (Teclados), Israel Mejía (Bajo) y Dan Samhain (Saxo).

‘Effect of creation’ surge entre distorsiones y efectos, custodiado por el penetrante órgano. Una entrada que no nos hace vislumbrar el camino por el que se desarrollará el tema. Tras un minuto y medio de incertidumbre, el órgano en línea Purple deja espacio a unos desarrollos progresivos con cierta herencia española. evocándome momentos del rock andaluz español de los setenta, el cuarteto mexicano nos sumerge en una fusión de elementos en la que los ritmos jazz, se dotados de una gran acidez. Guitarras chirriantes, en una especie de jam en la que todo se vuelve más loco. Los vientos se unen a una fiesta variada y que cambia constantemente. Giros atractivos que va mutando las vibraciones sobre las que se construye el tema. Toda una exploración de sonidos vintage en la que no existen límites. Hard-progresivo, psicodelia y un hechizante ambiente psicotrópico con solos de guitarra que se estiran hasta la extenuación. El tema acaba por dejarnos noqueados por completo.

Tras el shock del corte de apertura, ‘Solar fire’ mantiene el espíritu vintage con el hammond coloreando el ambiente entre ritmos de vocación Funky. Conversaciones de guitarras ponen una pausa a los ambientales desarrollos progresivos. El tema consigue el equilibrio entre el sonido de los distintos instrumentos, creando la composición en distintos planos en los que cada músico tiene su espacio. Un gran trabajo compositivo para crear un tema rico en matices y texturas, esta vez en tan solo tres minutos. El contraste de la primera canción, con sus casi nueve minutos y la brevedad de ‘Solar Fire’ no desentona en la apuesta de la la banda, solventando a la perfección el gancho de cada una de ellas.

‘Backyard blues’, un nombre lo suficientemente evidente como para intuir que camino tomaran en esta ocasión. El blues, siempre un estilo recurrente para las grandes bandas aparece aquí de forma majestuosa. Heavy-blues y mucho psicotrópico son los ingredientes de este artefacto lisérgico y hechizante.  Creando un sonido mas propio de una banda americana de comienzos de la década de los 70’s, los teclados y las guitarras entran en una lucha hegemónica en la cual, en esta ocasión la guitarra se lleva los honores. Sabiendo ejecutar su papel, los momentos vintage adquieren una dimensión grandiosa. Contagiosos ritmos Funky y una línea de bajo llena de magnetismo amplían el espectro cromático del tema, ofreciéndonos nuevos espacios para la exploración. Si de algo no hay duda, es que, si no te unes al baile con el tema, estás muerto. Un corte adictivo.

Un solo de batería a la vieja usanza es la carta de presentación de ‘Bob C Sketches’. Nuevamente la fusión y el jazz ponen los cimentos para otra obra faraónica. Con ciertos ecos latinos y una guitarra propia del Santana más experimental, la bacanal psicotrópica regresa para narcotizarnos al más puro estilo Alvin Lee. Seducidos por el blues y la psicodelia la espontaneidad y destreza de estos chicos vuelve a quedar patente. Mucho talento y mucha técnica avalan otro blues lleno de acidez en el que los ritmos jazzeros se desbocan en una nueva jam. Envueltos en solos que parecen revolotear sobre nuestra cabeza, antes de que todo se modere. Aquí los vientos y los teclados salen a escena mostrando todo su glamour, seduciéndonos con bellas melodías retro. Entre pasajes jazz rock, las texturas del tema se amplían con distintos sonidos y vibraciones superpuestas para ofrecer un ampuloso corte que vuelve a dejar patente el talento de estos jóvenes músicos. Instalando en ese ambiente de los años 70’s. el jazz rock, y hard-progresivo se fusionan nuevamente en ‘Tales’. Un tema dividido en tres partes ejecutado entre una sutil neblina psych. Un nuevo coctel en el que caben distintos y variados ingredientes estilísticos. Ondulando en sus ritmos y saltando de un estilo al otro los momentos heavy-psych se mimetizan entre ritmos de fusión en una primera parte llena de intensidad. Como si hubiéramos cambiado de canción, la segunda parte habita en atmósferas psicodélicas de manual, con guiños floydianos. En su parte final, aparecen más presente elaborados desarrollos progresivos

https://www.facebook.com/RostroDelSol

https://www.facebook.com/lsdrrecords

Reseña: SAMSARA BLUES EXPERIMENT.- ‘End of forever’

SAMSARA BLUES EXPERIMENT lleva diez años en lo más alto de la escena heavy-psych contemporánea, y una retirada como la anunciada, merecía una despedida por todo lo alto. Eso es precisamente su nuevo álbum y probablemente el último,  
Resulta de lo más gratificante ver al trio en plenitud creativa con un álbum inconmensurable que perdurará en el tiempo como uno de los mejores ofrecidos por la banda. Es como una vuelta a sus orígenes, como si a pesar de su despedida, quisieran congraciarse con sus fans más fieles mostrando toda su frescura y calidad. Aquellos que nos sentimos hechizados con el sonido de sus inicios ahora tenemos la oportunidad de deleitarnos con éste nuevo álbum que bien podría recordar sus comienzos. Sus siete temas han sido compuestos en los últimos tres años y en ellos queda reflejada la esencia de la banda. Pasajes sinfónicos, riffs stoner, momentos acústicos, neblinas psicodélicas, desarrollos progresivos, hard rock de los 70’s, algún ritmo latino ¿Se puede pedir más? Sin duda la respuesta es NO. ‘END OF FOREVER’ puede que sea el mejor álbum de SAMSARA BLUES EXPRIMENT, y esto es mucho decir, ya que su discografía nos ha dado muchas alegrías. Buenas melodías dotadas de su mística característica se fusionan con momentos de hard 70’s en línea Jethro Tull o incluso Pink Floyd, con momentos rurales que chocan con la multitud de giros inesperados en cada canción. La belleza de los desarrollos de guitarra es otro de los grandes avales de este maravilloso trabajo de despedida en el que también encontrados las fragancias orientales que invaden unos temas bien construidos. Cualquier expectativa que puedas tener en este álbum, será cumplida sin remido, ya que, desde el primero hasta el último de los temas, el trío berlinés no baja el pistón, y la calidad de los mismos rebosa de unos surcos impregnados en psicodelia, hard y desarrollos progresivos con la brillante combinación de guitarras y sintetizadores, algo que enriquece aún más cada canción. Con solo echar un vistazo a la maravillosa portada de Jessica Rassi, podemos intuir en su interior hay algo fantástico. Si bien todos los temas parten de ideas y riffs creados por Christian, éstos se complementan lo la contundente base rítmica, y unas líneas ´cálidas y contundentes líneas de bajo. Todo enlazado con esmero, sin estridencias SAMSARA logra crear un “todo” en cada canción. ‘END OF FOREVER’ es un título muy evidente del lo que significa este álbum en la trayectoria de SAMSARA BLUES EXPERIMENT, una despedida a lo grande. Solo nos queda disfrutar de esta pequeña obra maestra de la psicodelia pesada y decirles a Christian, Hans y Thomas, GRACIAS por todo lo que nos habéis dado en estos años.  

SAMSARA BLUES EXPERIMENT son Christian Peters (guitarras, voz, sintetizadores y teclados), Hans Eiselt (bajo y voces) y Thomas Vedder (batería y percusión). La portada de ‘END OF FOREVER’ es obra de Jessica Rassi, correspondiendo a Richard Behrens la grabación y mezcla en  Big Snuff Studio, habiendo sido masterizado por Role en  Tonmeisterei Oldenburg. El ábum está disponible para formatos físicos vía Electric Magic Records.

 .
El álbum abre sin contemplaciones, ‘Second birth’ nos hechiza desde sus primeros riffs para atraparnos en sus once minutos de “viaje”. Un torbellino sonoro a través de un grueso bajo, tambores marciales y los devaneos de la guitarra de Peter exhumando ácido. Un tema grueso, con gran ritmo y pesadez en su parte inicial repitiendo la melodía. Una parte central en la que los sintetizadores hacen acto de presencia para embriagarnos con exóticos sonidos de gran mística y su vez épica.  Dotando de sinfonismo al corte, crean un ambiente palaciego ornamentándolo con bellos pasajes de psicodelia fragante. Heavy-psych de altos vuelos con un sonido cristalino pero poderoso con momentos floydianos. Embriagadores pasajes que van evolucionando a un entorno más tenso engrosando su sonido con crujidos de bajo y efectos sin que la melodía cese. Esta neblina psicotrópica va enturbiando un tema que sabe vivir en la oscuridad y en el misterio.

Después de este primer shock, ‘Massive pasive’, es un espacio para la conjunción de guitarra acústica y eléctrica. Moldeando, estirando y encogiendo en sus exóticos solos Peter nos embarca en gratificante un viaje sonoro. Nuevamente los pesados riffs violentan el reposo para llevarnos a un escenario psico-progresivo más propio de los primeros Jethro Tull. Un giro inesperado, pero lo de lo más efectivo que me deja sin palabras. SAMSARA me golpea por segunda vez. Jugando con las melodías vocales y entre acordes acústicos el tema nos lleva a un escenario brumoso con una ambientación campestre. La epopeya sigue construyéndose con estribillos pegadizos y llenos de magnetismo. El aroma de los setenta se apodera de los berlineses sin que eso signifique renunciar a momentos stoner en los que el sonido se engrosa. La dualidad entre los elementos acústicos y los eléctricos consigue enriquecer un tema con unos cimientos sólidos, pero con un aspecto más frágil. Una fragilidad aparente ya que el bajo de Hans sigue golpeando con fuerza.


Una introducción entre los vivaces tambores de Thomas y una magnética línea de bajo nos introduce en ‘Southern sunset’ un tema con reminiscencias Santana en el que el ritmo inicial y los teclados nos va acercando a una atmósfera más progresiva.  Sonido vintage que es coloreado por brillantes solos de guitarra de Peter. Todo un bosque lleno de luces y sombras con momentos hard-rock más propios de los 70’s, pero rezumando buenas vibraciones. Un tema que te engancha a tu narrativa y que según se desarrolla augura un final feliz. Hard progresivo en estado puro con las suficientes dosis de acidez como para el resultado sea completamente cautivador. Tras el magnífico trabajo de Peter en guitarra y voz se esconde una base rítmica que hace que el tema adquiera gran efectividad, sobre todo con ese toque latino de la batería.

‘Lovage leaves’ nos trae a los berlineses en su lado más sensual y delicado. Bellos acordes se envuelven en un manto sinfónico para crear un tema en el que el bucolismo está presente. Sus acordes acústicos y sus atractivos pasajes producen un efecto terapéutico. El lado más relajado de una banda que sabe imprimir carácter a sus temas, pero también seducirnos con bellas melodías. En esta ocasión la sencillez de la guitarra contrasta con una mayor presencia de los teclados creando un corte aromático en el que las fragancias exóticas nos embriagan relajando nuestros sentidos.

Si por algo SAMSARA atesora la reputación que tiene, es por su capacidad para desarrollas su psicodelia pesada entre atmósferas místicas en las que los aromas exóticos están presentes, ‘End of forever’ el tema que da nombre álbum, es un claro ejemplo de ello.  El particular y profundo registro vocal de Christian flota entre pesados riffs y melodías más reconfortantes. Un regalo para los amantes de la banda y de un género en el que SAMSARA ocupa un puesto de honor. Aquí la banda parece regresar a sus orígenes, como si a pesar de su despedida, quisieran congraciarse con sus fans más fieles. Aquellos que nos sentimos hechizados con el sonido de sus inicios y que ahora tenemos la oportunidad de disfrutar con éste nuevo álbum. Efectos, sintetizadores perfectamente encajados en la narrativa del tema, y sobre todo esa poderosa base rítmica hacen de este tema, una pequeña obra maestra de la psicodelia pesada contemporánea. Esa épica que hemos visto en ocasiones en bandas como Colour Haze, Rotor o los mismos SAMSARA, Pasajes ensoñadores que nos trasladan a un mundo mágico en el que las buenas vibraciones nos hacen olvidarnos de todo. Incisivos solos de guitarra se salpican entre el poderoso sonido de un bajo siempre excelso y los abrumadores tambores de Thomas.  Como un buen tema heavy-psych encontramos esos guiños stoner que separan la fina frontera de una de las laderas del género con la psicodelia más psicotrópica.
‘Orchid Annie’ resulta ser un bálsamo tras la embestida anterior. Sus primeros solos de guitarra nos invitan a un nuevo paseo por la psicodelia más brillante. Hermosos pasajes entre cadentes y pausados ritmos dejan espacio al desarrollo de la guitarra. Adornado con elementos vintage gracias al sonido de los ocasionales teclados de su comienzo, el tema parece desarrollarse sobre los estándares del hard-progresivo clásico, pero siempre enriquecidos con la creatividad de la banda. Sosegado y lleno de sentimiento, el tema fluye bien, tejiendo poco a poco un tema con distintas texturas que reflejan todos sus matices. Se percibe que la banda está dejándose en alma en cada composición. Sus ondulaciones se producen con una naturalidad que nos hace visitar distintos escenarios sonoros sin que podamos darnos cuenta del cambio de sonido realizado. Una gran conjunción de rock clásico, hard-progresivo y psicodelia. La mesura con la que se incorporan los sintetizadores a su sonido, no resta un ápice de la fuerza y originalidad de la banda, ya que esa incorporación no va en detrimento de la guitarra o de la pesadez, sino que se limita a apartar. Bajo un sonido más acelerado, ‘Jumbo mumbo jumbo’ insiste en los pasajes de psicodelia pesada y stoner. Una arrancada inicial llena de fuerza con ciertos tonos exóticos deja paso a momentos más atmosféricos en los que la psicodelia fluye en un hechizo reconfortante. El tema se muestra sólido, pero a su vez con la suficiente capacidad como para tocar nuestros sentidos. Entre los atronadores tambores y la densidad del bajo la guitarra se contonea en solos ácidos que crean una bacanal lisérgica antes del descenso a pasajes más apacibles. El corte resulta arrollador por toda la intensidad que los berlineses imprimen a su sonido. Sin perder un ápice de fuerza y gracias al sinfonismo que incorporan, la canción va reposando en un espacio netamente psicodélico en el que los desarrollos se vuelven más misteriosos y en cierta medida, mágicos.

Lee aquí la entrevista que hicimos a Christian Peters hace unos días, en la que nos contaba los detalles del álbum y del final de la banda:

https://denpafuzz.wordpress.com/2020/11/30/entrevista-interview-samsara-blues-experiment-chris-nos-da-los-detalles-del-nuevo-album-y-de-la-despedida-de-la-banda/

https://www.facebook.com/samsarabluesexperiment

https://www.facebook.com/electricmagicrecords

Reseña: WITCHWOOD.- ‘Before the Winter’

Tomando como referente el rock clásico de los 70’s el nuevo álbum de los italianos WITCHWOOD nos ofrece un repertorio de canciones en las que podemos encontrar influencias de bandas como Jethro Tull, Led Zeppelin, Deep Purple, Camel, pero también de bandas contemporáneas como Hällas. Sus canciones ponen banda sonora a un relato de cuentos y leyendas por la senda del mejor retro rock de carácter progresivo del momento. Coloreando con distintos estilos sus temas, tanto el blues, como el hard-rock, la psicodelia o los desarrollos progresivos de vocación folk conforman un álbum apasionante en el que ninguno de sus temas baja el nivel de calidad. Cuidando con delicadeza las melodías logran crear un tapiz sonoro que transita por esas vibraciones vintage que tanto atractivo tienen para los que hemos crecido con el rock clásico como banda sonora de nuestra vida. Siempre ofreciendo una alternativa, los temas escapan de un desarrollo lineal ofreciéndonos gratificantes alternativas que consiguen enganchar al oyente a este relato casi literario. El sonido analógico de la banda es otro de los grandes alicientes de un álbum sin fisuras, en el que todo se muestra compacto y lleno de magnetismo. Entre sus tonos místicos fluyen pasajes con la suficiente pesadez para que nada resulte anodino, lo que supone un aliciente para una escucha profunda que nos aportará cuarenta minutos de intensidad y belleza como pocos álbumes consiguen transmitir. Sin encasillarse en la clásica propuesta retro-rock sin gancho, aquí todo emerge con naturalidad para crear un entorno lo suficientemente atractivo como para sentirnos partícipes de este relato ‘vintage’ construido con estrofas contemporáneas. La exuberante instrumentación y la versatilidad de los instrumentos usados hace que nada destaque especialmente por encima del resto; aquí el “todo” está por encima de egos individuales lo que hace que el resultado sea sencillamente fantástico. Por otro lado, el sonido de la flauta incorporado a unos temas eminentemente rock, supone todo un aliciente respecto a otras propuestas sonoras mucho más lineales y ortodoxas, pero también los elegantes momentos líricos y ese sinfonismo lleno de elegancia hacen que ‘BEFORE THE WINTER’ sea un oasis entre tantos sonidos desérticos cortados por el mismo patrón. Estamos ante un álbum sencillamente MARAVILLOSO.

‘BEFORE THE WINTER’ está disponible vía Jolly Roger Records y WITCHWOOD son: Riccardo «Ricky» Dal Pane (Voces, guitarras, mandolina y percusión, Andrea «Andy» Palli (batería y percusión), Stefano «Steve» Olivi (Hammond, piano, sintetizadores, Mellotron y Fender Rhodes), Luca Celotti (bajo), Samuele «Sam» Tesori (flauta y harmónica). Antonino «Woody» Stella (guitarras y coros). La banda contó con la colaboración de Diego Banchero (bajo), Natascia Placci (soprano) y Jenifer Vargas (voces y coros).



‘Anthem For A Child’ abre entre efectos para llevarnos a algún lugar remoto en el que el hard-progresivo de los 70’s es la banda sonora de cada día. Flautas, riffs heavy rock y una tupida instrumentación en línea Halläs nos lleva a un espacio de cuentos y leyendas más propias de alguna época pasada. Un espacio en el que vivían los dinosaurios del rock de esa prodigiosa década. Brujas, hechiceros, caballeros de armadura y otras hierbas.

Con crudos riffs herederos de momentos hard-progresivo de comienzos de los 70’s ‘A taste of winter’ camina entre las cenizas de aquellos dinosaurios. Riffs rugosos con buenas melodías vocales y una atmósfera vintage conjugan momentos hard & heavy con pegadizos estribillos con ese escenario progresivo en el que tan bien se mueven WITCHWOOD. Intercalando los solos en el momento justo, el aditamento de elementos e instrumentos se produce con mesura para que nada resulte sobrecargado.

‘Feelin’’ ecos Zeppelin entre flautas y wah wah van construyendo un corte rock con buen ritmo y juegos vocales que le aportan frescura. El uso de teclados y sintetizadores le aporta otro carácter a un tema que partía como puro hard y que según avanza va siendo coloreado con distintas influencias sin renunciar a los juegos mala bares de la guitarra. Evidentemente si hay algo que destaca en los italianos es el sonido de su flauta, y cuando eso sucede, es completamente inevitable pensar en las huestes de Ian Anderson.
‘A Crimson moon’ con sus delicados acordes acústicos nos evoca bucólicos pasajes del pasado a través de bellas melodías. Una suave brisa impregnada de ecos folk arropados por ligero manto progresivo. Coros celestiales, una cálida y susurrante voz y una neblina en segundo plano en forma de turbio sonido van desarrollándose en el sinfonismo que la banda incorpora a cada tema. Momentos litúrgicos más propios de un florido jardín de ninfas. Sosegada belleza en melódicos momentos bellos y susurrantes.
Con un sonido evocador de Jethro Tull, los riffs hard rock de tintes retro se conjugan con la mágica flauta en ‘Hesperus’. Hard progresivo de los 70’s en todo su esplendor. Un buen trabajo vocal vuelve a adornar la canción dotándola de pegadizas melodías entre constantes cambios de ritmos e incorporación de elementos. Hammond, flauta, vibrantes tambores, y guitarras que saltan entre el tupido manto generado por el bajo. Todo fluyendo con naturalidad da la sensación de que aquellos ecos de los dinosaurios de los 70’s, están clavados en los genes de estos chicos.

‘No reason to cry’, se desboca en lamentos blues-rock y ritmos pesados. Conjugando la oscuridad con el puro rock sudoroso el tema cabalga a lomos de Zeppelin, en una montura de Whitesnake. Con un fantástico groovy, y algún leve tufillo Sabbath, el rock en estado puro se apodera de los italianos. Un tema con muchos detalles propios de Deep Purple que sucumbe a emanaciones lisérgicas. En esta ocasión incorporando sintetizadores y teclados analógicos moldean un tema que nació con el hard rock en sus venas para crecer a una madurez netamente psico-progresiva. Una parte final con solo hirientes que se retuercen devuelven el corte a sus origines, cerrando el círculo de una notable composición.
Si acaso faltara algún ingrediente, ‘Nasrid’, con acordes acústicos, arpegios y una suave flauta nos relaja en una estancia cálida y acogedora. Con pasajes envolventes y una voz lírica nos elevan a estancias celestiales entre agradables fragancias mas propias del medievo. Un relajante canto devocional alejado de la pesadez del corte anterior.
‘Crazy Little lover’ se desarrolla en un ambiente rural, con la armónica y la guitarra como protagonistas de una introducción que explota en ondulantes riffs de corte retro, y ramalazos de blues de garito con olor a bourbon y chupas de cuero.  
Si le faltaba algún ingrediente al álbum, los coros soul y una atmósfera sureña dan forma a ‘Crazy Little lover’. Como si vistieran de Delaney & Bonnie, construyen un tema lleno de fuerza y sentimiento, dejando de lado los dictados progresivos y centrándose en un sonido mucho más americano en el que los tonos negroides se mestizan con sombreros tejanos en un blues intenso con aroma a 70’s en el que no faltan delicados pasajes con seductores coros.
‘Slow color of shade’ se sumerge en un espacio psico-progresivo en el que el sinfonismo aporta un aire melancólico. Sus casi once minutos sirven para ofrecernos la faceta más cercana al sonido Canterbury y al hard-progresivo de corte setentero. Flauta y teclados van creando una atmósfera oscura en la que la banda desarrolla todo su poder compositivo con inquietantes pasajes a los que se incorporan voces líricas dando un carácter más misterioso e incluso inquietante. Una narrativa lúgubre más propia de bandas como Camel con ciertos tonos místicos custodiados por pasajes de bajo de gran magnetismo.
Cerrando álbum, ‘Child star’ mantiene la atmósfera progresiva entre delicados pasajes en los que la psicodelia más reconfortante parece unirse a la fiesta. Se trata de una versión de T. Rex que nos acaricia con sus dulces melodías. Ejecutando a la perfección un sonido más propio del inicio de los 70’s el rock clásico no es un secreto para los italianos. La incorporación de los pasajes de flauta y la espesa y envolvente instrumentación acerca el tema a los dictados de Jethro Tull, algo inevitable y que hemos encontrado en muchos de los temas de este maravilloso trabajo. El tema concluye con un buen solo de guitarra que refleja la calidad de una banda que merece un mayor reconocimiento.

http://www.progstreaming.nl/pages/play-album.php?activeAlbum=2020-11-20-02%20-%20Witchwood%20-%20Before%20the%20Winter&fbclid=IwAR19K5vOva8F4vJps5RnrvEFZPiveioEHHT5ASiDGPnYycH_00PhSdHmIuE

https://www.facebook.com/Witchwoodband/

https://www.facebook.com/JollyRogerRecords/